.: Do prazer falso ao real: "Babygirl'" utiliza o orgasmo como metáfora

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com.

Em cartaz na rede Cineflix e em cinemas de todo o Brasil, o novo suspense erótico da A24, "Babygirl", já é considerado um dos filmes mais marcantes e ousados da temporada. Sob a direção arrojada de Halina Reijn ("Morte, Morte, Morte"), o longa-metragem explora os limites do desejo, do poder e das escolhas. Estrelado pela magnética Nicole Kidman no auge dos 57 anos e pelo astro em ascensão Harris Dickinson, o filme não apenas prende a atenção do espectador, mas o desafia a refletir sobre os aspectos mais profundos e primitivos do comportamento humano.

Na trama, Romy (Kidman) é uma poderosa empresária, bem-sucedida, madura e independente, que vê sua vida meticulosamente construída entrar em colapso ao embarcar em um caso extraconjugal com um jovem estagiário, Samuel (Dickinson). O romance começa como uma fuga, mas rapidamente se transforma em um jogo intenso e perigoso de paixão, manipulação e subversão de poder.

Ao contrário de narrativas moralistas que frequentemente castigam mulheres pelos desejos que elas sentem e cedem, "Babygirl" oferece um retrato complexo e honesto da protagonista, sem buscar justificar ou condenar as escolhas que ela faz. Com uma abordagem visual e emocional que evoca o naturalismo literário, o filme se destaca tanto pela profundidade da história quanto pelo ineditismo da execução.

Não é apenas um suspense erótico; é uma obra que provoca, desafia e fascina. Com boas atuações, uma narrativa ousada e uma direção inovadora, o filme se destaca como uma ruptura de padrões das histórias que geralmente são contadas repetidas vezes. Em um cinema que frequentemente oferece fórmulas previsíveis, "Babygirl" surge como uma obra que se recusa a simplificar a complexidade humana.

Seja para refletir sobre os limites do desejo, admirar a atuação de Nicole Kidman ou simplesmente se deixar envolver ou até sentir raiva desta história eletrizante, "Babygirl" é um filme que precisa ser visto. Listamos os dez motivos para assistir a esse orgasmo cinematográfico e descobrir os prazeres e as dores de ver um filme tão honesto.

1. Nicole Kidman e a representação do desejo feminino maduro
Nicole Kidman entrega uma das performances mais corajosas da carreira como Romy, uma mulher de 57 anos que desafia os estereótipos de Hollywood ao ser retratada como desejável, forte e complexa. O filme celebra a beleza e a sensualidade feminina das mulheres maduras, quebrando tabus e trazendo um frescor necessário ao cinema contemporâneo.

2. Um filme que passa longe do moralismo
"Babygirl" é uma atualização moderna de histórias clássicas como "Madame Bovary", de Gustave Flaubert, e "O Primo Basílio", de Eça de Queirós, mas sem o desfecho moralista desses clássicos da literatura. Enquanto essas obras castigam as protagonistas femininas por cederem aos próprios desejos e serem infiéis no matrimônio, "Babygirl" se recusa a julgar. A narrativa é crua e honesta, permitindo que o público tire as próprias conclusões sobre as escolhas e as consequências de Romy.

3. Um questionamento profundo sobre os limites da paixão
O filme levanta uma questão central: vale a pena se anular, arriscar a família e colocar toda uma carreira em risco por uma paixão? A história mostra como o desejo pode ser tanto libertador quanto destrutivo, funcionando quase como um vício que consome a personagem de Nicole Kidman, enquanto desafia o espectador a refletir sobre suas próprias decisões e valores.

4. Harris Dickinson como um amante inesperado
Samuel, interpretado por Harris Dickinson, não é o amante clássico das histórias de traição. Ele é manipulador, invasivo e intencionalmente desconfortável. Sua falta de carisma e empatia cria uma tensão única na narrativa, subvertendo o clichê do jovem sedutor - ele também é vilão e um pouco vítima da situação. Essa dinâmica realista e perturbadora é um dos pontos mais fortes do longa, pois não é possível saber o que o personagem fará com o poder que recebeu da chefe que cede aos encantos dele.

5. Nicole Kidman em um arco transformador
Nicole Kidman começa o filme representando uma mulher segura e controlada, mas que logo é tomada pela culpa e pelo desejo. A jornada dela culmina em uma libertação visceral, marcada por um final que foge aos padrões hollywoodianos de felicidade idealizada. A atriz entrega uma performance premiada, cheia de nuances e intensidade emocional em uma história nunca antes retratada. Não com esse enfoque.

6. Antonio Banderas em um papel raro de suavidade e vulnerabilidade
Antonio Banderas, como o marido de Romy, oferece um contraponto interessante à narrativa. A presença serena e compreensiva do personagem, ligado às artes e ao teatro, destaca a complexidade das relações interpessoais e mostra que a agressividade e o controle não vêm do masculino neste filme, mas da força do desejo feminino.

7. Uma reflexão sobre os instintos humanos
Parecendo ter sido inspirado em obras naturalistas como "O Cortiço", de Aluísio Azevedo, e "A Metamorfose", de Franz Kafka, "Babygirl" compara o comportamento humano aos instintos mais primitivos, a anulação do racional. Romy, em muitos momentos, é retratada como uma "cadela obediente", mas consentindo com essa submissão e encontrando prazer nisso. A narrativa explora como o desejo pode ser uma força visceral, muitas vezes incontrolável, que transforma os homens em animais selvagens.

8. Sexo como libertação
O filme começa com um orgasmo falso, simbolizando a insatisfação e a culpa, e termina com um momento de prazer autêntico e libertador. Essa transformação sexual reflete a evolução de Romy, que, apesar das dificuldades e perdas, encontra sua voz e se reconcilia com o desejo sem sentir culpa por isso.

9. Uma trilha sonora memorável
A música desempenha um papel crucial em "Babygirl", amplificando as emoções e os conflitos da história. Com canções icônicas como "Dancing on My Own" (Robyn), "Father Figure" (George Michael) e "Never Tear Us Apart" (INXS), a trilha sonora cria uma atmosfera única, que conecta o público, principalmente os saudosistas, à jornada de Romy.

10. A direção ousada de Halina Reijn
Halina Reijn conduz "Babygirl" com maestria, equilibrando momentos de tensão e sensualidade com reflexões profundas sobre o desejo, o poder e a culpa. A abordagem é impactante e imersiva, transformando o filme em uma experiência cinematográfica única e inesquecível em busca do prazer e da liberação.


Assista na Cineflix
Filmes premiados como "Ainda Estou Aqui" estão em cartaz na rede Cineflix Cinemas. Para acompanhar as novidades da Cineflix mais perto de você, acesse a programação completa da sua cidade no app ou site a partir deste link. No litoral de São Paulo, as estreias dos filmes acontecem no Cineflix Santos, que fica Miramar Shopping, à rua Euclides da Cunha, 21, no Gonzaga. Consulta de programação e compra de ingressos neste link: https://vendaonline.cineflix.com.br/cinema/SAN. O Resenhando.com é parceiro da rede Cineflix Cinemas desde 2021.

Leia na íntegra...

.: Crítica: "MMA - Meu Melhor Amigo" mistura autismo e redenção

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com.

Em cartaz na rede Cineflix e em cinemas de todo o Brasil, “MMA - Meu Melhor Amigo” é mais do que um filme sobre lutas no ringue. É uma poderosa história de amor, superação e descoberta que promete emocionar o público nos cinemas. A obra, dirigida por José Alvarenga Jr. e protagonizada por Marcos Mion, apresenta uma narrativa envolvente que combina a intensidade do mundo das artes marciais mistas com a sensibilidade de um vínculo familiar inesperado. Ao explorar temas como autismo, redenção e os desafios da paternidade, o longa se destaca pela maneira como aborda essas questões com humanidade, sem apelar para caricaturas ou simplificações.

Estreando em grande estilo no Festival do Rio 2024, o filme já vem despertando a atenção do público, tanto pela performance marcante de seu elenco quanto pela direção sensível e o roteiro que diverte e comove. Além de Marcos Mion, que interpreta Max Machadada, um lutador em fim de carreira, a produção conta com nomes de peso como Antônio Fagundes, Andréia Horta e Vanessa Giácomo, entregando atuações que vão do emocionante ao inspirador.

Ao longo de 1h44, o filme brasileiro conduz os espectadores por uma jornada emocional que mistura momentos de alta adrenalina com cenas tocantes. Max não luta apenas para retornar ao topo do MMA, mas para conquistar o carinho e o respeito de seu filho autista de oito anos. Nesse processo, o filme reflete sobre o verdadeiro significado de vitória, amizade, família e resiliência, emocionando do início ao fim. Com essa combinação de elementos, “MMA – Meu Melhor Amigo” prova que o cinema brasileiro continua inovando e oferecendo histórias profundas e envolventes. Com performances de alto nível, uma direção sensível e uma abordagem inovadora, listamos os dez motivos para você não perder esse filme no cinema mais próximo.

1. Antônio fagundes em uma performance poderosa
Antônio Fagundes interpreta o pai do protagonista Max (Marcos Mion), um ex-boxeador que atua como mentor e é uma figura central na história. A atuação do veterano é intensa e cheia de nuances, dando um peso dramático ao filme e reforçando a relação entre pai e filho. Fagundes entrega momentos de grande emoção, trazendo complexidade a um papel que poderia ser apenas coadjuvante, mas que se torna essencial para o desenvolvimento da trama.

2. Vanessa Giácomo, uma presença breve, mas impactante
Embora tenha uma participação pequena, Vanessa Giácomo rouba a cena na única cena em que aparece. A interpretação dela, diferente de tudo o que já fez no audiovisual, é marcante e prova como uma boa atuação pode transcender o tempo de tela. Irreconhecível no filme, ela dá vida a uma personagem marcada pela emoção e deixa uma impressão duradoura no público.

