.: Rodrigo Vellozo idealiza álbum que revisita a obra de Benito Di Paula

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Poucos artistas conseguiram construir uma obra tão popular e, ao mesmo tempo, tão singular quanto Benito Di Paula. Entre o samba, a canção romântica, a influência jazzística do piano e uma escrita profundamente brasileira, Benito criou um universo musical próprio que atravessa gerações há mais de sete décadas. Agora, ao completar 85 anos de vida e 55 anos de carreira, sua obra ganha uma nova leitura através de "Benito Di Paula - Rodrigo Vellozo convida Rodrigo Campos, Thiago França e Fumaça", álbum homônimo idealizado por seu filho, o cantor, compositor e pianista Rodrigo Vellozo lançado pela ADA/Companhia de Discos do Brasil.

 Ao lado de Rodrigo Campos, Thiago França e Fumaça - artistas da cena contemporânea brasileira - Rodrigo Vellozo revisita canções marcantes do repertório de Benito sem recorrer à nostalgia. O álbum propõe um diálogo entre tradição e invenção, revelando a força e a modernidade de composições que continuam profundamente conectadas ao presente.

As cinco primeiras faixas de "Benito Di Paula - Rodrigo Vellozo convida Rodrigo Campos, Thiago França e Fumaça" funcionam como um verdadeiro primeiro ato do álbum e estabelecem uma conexão direta com um momento histórico da trajetória de Benito Di Paula. “Maria Baiana Maria”, “Tudo Está no Seu Lugar”, “Do Jeito Que a Vida Quer”, “Tudo Está Mudado” e “Meu Maior Afeto” reproduzem a sequência de abertura do disco lançado por Benito em 1976 pela Copacabana.

 Ao revisitar esse repertório na mesma ordem concebida originalmente, Rodrigo Vellozo e seus parceiros prestam homenagem não apenas às canções, mas também à arquitetura artística de um dos discos mais importantes da carreira do compositor. A escolha reforça o diálogo entre passado e presente que norteia todo o projeto, revelando a permanência e a atualidade de uma obra que segue emocionando e inspirando novas gerações. O disco tem outros momentos interessantes, que mostram a força do trabalho de Benito. Que por sinal merece ser reverenciado como um dos compositores mais singulares de nossa MPB.

"Tudo Está no Seu Lugar"

"Maria Baiana Maria"

"Violão Não Se Empresta a Ninguém"

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.: A voz por trás de Pikachu agora inspira uma nova geração de leitores

Em estreia na literatura infantil, a dubladora Lhays Macedo lança "A camaleoa Luni", uma história sobre identidade, pertencimento e autoaceitação com edição impressa e audiobook. Foto: Divulgação | Editora Mundo Cristão

Durante anos, a voz de Lhays Macedo acompanhou a infância de milhões de brasileiros em séries, filmes e animações. Agora, a dubladora conhecida por dar vida a personagens como Pikachu ("Pokémon: O Filme -Eu Escolho Você!"), Polly Papagaio ("Peppa Pig"), Lucky Prescott ("Spirit - Cavalgando Livre", da Netflix) e Lola Loud ("The Loud House", da Nickelodeon), troca os estúdios de dublagem pelas páginas de "A Camaleoa Luni". Neste livro infantil, com versão também em audiobook, a artista narra uma história que dialoga com um tema cada vez mais presente: a busca pela própria identidade. 

Publicado pela Editora Mundo Cristão e com ilustrações de Laura Mocelin, o lançamento marca a estreia literária da atriz, diretora de dublagem e influenciadora, que reúne mais de 4 milhões de seguidores nas redes sociais. A narrativa transforma questões profundas em uma leitura leve, acessível e significativa para crianças e suas famílias. O enredo se passa na vila de Aguaviva, onde mora Luni, uma camaleoa capaz de mudar de cor quando quiser. Mas o que parece ser um dom extraordinário logo se transforma em um desafio. Na tentativa de ser aceita e se encaixar nos grupos ao seu redor, ela muda tanto que acaba se afastando de quem realmente é. 

A partir dessa metáfora, Lhays Macedo provoca reflexões sobre pertencimento, autoestima e autenticidade. Voltado para a faixa etária de 4 a 8 anos, o livro conduz os pequenos leitores por uma jornada de autodescoberta que ganha força quando Luni parte até a misteriosa Fonte da Verdade. Ao longo do caminho, ela encontra respostas que transformam a própria visão sobre si mesma. Outro destaque são as ilustrações de Laura Mocelin, artista de projeção internacional que ilustra a aventura da personagem e o universo de Aguaviva, ampliando a experiência de leitura com imagens coloridas e divertidas. 

A camaleoa Luni oferece ainda um ponto de apoio para pais, educadores e famílias que buscam conversar com as crianças sobre valores e saúde emocional. Depois de anos dando voz a protagonistas marcantes, Lhays Macedo agora encontra nas páginas um espaço para transmitir uma mensagem especial: dentro do coração, cada pessoa carrega um valor único que não depende da aprovação dos outros. Compre o livro "A Camaleoa Luni" neste link.

Sobre a autora
Lhays Macedo é atriz, dubladora e diretora de dublagem, com quase duas décadas de carreira no audiovisual. Já deu voz a centenas de personagens em filmes, séries, desenhos, animes, games e novelas, como Pikachu  em "Pokémon: O Filme - Eu Escolho Você!". Dirige a dublagem do "Bible Project Português" e soma mais de 4 milhões de seguidores em suas redes sociais, criando conteúdo sobre fé, maternidade e os bastidores de sua profissão. 

Sobre a ilustradora
Laura Mocelin é ilustradora e diagramadora especializada em livros infantis. Formou-se em Arquitetura e Urbanismo pela UFFS Erechim, mas a arte tomou seu coração desde os primeiros rabiscos na infância. Hoje é representada internacionalmente pela Illo Agency e tem uma lista de mais de cem livros ilustrados. 

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.: "Os Armários Vazios", de Annie Ernaux, é relançado pela Editora Fósforo

Em 1974, quase 50 anos antes de ser laureada com o Prêmio Nobel de Literatura, Annie Ernaux publicava o primeiro romance dela, "Os Armários Vazios", uma incursão visceral pela ficção e espécie de gérmen literário de uma escrita que ficaria cada vez mais contida, se transformando no novo gênero que a consagrou. Neste livro, uma jovem de 20 anos, Denise Lesur, acaba de realizar um aborto e rememora a trajetória de sua ascensão de classe, escrevendo cada detalhe com as tintas da bile. Filha de donos de um café-mercearia, Ninise, como é chamada pelos pais, se vê dividida entre dois mundos e teme que a gravidez indesejada tenha posto tudo a perder. A nova edição, traduzida por Mariana Delfini, é publicada pela Editora Fósforo.

Para além da crise pessoal, o aborto representa uma mancha no mundo burguês, limpo, ordenado e elegante, no qual Denise conseguira ingressar depois de muitos anos de escolarização e controle de suas maneiras; é um resquício do meio onde cresceu, um cenário repleto de desejo e vulgaridade. Acreditando ter chegado longe, a protagonista disseca o ambiente popular, as palavras, os modos, as diferenças de uma classe e outra, além da vergonha que sente de seus pais.

E se os temas podem parecer semelhantes aos de obras posteriores como O acontecimento, "O Lugar", "A Vergonha", o que impressiona em "Os Armários Vazios" é a linguagem rápida, entrecortada e pulsante, livre de autocensura e que urge em captar todo o vivido para que não seja esquecido, para que a verdade não seja postergada. Nele, tem-se a possibilidade de conhecer Ernaux sem as arestas aparadas. Trata-se da obra que revelou para o mundo o trabalho da autora, o qual, desde então, segue impressionando com todas as suas facetas. Compre o livro "Os Armários Vazios", de Annie Ernaux, neste link.

Sobre a autora
Annie Ernaux nasceu em 1940, em Lillebonne, na França. Estudou na Universidade de Rouen e foi professora do Centre National d’Enseignement par Correspondance por mais de 30 anos. Os livros dela são considerados clássicos modernos na França. Em 2022, Ernaux recebeu o prêmio Nobel de literatura pelo conjunto de sua obra. Compre os livros de Annie Ernaux neste link.

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.: Tusp recebe peça "O Santo Inquérito", que dialoga com o Brasil de 2026

Montagem dirigida por Abilio Tavares estabelece um diálogo entre a peça escrita em 1966, o Brasil Colônia retratado na história e questões contemporâneas como intolerância, diversidade, liberdade e a posição de quem interpreta os fatos. Foto: Manoela Rabinovitch

Sessenta anos depois de sua criação, "O Santo Inquérito", de Dias Gomes, estreia em nova montagem da Escola de Arte Dramática (EAD-ECA-USP), com direção de Abilio Tavares, de 12 a 23 de agosto de 2026, de quarta a domingo, às 20h, no TUSP, no Centro MariAntonia da Usp, em São Paulo. Escrita em 1966, a peça conta a história de Branca Dias, jovem descendente de cristãos-novos perseguida pela Inquisição na Paraíba de 1750. Ao tratar de um episódio do Brasil Colônia, Dias Gomes construía uma metáfora para o próprio momento histórico em que vivia, marcado pelos primeiros anos da ditadura militar. Em 2026, a nova montagem retoma a obra a partir de outra posição no tempo e lança uma pergunta que acompanha todo o processo de criação: por que montar "O Santo Inquérito" hoje? 

“Talvez seja porque essa história ainda encontra eco no Brasil contemporâneo”, afirma Abilio. Para o diretor, depois da abertura política, textos diretamente relacionados à ditadura chegaram a parecer datados. “De uns tempos para cá, com todo esse movimento de direita, de extrema direita, essas evocações saudosistas do período da ditadura militar, esses textos voltaram a ficar muito atuais” . A montagem parte da tentativa de identificar essas conexões com o Brasil de hoje.

O diálogo com o presente aparece desde a entrada do público na sala. O elenco já está em cena, em um espaço marcado pelo rito da Inquisição, que Abilio define como um “rito de morte”. O chão é povoado por carvão e restos de carvão, como resíduos de fogueiras. “Como se fosse o resíduo de muitas fogueiras que foram queimadas, muitas liberdades, muitas histórias que foram dizimadas ali”, explica.

Cenografia e figurinos de Marco Lima também recusam uma reconstrução histórica do Brasil de 1750. Há referências pontuais ao período na roupa de Branca Dias, enquanto os personagens masculinos vestem roupas contemporâneas. A escolha desloca a ação para o presente e amplia a questão da intolerância religiosa. “Hoje em dia a intolerância religiosa não está circunscrita apenas à Igreja Católica, então a gente procurou ampliar esse espectro, abrindo possibilidades de leituras nesse sentido”, diz Abilio.

Entre as questões identificadas no processo estão a intolerância religiosa, de costumes e de modos de vida, além da resistência àquilo que é diferente. A questão da mulher também ganha centralidade. Branca Dias é perseguida por suas ideias e por sua disposição de questionar o poder estabelecido. “É uma mulher que é levada à fogueira pela Inquisição, por suas ideias, por sua ousadia de pensar fora dos cânones daquele poder estabelecido”, afirma o diretor. Para ele, a fala da personagem de que não é a primeira e nem será a última encontra ecos no cotidiano contemporâneo.

O texto de Dias Gomes é mantido integralmente, com pequenas adaptações de expressões. A única inserção é o enunciado de abertura: “Brasil hoje, Brasil Colônia, Brasil 1750, Tribunal da Inquisição, Brasil”. A partir do texto original, outra chave da montagem está na frase de Branca Dias: “Tudo é uma questão de interpretação. Depende da posição em que a gente se encontra”. Para Abilio, a fala ganhou novas camadas diante da circulação de diferentes versões dos fatos. “Depende do lado por onde você olha, você pode ter compreensões diferentes”, afirma, aproximando a questão da interpretação do fenômeno das fake news e da possibilidade de uma mesma história produzir compreensões opostas e perigosas. 

A própria história da peça é marcada por diferentes interpretações. Escrita em 1966, O Santo Inquérito teve uma de suas montagens mais conhecidas em 1976, no Rio de Janeiro, sob direção de Flávio Rangel e com Isabel Ribeiro como Branca Dias. Em 1977, Rangel remontou o espetáculo em São Paulo, desta vez com Regina Duarte no papel da protagonista. Agora, seis décadas depois, uma nova geração assume a obra.

O elenco reúne sete estudantes do quarto e último ano da EAD: Abraão Kimberley, Dennys Roberty Evangelista, Felipe Andrade, Hysnaip, Marília Viana, Rodrigo Kantovitz e Vitor Ugo. A montagem não altera a dramaturgia para atualizá-la, mas estabelece o contato entre diferentes tempos por meio dos atores, da cena e do espaço. A concepção sonora, assinada por Abraão Kimberley e Abilio Tavares, utiliza referências musicais e elementos sonoros para criar atmosferas de opressão ao longo do espetáculo.

A apresentação no Tusp Maria Antônia acrescenta outra camada histórica à montagem. O edifício que hoje integra o Centro MariAntonia abrigou a antiga Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras da USP e foi, nos primeiros anos da ditadura, um importante espaço de produção intelectual e liberdade de expressão. Em 1968, o local foi palco da Batalha da Maria Antônia, conflito que culminou na morte do estudante secundarista José Guimarães e na saída da USP daquele endereço.

Para Abilio, há uma proximidade histórica entre o espaço e a obra de Dias Gomes: “O que é similar entre aquilo que o Dias Gomes estava escrevendo como resistência, como um grito de liberdade quando ele escreve O Santo Inquérito em 1966, e o que estava acontecendo naquele mesmo período aqui em São Paulo nesse histórico prédio onde o TUSP hoje está instalado”. A montagem integra a programação EAD Celebra os 60 anos da ECA, que reúne atividades da Escola de Arte Dramática, da Escola de Comunicações e Artes, do Teatro da USP, do Cinema da USP, do Centro MariAntonia e da Pró-Reitoria de Cultura e Extensão Universitária.

A nova a montagem procura observar o que acontece quando uma obra muda de lugar no tempo. Para Abilio, “a intolerância com a alteridade” e a mudança de posição de quem olha são as duas grandes questões que a peça apresenta ao público em 2026. A resposta para a pergunta sobre por que remontá-la hoje permanece aberta: cabe também ao espectador encontrá-la.

Ficha técnica
Espetáculo "O Santo Inquérito", de Dias Gomes
Turma 75 - Escola de Arte Dramática - EAD ECA USP
Elenco: Abraão Kimberley (Notário), Dennys Roberty Evangelista (Guarda), Felipe Andrade (Simão Dias, Hysnaip (Augusto Coutinho), Marília Viana (Branca Dias), Rodrigo Kantovitz (Visitador), Vitor Ugo (Padre Bernardo)
Encenação e direção geral: Abílio Tavares
Diretor pedagogo: Ruy Cortez
Orientação teórica: Antônio Rogério Toscano
Orientação no trabalho de voz: Mônica Montenegro
Cenário e figurino: Marco Lima
Iluminação: Mário de Castro
Assistente de iluminação: Alice Penido
Assistente de direção e operação de som: Eduardo Barros
Concepção sonora: Abraão Kimberley e Abílio Tavares
Preparação musical: Abraão Kimberley
Preparação corporal: Felipe Andrade
Cenotécnicos: Alicio Silva e Zito Rodrigues
Pintura de arte: Danndhara Soyama e Paulo Sérgio Basílio
Costureira: Silvana Carvalho
Designer gráfico: Gabriel Franco
Fotos: Manoela Rabinovitch
Produção: Abílio Tavares e Karina Cardoso
Realização: EAD - Escola de Arte Dramática e ECA – Escola de Comunicações e Artes da Usp - ECA 60 Anos

Serviço
Espetáculo "O Santo Inquérito"
Temporada: de 12 a 23 de agosto de 2026
Dias e horários: quarta a domingo, às 20h
TUSP - Teatro da Usp
Rua Maria Antônia, 294 - Vila Buarque / Sāo Paulo
Lotação 100 lugares | Duração 100 minutos | Recomendação 12 anos
Entrada Franca – Retirada de ingressos com uma hora de antecedência, na bilheteria do Teatro

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.: Espetáculo "Felicidade" volta em curta temporada no Teatro Itália

Peça escrita por Caco Galhardo, dirigida por Dani Angelotti e protagonizada por Martha Nowill traz Zeca Baleiro para o palco. Montagem une música, dramaturgia e HQ. Foto: Adriano Escanhuela

Ser feliz o tempo todo, todos os dias, também há de ter seu preço e seus conflitos. É o que pretende mostrar a protagonista vivida por Martha Nowill na peça "Felicidade", escrita por Caco Galhardo e dirigida por Dani Angelotti. Na direção musical e também no palco, o espetáculo conta ainda com a participação do cantor e compositor Zeca Baleiro, dos atores Eduardo Estrela, Luisa Micheletti, Nilton Bicudo, Raphael Gama e Willians Mezzacapa. A curtíssima temporada estreia em 4 de agosto, em apenas oito apresentações, às terças e quartas-feiras, às 20h00, no Teatro Itália, em São Paulo. 

O texto foi criado inspirado pela canção "Vai (Menina Amanhã de Manhã)", de Tom Zé. Com cara de quadrinhos e ambiente de show musical, o espetáculo narra a inesperada virada na vida de uma jornalista e influenciadora de sucesso, que sem nenhuma razão aparente acorda com uma felicidade radiante e inexplicável. O que poderia ser apenas um bom dia se transforma em uma desconhecida forma de existir, já que essa alegria simplesmente não vai embora. Agora, ela precisa aprender a lidar com sua nova personalidade transformada. Mas será que o mundo ao seu redor está preparado para conviver com tanta felicidade?

Caco Galhardo, ouvindo a canção de Tom Zé, começou a imaginar como seria se um dia de fato a felicidade desabasse sobre nós. “Me veio essa cena de uma mulher que acorda muito feliz sem o menor motivo. No mesmo instante senti que daria uma peça. Escrevi, deixei na portaria do Tom Zé e numa tarde ele me ligou dizendo que tinha gostado. Foi como se a felicidade tivesse desabado sobre mim”, parafraseia o autor. 

A partir do texto e das produções de Caco como cartunista, a diretora Dani Angelotti, utilizando-se das linguagens dos quadrinhos e da música, trabalhou em uma direção que trouxesse para a cena um pouco de cada um desses elementos. “Essa mistura de linguagens é um desafio do rumo que a minha direção deseja seguir, buscando constantemente proporcionar ao público múltiplas experiências artísticas”, declara. Dani conta também que, imaginando desde o primeiro contato com o texto a montagem com música como parte integrante das cenas, logo convidou o amigo Zeca Baleiro para criar a trilha original e assinar a direção musical. “Mas foi somente a partir dos encontros criativos comigo, elenco e autor que surgiu a ideia de expandir essa colaboração para além da música gravada, trazendo a presença do músico em cena, ao vivo, em diálogo direto com o espetáculo.”

Zeca Baleiro já se relaciona com o teatro desde os seus 17 anos. Apesar de seu conhecido e premiado sucesso no mundo da música, ele iniciou a carreira compondo melodias e músicas para peças infantis, onde se destacou pela qualidade de suas letras. “Não sou ator, o que faço nesses casos é pôr em ação o meu próprio personagem de palco.  É um processo sempre delicioso e divertido. Esse ‘papel’ é um exu, um anjo que canta, que conduz os destinos, algo assim…”, comenta. 

No palco Zeca Baleiro interage com o elenco é composto por Eduardo Estrela, Luisa Micheletti, Nilton Bicudo, Raphael Gama e Willians Mezzacapa, além de Martha Nowill, que protagoniza Felicidade, celebrando seu terceiro trabalho com Galhardo. Fã do cartunista, Martha revela que desde 2008, quando o conheceu, insistiu para que ele escrevesse a dramaturgia. A partir de então, trabalharam juntos em 2010, 2017 e agora no espetáculo Felicidade. “O que eu gosto da dramaturgia do Caco é que apesar de ser homem, suas protagonistas são sempre mulheres. Gosto muito do tom dos textos e diálogos, que acabam sendo uma mistura do teatro com os quadrinhos. Essa mistura é sempre cômica e tem um quê de non sense que eu gosto muito. Parece realismo, mas em todos os seus textos, tem sempre um fator que desloca os personagens da realidade, algo que não se explica, meio surreal”. 

Em "Felicidade", a personagem trouxe para a protagonista a reflexão sobre as contradições que abarcam o sentimento de felicidade, em um contexto social que produz tantos conflitos e tristezas. “A personagem, com sua felicidade à prova de balas, tem um lado ingênuo que eu acho bonito. Por outro lado, acho que existe uma leitura da personagem que tem a ver com política, porque fala da felicidade coletiva. Quer dizer, como posso caminhar feliz por aí, se todos à minha volta estão infelizes? Quanto mais gente feliz, mais a felicidade tende a se multiplicar. Então eu acho que a peça tem esse equilíbrio entre buscar a própria felicidade, mas com o olhar atento ao outro”, conclui. 

Sinopse de "Felicidade"

"Felicidade" é uma comédia teatral com cara de quadrinhos e ambiente de show musical que conta a história de uma escritora que acorda feliz sem ter o menor motivo. Como a tal felicidade não vai embora, ela tem de se adaptar a sua nova personalidade, mas será que os outros vão se adaptar a ela?

Com Zeca Baleiro ao vivo, conduzindo a trilha sonora do espetáculo em cena, e um elenco formado por Martha Nowill, Eduardo Estrela, Nilton Bicudo, Luiza Micheletti, Raphael Gama e Williams Mezacapa, Felicidade convida o público a rir, se emocionar e refletir sobre os desejos, as contradições e as pequenas loucuras da vida contemporânea. Uma experiência cênica original, divertida e emocionante, que transforma uma pergunta simples em uma jornada irresistível: afinal, o que é ser feliz?

Ficha técnica 

Espetáculo "Felicidade"

Texto: Caco Galhardo. Direção Geral: Dani Angelotti. Direção Musical e participação ao vivo: Zeca Baleiro. Com: Martha Nowill, Eduardo Estrela, Luisa Micheletti, Nilton Bicudo, Raphael Gama e Willians Mezzacapa. Colaboração musical: Layla Silva.Colaboração artística: André Acioli. Cenário e Figurino: Kleber Montanheiro. Identidade visual: Caco Galhardo. Designer de Luz: Gabriele Souza. Designer de Som: Gabriel Hernandes. Preparação corporal: Zuba Janaina. Preparação Vocal: Ana Luiza. Designer e Social Media: Laerte Késsimos. Contrarregra e participação: Luiz Carlos Ferreira. Microfonista e Participação: Claudi Ferreira. Camareiro: Jô Nascimento, Operação de som: Carlos Henrique. Operação de luz: Rafael Boese. Fotos: Edson Kumasaka. Visagismo: Louise Helène. Assessoria de Imprensa: Adriana Balsanelli e Renato Fernandes. Produção Executiva:Camila Scheffer e Fernanda Tein. Assistente de produção: Juliana Borbosa. Produção Original: Morente Forte Idealização: Dani Angelotti e Martha Nowill. Produtores Associados: Dani Angelotti e Zeca Baleiro. Realização: Cubo Produções. 

 

Serviço

Espetáculo "Felicidade"

Temporada: 4 de agosto a 26 de agosto.

Terças e quartas às 20h00.

Classificação etária: 14 anos. Duração: 70 minutos.

Instagram: @felicidadeteatro

Ingressos: R$ 160,00 (inteira) e R$ 80,00 (meia-entrada).

Venda: Sympla. Através do link: https://bileto.sympla.com.br/event/123382?share_id=1-copiarlink

Teatro Itália (Capacidade: 300 lugares)

Av. Ipiranga,344 – Edifício Itália - subsolo, São Paulo / SP

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.: Dez motivos para ler "Amaridades", de Sandra Tello Bohorquez

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

O livro "Amaridades" surge de um ponto delicado: o instante em que a vida exige revisão. Sandra Tello Bohorquez, colombiana radicada no Brasil, estreia no livro depois dos 60 anos, quando já não há interesse em performance, mas uma urgência em compreender a vida. O resultado é um texto que olha para o envelhecimento sem rodeios e sem idealizações, tratando-o como um território de reencontro com aquilo que ficou mal resolvido, dito pela metade ou simplesmente herdado sem escolha.

Dividida em 12 capítulos, a obra se organiza como uma travessia íntima. O livro não oferece soluções, mas exige um trabalho paciente de leitura das próprias origens, sustentado pela escuta e pelo reconhecimento de que a história familiar continua agindo mesmo quando não é óbvia. A seguir, dez razões para entrar nesse percurso. Compre o livro "Amaridades", de Sandra Tello Bohorquez, neste link.

1. O envelhecimento como ajuste de rota
Sandra Tello Bohorquez trata o tempo como matéria ativa, não como contagem regressiva. Envelhecer implica revisar decisões, reavaliar vínculos e reconhecer o que ainda está em aberto. "Amaridades" acompanha esse movimento sem pressa, observando como escolhas antigas continuam produzindo efeitos. Cada capítulo amplia esse deslocamento, mostrando que o avanço da idade pode reorganizar prioridades. O leitor encontra um convite à revisão sem estar acompanhado de promessa de conforto imediato.

2. Histórias familiares tratadas como matéria viva
Os episódios narrados partem de situações reconhecíveis: conversas interrompidas, conflitos recorrentes, afastamentos que nunca se explicaram por completo. Ao trazer esses fragmentos, constrói um painel em que o passado não está encerrado. O que foi vivido permanece operando, mesmo sem nome. A leitura evidencia como essas histórias continuam moldando comportamentos e decisões no presente.

3. Psicogenealogia aplicada ao cotidiano
A psicogenealogia aparece como ferramenta de leitura das relações familiares, sem excesso de terminologia técnica. Sandra articula conceitos com exemplos diretos, o que permite ao leitor identificar padrões sem depender de explicações acadêmicas extensas. A proposta não simplifica o tema, mas o aproxima da experiência comum. Ao observar repetições e rupturas entre gerações, o livro oferece instrumentos para reconhecer dinâmicas que muitas vezes passam despercebidas. O resultado é um entendimento mais claro das heranças invisíveis.

4. Escrita sustentada por experiência real
A trajetória da autora que deixou o ambiente corporativo para se dedicar ao projeto "Amaridades" passa pelo livro sem virar autobiografia. Esse percurso funciona como eixo e o texto se constrói a partir do que foi vivido, incluindo o processo de envelhecimento compartilhado com a mãe. Essa dimensão concreta dá densidade à narrativa e evita generalizações. O leitor acompanha transformações que não foram planejadas, mas assumidas ao longo do caminho.

5. Um projeto que antecede o livro
Desde 2017, Sandra coleta relatos de pessoas mais velhas sob o lema “Contando Histórias, Inspirando Futuros”. Esse acervo alimenta a escrita e amplia seu alcance. O livro não surge isolado; é resultado de uma prática contínua de escuta e registro. As experiências reunidas ao longo desses anos aparecem como pano de fundo, enriquecendo a análise das relações familiares. Essa base confere consistência ao texto e reforça seu vínculo com histórias reais.

6. A árvore genealógica como ferramenta de leitura
A investigação das origens familiares ganha forma concreta na reconstrução da árvore genealógica. O processo revela repetições, apagamentos e escolhas que atravessam gerações. Ao organizar essas informações, o leitor passa a enxergar conexões antes dispersas. A proposta não é apenas conhecer nomes e datas, mas compreender dinâmicas. Esse exercício desloca a percepção sobre a própria história e amplia o entendimento sobre comportamentos herdados.

7. Reinterpretação de dores antigas
Abandono, rejeições, segredos e perdas aparecem de maneira direta, sem tentativa de suavização. O diferencial está na forma como esses elementos são reorganizados ao longo da narrativa. Ao identificar padrões e vínculos, o livro propõe uma leitura mais ampla dessas experiências. O que antes parecia isolado passa a integrar um conjunto maior. Essa mudança de perspectiva não apaga a dor, mas altera sua posição dentro da história.

8. Relação entre memória e comportamento
O texto evidencia como experiências não elaboradas continuam influenciando atitudes, escolhas e relações. Emoções reprimidas e episódios não resolvidos reaparecem em situações distintas, criando repetições difíceis de identificar. Ao reconhecer essas conexões, o leitor passa a observar suas próprias respostas com mais precisão. "Amaridades" sugere que compreender essas relações pode abrir espaço para decisões diferentes, ainda que o processo não seja simples.

9. Um livro que se sustenta na escuta
A escuta aparece como prática central. Sandra constrói sua narrativa a partir de relatos, observações e convivências, sem impor interpretações fechadas. Essa postura cria um texto que acolhe diferentes experiências e permite múltiplas leituras. Ao priorizar o ouvir, "Amaridades" desloca o foco da explicação para a compreensão. O resultado é uma escrita que acompanha o ritmo das histórias que a originaram.

10. Maturidade como construção contínua
"Amaridades" apresenta a maturidade como processo em andamento. Trata-se ade lidar com o que foi recebido e decidir o que permanece. O livro aponta que esse trabalho envolve escolhas conscientes e revisão constante. Ao longo da leitura, fica claro que amadurecer exige enfrentar a própria história sem intermediários. O movimento proposto não encerra questões, mas reposiciona o leitor diante delas.

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.: Documentário “Lampião, Governador do Sertão” questiona o mito: herói?

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Lampião, Governador do Sertão” chega à plataforma de streaming Reserva Imovision com fôlego de investigação e gosto por contradição. Dirigido por Wolney Oliveira, que assina o roteiro ao lado de Margarita Hernández, o documentário encara de frente a figura de Virgulino Ferreira da Silva, o Lampião, sem aliviar nem simplificar. O que se vê é um personagem que ainda provoca disputa de narrativas: herói popular para alguns, líder violento para outros, sempre no centro de um país que nunca resolveu completamente suas próprias tensões.

O longa-metragem costura imagens raras, documentos, depoimentos e registros orais para reconstituir uma trajetória que não cabe em rótulos fáceis. Lampião surge como produto de um tempo e, ao mesmo tempo, como invenção contínua da cultura brasileira. A câmera percorre territórios do Nordeste e recolhe histórias que mantêm o cangaço vivo na memória, na literatura de cordel, no artesanato e no cinema. Esse percurso, aliás, não nasceu agora: o diretor acumula anos de pesquisa e chegou a registrar cerca de 180 horas de material sobre o tema em projetos anteriores, como “Os Últimos Cangaceiros”.

Apresentado no 29º Festival É Tudo Verdade e exibido também no Cine Ceará, o filme ganhou impulso em circuito de festivais antes de encontrar o público mais amplo. A produção ainda coleciona prêmios no Fest Aruanda, incluindo melhor documentário, roteiro, som e edição — reconhecimento que ajuda a dimensionar o cuidado formal do projeto. A trilha original leva a assinatura de DJ Dolores (Helder Aragão), enquanto a fotografia de Rogério Resende acompanha o tom investigativo com rigor e sensibilidade.

Wolney Oliveira, cineasta cearense com formação em Cuba, sustenta uma relação antiga com o universo do cangaço. Há muita pesquisa histórica, relatos de ex-cangaceiros e da própria cultura popular nordestina. Em “Lampião, Governador do Sertão”, essa dedicação aparece sem pressa, deixando que o material respire e revele suas próprias tensões.

Ficha técnica

“Lampião, Governador do Sertão”
Gênero: Documentário. Duração: 90 minutos. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 2024. Data de lançamento: 2025 (circuito e streaming). Idioma: Português. Direção: Wolney Oliveira. Roteiro: Wolney Oliveira e Margarita Hernández. Elenco: Depoimentos, imagens de arquivo e registros históricos de Virgulino Ferreira da Silva. Distribuição no Brasil: Kajá Filmes / Reserva Imovision (streaming). Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.

Assine a Reserva Imovision, a maior plataforma de filmes independentes da América Latina
A equipe do portal Resenhando.com acompanha os filmes por meio da plataforma de streaming Reserva Imovision, dedicada ao cinema independente e autoral. Para acessar o catálogo completo, conferir novidades e realizar sua assinatura, o aplicativo da plataforma ou o visite o site oficial neste link. A Reserva Imovision reúne filmes e séries cuidadosamente selecionados, ampliando o acesso a obras que valorizam a diversidade cultural, a reflexão e experiências cinematográficas diferenciadas. Você pode assinar a plataforma de streaming Reserva Imovision neste link.

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.: Peretjatko desafia bom senso e libera vampiros em “Vade Retro, Vampiro!”

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Vade Retro, