Denso e bem paulistano, o álbum chega em LP vermelho marmorizado pela Universal Music Brasil
Por Guilherme Samora, jornalista e estudioso do legado cultural de Rita Lee.
No final de 1988, “Zona Zen”, de Rita Lee & Roberto de Carvalho, teve a missão de ser o sucessor do arrasa-quarteirão “Flerte Fatal”, o colorido disco que arrombou as paradas de sucesso e teve uma enorme turnê dedicada a ele. A capa - com fotos em preto e branco - já dava sinais de que os dois trabalhos não seriam parecidos.
O disco, denso, é a cara de São Paulo: da foto da capa, cheia de grafites em um muro da Rua Purpurina, na Vila Madalena, ao som mais urbano e majoritariamente pesado. O grafite é de Mauricio Villaça, que reuniu uma turma da pesada para auxiliá-lo na empreitada. Nas músicas, Rita apresenta a maneira como enxergava a si mesma e o mundo à sua volta, na maior parte das vezes com um olhar bastante afiado e sem festa. Hoje, a Universal Music Brasil relança o álbum em vinil vermelho marmorizado, com artes e encartes originais.
“Nunca Fui Santa”, música e letra de Rita, vem numa mistura de autodeboche com autoterapia. “Sou nova demais pra velhos comícios / Sou velha demais pra novos vícios”. “Independência e Vida” - outra só de Rita - aparece a seguir, com um olhar um tanto desgostoso para o mundo, mas apontando a saída naquilo que ela sempre prezou: a liberdade. “Dia desses meu chapa/ Sumo do mapa/ Vou pra zaca do lhoraca/ Viver sei lá de quê/ Talvez de brisa”. O palavrão camuflado é um toque especial de quem havia enfrentado a censura durante anos.
O disco é um belo registro da voz de Rita, linda e cristalina. A produção de Roberto é impecável, bela e na medida certa para cada canção. No álbum, ele toca guitarra, violão, teclados e piano, além de fazer a programação da bateria eletrônica. Rita, além da voz e dos vocais, toca autoharp, castanholas e kalimba.
“Livre Outra Vez” é o grande sucesso, com clipe gravado no centrão de São Paulo: na Estação da Luz, nos trens, na escadaria e no topo do Copan… A letra e a voz de Rita tocam profundamente em uma canção que é uma das mais doloridas de toda a sua carreira. Uma curiosidade: a música, de Roberto, foi a primeira versão de “Vírus do Amor” (do disco de 1985, aquele que também tem a capa em preto e branco). Com a mudança de planos, Rita acabou colocando essa nova letra na canção.
Belíssima, a faixa-título é etérea, misteriosa e melancólica, marcada pelas castanholas de Rita e pelos teclados de Roberto. Ao se deparar com a zona do momento presente, Rita, genial, resume: “Saudade do futuro, eu juro”. Uau!
“Cruela Cruel” é uma porrada. “Sou um ninho no estranho / Mundo perigoso, insano / Nexo, yogas e roquebrou / Nunca a vida se mostrou assim tão cruela cruel”, dispara Rita em uma canção completamente desiludida. Curiosamente, as músicas mais pra cima do disco são uma regravação de Wanderléa - a impagável “Sem Endereço” (versão de Rossini Pinto para “Memphis Tennessee”, de Chuck Berry), que ficou perfeita na interpretação de Rita & Roberto — e “Cecy Bom”. A versão de Rita para “C’est si bon”, de Henri Betti e André Hornez, é uma delícia. No disco, é a preferida de Rita, que descreve a canção como “uma homenagem a Brigitte Bardot quando veio ao Brasil”. Outra curiosidade: 21 anos depois, em 2009, ela foi escolhida para a trilha sonora da novela “Caras & Bocas”, da TV Globo.
“Mana Mané” fecha o disco. Música e letra de Rita, fala sobre o verão da lata, quando toneladas de cannabis apareceram flutuando no mar brasileiro, no fim de 1987. O clima mais denso fez com que "Zona Zen" tivesse vendas inferiores às de “Flerte Fatal”. Ainda assim, o álbum foi certificado com Disco de Ouro. Com o relançamento, é uma boa hora para revisitar esse trabalho, uma joia um tanto incompreendida da dupla Rita & Roberto.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
Ele se autodenomina um músico ranzinza. Mas está muito longe de ser algo parecido. Angolano radicado no Brasil há anos, Nuno Mindelis desenvolve uma carreira sólida como músico ligado principalmente ao blues, muito embora sua formação musical eclética inclua os medalhões da Gravadora Stax Records e os ícones do hard rock dos anos 60 e 70. E claro, alguns elementos de nossa música popular brasileira. Mindelis conseguiu a proeza de gravar discos com a icônica banda de apoio de um de seus ídolos (Steve Ray Vaughan), a Double Trouble. E chegou a ter seu talento reconhecido com destaque em publicações no Exterior. Em entrevista para o portal Resenhando.com, ele conta um pouco sobre sua trajetória na música e seus planos para o futuro. “O blues precisa ser reinventado, assim como toda forma de arte”.
Resenhando.com - Você é reconhecido como um dos nomes mais marcantes do Blues. Mas sua formação é mais eclética, abrangendo inclusive a soul music da gravadora Stax Records, Fale sobre suas principais influências musicais. Nuno Mindelis - Antes, quero agradecer pela oportunidade da entrevista. Ouvi absolutamente tudo que se fez em música desde pelo menos os cinco anos, é quando me lembro de mim, até aos 17, em 1975, quando fui exilado de guerra, partindo para o Canadá e depois para o Brasil. Na época, perdi tudo e precisei de mais de década para me recompor, recomeçar. Nesse período, ouvi sempre muita coisa, mas já com outros ouvidos. Não gostava de nada do final dos anos 70: disco, punk etc, e nem dos anos 80. Mas, com o tempo, passei a gostar de algumas coisas. Quando era muito pequeno, ouvia muita música erudita, meus pais ouviam muito, todas as sinfonias de Beethoven, Wagner, Tannhäuser, considero o coro dos peregrinos espetacular, e outros. Lá pelos seis anos ouvi The Shadows e Beatles e ali a coisa mudou de figura. Aquelas guitarras eletrizantes me reviraram as moléculas corpo e do cérebro. Logo depois, aos nove anos, tive a sorte de um cara mais velho me mostrar Otis Redding e era tão criança que me lembro de ter que decifrar aquela massa sonora mais densa. Mas havia algo importante na época: respeito pelos mais velhos. Se alguém mais velho me aconselhava algo, era porque era para ser decifrado mesmo, nunca desistiria. Conheci tudo de Otis, da gravadora Stax, Booker T & The Mgs é a minha banda de cabeceira. Não gosto do clichê mas encaixa perfeitamente: as primeiras audições da música de Otis Redding eram como o primeiro sexo, pode doer mas você quer mais. Otis, Stax, Booker T & The MGs e todo o cast viraram meu templo. Costumo dizer que a minha vida mudou várias vezes, essa foi a terceira. A primeira, a descoberta da música, a música clássica e canção francesa: Gilbert Bécaud, George Brassens etc, que meu pai ouvia bem. A segunda: Beatles e Shadows e depois veio a, na época, chamada música progressiva: Steppenwolf, Grand Funk Railroad, Led Zeppelin, Deep Purple, The Doors, Pink Floyd etc., todos aqueles derivados do Blues, do Soul, do Country, Folk, Celta, depois o Woodstock que foi algo transcendental. Aos 11, ouvi Big Bill Broonzy e isso levou a ouvir todo o Blues produzido antes e depois no planeta, seja acústico, elétrico etc. O acesso a discos era tão fluido em Luanda como em Londres, vinha direto da fonte e rápido. Eu tinha cerca de 2000 LPs aos 17 anos, edições originais, fora as centenas de singles. Perdi tudo quando me exilei.
Resenhando.com - Em seu canal no YouTube há vários vídeos onde você comenta sobre determinados músicos ou outros assuntos ligados a música. Como foi que surgiu essa ideia? Nuno Mindelis- Comecei a fazer videos do tipo zoando, ironia sutis, série tipo crimes e castigos. Se você for flagrado tocando Blues como amplificador transistorizado. Pena: dois anos de reclusão + escutar Kenny G e Galvão Bueno por duas horas seguidas com fones irremovíveis. Esse tipo de coisa. Na verdade nos anos 80 eu tinha inventado essa série, quase sem querer, numa revista de música, Cover Guitarra, a convite do editor que era o Regis Tadeu. A turma lembrava disso até hoje, acredita? Viviam me relembrando disso. Então resgatei, meio sem querer, de novo. A galera pirou com esses videos, são tipo shorts, ainda estão no canal, depois passei para videos mais longos ficaram um pouco mais sérios e tal, e um dia perfilei um guitarrista e percebi que a galera engajou um monte, então continuei perfilando guitarristas. Quando acabarem todos os guitarristas da Terra farei parte 2 ou passarei a outra coisa qualquer. Ou já terei morrido (risos).
Resenhando.com - Na sua opinião, o blues pode ser reinventado ou deve permanecer na forma tradicional? Nuno Mindelis- Deve ser reinventado, como toda a forma de arte, mas não porque seja uma obrigação técnica ou moral ou algo assim. É o próprio artista que normalmente é, ou deveria ser, irrequieto, que sente que precisa desconstruir. Como Miles Davis, o tradicional foi a grande escola dele mas depois ele foi lá e derreteu tudo. Hendrix idem. Picasso, Van Gogh etc. O que me parece é que há 60 anos ninguém, exceto talvez Jeff Beck e um ou outro mais, teve esse ímpeto. Jovens americanos, e não só, nascem por estes dias e continuam fazendo o que se fazia há 60 anos. É certo que é fundamental que se conheçam muito bem as regras e isso requer ouvir muito e aprender bem todo o tradicional mas é muito importante que se as quebrem depois de bem sabidas. Como dizia Zappa, "Without deviation from the norm progress is not possible" ("Sem desvios da norma, o progresso não é possível"). Vejo um monte de artistas de Blues que conhecem as regras como ninguém e não saem daquilo.
Resenhando.com - Você gravou dois discos com os músicos da mítica banda Double Trouble, que acompanhou Steve Ray Vaughan. Fale sobre essa experiência. Nuno Mindelis- Ajustei com um produtor de Austin, no Texas (Eddie) para fazer um disco para a gravadora Antone’s. Ele tinha ouvido um disco meu e gostado muito. Antone’s é um selo e casa noturna altamente cult, gente como Buddy Guy, Muddy Waters e outros frequentaram e gravaram por ali. Ele me pediu uma fita demo para ter ideia do que eu pensava para o disco novo. Para saber que músicos chamar, se mais blues negro ou mais rock branco, essas coisas. Entrei no estúdio e gravei baixo, guitarra bateria e piano e mandei para ele o rascunho. Ele tocava aquilo na gravadora durante o dia, no sistema de som geral ,todo o mundo ouvia. Tommy Shannon entrou ali por alguma razão (pegar um cachê ou algo assim) e perguntou o que era. Ele explicou: “é um brasileiro que eu vou produzir, o Nuno etc." e ali o Eddie, falando sério fingindo ser brincando, sabe como é, para não parecer ousadia, perguntou: “quer participar?”. E o Tommy disse: “sim, gostaria”. Ele me ligou exultante, "Hey Beast", tinha saído artigo de capa da Revista Austin Blues “The Southamerican Beast Whos Coming To Your Town, "você não vai acreditar, Tommy vai gravar uma música no seu disco. E obviamente Chris também". Depois gravaram o disco todo. "Texas Bound" gravamos em 95, saiu em 96. Depois, gravei outro em 1999, "Blues On The Outside", saiu acho que já em 2000.
Resenhando.com - Como você avalia o blues na atualidade? Nuno Mindelis - Na real, nem avalio mais. Quase não ouço. É tudo muito igual. E grandes revolucionários como Little Walter, John Lee Hooker, Skip James etc. são cada vez mais raros. Não é saudosismo, havia de fato algo que transcendia ali. Hoje parece meio fabricado em série, especialmente do lado branco. Atenção: não me refiro à habilidade, o pessoal detona pra caramba, são artistas altamente proficientes e habilidosos, músicos de quilate. Mas não saem daquilo, me refiro ao conceito, às suas obras. Qual será o legado? Haverá?
Resenhando.com - Você pretende lançar um novo disco? Nuno Mindelis- Há duas direções aqui. Do ponto de vista prático, preciso lançar algo mais rapidamente porque os números das plataformas caíram um pouco. Spotify e afins são como redes sociais, se parar de mexer caem os números, acredite. E eu parei de lançar coisa por um tempo. Entre 2022 e 2025 anunciei uma série “um single por mês” (acabou sendo um a cada dois ou três meses na real. Em 2025, só gravei mas não lancei. Então vou ver se lanço uma coletânea com isso tudo mais os inéditos de 2025. Serão cerca de 12 ou 13 faixas até onde vasculhei. Penso em criar algo físico, cassete ou pendrive. Esse negócio de não ser dono do produto não funciona. Nas plataformas, você não é dono de nada, o pessoal que curte quer algo para chamar de seu. LP não penso, porque é caríssimo no Brasil, absurdo, extorsivo. A segunda direção é um trabalho novo que desconstrua o que fiz até agora. Enquanto soar previsível, para mim mesmo, pelo menos, não farei nada. Estou atrás dessa inspiração e desse laboratório mas os videos do Youtube me tomam muito tempo e energia. Mas está na pauta, só preciso conseguir tempo e alguma inspiração. Também gostaria de trabalhar com alguém de nova geração com afinidade com produções eletrônicas mas parece que essa turma foge. No meu tempo, era ao contrário, idolatrávamos os pioneiros e faríamos de tudo para poder colaborar com eles. Vide U2 com BB King, Santana e o álbum "Supernatural", etc.
Resenhando.com - Como está o plano para shows ao vivo? Nuno Mindelis- Vou fazer um em Florianópolis e soube que está “sold out” (com ingressos esgotados). Em 2026, não sei bem o que será, uma turnê média em Minas é certeza. Apresentações no Blue Note e no Bourbon Street em São Paulo podem acontecer.
Ícones da música gaúcha e nomes fundamentais da MPB celebram mais de 40 anos de carreira em apresentação intimista, repleta de clássicos e memória afetiva. Foto: Rodrigo Lopes
Poucos artistas conseguiram transformar memória, identidade regional e canção popular em um legado tão duradouro quanto Kleiton & Kledir. Neste sábado, dia 17 de janeiro, a dupla sobe ao palco do The Cavern Club São Paulo para apresentar "Histórias e Canções", um show intimista que revisita mais de 40 anos de uma trajetória essencial para a música brasileira. Os ingressos estão à venda em ticketmaster.com.br.
Em clima intimista e descontraído, o show propõe uma experiência próxima e emocional: dois irmãos, apenas com seus instrumentos, revisitando grandes sucessos em versões acústicas e compartilhando histórias divertidas e marcantes que atravessam gerações. No repertório, clássicos como “Deu Pra Ti”, “Vira Virou”, “Paixão”, “Maria Fumaça”, entre outros temas que se tornaram parte do imaginário musical brasileiro.
Com um estilo inovador, melodias sofisticadas e o inconfundível sotaque gaúcho, Kleiton & Kledir são referências centrais para compreender a música popular produzida no Brasil contemporâneo. Desde os anos 1970, a dupla construiu uma obra autoral sólida, sensível e universal, capaz de dialogar com o pop, o folk, a MPB e a música regional sem jamais perder identidade.
Ao longo da carreira, gravaram mais de 20 discos no Brasil e no exterior, com passagens por Los Angeles, Nova York, Lisboa, Paris, Miami e Buenos Aires, e realizaram turnês de sucesso pelos Estados Unidos, Europa, Oriente Médio e América Latina. Suas composições foram eternizadas nas vozes de grandes nomes da música brasileira e internacional, consolidando sua relevância artística muito além das fronteiras do país.
O reconhecimento institucional acompanha a importância cultural da dupla: Kleiton & Kledir receberam o título de Embaixadores Culturais do Rio Grande do Sul, a Medalha do Mérito Farroupilha e venceram por duas vezes o troféu de Melhor Álbum no Prêmio da Música Brasileira. No palco do The Cavern Club São Paulo, espaço que celebra a história da música, Kleiton & Kledir reafirmam seu lugar como patrimônio vivo da canção brasileira, em um espetáculo que une memória, afeto, humor e excelência musical. Uma apresentação imperdível para fãs de longa data e para novas gerações que desejam compreender, sentir e celebrar a força da música nacional.
São Paulo é a primeira cidade do mundo a receber uma unidade internacional do lendário The Cavern Club, de Liverpool, berço dos Beatles e um dos espaços mais emblemáticos da história da música. Com 1.100 m² dedicados à música, à gastronomia e à cultura, o endereço no Shopping Vila Olímpia se consolida como um dos maiores projetos de entretenimento da América Latina e um novo ponto de interesse no circuito gastronômico e cultural da capital paulista.
Serviço São Paulo
Kleiton & Kledir - "Histórias e Canções"
Data: 17 de janeiro de 2026
Local: The Cavern Club São Paulo
Endereço: Shopping Vila Olímpia - Rua Olimpíadas, 360, Vila Olímpia, São Paulo - SP, 04551-000
Horário do Show: 22h30
Classificação: 18 anos. Menores acompanhados somente dos pais ou responsável legal.
Endereço: Av. Ibirapuera, 3103 – Indianópolis, São Paulo/SP - Piso Jurupis (subsolo)
Ponto de referência: próximo ao restaurante Frutaria e à Academia Bio Ritmo
Horário de funcionamento:
Terça a sábado: das 10h00 às 22h00
Domingos e feriados: das 14h00 às 20h00
Fechado às segundas-feiras
*Cota de ingressos do tipo meia-entrada, limitada a 40% da capacidade, conforme a Lei Federal n.º 12.933/2013. Idosos não fazem parte destes números e não estão submetidos à limitação, por estarem enquadrados na Lei 10.741/2003.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
Há 100 anos, nascia na Inglaterra um dos maiores produtores musicais da história da música popular de todos os tempos. Sir George Martin era considerado o quinto integrante dos Beatles. O cara por trás da produção de discos antológicos lançados nos anos 60 e também na década seguinte com diversos artistas.
Sir George Henry Martin foi produtor musical, arranjador, compositor, engenheiro sonoro, músico e maestro britânico. Ele é considerado um dos maiores produtores musicais de todos os tempos, com trinta canções chegando ao primeiro lugar das paradas no Reino Unido e 23 nos Estados Unidos.
De acordo com informações do portal Beatles Brasil, Martin estudou na Guildhall School of Music and Drama entre 1947 e 1950, estudando piano e oboé, sendo influenciado por uma grande variedade de estilos musicais. Após se formar, ele trabalhou no departamento de música clássica da BBC, entrando na EMI em 1950. Martin produziu canções cômicas no início da década de 1950, trabalhando com pessoas como Peter Sellers e Spike Milligan.
Ele foi o cara que ajudou a moldar o som desenvolvido pelos Beatles. Era o cara certo na hora certa para os quatro jovens de Liverpool . Chegou inclusive a tocar em algumas produções, como no álbum "Rubber Soul", que na faixa "In My Life" conta com um breve solo de piano executado por Martin.
A gravação de "Strawberry Fields Forever" e "Penny Lane", lançados como single, somados com a produção do álbum "Seargent Pepper´s Lonely Hearts Club Band" na segunda metade dos anos 60 ajudaram a escrever um novo capítulo na história do rock. Além dos Beatles, Martin trabalhou com outros artistas na década seguinte, como o grupo vocal América e o icônico guitarrista britânico Jeff Beck, produzindo álbuns marcantes nos anos 70 para ambos.
Martin esteve no Brasil nos anos 90, a convite do produtor Marcelo Fróes. Em uma dessas ocasiões se encontrou com o músico Tom Jobim, promovendo um encontro de gigantes da nossa música popular. Em 1998 produziu e gravou o álbum "In My Life", composto basicamente por versões de clássicos dos Beatles, cantados por vários artistas convidados, como Celine Dion, Phil Collins, Bobby McFerrin, Jeff Beck, além dos atores Sean Connery, Jim Carrey, Goldie Hawn e Robin Willians, entre outros.
O portal Beatles Brasil informa que, em uma carreira de seis décadas, Martin trabalhou em cinema, televisão e espetáculos ao vivo. Ele também teve vários cargos executivos em companhias midiáticas e contribuiu para várias de causas beneficentes, incluindo seu trabalho para o "The Prince’s Trust" em prol da Ilha de Montserrat. Como reconhecimento de suas contribuições para a música e cultura popular, ele recebeu um Knight Bachelor, condecoração dada pelo Reino Unido em 1996. Faleceu no dia 8 de março de 2016, aos 90 anos, na Inglaterra.
Disponível nas principais plataformas digitais, o novo trabalho reúne composições individuais dos integrantes da banda
O Roupa Nova apresenta ao público o EP “Nossas Canções”, lançado na última quinta-feira, 2 de janeiro, reunindo seis músicas inéditas que reafirmam a longevidade e a coesão artística do grupo. O lançamento coincide com a data de embarque da banda para o terceiro cruzeiro temático Roupa Nova, tradicional encontro com os fãs em alto-mar.
As faixas foram compostas individualmente por Cleberson Horsth, Kiko, Nando, Serginho Herval, Ricardo Feghali e Fábio Nestares, revelando diferentes olhares sobre temas recorrentes na trajetória do grupo, como amor, saudade, despedida e afeto. Apesar das assinaturas distintas, o EP mantém a identidade sonora que consagrou o Roupa Nova ao longo de 45 anos de carreira.
O primeiro single, “Teu Olhar”, de Serginho Herval, fala de um encontro transformador e da força simbólica de um amor que nasce de maneira simples, mas profunda. Em “O Recado”, Nando presta uma homenagem delicada ao vocalista Paulinho, abordando a despedida com serenidade e afeto, sem recorrer ao tom melodramático. Já “Ingratidão”, composta por Ricardo Feghali, expõe o desgaste emocional de uma relação marcada pela falta de reconhecimento.
A sequência do EP traz “O Amor é Sempre Assim”, de Cleberson Horsth, que aborda a ausência e a possibilidade de reconciliação, seguida por “Uma Paixão”, em que Kiko retrata o momento em que o sentimento deixa de ser dúvida e passa a ser certeza. Encerrando o repertório, “Coisas da Alma”, de Fábio Nestares, valoriza o amor cotidiano, construído nos gestos simples e na convivência. O EP já está disponível nas principais plataformas de streaming, em lançamento pela ONErpm.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: dibulgação
Com a urgência de quem transforma criação em gesto de liberdade, Lenine volta à cena com o álbum “Eita”, reafirmando sua autonomia artística e o vínculo visceral com o Nordeste. Após dez anos sem lançar um disco de estúdio, o artista retorna com uma obra que exalta a força criadora de suas origens e consolida sua posição de referência na música brasileira.
Disponível nas plataformas de streaming, o projeto vem acompanhado de um audiovisual em média-metragem, no YouTube, que amplia o universo sensorial das canções e reafirma a habilidade de Lenine de transformar som em imagem – desta vez, assumindo também o papel de intérprete visual da própria obra.
O disco é também uma celebração com seus parceiros e com seu coletivo sonoro. São 11 faixas inéditas que cruzam o contemporâneo e a tradição, com arranjos de artistas como Carlos Malta, Henrique Albino e Martin Fondse, sob direção artística do próprio Lenine e produção musical de Bruno Giorgi.
“Eita”, expressão popular que pode ser espanto, encanto ou celebração, dá nome a uma obra em que tudo parte da primeira pessoa. É o disco mais pessoal de Lenine; um trabalho de domínio total sobre criação, gravação, som e imagem. “Empoderei-me de todos os meios, todos os caminhos, todas as etapas”, pontua o artista, que assina cada camada do processo, em uma afirmação de independência e liberdade criativa.
O álbum é também uma grande homenagem ao Nordeste, território de origem e imaginação de Lenine, que ressoa em cada batida, palavra e silêncio. Não à toa, é dedicado a Dominguinhos, Hermeto Pascoal, Letieres Leite e Naná Vasconcelos. O disco reúne jovens compositores, como Carlos Posada e Gabriel Ventura; além de nomes consagrados (Arnaldo Antunes, Dudu Falcão, João Cavalcanti, Lula Queiroga e Siba), e homenageia o Terreiro Xambá com a força ancestral da família Bongar, que traz seus toques, loas e danças.
As participações de Maria Bethânia (“Foto de Família”, de Lenine e João Cavalcanti), Maria Gadú (“O Rumo do Fogo”, de Lenine e Lula Queiroga), Siba (“Malassombro”, de Lenine e Siba) e Gabriel Ventura (“Beira”, de Lenine e Gabriel Ventura) completam o encontro. Mais do que um disco, “Eita” é uma tomada de domínio, um gesto de liberdade e uma celebração da criação como forma de existir. Uma obra que transcende fronteiras e espelha as complexidades, afetos e possibilidades do Brasil contemporâneo. Um projeto que anuncia, com poesia e verdade, que um dos maiores criadores da música brasileira traz boas novas.
Com seus timbres e tons inconfundíveis, ela se tornou um dos grandes nomes da música brasileira e, com suas atitudes, uma referência para uma geração de mulheres. A intimidade e a trajetória de uma das principais vozes da cultura nacional são apresentadas no documentário "Miúcha: A Voz da Bossa Nova", exibido no Curta!. Viabilizado pelo Curta! através do Fundo Setorial do Audiovisual (FSA), o filme é dirigido por Liliane Mutti, que relata a vida de Miúcha a partir de um rico acervo de imagens composto por imagens familiares e registros de áudio em fita cassete. A leitura de suas cartas e diários é feita pela sobrinha, Silvia Buarque.
O documentário é uma exposição carinhosa da vida de Miúcha. A viagem começa a partir de sua infância num lar boêmio recheado de encontros artísticos e intelectuais. Crescendo com referências que iam de Simone de Beauvoir a Billie Holiday, passando pelo amigo da família Vinicius de Moraes, deu asas a seu jeito inquieto e ousado e partiu para explorar, e encantar, o mundo, com um violão a tiracolo. Com imagens gravadas por Miúcha, o documentário mostra como ela se encantou pela Bossa Nova, relembrando o impacto daquele novo estilo musical que a deixava por horas a fio escutando os álbuns, e revela os primeiros encontros com João Gilberto.
“Posso dizer que fui uma das pessoas que foram absolutamente seduzidas pela Bossa Nova, por aquele som. Parece que, de repente, o cinema em branco e preto ficou colorido”, narra em seu diário. Com gravações do casamento de João Gilberto e Miúcha, com direito a dança ao lado de Sérgio Buarque de Hollanda, a obra refaz o conturbado relacionamento dos dois. Cenas de ensaios e da vida cotidiana em Paris, México e Nova York, e ao lado da filha Bebel, ilustram a mudança nos sentimentos da cantora. Da idolatria e da paixão, o casamento se torna uma prisão alimentada por insegurança e distanciamento, com João desdenhando de seu talento musical e sem dar o devido crédito a sua voz e contribuição em álbuns marcantes.
"Não dá para curtir essa posição que João me bota de tomadora de conta, de resolvedora de todos os problemas. E ele consegue virar as coisas de modo que eu seja a culpada de tudo. Estou ficando tão deprimida e cansada como se tivesse 200 anos", lamenta. Após o fim do casamento, era preciso retomar a liberdade e o sorriso. Os inéditos bastidores da gravação de canções ícones da música brasileira, como “Pela Luz dos Olhos Teus”, e de trabalhos ao lado do irmão Chico Buarque e Tom Jobim, mostram a força, a independência e o talento de Miúcha. Sempre em movimento e sempre corajosa, ela começa a trilhar sua carreira solo, expande seu leque e sua voz para novas experiências e ritmos, firmando sua voz como símbolo da cultura nacional e sua postura como um símbolo da mulher da nova geração.
“Estou de cabeça viradíssima. Já pensou a society feminista. Aliás, no finzinho dos livros, na hora de apresentar soluções, todo mundo acaba lutando por um tipo qualquer de comunidade, inclusive para acabar com a neurose de família. Pra mim seria o máximo, pois sou, decididamente, um bicho social”, avalia em carta. “Miúcha: A Voz da Bossa Nova” é uma produção da FILMZ. O filme pode ser visto no CurtaOn – Clube de Documentários, disponível no Prime Video Channels, da Amazon, na Claro TV+ e no site oficial da plataforma (CurtaOn.com.br). A exibição é no dia temático Segundas da Música, 29 de dezembro, às 22h.
Sensível, o premiado ‘Incompatível com a Vida’ faz um retrato doloroso da maternidade
O Curta! exibe o premiado documentário “Incompatível Com a Vida”, de Eliza Capai. Vencedor do Prêmio de Melhor Documentário concedido pela APCA (Associação Paulista de Críticos de Cinema) e do “É Tudo Verdade”, ambos em 2023, a produção chegou a ser qualificada para o Oscar 2024 e integrou a programação de vários festivais, entre eles o Hollywood Brazilian Film Festival, em Los Angeles, e o Festival do Rio de 2023.
O filme parte do luto da diretora - que registrou a interrupção de sua gravidez após diagnóstico de “malformação fetal incompatível com a vida” - para a potência da coletividade: aquela história não era apenas dela, mas sim de várias mulheres brasileiras. Alana, Laís, Isabela, Priscila, Shuane e Tainah são personagens que relembram suas trajetórias, dando voz e imagem ao que geralmente é apenas estatística. Elas partem da felicidade diante da descoberta da gravidez, recordam a imensa tristeza diante da notícia de malformação fetal e trazem à tona a agonizante busca por um desfecho mais respeitoso para elas e seus bebês.
Por morar em Portugal, Eliza pôde interromper sua gravidez legalmente, mas as entrevistadas contam que encontraram grandes dificuldades para tanto, ainda que seus bebês tenham tido diagnósticos semelhantes aos da cineasta. Da dor delas vem a força para discutir sobre políticas públicas relacionadas à legalização do aborto no Brasil, que hoje é negado ou dificultado até em casos em que o feto não tem condições de vingar.
Com muita sensibilidade, o filme faz um retrato doloroso do panorama da obstetrícia no país quando se trata de situações de perda e luto. A diretora traz à baila tabus e humaniza mulheres, muitas vezes vistas como vilãs apenas por quererem um tratamento respeitoso em um momento de tanta vulnerabilidade e sofrimento. “Quando recebi o diagnóstico de ‘malformação fetal incompatível com a vida’ e senti a urgência de debater esse tema em filme, o Curta! - com quem estávamos iniciando um documentário sobre o amor - aceitou a aventura de mudarmos radicalmente nossa abordagem. Se não fosse essa abertura do canal para o que é o documentário de fato - algo vivo, que se transforma independentemente dos desejos do realizador ou da produção -, esse filme não existiria. Quando ‘Incompatível com a vida’ ganhou o Festival É Tudo Verdade senti que essa mudança radical de abordagem, para além de um processo de cura meu, era importante enquanto audiovisual e que havíamos acertado. E saber que o filme chega para a audiência do Curta!, me enche de alegria”, conta Eliza Capai.
“Incompatível Com a Vida” é uma produção da tva2.doc viabilizada pelo Curta! através do FSA. Também está disponível no CurtaOn – Clube de Documentários, disponível no Prime Video Channels – da Amazon –, na ClaroTV+ e no site oficial do streaming (CurtaOn.com.br). A exibição é no dia temático Sextas de História & Sociedade, 02 de janeiro, às 22h.
Segundas da Música – 29/12
22h00 - “Miúcha - A Voz da Bossa Nova” (Documentário)
A perspectiva feminista sobre a história da Bossa Nova, contada através de filmes caseiros de 16mm, diários, cartas e gravações musicais pessoais de Miúcha e João Gilberto. O filme cobre o período de 20 anos, de 1962 a 1982, a luta de Miúcha para se tornar cantora e seu turbulento casamento com João Gilberto. Direção: Liliane Mutti Duração: 98min Classificação: 12 anos Horários Alternativos: dia 30 de dezembro, às 02h e às 16h; dia 31 de dezembro, às 10h; dia 03 de janeiro, às 15h15; dia 04 de janeiro, às 21h15
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Leo Aversa
Chega às plataformas de música o single “Libido da Alma”, primeira amostra de "Interdimensional", o novo álbum de Guilherme Arantes. Gravada em seu estúdio na Espanha, a faixa retoma as referências musicais que marcaram a virada dos anos 1970 para os 1980, representadas no Brasil por nomes como Lincoln Olivetti e Robson Jorge, entre outros.
Esse universo é absolutamente familiar ao próprio Guilherme Arantes, que misturou soul e funk em peças de seu repertório que se tornaram clássicos da música brasileira, como “Aprendendo a Jogar” (lançado por Elis Regina), “Fio da Navalha" (tema da novela “Partido Alto”) e “Pedacinhos”, balada black-bossa que virou um dos grandes sucessos da carreira do cantor e compositor paulistano.
Com letra que celebra a possibilidade de ser feliz sozinho, “Libido da Alma” dá um passo adiante nessa brasilidade black. A gravação ressalta a melodia e o vocal aponta para o canto de João Gilberto, em emissão minimalista e delicada. O instrumental traz o swing das guitarras de Alexandre Blanc em diálogo com as percussões latinas e a bateria precisa de Gabriel Martini.
O arranjo combina timbres clássicos e contemporâneos, incluindo string machines reminiscentes de um Elka Rhapsody de 1974, órgão Hammond C3, Clavinet D3 Honner com wah wah, Rhodes Mark V, além do piano Yamaha CP70 com flanger Mutron, marca registrada do pop de Guilherme Arantes. Há ainda inserções em reverse áudio, típicas da era das fitas de gravação, e um coro de vozes rigorosamente soul, reforçando o caráter vintage e radiofônico da faixa. O baixo suingado com slaps é assinado por Milton Pellegrin, da banda de Ed Motta.
O single foi mixado por Sylvia Massy (Oregon) e masterizado por Felipe Tichauer. A capa foi criada por Guilherme Arantes a partir de uma foto de Márcia Arantes. Interdimensional, o álbum completo, tem lançamento marcado para o dia 15 de janeiro de 2026.
Thiago Leifert confirmou ainda nova temporada do reality musical no Disney+ e no SBT em 2026. Foto: Ricardo Bufolin/Formata
A grande voz do Brasil já tem nome. Na noite da última segunda-feira, dia 22 de dezembro, Thiago Garcia, do time Mumuzinho, foi consagrado vencedor do "The Voice Brasil 2025", após final exibida ao vivo no Disney+ e no SBT. Com performance marcante, interpretando "Se Eu Não Te Amasse Tanto Assim", canção eternizada na voz de Ivete Sangalo, Thiago conquistou o público e garantiu o maior número de votos na decisão popular.
A final reuniu no palco os representantes dos times de Duda Beat, Matheus & Kauan, Péricles e Mumuzinho, que se apresentaram individualmente, evidenciando identidade artística e a evolução ao longo da competição. Na primeira etapa da noite, os técnicos escolheram apenas um integrante de seus times para avançar à disputa final.
Bell Éter foi escolhida por Duda Beat em uma disputa emocionante com Lara Vieira. Já no Time Matheus & Kauan, Jade Sales levou a melhor após um duelo intenso contra André & Luiz Otávio. Pelo Time Péricles, Jamah avançou à final no embate acirrado com Thales César. No Time Mumuzinho, Thiago Garcia garantiu sua vaga em uma disputa intensa com Gabriel Lima.
Com os quatro finalistas definidos, a decisão ficou exclusivamente nas mãos do público. Após novas apresentações, a votação popular consagrou Thiago Garcia como campeão da temporada 2025. Com o sucesso da temporada, antes mesmo de anunciar o vencedor, Tiago Leifert confirmou no palco do programa que o "The Voice Brasil" terá uma nova temporada em 2026, com exibição no Disney+ e no SBT.
Antes do anúncio do resultado, o público acompanhou o +Voice, conteúdo exclusivo do Disney+, exibido às 22h30, com bastidores e entrevistas que antecederam o momento decisivo do reality. O "The Voice Brasil 2025" chega ao fim após uma temporada marcada por grandes performances, forte engajamento do público e a revelação de novos talentos, reafirmando o programa como uma das principais vitrines da música brasileira.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Isabela Espindola
Vinte e um anos depois do lançamento do álbum “Dois Bicudos”, fruto da parceria da gravadora Acari Records com a Biscoito Fino, Alfredo Del-Penho e Pedro Paulo Malta apresentam ao público “Bicudos Dois”, álbum que retoma e atualiza a tradição das duplas vocais no samba brasileiro. O reencontro celebra a parceria que, em 2004, rendeu um dos discos de samba mais elogiados da época - indicado ao Prêmio da Música Brasileira e eleito um dos 10 melhores do ano pelo jornal O Globo.
O novo álbum, que já está nas plataformas digitais pela Biscoito Fino, amplia essa trajetória, revisitando a linguagem do dueto vocal e trazendo uma sonoridade contemporânea, sem perder o diálogo com a história do gênero. Com direção musical e arranjos de Paulo Aragão, Bicudos Dois reafirma a vitalidade do samba tradicional e apresenta ao público um repertório que combina canções inéditas e pérolas das décadas de 1930 e 1940.
O disco percorre o universo das grandes duplas do rádio - como Francisco Alves e Mário Reis, Joel e Gaúcho, Ciro Monteiro e Dilermando Pinheiro - e homenageia compositores fundamentais, entre eles Wilson Baptista, Lamartine Babo e Ismael Silva. Humor, lirismo, crônicas do cotidiano e refinamento melódico aparecem como marcas desse repertório que atravessa gerações. Mais do que um resgate histórico, "Bicudos Dois" propõe uma escuta renovada para essa tradição, trazendo novas interpretações, novos contornos vocais e uma estrutura musical que aproxima o passado da sensibilidade atual.
"Bicudos Dois" é, ao mesmo tempo, um tributo e uma renovação. Um disco que celebra vinte anos de história, mas que se volta ao presente para mostrar a força e a beleza do samba interpretado em dupla: um patrimônio artístico que segue vivo, pulsante e indispensável na cultura brasileira.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
A banda paulistana Mental Trigger lançou em todas as plataformas digitais o seu primeiro álbum auto-intitulado. Um trabalho que reúne intensidade emocional, peso sonoro e uma entrega artística que consolida o grupo como uma das novas promessas da cena metal nacional.
Formada em 2024 na cena de São Paulo, a Mental Trigger surge com o propósito de dar voz às emoções mais viscerais e profundas. O grupo canaliza a energia crua do metalcore em cada nota, verso e grito, incorporando ainda influências de deathcore, new metal, djent e groove metal para criar uma sonoridade interessante.
A banda é integrada por Luis Bom Angelo (vocal), João Pedro Surian (bateria), Gustavo Aliberti (guitarra), Luiz Barreto (guitarra) e Raphael Esteves (baixo) que carregam em seus DNAs a força da inovação e intensidade emocional que marcam o metal contemporâneo.
Com oito faixas autorais e uma faixa bônus especial - um cover poderoso de “Perry Mason”, de Ozzy Osbourne - o álbum presta homenagem ao ícone do metal, falecido em julho deste ano, revisitando sua obra com respeito, agressividade e identidade própria. Produzido por Ryu Morita, o álbum foi gravado na capital paulista, foi mixado por João Felipe Favaro e masterizado por João Pedro Surian. A identidade visual do projeto ganha vida pelas mãos de Gustavo Aliberti, que assina a arte de capa.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Léo Aversa
O Samba do Trabalhador, roda que surgiu em maio de 2005 no Renascença Clube, em Andaraí, no Rio de Janeoro, transformou-se em referência em todo o Brasil. Ao completar 20 anos, chega às plataformas o novo álbum “Moacyr Luz e Samba do Trabalhador, 20 Anos", que a gravadora Biscoito Fino disponibilizou nas plataformas de música.
O álbum apresenta novas parcerias de Moacyr Luz com compositores como Dunga, Pedro Luís e Xande de Pilares. Alguns clássicos de Moacyr foram revisitados pelos integrantes da roda, como "Vila Isabel", cantada por Mingo Silva (parceria de Moacyr com Martinho da Vila); "Tudo o que Vivi", cantada por Gabriel Cavalcante (parceria de Moacyr e Wilson das Neves), e "Cachaça, Árvore e Bandeira", samba de Moacyr com Aldir Blanc, interpretado por Alexandre Marmita.
O novo projeto conta ainda com composições inéditas dos próprios integrantes do Samba do Trabalhador. "Vai Clarear" fala de esperança e retrata muito bem o momento atual de Moacyr Luz. Uma parceria de Moacyr Luz com Alexandre Marmita, Mingo Silva e Nego Álvaro. "Caboclo pára-raios", interpretada por Mingo Silva, é um samba do Mingo com Anderson Baiaco, que conta a história de um sujeito "carregado" de energia ruim. "Roda de Partido", interpretada por Gabriel Cavalcante, é uma parceria do próprio Gabriel com Roberto Didio, que homenageia os grandes partideiros da história. Já "Vou tentando", interpretada por Alexandre Marmita, é uma parceria do próprio Marmita com Moacyr Luz, que fala sobre a persistência nas dificuldades do dia a dia do músico.
A cantora e compositora Joyce Moreno participa do álbum em uma das faixas inéditas, "Eu Fiz um Samba pra Bahia", parceria de Moacyr com Sereno, do grupo Fundo de Quintal. O samba dolente "Água Santa", parceria inédita de Moacyr com Pedro Luís, foi gravado pelos dois parceiros e conta com a participação da icônica gaita do maestro Rildo Hora. A cantora Marina Iris surge nos vocais de “Dezesseis", inédita de Moacyr Luz e Aldir Blanc. Falando em Aldir, Moacyr gravou "Mitos Cariocas", outra parceria dos dois, em homenagem ao saudoso cartunista Lan.
Os arranjos são de Leandro Pereira, violonista que sempre esteve por perto, e que conseguiu, com perfeição, transpor para o estúdio o clima descontraído das célebres rodas do Renascença Clube. Moacyr Luz e Samba do Trabalhador é um disco entre amigos, para exaltar a obra de Moacyr Luz, dar espaço ao novo, e retratar com maestria a trajetória de 20 anos do grupo. Se você curte o samba de qualidade, vale a pena conferir.
Em edição limitada, box comemora os 50 anos do “Fruto Proibido” de Rita Lee. Caixa vem com LP, compacto, foto e encarte especial
Por Guilherme Samora, jornalista, editor e estudioso do legado cultural de Rita Lee.
Um dos discos mais importantes da música, “Fruto Proibido”, de Rita Lee & Tutti Frutti, completou 50 anos em 2025. Para celebrar a data, a Universal Music Brasil lança um box de luxo, em edição limitada, que já está em pré-venda na UMusic Store. A caixa vem com o disco em sua arte original, em vinil roxo marmorizado, o raro compacto de 1976, uma foto de Rita na turnê do álbum e um encarte com texto escrito por Guilherme Samora.
O álbum marcou a estreia de Rita na Som Livre, depois de uma passagem tumultuada pela Philips, quando teve um projeto inteiro vetado e acabou lançando apenas um LP: “Atrás do Porto Tem Uma Cidade” (1974). Rita fez a direção musical do álbum em uma casa emprestada à beira da represa em Ibiúna, onde morou por alguns meses com os integrantes da banda - e com suas duas cobras - para ensaiar. O inglês Andy Mills, ex-técnico de som de Alice Cooper, também morava com eles e pilotou a produção do disco. A gravação foi realizada no estúdio Eldorado, na rua Major Quedinho, centro de São Paulo.
“Dance, dance, dance / Gaste um tempo comigo / Não, não tenha juízo / Dê-se ao luxo de estar sendo fútil agora” . É assim que Rita abre o disco e convida o público a experimentar seu “Fruto Proibido”. O LP, ousadíssimo e cheio de temas femininos, é um claro recado à turma que repetia para ela que “para fazer rock tem que ter ‘culhão’”. Rita assina todas as composições, metade delas sozinha. E, pela primeira vez, músicas da roqueira em parceria com Paulo Coelho foram gravadas. O blues dolorido “Cartão Postal” é um lado B que virou clássico e está entre os favoritos dos fãs.
“O Toque”, esotérica-cósmica-viajante, traz Rita cantando que “o universo segue o rumo que todos nós escolhemos”. Porém, foi “Esse Tal de Roque Enrow” - e a história de uma mãe falando ao psiquiatra sobre a obsessão da filha com aquele tal de Roque - que conquistou a garotada, as rádios e a TV. A música fez parte da trilha sonora da novela “Bravo!”, da Rede Globo, ao lado de “Agora Só Falta Você” - hit com um claro convite à liberdade, parceria de Rita com Luiz Carlini. Duas de uma vez só!
Boa parte do rock brasileiro, na época, apontava para o progressivo. Rita, livre como sempre, flertava com o glam, com o classic rock, com o blues, com as guitarras, com os violões acústicos e com o minimoog. Inclusive, o sintetizador ganha lugar de destaque na foto da capa de “Fruto Proibido”, com a ruiva bela e esvoaçante na sala de jantar da casa dos pais, na Vila Mariana - tudo em frente à penteadeira da avó, herdada pela mãe e depois por Rita.
A qualidade das composições e da gravação, o brilho da voz de Rita e a rebeldia irreverente da maior roqueira brasileira conseguiram a proeza de colocar o underground na lista dos mais vendidos. “Comer um fruto que é proibido / Você não acha irresistível?”, ecoa Rita, num vocal urgente, desafiador, vivo, impossível de se tentar alcançar. Isso em plena ditadura militar. “Pirataria”, de Rita e Lee Marcucci, baixista da banda e que seguiria com a roqueira por anos, é outra ousadia contra censores, censuras e contra o establishment: “Quem falou que não pode ser? / Não, não, não / Eu não sei por quê / Eu posso tudo, tudo”.
E é em “Luz del Fuego”, a penúltima faixa do disco, que Rita se apresenta, brinca com o que pensam sobre ela e reafirma a mulher que é. Doa a quem doer. Alegre a quem alegrar: “Eu hoje represento a loucura / Mais o que você quiser / Tudo que você vê sair da boca / De uma grande mulher / Porém, louca!”. Dando o tom do começo ao fim, a rebeldia da estrela dos cabelos vermelhos termina o disco da maneira mais impactante possível, com “Ovelha Negra”. O maior hino aos diferentes é também o maior hit do álbum. Chegou ao topo entre as mais tocadas das rádios naquele ano e virou clipe no Fantástico.
Ao experimentar o primeiro grande sucesso de público, Rita segue com o "Tutti Frutti" em turnê, com ingressos esgotados pelo Brasil todo. Com a inesperada repercussão, a gravadora decidiu lançar “Ovelha Negra” em compacto. Rita, então, voltou ao estúdio com o Tutti Frutti para gravar três novas - e geniais - músicas: “Lá Vou Eu”, “Caçador de Aventuras” e “Status”. Hoje raro, o compacto é reeditado pela primeira vez para esse box, com a capa original. E com um detalhe que o torna ainda mais especial: para celebrar a data e manter a qualidade das canções, o compacto vem com dois disquinhos, um vermelho translúcido esfumaçado e outro marfim opaco. O primeiro traz “Lá Vou Eu” no lado 1 e “Caçador de Aventuras” no lado 2. O segundo, “Status” no lado 1 e “Ovelha Negra” no lado 2. Um lançamento à altura do disco que mudaria para sempre o rock brasileiro e coroaria, de vez, a sua estrela maior: Rita Lee.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
Lançado em 1978, o álbum "Who Are You" marcou o fim da formação original da banda The Who. Foi a última vez que o baterista Keith Moon gravou com a banda em estúdio. Recentemente foi lançada um box set especial do álbum, com uma série de faixas bônus. Em termos de sonoridade, "Who Are You" está abaixo de outros trabalhos feitos anteriormente, como os icônicos "Tommy", "Who´s Next" e "Quadrophenia". Mas é preciso contextualizar o momento que a banda atravessava para entender isso.
O vocalista Roger Daltrey tinha problemas nas cordas vocais, enquanto que o baixista John Entwistle dava uma atenção maior ao seu trabalho paralelo solo. Por sua vez, o guitarrista Pete Townshend, principal compositor da banda, se sentia cada vez menos estimulado para criar novas composições, enquanto que o baterista Keith Moon era apenas uma sombra do que havia sido no passado.
Mas ainda assim há momentos bem interessantes, como a faixa título, que acabou sendo usada na trilha sonora oficial do seriado americano CSI, apresentando o som da banda para as novas gerações. Poderia citar ainda "Sister Disco", "Trick Of The Light" e "Had Enough" como exemplos positivos.
Keith Moon faleceria em 7 de setembro de 1978, pouco antes do lançamento do álbum. Tinha apenas 32 anos e acabou tomando uma overdose acidental de medicamentos para controlar o seu vício em bebidas alcoólicas. A morte de Moon encerrou a fase mais criativa da banda, que até prosseguiu adiante com outros bateristas, mas que nem de longe lembravam o toque selvagem do integrante original.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
O Patfest chega à sua quarta edição no dia 26 de novembro, reunindo grandes artistas na Audio, em São Paulo, em uma noite marcada por celebrações, reencontros e homenagens. Entre os momentos mais aguardados está o tributo à memória de Renan Paiva - guitarrista, vocalista, compositor e fundador da banda Leeds ao lado de seu irmão Willian Paiva.
Willian subirá ao palco para reviver um dos capítulos mais intensos da trajetória dos irmãos: uma apresentação especial com uma música da Leeds, fazendo vibrar novamente a lendária Gibson Les Paul de Renan - agora como símbolo de uma história de arte, irmandade e sensibilidade.
Idealizado por Andreas Kisser, da banda Sepultura, e familiares, o Patfest nasceu em homenagem a Patrícia Kisser, falecida em 2022 em decorrência de um câncer de cólon. Desde então, o festival se tornou um evento de música, solidariedade e amor, reunindo artistas de diferentes estilos e gerações em apresentações únicas e emocionantes. Toda a renda arrecadada nesta edição será destinada às entidades Heliópolis Compassiva e Favela Compassiva Rocinha e Vidigal, que desenvolvem projetos sociais e humanitários em comunidades vulneráveis do Brasil.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
Quinto álbum da carreira do cantor e compositor Mauro Marcondes, “O Tempo e o Amor” foi concebido para cantar o amor. Cada composição de Marcondes e de seus parceiros fala do amor em diferentes tempos. Falam de desejo, paixão, saudade, traição, contradição, carinho, atração pelo desconhecido, pela natureza entre outros temas.
Mauro compõe desde muito jovem influenciado pelos compositores da bossa-nova e pela música de Milton Nascimento, Edu Lobo, Chico Buarque, Dori Caymmi e de tantos outros mestres da canção nacional. Aos 17 anos participou do IV Festival Universitário da extinta TV TUPI e foi construindo uma carreira de compositor, conciliando-a com a do profissional da área de desenvolvimento econômico, trabalhando no Banco Nacional de Desenvolvimento (BNDES).
Para o disco foram selecionadas 15 músicas autorais, buscando retratar a diversidade da música brasileira. São canções, bossas, baladas, sambas, choros, valsas, boleros, entre outros estilos. Todas contam com arranjos do maestro Leandro Braga. E traz as participações especiais dos cantores Áurea Martins (na faixa “Bolero da Solidão”) e João Cavalcanti (na faixa “O que já foi não é”) e, nos vocais, as cantoras Masé Sant’Anna e Soraya Nunes (nas faixas “Depois” e “Cantar sem fim”).
Gravado, mixado e masterizado por João Ferraz, no Lontra Music, entre maio e setembro de 2025, o álbum tem projeto gráfico de Gabriel Caymmi, com base nas obras da artista plástica Patricia Secco, foto da capa do Ari Kaye e fotos das demais obras de arte do Ale Teixeira. As fotos e filmagens no estúdio ficaram por conta de Felipe Câmara e Breno Ramoa. “O Tempo e o Amor” tem produção geral de Mauro Marcondes, coprodução de Paulo César Feital, produção executiva de Naomi Kumamoto e direção musical e arranjos de Leandro Braga.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
O Clube da Esquina perdeu um de seus fundadores esta semana. Com o falecimento de Lô Borges, encerra-se um dos capítulos mais importantes de nossa MPB. Lô tinha 73 anos e estava incrivelmente produtivo. Seja como artista solo, seja em trabalhos de parcerias com outros músicos, como Samuel Rosa e Tom Zé, só pra citar dois exemplos. Mas foi ao lado de Milton Nascimento que ele atingiu o topo da montanha ao gravar um dos álbuns mais influentes de nossa MPB em1972. O Clube da Esquina fez história pela força das canções e pelas vozes de Lô e Milton.
A sonoridade do trabalho de Lô no início dos anos 70 mesclava várias influências das coisas que ele ouvia naquela época. De Hendrix aos Beatles, ele conseguia unir tudo em sua música. São dessa época os seus primeiros discos em carreira solo: o "Lô Borges" (1972), conhecido como o disco do tênis, e "Via Láctea", que tem a célebre gravação da bela "Clube da Esquina nº 2", com a participação no vocal de Solange Borges.
Se por um lado os trabalhos mais recentes dele não tiveram o mesmo brilho dessa fase inicial, por outro ele teve o mérito de se manter na ativa, lançando material inédito com frequência, ao invés de se acomodar nos antigos hits. Seu trabalho mais recente é o álbum "Chão de Giz", gravado em parceria com Zeca Baleiro. Certamente sua obra deixará uma marca na nossa MPB. Um selo de qualidade referendado até por Tom Jobim, que não só admirava a turma do Clube da Esquina como chegou a regravar Trem Azul do Lô nos anos 90.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
Artista da maior importância da nossa MPB, Beth Carvalho teve resgatada a sua importante trajetória por intermédio do livro “Uma Vida pelo Samba”, escrito pelo jornalista e pesquisador Rodrigo Faour. O trabalho, que complementa o álbum digital "Samba Book", mostra toda a discografia da cantora e ressalta a essência de seu trabalho como descobridora de talentos e sua forte conexão com o gosto popular.
O álbum digital "Samba Book Beth Carvalho" (Musickeria) conta com 26 faixas com canções interpretadas por vários nomes da música. As cinco primeiras edições homenagearam João Nogueira, Martinho da Vila, Zeca Pagodinho, Dona Ivone Lara e Jorge Aragão, reunindo elencos estelares, em gravações exclusivas.
A sexta edição, em tributo a Beth Carvalho, inclui um caderno de partituras, com transcrição dos arranjos originais dos sambas; ambiente na web, com portal e redes sociais, além do livro “Uma Vida pelo Samba”, escrito pelo jornalista e pesquisador Rodrigo Faour. O livro cataloga os álbuns de carreira e as participações de Beth em discos de outros artistas, compactos e projetos especiais, desde sua estreia em 1965.
Faour conta que a fase inicial da carreira de Beth foi o trecho que rendeu um trabalho maior de pesquisa. “Eu acompanhei a trajetória dela desde os primeiros discos de samba. Mas ela já vinha atuando na música antes, nos anos 60, mais envolvida com o pessoal da Bossa Nova e dos festivais”. Faour lembrou a canção Andança, que Beth Carvalho defendeu com o grupo Golden Boys no Festival Internacional da Canção de 1968 e ficou em terceiro lugar. A composição de Edmundo Souto, Paulinho Tapajós e Danilo Caymmi se tornou um clássico da nossa MPB. “Ela tinha uma personalidade forte. Era uma artista que sabia o que queria e estava sempre conectada com o gosto do público. Prova disso são os seus grandes sucessos”. Compre o livro "Uma Vida pelo Samba", de Rodrigo Faour, neste link.
Depois do sucesso do ano passado, o "Corona Luau MTV" confirma sua realização em 2025. E se o retorno do programa icônico matou a saudade do clima de música e de verão que marcou os anos 2000, desta vez ele promete resgatar ainda mais emoções com um tributo à artista que protagonizou uma das edições mais lembradas da história: Cássia Eller.
O projeto deste ano vai reunir grandes amigos, parceiros musicais e artistas que têm Cássia como inspiração e referência. Nando Reis, autor de muitos dos maiores sucessos da cantora, e Lan Lan, percussionista que a acompanhou por anos nos palcos, são presença confirmada na tour, que também contará com convidados especiais para completar o time que celebra a história dessa grande artista que marcou gerações e que repercute ainda hoje. O "Corona Luau MTV" é uma iniciativa da cerveja Corona em parceria com a Paramount, a Skydance Corporation, e realização da 30e, maior companhia brasileira de entretenimento ao vivo.
Pela primeira vez o projeto terá seu lançamento em formato de turnê, com quatro shows espalhados pelo país: no dia 30 de novembro, no Pontão do Lago, em Brasília; 5 de dezembro, na Praia do Rosa, em Santa Catarina; 14 de dezembro, no Museu do Amanhã, no Rio de Janeiro e, por fim, no dia 21 de dezembro, no Parque Ibirapuera, em São Paulo. Os ingressos para essas apresentações estarão disponíveis a partir de 28 de outubro, às 12h00, pelo site da Eventim (acesse aqui).
Além da tour, um episódio especial do "Corona Luau MTV" será gravado em outubro, em Maresias, litoral norte de São Paulo. A exibição acontecerá após o encerramento da turnê na Pluto TV, pelo canal MTV Pluto TV, e nos canais oficiais do YouTube da MTV Brasil e da Corona. E para completar a homenagem, Sarah Oliveira, que apresentou a edição de 2002 em que Cássia foi a atração musical, estará de volta ao comando do programa. “É uma honra pra mim apresentar essa homenagem à Cássia Eller anos depois. É tudo muito simbólico pra mim. O Luau que fizemos (eu, ela e Nando) é um dos momentos mais importantes da minha carreira e da minha vida. Acompanhar o furacão Cássia Eller foi realmente um privilégio que guardo na minha memória afetiva. As coisas lindas realmente são mais lindas porque ela esteve e está”, comenta Sarah.
O tributo marca a edição especial que celebra os 100 anos de Corona, cerveja premium da Ambev e eleita a mais valiosa do mundo por dois anos consecutivos. Para celebrar seu centenário, a marca preparou uma série de ações especiais para proporcionar momentos inesquecíveis para o público ao longo do ano."Para nós, cerveja é muito mais do que uma bebida: ela faz parte da nossa cultura. É o brinde à conexão entre pessoas e aos momentos icônicos. Por isso é muito forte e significativa a ideia de celebrar um momento especial do Luau, que entrou para a história da música brasileira. Estamos muito felizes com a evolução do projeto para uma turnê, o que nos permite levar essa experiência para mais perto do público e convidar mais pessoas a se desconectarem da rotina e se conectarem com a música, as boas lembranças e os encontros”, afirma a diretora de marketing de Corona, Gabriela Gallo.
“Cássia teve participação fundamental na minha vida” Falar de Cássia Eller e não lembrar da relação entre ela e Nando Reis é quase impossível. Essa união foi marcada por uma conexão artística profunda e uma amizade que ultrapassou os palcos. Juntos, os dois criaram momentos memoráveis na música brasileira, incluindo a icônica participação no "Luau MTV", exibido em 2002, que eternizou interpretações emocionantes de “Relicário” e “O Segundo Sol”. A parceria rendeu grandes sucessos e revelou uma sintonia rara entre compositor e intérprete.
Em entrevista recente, Nando relembrou sua parceria com a amiga e cantora. “Foi uma relação muito intensa, prazerosa, produtiva e surpreendente, porque Cássia era uma pessoa tímida e eu também. A gente tinha muitas características semelhantes e essa retração social foi um dos elementos que nos aproximou. Vimos que ficávamos bem um com o outro e tinha essa relação apaixonada com a música, que era o nosso assunto central e principal”. Sobre a edição do Corona Luau MTV 2025, o artista declara: “Cássia teve participação fundamental na minha vida. Juntos fizemos discos magníficos. Ela me convidou para participar do Luau MTV que gravou. Agora eu a homenagearei neste especial”.
Musicais icônicos na Pluto TV Fãs de todo o país poderão viver esse encontro por meio da exibição na Pluto TV, uma das principais plataformas FAST (Free Ad-Supported Television), que se compromete a oferecer uma ampla variedade de conteúdos para todos os públicos. Por meio de marcas como a MTV, a Pluto TV amplia o alcance do portfólio de entretenimento da Paramount, oferecendo acesso gratuito aos conteúdos musicais mais icônicos, shows e momentos marcantes da cultura pop em toda a América Latina, como o Corona Luau MTV.
Serviço Realização: Corona, Paramount e 30e
Brasília Data: 30 de novembro de 2025 (domingo) Local: Pontão do Lago Endereço: SHIS Ql 10, Lote 1/30, Lago Sul, Brasília Horário de abertura da casa: 15h00 Classificação etária: maiores de 18 anos Ingressos: pista: 175,00 (meia-entrada legal) | 210,00 (meia-entrada social) | 350,00 (inteira) Início das vendas: 28 de outubro, 12h00 Vendas on-line em: eventim.com.br/ Bilheteria oficial: em breve
Santa Catarina Data: 5 de dezembro de 2025 (sexta) Local: Tantrarosa Endereço: GRP-471, 4373, Praia do Rosa, Santa Catarina Horário de abertura da casa: 17h00 Classificação etária: maiores de 18 anos Ingressos: pista: 175,00 (meia-entrada legal) | 210,00 (meia-entrada social) | 350,00 (inteira) Início das vendas: 28 de outubro, 12h00 Vendas on-line em: eventim.com.br/ Bilheteria oficial: em breve
Rio de Janeiro Data: 14 de dezembro de 2025 (domingo) Local: Museu do Amanhã Endereço: Praça Mauá, 1, Centro, Rio de Janeiro Horário de abertura da casa: 15h00 Classificação etária: maiores de 18 anos Ingressos: pista: 175,00 (meia-entrada legal) | 210,00 (meia-entrada social) | 350,00 (inteira) Início das vendas: 28 de outubro, 12h00 Vendas on-line em: eventim.com.br/ Bilheteria oficial: Estádio Nilton Santos - Engenhão - Bilheteria Norte - Rua das Oficinas, s/n - Engenho de Dentro, Rio de Janeiro Funcionamento: terça a sábado, das 10h00 às 17h00. Fechado em feriados, emenda de feriados, dias de jogos ou em dias de eventos de outras empresas.
São Paulo Data: 21 de dezembro de 2025 (domingo) Local: Plateia Externa do Auditório Ibirapuera Endereço: Av. Pedro Álvares Cabral, s/n - Portão 10 - Parque Ibirapuera, São Paulo Horário de Abertura da casa: 15h00 Classificação etária: maiores de 18 anos Ingressos: pista: 175,00 (meia-entrada legal) | 210,00 (meia-entrada social) | 350,00 (inteira) Início das vendas: 28 de outubro, 12h00 Vendas on-line em: eventim.com.br/ Bilheteria oficial: Allianz Parque - Bilheteria A - Rua Palestra Itália, 200 – Portão A – Perdizes - São Paulo Funcionamento: terça a sábado das 10h00 às 17h00 | *Não há funcionamento em feriados, emenda de feriados, dias de jogos/eventos
O episódio traz uma performance poderosa de “La Pared” com uma orquestra de 14 músicos, além da participação de Ed Sheeran e Beéle
Comemorando 30 anos de "Pies Descalzos" e 20 anos de "Oral Fixation" (Vol. 1 & 2), a cantora e compositora Shakira revisita os álbuns que marcaram sua carreira e inspiraram gerações em um novo episódio de Spotify Anniversaries, já disponível na plataforma. No especial, Shakira reflete sobre o processo de criação dos dois discos e apresenta novas versões de algumas de suas faixas mais queridas, como "Pies Descalzos, Sueños Blancos", "La Pared", "Antología", "Día de Enero", e"Hips Don’t Lie".
O episódio traz uma performance poderosa de “La Pared” com uma orquestra de 14 músicos, além da participação de Ed Sheeran e Beéle em “Hips Don’t Lie”. Shakira também bate um papo com Ed Sheeran sobre como essa colaboração inesperada aconteceu. "Spotify Anniversaries" é uma série que celebra álbuns icônicos e os artistas por trás deles, com histórias, reflexões e performances exclusivas. As novas versões estão disponíveis apenas no Spotify, em EPs especiais. Juntos, os dois álbuns já ultrapassaram 6,1 bilhões de streams globais e continuam conectando diferentes gerações - com a Gen Z responsável por mais da metade dos streams de "Oral Fixation" atualmente.
Faixas mais ouvidas de cada álbum:
"Oral Fixation" "Hips Don’t Lie" (feat. Wyclef Jean) "La Tortura" (feat. Alejandro Sanz) "Día de Enero" "Las de la Intuición" "No" (feat. Gustavo Cerati)
"Pies Descalzos" "Antología" "Estoy Aquí" "Pies Descalzos, Sueños Blancos" "¿Dónde Estás Corazón?" "Un Poco de Amor"
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