3. Uma abordagem inédita: MMA e autismo
Unir o mundo do MMA a uma história sobre autismo é uma escolha ousada e inédita no cinema brasileiro. O filme apresenta o filho autista de Max de maneira respeitosa e autêntica, evitando caricaturas. Guilherme Tavares, o jovem ator que interpreta o menino, entrega uma performance tocante e realista, mostrando o impacto que essas histórias podem ter.

4. Marcos Mion em uma jornada de redenção
Marcos Mion surpreende ao interpretar Max, um campeão de MMA que enfrenta não apenas o fim de carreira, mas também os desafios de ser pai pela primeira vez. A transformação ao longo do filme, de um homem que só sabe falar de si próprio a um pai dedicado e emocionalmente presente, é o coração da narrativa. Mion se entrega de corpo e alma ao papel, especialmente nas cenas de luta, que são intensas e bem coreografadas.

5. Andréia Horta e sua personagem carismática
A atriz Andréia Horta dá vida a uma personagem cheia de camadas emocionais. A presença dela no filme traz leveza e profundidade à história, especialmente no desenvolvimento do relacionamento amoroso entre a personagem que interpreta e Max. O romance é construído com naturalidade e oferece momentos de ternura ao filme cuja temática é o amor.

6. Uma fábula sobre família e escolhas
O filme explora a ideia de que família vai além dos laços de sangue, sendo construída pelas pessoas que escolhemos para estar ao nosso lado. Essa mensagem poderosa é transmitida por meio das interações entre os personagens, destacando a importância do amor, da amizade e do apoio mútuo nos momentos difíceis.

7. Hoji Fortuna, o Samuel L. Jackson angolano
Interpretado pelo ator angolano Hoji Fortuna, o treinador Fuji é uma figura carismática e inesquecível, que lembra o talentosíssimo Samuel L. Jackson em sua presença magnética e habilidade de dominar cada cena em que aparece. Com uma mistura equilibrada de humor, sabedoria e compaixão, Fuji traz uma dimensão humana ao filme, servindo como um mentor tanto dentro quanto fora do ringue. Sua interação com Max Machadada (Marcos Mion) não apenas inspira o protagonista, mas também cativa o público, adicionando camadas de profundidade emocional à narrativa. A presença de Fuji é um dos pontos altos da trama, proporcionando momentos de reflexão sobre amizade verdadeira e superação.


8. Direção sensível e bem executada de José Alvarenga Jr.
José Alvarenga Jr. conduz a trama com uma direção que equilibra emoção e ação. Ele utiliza elementos clássicos do gênero esportivo para criar um filme que se destaca por tratar de temas sensíveis, como autismo e relações familiares, com respeito e profundidade.

9. Representação da diversidade do cinema nacional
"MMA - Meu Melhor Amigo" é um exemplo da riqueza e variedade do cinema brasileiro. Com um elenco talentoso e uma narrativa que combina drama, romance e esportes, o filme prova que o Brasil pode produzir histórias universais que emocionam e conectam públicos de diferentes origens.

10. Uma experiência cinematográfica transformadora
Mais do que apenas um filme sobre lutas ou um drama familiar, “MMA - Meu Melhor Amigo” é uma experiência transformadora que fala sobre redenção, empatia e o poder das conexões humanas. É um longa-metragem que inspira o público a refletir sobre as próprias relações e lutas pessoais, saindo do cinema com uma nova perspectiva sobre o que realmente importa na vida.

Assista na Cineflix
Filmes premiados como "Ainda Estou Aqui" estão em cartaz na rede Cineflix Cinemas. Para acompanhar as novidades da Cineflix mais perto de você, acesse a programação completa da sua cidade no app ou site a partir deste link. No litoral de São Paulo, as estreias dos filmes acontecem no Cineflix Santos, que fica Miramar Shopping, à rua Euclides da Cunha, 21, no Gonzaga. Consulta de programação e compra de ingressos neste link: https://vendaonline.cineflix.com.br/cinema/SAN. O Resenhando.com é parceiro da rede Cineflix Cinemas desde 2021.

Leia na íntegra...

.: Crítica: "Sweeney Todd", um musical de humor ácido e atuações de outro mundo

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com. Foto: Stephan Solan.

Os amantes do teatro musical têm um motivo especial para celebrar: o retorno triunfante de "Sweeney Todd - O Cruel Barbeiro da Rua Fleet" aos palcos paulistanos. Inspirado na obra-prima de Stephen Sondheim, e com a direção sempre inspirada de Zé Henrique de Paula, o musical combina terror psicológico, humor ácido, romance e uma narrativa arrebatadora de vingança que tem encantado plateias ao redor do mundo desde a estreia na Broadway. 

Com uma produção impecável e elenco encabeçado por Saulo Vasconcelos e Andrezza Massei, a montagem brasileira resgata todo o brilho e intensidade dessa história sombria, porém surpreendentemente leve. Apresentado no palco do Teatro Santander em curta temporada, esse espetáculo é um convite para mergulhar no universo vitoriano de Benjamin Barker, um homem consumido pela sede de vingança, e de Dona Lovett, uma confeiteira que transforma o que é nojento em lucro.

Apresentado no Teatro Santander por apenas três semanas, inspirada no livro "O Colar de Pérolas", publicado em 1846 pelos escritores britânicos Thomas Peckett Prest e James Malcom Rymer, a montagem é uma celebração do teatro musical. Com elenco de primeira linha, orquestra ao vivo e uma história inesquecível, o espetáculo oferece uma experiência que emociona, diverte e deixa o público reflexivo. É a oportunidade perfeita para se encantar com performances arrebatadoras, canções marcantes e o equilíbrio entre o sombrio e o cômico. Listamos os dez motivos para você assistir "Sweeney Todd", espetáculo que envolve tortas, vingança e canções de arrepiar.

1. Saulo Vasconcelos como Sweeney Todd: um momento histórico
Saulo Vasconcelos é um dos maiores nomes do teatro musical brasileiro, com uma carreira que inclui protagonizar sucessos como "O Fantasma da Ópera", "Les Misérables" e "A Bela e a Fera". Depois de 25 anos de trajetória, ele finalmente assume o papel de Sweeney Todd, uma interpretação que sempre esteve na lista de sonhos do ator. Saulo domina o palco com presença poderosa e entrega uma performance visceral e emocionante que faz jus à complexidade do personagem. A atuação dele é a espinha dorsal do espetáculo e traduz o tormento interno de Todd, transformando-o em um dos papéis inesquecíveis na galeria de personagens interpretados pelo ator.

2. Andrezza Massei: a alma de Dona Lovett
Nenhuma atriz no Brasil poderia dar vida a Dona Lovett com tanta perfeição quanto Andrezza Massei. Premiada pela entrega que sempre faz em montagens anteriores, Massei equilibra a personalidade excêntrica e oportunista de Lovett com uma vulnerabilidade comovente. Ela domina tanto os momentos cômicos quanto os mais sombrios, criando uma personagem complexa e irresistível. O público ri e se encanta com a brilhante performance da atriz, que é um dos pilares desta montagem.

3. Mateus Ribeiro em um desafio transformador
Conhecido por papéis icônicos como Peter Pan, Bob Esponja e o mexicano Chaves, Mateus Ribeiro agora encara Tobias Ragg, o papel mais desafiador da carreira. Tobias é um jovem cheio de camadas emocionais, oscilando entre a inocência e os traumas que carrega. A entrega de Mateus é comovente, a voz, impecável, e a capacidade de expressar a fragilidade e a intensidade do personagem tornam as cenas que envolvem o ator um dos pontos altos do espetáculo. Mateus Ribeiro cativa o público em cada cena, demonstrando uma maturidade artística impressionante.

4. Romance e química inegável no meio do caos
O romance entre Anthony, vivido por Pedro Silveira, e Johanna, interpretada por Caru Truzzi, é uma luz de pureza em meio à narrativa sombria que se estabelece em todo o espetáculo. Ambos trazem frescor ao musical, com atuações que transbordam emotividade e paixão. As vozes cristalinas e a química entre os personagens criam momentos de tirar o fôlego, transportando o público para um amor genuíno e esperançoso, mesmo em um cenário de tragédia e vingança.

5. Humor inteligente que equilibra o terror
Apesar de ser uma história densa e carregada de tragédia, "Sweeney Todd - O Cruel Barbeiro da Rua Fleet" surpreende pela habilidade de arrancar risadas do público. O texto espirituoso de Stephen Sondheim ganha vida nas mãos da direção inspirada de Zé Henrique de Paula, o talentoso elenco, especialmente Pedro Navarro, que interpreta o hilariante Adolfo Pirelli. A performance cômica desse artista é um respiro necessário na narrativa e prova como o espetáculo mistura gêneros com maestria.

6. Rodrigo Mercadante: um vilão memorável
Como o cruel Juiz Turpin, Rodrigo Mercadante traz à vida um dos personagens mais desprezíveis e intrigantes da história. A performance dele transborda autoridade e malícia, criando um antagonista que provoca indignação no público. Ao lado de Davi Novaes, que interpreta Bedel Bamford com competência, Mercadante compõe uma dupla de vilões que dá força à trama.

7. Fabiana Tolentino: o magnetismo de um talento único
Fabiana Tolentino se destaca com uma presença magnética e irresistível em todos os espetáculos que atua. Em "Sweeney Todd - O Cruel Barbeiro da Rua Fleet", como ensemble, a energia em cena da atriz é inconfundível. É impressionante como ela capturando todos os olhares, mesmo quando não está em evidência, provando que sua contribuição é essencial para a grandiosidade de qualquer espetáculo. Ter Fabiana Tolentino em cena é um luxo - e sempre garantia de qualidade e impacto. Ou seja, um presente para o público.

8. Orquestra ao vivo: uma trilha inesquecível
A trilha sonora de "Sweeney Todd", composta pelo gênio Stephen Sondheim, é um espetáculo à parte. Com uma orquestra ao vivo composta por nove músicos, cada canção ganha ainda mais força e emoção. A direção musical de Fernanda Maia é precisa e eleva a experiência sonora a um patamar extraordinário, envolvendo o público em cada nota. Também contribui para que o espetáculo não fique cansativo em nenhum momento.

9. Produção brasileira de nível internacional
Essa montagem de "Sweeney Todd" é um exemplo do quanto o teatro musical brasileiro evoluiu nos últimos anos. Reconhecida com prêmios e aclamação da crítica, a produção combina figurinos luxuosos, cenários impressionantes e uma direção que respeita a essência da obra original, mas adiciona toques únicos e criativos. É uma demonstração do talento e da paixão dos profissionais brasileiros.

10. Uma história sombria, mas cheia de camadas emocionais
O equilíbrio entre o sombrio e o leve é uma das maiores qualidades de "Sweeney Todd - O Cruel Barbeiro da Rua Fleet". O musical mistura terror, comédia, drama e romance em uma narrativa que prende a atenção do público do início ao fim. O talento do elenco e a direção garantem que, mesmo com cenas intensas e temas pesados, o espetáculo seja divertido e envolvente.

Ficha técnica
"Sweeney Todd - O Cruel Barbeiro da Rua Fleet"

Criativos
Música e Letras: Stephen Sondheim
Libretto: Mark Wheeler
Direção geral: Zé Henrique de Paula
Versão e direção Musical: Fernanda Maia
Preparação de elenco: Inês Aranha
Assistência de direção e ensemble: Davi Tápias
Assistência de direção musical e preparação vocal: Rafa Miranda
Cenografia: Zé Henrique de Paula
Assistência de cenografia: Cesar Costa
Ilustrações: Renato Caetano
Figurino: João Pimenta
Assistência de figurino: Dani Kina
Equipe de figurino: Everton Monteiro (auxiliar de corte), Magna Almeida Neto (piloteira), Marcia Almeida (contramestra), Neide Brito (piloteira), Noel Alves (piloteiro) e Wesley Souza (pintura de tecidos)
Visagismo: Dhiego Durso e Feliciano San Roman (peruca Dona Lovett)
Design de luz: Fran Barros
Design de som: João Baracho, Fernando Akio Wada e Guilherme Ramos 

Elenco completo do espetáculo
Sweeney Todd - Saulo Vasconcelos
Dona Lovett - Andrezza Massei
Tobias Ragg - Mateus Ribeiro
Juiz Turpin -Rodrigo Mercadante
Anthony - Pedro Silveira
Johanna - Caru Truzzi
Bedel Bamford - Davi Novaes
Lucy Barker - Amanda Vicente
Adolfo Pirelli - Pedro Navarro
Ensemble - Bel Barros
Ensemble - Paulinho Ocanha
Ensemble - João Attuy
Ensemble - Fabiana Tolentino
Ensemble - Fred Silveira
Ensemble - Vanessa Espósito
Ensemble - Samir Alves

Músicos
Regência e piano: Fernanda Maia
Teclado: Rafa Miranda
Violino 1: Thiago Brisolla
Violino 2: Bruna Zenti
Violoncelo: Leonardo Salles
Contrabaixo: Pedro Macedo
Flauta transversal e flautim: Fábio Ferreira
Flauta e clarinete: Flávio Rubens
Oboé: André Massuia

Técnica
Camareira: Larissa Elis
Perucaria e maquiagem: Feliciano San Roman (Perucas).
Assistência e operação de iluminação: Tulio Pezzoni
Operação de som: Guilherme Ramos
Microfonista: Káthia Akemi
Direção de palco: Diego Machado
Assistência de direção de palco: Matheus França
Contrarregra: Leo Magrão
Cenotécnica: All Arte Cenografia (cortinas e cadeira da barbearia), Armazém, Cenográfico (forno e moedor de carne), Ateliê Thiago Audrá (tortas cênicas), Fabin, Cenografia (pintura de arte), T.C. Cine Cenografia (montagem)

Produção
Produção geral: Del Claro Produções
Gerente de produção: Douglas Costta
Produção executiva:  Laura Sciulli
Assistente de produção: Renato Braz
Financeiro / Administrativo: Pedro Donadio
Diretora comercial: Simone Carneiro
Criação e direção de arte: Gustavo Perrella
Assessoria de Imprensa: Agência Taga e Augusto Tortato
Redes sociais: Felipe Guimarães
Fotografia: Ale Catan e Stephan Solon
Realização: Del Claro Produções e Firma de Teatro

Serviço
"Sweeney Todd - O Cruel Barbeiro da Rua Fleet"
Sessões: curta temporada
Temporada de 9 a 26 de janeiro de 2025 

Quintas: 20h00
Sextas: 20h00
Sábados: 16h00 e 20h00
Domingos: 16h00 e 20h00
Local: Teatro Santander
Endereço: Complexo JK Iguatemi – Av. Pres. Juscelino Kubitschek, 2041
Capacidade: 1.084 pessoas
Classificação Etária: 16 anos
Duração: 120 minutos (com intervalo de 15 minutos)
Gênero: Teatro Musical
Ingressos: de R$ 21,18 a R$ 300,00
Bilheteria on-line (com taxa de conveniência): https://bileto.sympla.com.br/event/98254/d/278337
Bilheteria física (sem taxa de conveniência): Teatro Santander. Horário de funcionamento: Todos os dias das 12h00 às 18h00. Em dias de espetáculos, a bilheteria permanece aberta até o início da apresentação. A bilheteria do Teatro Santander possui um totem de autoatendimento para compras de ingressos sem taxa de conveniência 24h por dia. Endereço: Av. Pres. Juscelino Kubitschek, 2041.

Descontos
50% de desconto | Meia-entrada - Obrigatória a apresentação do documento previsto em lei que comprove a condição de beneficiário.

30% de desconto | Cliente Santander - Na compra de ingressos realizada por clientes Santander, limitado a 20% da lotação do teatro. Não cumulativo com meia­-entrada. Limitados a 02 (dois) ingressos por CPF. Esta compra deverá ser realizada com cartões do Banco Santander, para compras on-line somente o cartão de crédito Santander, compras na bilheteria e totem, o pagamento com o desconto poderá ser realizado em débito ou crédito. De acordo com o art. 38, inciso I, da Instrução Normativa nº 1, de 20/03/2017 e com base na Lei Federal nº 8.313 (Lei Rouanet) e Decreto nº 5.761, é proibido comercializar o produto cultural (ingressos) em condições diferentes para clientes Santander, das praticadas ao público em geral.

Leia na íntegra...

.: Porque "Pássaro Branco" é bem mais que uma continuação de "Extraordinário"

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com. 

A graphic novel "Pássaro Branco" de R. J. Palacio, não é somente uma extensão do universo do best-seller "Extraordinário", mas também uma obra que se destaca pela relevância histórica, emocional e até estética. A autora convida o leitor a revisitar um dos períodos mais sombrios da humanidade, a Segunda Guerra Mundial, a partir de uma narrativa que conecta passado e presente de maneira formidável e impactante. Ao explorar o passado da avó de Julian, a história se torna um testemunho do poder da bondade, mesmo em meio às atrocidades do Holocausto. A trama oferece uma nova perspectiva sobre os personagens já conhecidos e cativa leitores com belas ilustrações e mensagens atemporais.

Combinando narrativa visualmente rica e texto profundo e reflexivo, "Pássaro Branco" fala diretamente com leitores de todas as idades - dos mais novinhos aos mais maduros. A obra transcende o propósito inicial de complementar "Extraordinário" e se estabelece como um lembrete da importância de lembrar e aprender com o passado para construir um futuro melhor. É um livro que emociona, educa, inspira e promove discussões essenciais sobre coragem, compaixão e o impacto das escolhas. Listamos os dez motivos para ler "Pássaro Branco". Confira todos abaixo. Compre o livro "Pássaro Branco", de R. J. Palacio, neste link.

1. Expansão do universo de "Extraordinário"

Para os fãs de "Extraordinário", o livro "Pássaro Branco" é uma oportunidade de revisitar personagens familiares de uma maneira inédita. No livro, Julian, que antes era visto como vilão, torna-se o ponto de conexão com uma história de bravura e sacrifício. Essa ampliação do universo literário de R. J. Palacio oferece novas camadas emocionais e narrativas.

2. Reflexões profundas sobre bondade e resiliência

No coração da história está a bondade como ato de resistência. A trama mostra como pequenos gestos de gentileza podem ter impactos profundos, especialmente em tempos de crise. Esse tema não apenas inspira, mas também incentiva leitores a refletirem sobre seu papel no mundo.

3. Contexto histórico da Segunda Guerra Mundial

Situada durante a ocupação nazista na França, a obra serve como uma introdução acessível e emocionante à história da Segunda Guerra Mundial. Além de abordar o Holocausto, "Pássaro Branco" destaca como o ódio e a exclusão podem ser enfrentados com coragem e empatia.

4. Narrativa sensível e poética

A autora conduz o leitor por uma jornada de emoções profundas, alternando momentos de dor e esperança. A habilidade dela em tratar temas difíceis com delicadeza torna a leitura impactante sem ser opressiva, convidando o leitor a refletir sobre os desafios da humanidade.

5. Belas ilustrações que enriquecem a história

As ilustrações de "Pássaro Branco" não são meros complementos, mas parte essencial da experiência. As imagens evocam emoções e criam uma atmosfera imersiva que aprofunda a conexão do leitor com a trama.

6. A redenção de Julian como personagem

Julian, inicialmente um antagonista em "Extraordinário", ganha uma profundidade que surpreende e emociona. A história de sua avó revela as raízes de sua humanidade e abre espaço para o perdão e a compreensão, promovendo empatia por personagens que, à primeira vista, parecem difíceis de lidar.

7. Temas universais e atemporais

Questões como amizade, preconceito, coragem e sacrifício estão no cerne da narrativa. Esses temas ressoam com leitores de diferentes idades, mostrando que as lições de "Pássaro Branco" são tão relevantes hoje quanto no passado.

8. Relevância no mundo contemporâneo

As mensagens de tolerância, empatia e a luta contra a injustiça encontradas no livro "Pássaro Branco" ecoam problemas do mundo atual. A obra oferece aos leitores uma lente para enxergar como o aprendizado com o passado pode ajudar a moldar um futuro mais solidário.

9. Acessibilidade para novos leitores

Mesmo para aqueles que não conhecem "Extraordinário", "Pássaro Branco" é uma história independente, fácil de se conectar emocionalmente e intelectualmente. É uma obra que se sustenta por si só, oferecendo uma experiência completa e cativante.

10. Elogios da crítica e adaptação cinematográfica

Aclamada por veículos como Kirkus Reviews e Booklist, a obra foi reconhecida como uma história emocionante e inspiradora. A adaptação para o cinema, estrelada por grandes nomes como Helen Mirren, promete expandir ainda mais seu alcance e impacto, levando sua mensagem a um público ainda maior.

Leia na íntegra...

.: "Look Up": o álbum que Ringo Starr sempre quis fazer - e você precisa ouvir

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com. 

Nem bem começou o ano e Ringo Starr já surpreendeu o mundo da música com o lançamento de "Look Up", um álbum que marca a volta adele o gênero country depois de mais de 50 anos. Conhecido como o eterno "beatle otimista", Ringo usa a experiência de décadas e o espírito contagiante para criar um trabalho que não apenas celebra as próprias raízes musicais, mas também oferece mensagens de esperança no momento em que o mundo mais precisa.

Produzido por T Bone Burnett e com a participação de grandes nomes do cenário musical atual, o álbum mistura elementos tradicionais e modernos do country, revelando a versatilidade e a paixão de Ringo por esse estilo. Mais do que um simples retorno, "Look Up" é uma obra que transcende gêneros e gerações, reafirmando o impacto duradouro de Ringo Starr na música e na cultura. Listamos dez motivos pelos quais você não pode deixar de ouvir esse álbum incrível e descobrir por que ele é uma das grandes obras de 2025. Ouça o álbum "Look Up" neste link.

1. Um retorno aguardado ao country após mais de cinco décadas
Ringo Starr não lançava um álbum country desde "Beaucoups of Blues", em 1970, e o amor dele pelo gênero sempre foi evidente ao longo de sua carreira. Este retorno não é apenas uma visita nostálgica, mas uma oportunidade para que ele, enquanto artista, explore o country sob uma nova perspectiva, incorporando elementos modernos e tradicionais. "Look Up" é uma celebração do gênero que tanto inspirou Ringo e oferece aos fãs um vislumbre de suas raízes musicais, demonstrando que ele nunca perdeu a conexão com essa vertente.

2. Produção liderada por T Bone Burnett
O lendário produtor T Bone Burnett foi responsável pelo álbum, emprestando o talento dele para criar uma sonoridade rica e autêntica. Burnett, que já trabalhou com ícones como Elvis Costello e Robert Plant, trouxe a experiência em música folk e country para garantir que "Look Up" fosse fiel às raízes, mas que tivesse uma abordagem contemporânea. Burnett não apenas produziu, mas também contribuiu para a composição de nove das 11 faixas.

3. Uma lista impressionante de colaboradores de peso
Ringo Starr se cercou de músicos e cantores extraordinários para entregar um álbum perfeito. Figuras como Billy Strings, um dos mais celebrados guitarristas do bluegrass contemporâneo, Molly Tuttle, vencedora do Grammy, e Alison Krauss, uma das maiores artistas do country moderno, emprestam as vozes ao disco. Além disso, Larkin Poe e Joe Walsh, antigo companheiro de banda de Ringo, também participaram, garantindo que cada faixa fosse um espetáculo à parte.

4. Exploração de diferentes estilos dentro do country
O álbum é uma jornada musical que passeia por várias nuances do country. Desde o rockabilly vibrante de "Never Let Me Go" até a balada introspectiva "String Theory", passando por faixas emocionantes como "Thankful", "Look Up" e "Rosetta", o disco demonstra a versatilidade de Ringo como intérprete e a riqueza que o country pode oferecer. Essa diversidade faz de "Look Up" um álbum dinâmico, que agradará tanto aos puristas do gênero quanto aos fãs de uma sonoridade mais eclética.

5. Mensagens poderosas de otimismo e esperança
Ringo Starr sempre foi associado à sua famosa saudação "Paz e Amor", e "Look Up" encapsula esse espírito em todas as faixas. Músicas como "Thankful" e "Look Up" carregam mensagens de resiliência, positividade e fé em dias melhores. As letras do álbum lembram que, mesmo nos dias mais difíceis, é possível encontrar luz e esperança. Especialmente a faixa-título, que inspira as pessoas a se levantarem e seguirem em frente.

6. Performance vocal surpreendente
A revista MOJO destacou que "Look Up" traz algumas das melhores performances vocais de Ringo em toda a carreira dele. Aos 80 anos, Ringo Starr mostra que a voz continua cheia de energia e continua trazendo emoção e profundidade a cada faixa. Essa entrega vocal demonstra que a paixão do artista pela música permanece intacta, desafiando o tempo e reafirmando seu lugar como um dos grandes nomes da história do rock e do country.

7. Uma conexão nostálgica com os Beatles
Para os fãs de longa data, "Look Up" ecoa o trabalho de Ringo com os Beatles, em músicas como "Act Naturally" e "Don’t Pass Me By", que já apresentavam influências country. Essa conexão com o passado, combinada com a modernidade das novas faixas, cria uma ponte emocional para os ouvintes, especialmente aqueles que acompanham Ringo desde a década de 60.

8. Um videoclipe emocionante e inspirador
O clipe da faixa-título é um reflexo visual da mensagem do álbum. Filmado em paisagens deslumbrantes da Califórnia, ele retrata Ringo Starr cantando sob o sol e pessoas formando um símbolo da paz. Essa representação visual complementa perfeitamente a mensagem da música, tornando o vídeo uma inspiração para o início de 2025.

9. Músicos de elite elevam a qualidade do álbum
Além das participações especiais, o álbum conta com instrumentistas renomados, como Dennis Crouch no baixo e Paul Franklin na guitarra pedal steel, dois mestres do estilo country. A instrumentação é impecável, com arranjos cuidadosamente elaborados que enriquecem a experiência auditiva. Cada detalhe foi pensado para capturar a essência do gênero, resultando em um som autêntico e cativante.

10. A relevância contínua de Ringo Starr na música e na cultura
Mesmo após mais de seis décadas de carreira,Ringo Starr continua inovando e conquistando públicos de todas as idades. "Look Up" é mais do que um álbum; é um testemunho de um músico veterano que ainda é apaixonado pela música e o desejo dele de se reinventar. Com este disco, ele, mais uma vez prova, mesmo sem precisar, que a música não tem idade e que as mensagens entoadas na voz dele permanecem tão relevantes como sempre.

Leia na íntegra...

.: Dez motivos para ler "O Mito do Mito", a última revolução criativa de Rita Lee

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com. 

Rita Lee, a rainha do rock brasileiro, é uma artista que transcende o tempo. Viva, ela encantou gerações com sua música, irreverência e autenticidade. Agora, mesmo após ter partido, ela continua a impactar a todos com a criatividade inesgotável que apresentava ao mundo. "O Mito do Mito", livro póstumo lançado pela Globo Livros, é um mergulho fascinante em sua mente brilhante e singular, combinando ficção, realidade e mistério de forma irresistível.

Escrito ao longo de 14 anos, finalizado em 2019 e lançado sob a condição de ser publicado apenas após a morte dela, o livro reflete a personalidade ousada e complexa de Rita. Mais do que um relato, é uma obra carregada de profundidade, emoção e provocações, trazendo à tona temas universais como autoconhecimento, os dilemas da vida e a linha tênue entre o real e o imaginário.

"O Mito do Mito" não é só mais um livro de Rita Lee. É especial porque apresenta uma experiência rica e transformadora. Carregado de mistério, emoção e grandes reflexões, não deixa de ser um tributo à genialidade de Rita Lee e um convite para mergulhar na mente fascinante que ela apresentou por tantos anos. Ler esse livro é uma forma de manter viva a memória e o legado de uma das maiores artistas que o Brasil já conheceu. Listamos dez razões para você não deixar de ler. Compre  "O Mito do Mito", de Rita Lee, neste link.

1. Um retrato íntimo de Rita Lee
Rita Lee sempre foi uma artista que viveu intensamente e sem medo de expor suas fragilidades. Em "O Mito do Mito", ela vai além, abrindo as portas de sua mente em uma trama onde ela mesma é a protagonista. A narrativa, situada em sessões de terapia com um terapeuta excêntrico, oferece um olhar único sobre a personalidade multifacetada de Rita, revelando seus medos, sonhos e reflexões mais profundas.


2. O mistério do lançamento póstumo
Rita Lee escolheu publicar o livro somente após sua morte para evitar especulações sobre possíveis paralelos com fatos ou pessoas reais. Essa decisão corajosa adiciona uma camada de mistério e intensidade à obra, tornando-a um verdadeiro presente póstumo para seus fãs.

3. Um enredo repleto de reflexões universais
Na história, Rita Lee participa de uma sessão de terapia com um "doutor esquisitão" que só atende ao cair da noite. Essa jornada se torna um espaço para explorar questionamentos profundos sobre a vida, a mortalidade, os traumas e o autoconhecimento. A narrativa convida o leitor a refletir sobre suas próprias questões existenciais, criando uma conexão emocional única.

4. Uma mescla instigante de ficção e realidade
O livro flui entre o real e o imaginário, tecendo uma história que mistura memórias, mistérios e toques de surrealismo. Esse jogo entre realidade e ficção prende o leitor do início ao fim, desafiando-o a decifrar o que é autobiográfico e o que é invenção.

5. Uma obra que reforça o legado de Rita Lee
Rita Lee sempre foi mais do que uma cantora: ela foi uma pensadora, uma provocadora e uma contadora de histórias. "O Mito do Mito" reforça seu papel como uma artista completa, mostrando que seu talento vai além da música, alcançando o mundo literário com a mesma genialidade.

6. Uma edição cuidada e afetuosa
O livro conta com a curadoria e edição do jornalista Guilherme Samora, amigo próximo de Rita Lee e profundo conhecedor de sua obra. Sua contribuição garante que o tom, a essência e o estilo únicos da artista sejam preservados, proporcionando uma leitura autêntica e emocionante.

7. Uma jornada de 14 anos de criação
Escrito ao longo de 14 anos, entre 2005 e 2019, "O Mito do Mito" é fruto de um processo criativo minucioso e reflexivo. Cada palavra reflete o cuidado e a dedicação de Rita Lee em construir uma narrativa profunda e envolvente.

8. Uma leitura que fala com todas as gerações
Embora ancorado na trajetória pessoal de Rita Lee, o livro aborda temas universais como o sentido da vida, as dificuldades de ser quem somos e o constante processo de autoaceitação. Essa abordagem torna a obra relevante para leitores de todas as idades e experiências.

9. Uma homenagem ao inconformismo e à liberdade
Rita Lee sempre desafiou convenções, e este livro não é diferente. "O Mito do Mito" reflete o espírito livre e inconformista que definiu sua vida e obra, inspirando os leitores a questionarem normas, desafiarem expectativas e viverem com autenticidade.

10. Uma oportunidade de redescobrir Rita Lee
Mesmo para aqueles que já conhecem a trajetória de Rita Lee este livro oferece uma nova perspectiva sobre quem ela era: uma mulher profundamente humana, cheia de camadas, complexidades e contradições. "O Mito do Mito" é uma redescoberta de Rita por meio de suas próprias palavras, revelando sua alma de maneira única e inesquecível.

Leia na íntegra...

.: Cinema: "Nosferatu" e a obsessão, o sexo e sedução no clássico moderno

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com. 

Em cartaz na rede Cineflix e em cinemas de todo o Brasil, a nova adaptação de "Nosferatu" não é apenas uma homenagem ao clássico de Friedrich Wilhelm Murnau (F.W. Murnau), mas uma expansão da narrativa original, explorando dimensões psicológicas, sociais e sexuais que ecoam com o público moderno. Com um elenco estrelado que inclui Bill Skarsgård, Lily-Rose Depp, Nicholas Hoult e Willem Dafoe, o filme surgiu para ser um marco no gênero, trazendo camadas de complexidade e nuances emocionais às relações entre os personagens. Esta é a quarta produção inspirada no controverso vampiro, dirigida por Robert Eggers, conhecido pelos trabalhos no terror independente, como "A Bruxa" (2015) e "O Farol" (2019).

Filmado em locações deslumbrantes em Praga e com um orçamento de US$ 50 milhões, o filme combina terror e beleza em uma experiência cinematográfica inesquecível. A trama revisita a obsessão do vampiro (Bill Skarsgård) pela jovem Ellen (Lily-Rose Depp), mergulhando o público em um mundo onde desejo, culpa e amor se chocam de maneira arrebatadora. Com uma estética que remete ao preto e branco e uma atmosfera que evoca o terror gótico clássico, Eggers entrega uma obra que é tanto um tributo ao passado quanto uma reinvenção provocativa para o presente.

Essa nova versão já conquistou elogios da crítica nos Estados Unidos antes de sua estreia no Brasil, sendo descrita como uma obra sensual, visceral e profundamente perturbadora. É uma experiência que transcende o horror e se torna uma reflexão sobre os aspectos mais sombrios da condição humana. Com atuações memoráveis, uma estética arrebatadora e temas provocativos, esta versão de "Nosferatu" é mais do que um remake – é uma reinterpretação profunda que mantém o legado do clássico vivo, ao mesmo tempo em que o atualiza para o século XXI. Listamos os dez motivos para assistir no cinema "Nosferatu", seja você um fã de longa data do vampiro ou alguém em busca de uma experiência cinematográfica imersiva e provocativa, essa adaptação promete impressionar. 

1. Um filme sobre sexo, desejo e repressão
A adaptação dirigida por Robert Eggers vai além de ser apenas uma história de terror gótico. É uma exploração visceral do desejo reprimido e da luta interna entre a moralidade e os instintos primitivos. A tensão sexual permeia cada cena, principalmente na relação entre Ellen (Lily-Rose Depp) e o vampiro Orlok (Bill Skarsgård), que simboliza o desejo proibido. A trama apresenta o sexo como algo simultaneamente sedutor e assustador, reforçando a repressão como tema central.

2. Uma metáfora poderosa sobre sexo e culpa
A relação entre Ellen e Nosferatu vai além da tensão física; é uma metáfora sobre a repressão feminina e a internalização da culpa pelo prazer. A negação de Ellen aos avanços do vampiro não é apenas resistência ao mal, mas também uma luta interna contra os próprios desejos. O filme questiona normas sociais e culturais que associam o prazer feminino ao pecado, criando um paralelo com debates contemporâneos sobre liberdade sexual.

3. Bill Skarsgård: o vampiro como símbolo de sedução e ameaça
Em uma escolha completamente arriscada, que poderia tornar ridículo a transformação de um personagem que no imaginário popular é um ser repulsivo em um ser próximo do sedutor, Bill Skarsgård reinventa o Conde Orlok de maneira marcante, afastando-se do grotesco vampiro original para encarnar uma figura que mistura sensualidade e mistério. Ele não é apenas um predador sanguinário, mas também uma personificação do desejo, com sua presença magnetizante carregada de tensão sexual. Essa abordagem faz de "Nosferatu" um personagem complexo, que provoca fascínio e repulsa ao mesmo tempo, ampliando a dimensão simbólica do vampiro como uma ameaça irresistível. A intenção inicial do primeiro filme, em 1922, era adaptar o romance "Drácula" (1897), de Bram Stoker. No entanto, como não conseguiram os direitos da obra com a família do autor, criaram sua própria versão da história, resultando no lançamento de "Nosferatu", que chegou a ser proibido.

4. Lily-Rose Depp: uma protagonista profunda
Lily-Rose Depp entrega uma atuação impressionante como Ellen, uma mulher assombrada não apenas por Nosferatu, mas por seus próprios desejos e traumas. Sua personagem é uma representação de fragilidade e força, que luta contra as expectativas sociais e a repressão feminina. Ellen é mais do que uma vítima; ela é uma mulher que busca sua liberdade emocional, mesmo que isso a coloque em um confronto direto com os fantasmas do passado.

5. A tensão entre amor, prazer e culpa
A narrativa explora a complexa relação entre Ellen (Lily-Rose Depp), Hutter (Nicholas Hoult) e Nosferatu (Bill Skarsgård), criando um triângulo emocional que reflete o confronto entre amor e desejo. Casada e apaixonada por Hutter, Ellen encontra-se irresistivelmente atraída pelo vampiro, que representa uma força incontrolável de sedução. Essa dualidade é intensificada pelo simbolismo do sangue como metáfora para prazer e culpa, colocando a sexualidade feminina no centro da história.

6. Estética gótica, expressionista e contemporânea
A fotografia e o design visual de "Nosferatu" são um espetáculo à parte. Inspirada pelo expressionismo alemão do filme original de 1922, esta adaptação traz cenários sombrios e composições que remetem ao preto e branco, mas com um toque moderno. A atmosfera lembra obras como "O Conto da Aia", de Margaret Atwood, ao retratar mulheres silenciadas e subjugadas, enquanto explora temas universais de opressão e resistência.

7. Paralelos com clássicos da cultura pop
A história de "Nosferatu" ressoa com grandes narrativas do cinema como a animação "A Bela e a Fera", o musical "O Fantasma da Ópera" e o clássico "King Kong". Em comum entre todos, a interação entre a bela e o monstro que explora temas de desejo, medo e redenção. Sonhos eróticos e encontros surreais entre Ellen e Orlok adicionam uma camada psíquica à trama, reforçando o papel do inconsciente como campo de batalha para os conflitos humanos mais profundos.

8. Nicholas Hoult: um contraponto de sensibilidade
Nicholas Hoult interpreta Hutter com um equilíbrio delicado entre vulnerabilidade e determinação. Sua atuação cria um contraponto ao magnetismo sombrio de Nosferatu, representando o lado humano e moral da narrativa. Conhecido por trazer nuances emocionais a personagens incomuns, Hoult oferece ao público uma visão mais intimista do impacto do vampiro na vida de Ellen e nas relações ao seu redor. Ele já foi um monstro afetivo na comédia romântica "Meu Namorado É Um Zumbi" e assistente de um Drácula abusivo na comédia sangrenta  "Renfield".

9. Detalhes sonoros que intensificam a experiência
Robert Eggers utiliza o som de maneira magistral, empregando ruídos sutis, como respirações que simulam orgasmos, para transmitir tensão, desejo e medo. Esses detalhes criam uma experiência sensorial única, onde a trilha sonora e os efeitos sonoros tornam-se parte da narrativa, amplificando a imersão do espectador e intensificando as emoções provocadas pela história.

10. Uma obra simultaneamente sensual e repulsiva
A nova adaptação de "Nosferatu" não é apenas um filme de terror; é uma experiência sensorial que mistura beleza e monstruosidade. As cenas carregadas de erotismo são contrabalançadas por momentos de horror visceral, criando uma dicotomia que desafia o público a enfrentar as próprias emoções. É uma obra que fascina, incomoda, e que, gostando ou não, será inesquecível.

Assista na Cineflix
Filmes de sucesso como "Ainda Estou Aqui" estão em cartaz na rede Cineflix Cinemas. Para acompanhar as novidades da Cineflix mais perto de você, acesse a programação completa da sua cidade no app ou site a partir deste link. No litoral de São Paulo, as estreias dos filmes acontecem no Cineflix Santos, que fica Miramar Shopping, à rua Euclides da Cunha, 21, no Gonzaga. Consulta de programação e compra de ingressos neste link: https://vendaonline.cineflix.com.br/cinema/SAN. O Resenhando.com é parceiro da rede Cineflix Cinemas desde 2021.


"Nosferatu" no Cineflix Santos
Duração: 2h13m - Gênero: terror
2/1/2025 - Quinta-feira - Sala 1 - 20h50 
3/1/2025 - Sexta-feira - Sala 1 - 20h50
4/1/2025 - Sábado - Sala 1 - 20h50
5/1/2025 - Domingo - Sala 1 - 20h50
6/1/2025 - Segunda-feira - Sala 1 - 20h50
7/1/2025 - Terça-feira - Sala 1 - 20h50
8/1/2025 - Quarta-feira - Sala 1 - 20h50

Leia +
.: Adaptação de "Nosferatu" estreia mais de um século após polêmica do original

Leia na íntegra...

.: James Baldwin, fake news e muito mais: o universo da serrote #48

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com. 

A revista serrote #48, publicação de ensaios do Instituto Moreira Salles, é um convite a mergulhar em reflexões profundas, narrativas instigantes e perspectivas diversas que dialogam com o passado, o presente e o futuro. Nesta edição, a revista destaca diálogos históricos, textos premiados e contribuições de grandes nomes nacionais e internacionais, compondo um mosaico rico de temas e estilos. Das questões raciais discutidas por James Baldwin e Nikki Giovanni à memória coletiva da ditadura chilena, passando por ensaios visuais e reflexões sobre fake news, serrote #48 reafirma seu compromisso com a excelência editorial e o pensamento crítico.

Esta edição da revista serrote é mais do que uma coleção de textos: é uma janela para debates históricos, culturais e políticos que atravessam fronteiras e gerações. Um convite irrecusável para leitores que buscam ampliar horizontes e mergulhar em uma experiência literária de alta qualidade. A seguir, apresentamos dez razões imperdíveis para ler e guardar esta edição.

1. Diálogo inédito de James Baldwin e Nikki Giovanni em português
Pela primeira vez, o célebre diálogo entre o escritor James Baldwin e a poeta Nikki Giovanni é publicado integralmente em português. Gravado em 1971 no programa "Soul!", o texto captura um encontro histórico entre dois grandes pensadores, discutindo temas como raça, justiça, liberdade e religião. A conversa, marcada por divergências geracionais e polidez, é ilustrada com frames do programa, um deles estampando a capa da edição – a primeira vez que uma fotografia substitui uma arte na história da revista.

2. Textos premiados do concurso de ensaísmo serrote
A revista destaca os ensaios vencedores do Concurso de Ensaísmo, escritos por Tetê, Camila de Caux e Maria Isabela Moraes. Essas autoras abordam questões contemporâneas com profundidade e originalidade. De reflexões sobre deslocamentos sociais e espaciais à narrativa íntima das enchentes de Porto Alegre, os textos oferecem perspectivas inovadoras sobre temas como gênero, identidade, memória e resistência.

3. Reflexão histórica e atual sobre fake news com Carlo Ginzburg
Carlo Ginzburg, um dos maiores historiadores contemporâneos, contribui com o ensaio "Fake news?", que investiga a disseminação de informações falsas sob uma ótica histórica e filosófica. O texto convida o leitor a refletir sobre como o distanciamento crítico pode revelar as sutilezas e os impactos desse fenômeno nas sociedades modernas.

4. Exploração da cultura digital e autoritarismo com Moira Weigel
Em "O Algoritmo Adorno", a professora e pesquisadora Moira Weigel utiliza as ideias da Escola de Frankfurt para analisar as novas formas de autoritarismo que emergem na era digital. O ensaio é uma ponte entre o pensamento crítico do século XX e os desafios tecnológicos do presente, mostrando como o passado pode iluminar o futuro.

5. Perspectiva íntima e coletiva sobre a ditadura chilena
No ensaio “Santiago, 2023”, Bianca Tavolari une memórias familiares de sofrimento durante a ditadura de Pinochet a reflexões sobre o luto coletivo de uma nação. Ao percorrer ruas e memoriais da capital chilena, a autora constrói um texto comovente que conecta história, memória e justiça, trazendo à tona as cicatrizes deixadas por regimes autoritários.

6. Uma visão fascinante sobre o gim na Inglaterra do século XVIII
O ensaio “Feitiçaria Líquida”, de James Brown, é um mergulho na história cultural do gim na Inglaterra dos séculos XVIII e XIX. O texto revela como a introdução da bebida influenciou a sociedade, gerando fenômenos como delírio coletivo, alegria e tragédia. É uma análise histórica que mescla cultura, economia e comportamento.

7. Uma nova perspectiva sobre Vladimir Nabokov
No ensaio “O Professor Nabokov”, Jorio Dauster oferece uma visão singular sobre o autor de "Lolita". Em vez de explorar sua produção literária, o texto foca no Vladimir Nabokov professor, destacando sua habilidade de transformar aulas em verdadeiras experiências literárias. A peça, acompanhada por uma caricatura de Cássio Loredano, é um tributo ao papel da educação na formação de leitores e escritores.

8. Uma década de reflexão sobre Ferguson e o movimento antinegritude
Allan K. Pereira revisita as revoltas em Ferguson, nos Estados Unidos, desencadeadas pela execução de Michael Brown em 2014. O ensaio “Ferguson, Dez Anos Depois” conecta esses eventos às lutas contra o racismo em escala global, mostrando como a resistência negra continua a inspirar movimentos por justiça e igualdade.

9. Arte visual e poética com Solange Pessoa e outros artistas
A edição inclui um ensaio visual de Solange Pessoa e trabalhos de artistas como Jorge Tacla, Regina Silveira e Damon Davis. Essas obras complementam os textos da revista, criando um diálogo entre artes visuais e literatura. O design gráfico de Daniel Trench dá peso e textura à experiência de leitura, tornando a revista uma obra de arte por si só.

10. Um projeto editorial de excelência e relevância cultural
Com 224 páginas que combinam ensaios, reflexões e artes gráficas, a serrote #48 é um exemplo do compromisso do Instituto Moreira Salles com a cultura e o pensamento crítico. Cada edição da revista oferece uma curadoria cuidadosa, reunindo vozes consagradas e emergentes em um espaço de diálogo, criatividade e inovação.

Leia na íntegra...

.: De quintais a terreiros: porque ler "Cazuá" é mergulhar no Brasil ancestral

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com. 

"Cazuá: onde o Encanto Faz Morada", do escritor e professor Luiz Rufino, vai além das crônicas enquanto gênero literário. É uma obra que celebra a riqueza e diversidade da alma brasileira. Lançado pela editora Paz & Terra, o livro conduz o leitor a um Brasil real, profundo, e que não se limita aos registros históricos ou aos grandes eventos narrados nas salas de aula, mas se revela na dimensão encantada, ancestral e espiritual. Em "Cazuá", a  oralidade, os saberes populares e a devoção ganham protagonismo, costurando pontes que conectam passado, presente e futuro de maneira poética e visceral.

Luiz Rufino, com a escrita cheia de lirismo e sensibilidade, transforma o cotidiano em arte. Ele ensina o leitor a encontrar beleza e a sabedoria nas coisas aparentemente simples, como uma conversa de mercado, uma roda de samba, ou o silêncio de um quintal ao cair da tarde. As narrativas dele capturam a pluralidade do povo brasileiro e oferecem uma nova forma de enxergar o país, uma que valoriza as histórias contadas de boca em boca, as memórias compartilhadas nos terreiros, e os encantos escondidos nas esquinas.

No centro do livro está o conceito de "cazuá", um lugar de acolhimento, memória e mistério, onde a vida se manifesta em suas formas mais genuínas e surpreendentes. Este espaço simbólico, presente nas tradições afro-brasileiras, funciona como uma metáfora para as conexões humanas e espirituais que transcendem a materialidade e aproximam do encanto, do susto, do inusitado da vida.

"Cazuá: onde o Encanto Faz Morada" é mais do que uma leitura; é uma experiência que alimenta o espírito e amplia a visão sobre o Brasil. É um livro para ser saboreado com calma, carregado consigo e revisitado sempre que se quiser reconectar com o que há de mais bonito na cultura brasileira. Com uma escrita que mistura oralidade e poesia, Rufino transforma cada página de "Cazuá" em um convite à reflexão, um refúgio para quem busca beleza nas pequenas coisas e uma janela para um Brasil tão vasto quanto mágico. Listamos os dez motivos pelos quais esta obra é uma experiência literária indispensável. Compre o livro “Cazuá: onde o Encanto Faz Morada” neste link.

1. Redescoberta de um Brasil profundo e encantado

Em "Cazuá: onde o Encanto Faz Morada" autor Luiz Rufino desafia quem o lê a enxergar o Brasil sob uma nova perspectiva, destacando suas raízes mais profundas e misteriosas. As crônicas vão além dos fatos históricos para revelar um país vivo, pulsante, onde a memória ancestral e o encanto caminham lado a lado. É uma jornada que amplia os horizontes e permite redescobrir a riqueza da cultura nacional.

2. Poética do cotidiano e da oralidade

O autor mostra como o dia a dia pode ser uma fonte inesgotável de beleza e significado. Em sua escrita, o cotidiano brasileiro – mercados, terreiros, esquinas e quintais – é transformado em poesia. Luiz Rufino valoriza a oralidade como uma herança cultural que transcende gerações, revelando o poder das histórias compartilhadas e vividas em comunidade.

3. Conexão com a ancestralidade afro-brasileira

"Cazuá: onde o Encanto Faz Morada" mergulha nas tradições e espiritualidades afro-brasileiras, trazendo à tona um universo de saberes e práticas que moldaram a identidade do país. As histórias revelam como a ancestralidade está presente em cada detalhe, conectando pessoas, territórios e tempos de forma profunda e transformadora.

4. Encanto e espiritualidade em cada página

O conceito de "Cazuá: onde o Encanto Faz Morada" é apresentado como um espaço simbólico de acolhimento e mistério. Nas histórias, plantas falam, santos interagem com crianças, e flores enfrentam facas, criando um ambiente onde o material e o imaterial se encontram. Essa dimensão encantada torna a leitura uma experiência única, quase ritualística.

5. Estilo narrativo que mistura oralidade e escrita

A escrita de Luiz Rufino é profundamente inspirada na tradição oral. Ele "oraliza a escrita", criando um estilo intimista que aproxima o leitor das histórias, como se estivesse ouvindo um relato ao pé de uma fogueira ou durante uma roda de conversa.

6. Personagens que representam o Brasil real

As crônicas de "Cazuá: onde o Encanto Faz Morada" estão repletas de personagens que simbolizam a diversidade do povo brasileiro – crianças, trabalhadores, malandros e até plantas que conversam. Essa pluralidade reflete a riqueza cultural do Brasil e reforça a importância de valorizar as histórias e saberes de diferentes origens.

7. Exploração de múltiplos territórios brasileiros

A obra é uma viagem literária por diferentes geografias do Brasil, desde os subúrbios do Rio de Janeiro até o sertão nordestino. Cada cenário de "Cazuá: onde o Encanto Faz Morada" carrega as próprias histórias, memórias e significados, permitindo ao leitor mergulhar em uma narrativa que celebra a pluralidade cultural e territorial do país.

8. Valorização da “miudeza” do cotidiano

Luiz Rufino destaca a grandeza que existe nas pequenas coisas. Ele transforma gestos simples, encontros casuais e espaços cotidianos em cenários ricos de significado, mostrando como a vida é feita de pequenos encantos que muitas vezes passam despercebidos.

9. Estímulo à imaginação e à introspecção

Mais do que contar histórias, "Cazuá: onde o Encanto Faz Morada" instiga o leitor a imaginar outros mundos e refletir sobre diferentes formas de existir. As narrativas desafiam as fronteiras entre o material e o espiritual, provocando questionamentos profundos e enriquecedores.

10. Exaltação da brasilidade e celebração da cultura popular

"Cazuá: onde o Encanto Faz Morada" é uma ode à cultura brasileira em sua essência mais verdadeira. Com uma linguagem poética e sensível, Luiz Rufino exalta elementos como a música, a dança, a fé e a resistência, mostrando como a cultura popular é fonte de força, celebração e encantamento.

Leia na íntegra...

.: "Bololô: gaiola Vazia", obra que redefine os limites da ficção brasileira

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com. 

O livro "Bololô: gaiola Vazia", escrito por Ricardo Maurício Gonzaga, não é apenas o romance vencedor do Prêmio Sesc de Literatura 2024; é uma obra que redefine os limites da ficção brasileira. Com uma narrativa intensa, direta e profundamente poética, o livro conduz o leitor pela vida de Roque Perigo e seus irmãos, personagens que enfrentam traumas familiares e os mistérios de um universo marcado pelo realismo mágico. O autor, um artista multidisciplinar, traz para o romance sua bagagem nas artes visuais, no teatro e na literatura, criando uma experiência única que ressoa com leitores de todas as origens.

Listamos dez motivos para você mergulhar nessa narrativa envolvente, que mistura brasilidade, estranheza e reflexões sobre as relações humanas. Com um enredo instigante, personagens inesquecíveis e uma linguagem que combina simplicidade e sofisticação, "Bololô: gaiola Vazia" é um convite irrecusável para quem valoriza a boa literatura. É uma obra que não apenas entretém, mas também provoca, emociona e transforma. Compre o livro "Bololô: gaiola Vazia, de Ricardo Maurício Gonzaga, neste link.

1. Reconhecimento literário e impacto cultural da obra  
"Bololô: gaiola Vazia" foi o vencedor do Prêmio Sesc de Literatura 2024 na categoria Romance, uma das premiações mais prestigiadas para novos autores no Brasil. Essa conquista não apenas chancela a qualidade da obra, mas também posiciona Ricardo Maurício Gonzaga, que não é um estreante, entre os escritores mais promissores da atualidade. O prêmio é uma janela para descobrir novos talentos que trazem contribuições valiosas à literatura brasileira e, nesse quesito, o Prêmio Sesc de Literatura está muito bem servido.  

2. Uma narrativa que ecoa realismo e magia  
"Bololô: gaiola Vazia" mistura elementos de realismo mágico com a dura realidade da vida de seus personagens. A história de Roque Perigo e seus irmãos ganha uma dimensão única ao explorar mistérios da natureza, como o lago habitado por uma criatura composta de restos de seres vivos. Essa combinação de imaginação e realidade confere ao livro uma profundidade que instiga o leitor a refletir sobre o extraordinário no cotidiano.  

3. Linguagem direta e profundamente poética  
Ricardo Maurício Gonzaga adota uma linguagem sucinta, direta e crua, herdada do conto, mas que não perde a densidade poética. Essa abordagem estilística permite que a obra atinja camadas emocionais profundas sem se tornar prolixa, oferecendo uma leitura impactante que prende o leitor desde a primeira página.  

4. Reflexão sobre as relações familiares  
De um lado, o bololô, que pode ser relacionado, entre outos significados, a afeto. De outro, a gaiola vazia, que remete ao desamor. O livro mergulha na complexidade dos laços familiares, apresentando personagens marcados por traumas e dores, mas também pela busca por entendimento e reconciliação. A história revela como as ações – e omissões – dos pais moldam os destinos dos filhos, levando o leitor a refletir sobre a influência de seus próprios relacionamentos familiares.  

5. A estranheza como força narrativa
A estranheza de "Bololô: gaiola Vazia" permeia toda a narrativa, tanto nos personagens quanto nas situações vividas. Desde a peculiaridade de Roque e seus irmãos até a atmosfera inquietante do lago misterioso, o livro desafia expectativas e oferece uma leitura que rompe com clichês e lugares-comuns. Essa abordagem incomum é um convite para os leitores saírem de sua zona de conforto e explorarem novas formas de enxergar o mundo.  

6. Um narrador intrusivo e cativante
"Bololô: gaiola Vazia" apresenta um narrador intrusivo, com personalidade marcante e opinativa. Esse estilo narrativo permite que a história seja pontuada por comentários perspicazes e, por vezes, irônicos, que ampliam a experiência de leitura. Além de descrever os eventos, o narrador faz reflexões sobre a vida humana, criando uma interação quase direta com o leitor e enriquecendo o texto com camadas adicionais de significado.  

7. Um olhar profundamente brasileiro  
A brasilidade está presente em cada detalhe da obra, desde o cenário até as escolhas narrativas. "Bololô: gaiola Vazia" traz um retrato autêntico da cultura brasileira, com contrastes e riquezas, sem cair em estereótipos fáceis. Ao mesmo tempo em que é profundamente local, o livro aborda temas universais que ressoam com leitores de qualquer lugar do mundo. Abuso de poder, degradação ambiental, evasão escolar, gravidez na adolescência e luta de classes são algumas das temáticas que aparecem no livro.   

8. Uma jornada de autodescoberta para o leitor  
A intensidade do enredo de "Bololô: gaiola Vazia" e a profundidade das reflexões propostas pelos personagens fazem com que o leitor também embarque em uma jornada de autoconhecimento. Questões como o impacto da violência, a importância das relações humanas e a busca por sentido diante do caos são exploradas de forma tocante e transformadora.  

9. O autor e a trajetória em diversas artes  
Além de escritor, Ricardo Maurício Gonzaga também é um artista visual, performático e professor universitário que traz sua experiência multifacetada para a literatura. Essa vivência rica contribui para a originalidade do romance, que dialoga com diferentes formas de arte e explora temáticas como corpo, imagem e tempo. A obra anterior do autor, "Sobrenome Perigo", já havia demonstrado essa habilidade narrativa, mas é em "Bololô" que ele atinge um novo patamar de maturidade artística.  

10. Uma obra que transcende gêneros e formatos 
"Bololô: gaiola Vazia" não é apenas um romance; é uma experiência literária completa que desafia convenções e oferece uma leitura inovadora. A mistura de humor mordaz, fantasia, drama e crítica social cria um mosaico narrativo que agrada tanto a leitores que buscam entretenimento quanto aqueles que procuram profundidade intelectual.

Leia na íntegra...

.: De "Stalking" a "Ainda Dá Tempo": os dez espetáculos que definiram o ano

Por Helder Moraes Miranda, editor do portal Resenhando.com. 

O teatro continua a proporcionar experiências únicas e transformadoras, e em 2024 não foi exceção. Esse ano trouxe uma safra de espetáculos memoráveis, com produções que exploram desde temas universais como amor, inclusão e superação até histórias cheias de humor e nostalgia. Seja em peças dramáticas ou em musicais grandiosos, o público foi convidado a refletir, emocionar-se e, muitas vezes, enxergar o mundo sob uma nova perspectiva. 

Esta lista destaca as montagens que mais se destacaram nos palcos em 2024, ranqueadas pelo impacto que causaram no público e pela excelência em suas performances, direção e produção. Cada espetáculo é uma obra que reafirma a vitalidade do teatro e sua capacidade de conectar pessoas a partir da arte. A seguir, listamos os dez melhores espetáculos do ano.

Listar os dez melhores do ano é tarefa ingrata em qualquer área. Selecionar as dez melhores peças teatrais do ano, em meio a centenas de sugestões de pauta que chegam à nossa redação é, também, algo desafiador e uma viagem teatral ao longo do ano a partir de um critério absolutamente subjetivo: o gosto pessoal de quem elaborou a lista. Vários espetáculos tão bons quanto os que estão nesta lista ficaram de fora, o que não quer dizer que não mereçam ser assistidos.  

10° "Ainda Dá Tempo"
"Ainda Dá Tempo" cativa o público ao abordar temas cotidianos com humor e reflexão. É uma montagem despretensiosa que, nas mãos de um elenco tão primoroso, transcende expectativas. A trama entrelaça gerações em torno de uma casa, refletindo sobre escolhas e relacionamentos. O texto bem construído de Jeff Gould, aliado à direção sensível de Isser Korik, conduz a plateia a risos e lágrimas. O espetáculo ficou em cartaz de 5 de abril a 2 de junho no Teatro Uol. Com Ricardo Tozzi, Bruna Thedy, Norival Rizzo, Eliete Cigaarini, Igor Cosso, Bia Arantes e Klayton Pavesi, que brilharam em cena.  Foto: Guilherme Assano.

9º "Gostava Mais dos Pais"
O espetáculo "Gostava Mais dos Pais" se consolida como uma comédia dramática única. Bruno Mazzeo e Lucio Mauro Filho, unidos pela afinidade, prestam uma bela homenagem a seus pais icônicos da comédia brasileira. Com direção sensível de Debora Lamm, o espetáculo equilibra humor, emoção e crítica social. A peça não é apenas sobre legado, mas também sobre continuidade e afeto, abordando a conexão entre gerações de artistas. Destaque para a trilha sonora original executada por Plínio Profeta. Foto: Pedro Miceli.

8º "Um Dia na Broadway"
Para os apaixonados por musicais e pela magia da Broadway, "Um Dia na Broadway" é uma superprodução que não pode ser ignorada. Sob a direção de Billy Bond, a montagem recria o universo dos grandes teatros nova-iorquinos com números icônicos de clássicos como "Chicago", "Les Misérables" e "O Fantasma da Ópera". O espetáculo retorna para uma temporada de 11 janeiro a 22 fevereiro de 2025, às sextas-feiras, às 20h00; aos sábados, às 20h00 e aos domingos, às 18h00, no Teatro Claro Mais São Paulo. Foto: divulgação. 

7º "Querido Evan Hansen"
Um clássico contemporâneo, o musical "Querido Evan Hansen" emociona pela delicadeza com que aborda questões como saúde mental e autenticidade. Gab Lara é extraordinário como Evan Hansen, trazendo nuances e profundidade ao personagem. A direção de Tadeu Aguiar, associada a um elenco forte e trilha sonora marcante, cria uma atmosfera de intensa conexão emocional. Vanessa Gerbelli e Thati Lopes também brilharam, oferecendo interpretações que ampliam a densidade dramática do espetáculo. "Querido Evan Hansen" é uma experiência poderosa que ressoa com a juventude moderna e suas lutas. O espetáculo esteve em cartaz entre os dias 2 de agosto a 22 de setembro no Teatro Liberdade. Também estavam no elenco, Mouhamed Harfouch, Flavia Santana, Hugo Bonemer, Gui Figueiredo e Tati Christine. Foto: Everaldo Rodrigues.

6º "Beetlejuice - O Musical"
Com uma mistura de humor ácido, nostalgia e atuações grandiosas, "Beetlejuice - O Musical" é um espetáculo inesquecível. Eduardo Sterblitch, como Beetlejuice, e Ana Luiza Ferreira, como Lydia Deetz, lideram um elenco brilhante, reinventando personagens icônicos com talento e irreverência. A produção grandiosa, com cenários criativos e efeitos impressionantes, é um deleite visual. Sob a direção de Tadeu Aguiar, o musical conseguiu equilibrar o nonsense com mensagens profundas sobre a vida. "Beetlejuice" é uma celebração vibrante e cheia de personalidade, conquistando o público com sua ousadia. O musical ficou em cartaz entre os dias 22 de fevereiro a 21 de abril no Teatro Liberdade. No elenco, também estavam Thais Piza (Barbara Maitland), Marcelo Laham (Adam Maitland), Flávia Santana (Delia Deetz), Joaquim Lopes (Charles Deetz), Rosana Penna (Juno), Thiago Perticarrari (ensemble e cover Adam Maitland), entre outros. Foto: Leo Aversa. 

5º "Matilda - O Musical"
Baseado no clássico de Roald Dahl, "Matilda" é uma obra-prima teatral. A jovem protagonista foi interpretada com graça e talento por quatro nomes: Luísa Moribe, Belle Rodrigues, Mafê Diniz e Maria Volpe, que ajudam a xontar a história da menina rejeitada pela família com maestria. A direção primorosa de John Stefaniuk, além de coreografias encantadoras e músicas envolventes criam uma experiência mágica. "Matilda" combina humor, drama e fantasia para contar uma história de coragem e empoderamento infantil. A produção encanta todas as idades, sendo um marco no teatro musical brasileiro. O musical esteve em cartaz entre os dias 18 de outubro a 4 de fevereiro. No elenco adulto, destacram-se os atores Cleto Baccic (Agatha Trunchbull), Fabi Bang (Srta. Honey), Myra Ruiz (Sra. Wormwood), Fabrizio Gorziza (Sr. Wormwood) e Mari Rosinski (Sra. Phelps), Foto: divulgação.

4º "Priscilla, a Rainha do Deserto - O Musical da Broadway"
Com exuberância visual e musical, este espetáculo celebra a diversidade e a liberdade. "Priscilla, a Rainha do Deserto - O Musical da Broadway" é um marco teatral. Reynaldo Gianecchini, Diego Martins e Verônica Valenttino protagonizam momentos impactantes, enquanto a direção de Stephan Elliott entrega um espetáculo memorável. As cenas icônicas e as músicas da era disco tornaram esta montagem uma experiência sensorial completa. O espetáculo contou com a participação luxuosa de Andrezza Massei e a figura sempre marcante de Fabrizio Gorziza - um nome que despontou em "O Guarda-Costas" interpretando o papel que foi de Kevin Costner no cinema e vem se destacando a cada papel pela versatilidade. Tatiana Toyota, e seu carisma, dão comicidade a uma peça que trata de assuntos espinhosos, mas consegue ser leve. Mais do que entretenimento, "Priscilla" é um hino à aceitação e ao amor próprio. O musical esteve em cartaz entre os dias 7 de junho a 1° de setembro no Teatro Bradesco, em São Paulo. Foto: Pedro Dimitrow / Divulgação: @PriscillaRainhaDoDesertoBr

3º "Hairspray"
Vibrante, dinâmico e inspirador, o musical  "Hairspray", dirigido e idealizado por Antonia Prado, Tiago Abravanel e Tinno Zani encantou pela mensagem de diversidade e inclusão. Tiago Abravanel entregou uma performance magistral como Edna Turnblad, enquanto Vânia Canto, Pâmela Rossini e Aline Cunha brilharam nos papéis de Tracy Turnblad, Penny Pingleton e Motormouth Maybelle. A produção é um espetáculo completo, com direção impecável e um elenco em perfeita sintonia. Ivan Parente, irreconhecível como Corny Collins, merece destaque. O musical ficou em cartaz entre os dias 5 de setembro a 15 de dezembro, no Teatro Renault. Foto: Ricardo Brunini.

2.º "Legalmente Loira - O Musical"
Surpreendente e relevante, o "Legalmente Loira - O Musical" aborda temas femininos contemporâneos com leveza e profundidade. Myra Ruiz brilha como Elle Woods e entrega uma atuação carismática e comovente. A direção de John Stefaniuk equilibra humor e crítica social, criando uma narrativa cativante. O espetáculo celebra a força feminina, apresentando personagens multifacetadas que inspiram o público. Além disso, a estética vibrante e as performances marcantes de Gigi Debei, Esther Arieiv e Hopólyto tornam "Legalmente Loira" uma experiência inesquecível. O espetáculo esteve em cartaz de 17 de julho até dia 15 de dezembro no Teatro Claro Mais SP. Foto: Andreia Machado.

1º "Stalking - Um Conto de Terror Documental"
Ainda não tão badalado quanto merecia, o melhor espetáculo de 2024 é "Stalking - Um Conto de Terror Documental". Ao mesclar a realidade crua com elementos de terror e de contos de fadas, a peça teatral evidencia como a sociedade reforça comportamentos machistas e abusivos. Com dramaturgia de Paulo Salvetti, direção de Rita Grillo e um elenco protagonizado por Livia Vilela, que passou pela situação, a peça aborda o impacto de uma relação de assédio no ambiente de trabalho, transformando a vida da protagonista em um verdadeiro conto de terror. A encenação combina dança, máscaras e animação de objetos com documentos reais, criando um espetáculo imersivo que nunca perde seu caráter documental. Inspirada por uma história real, a peça utiliza dispositivos narrativos típicos de contos de fadas para refletir sobre a sociedade de hoje. O espetáculo foi apresentado sábado, dia 19 de outubro, às 20h00, no Teatro do Sesc Santos. Foto: Guilherme Radell.

Leia na íntegra...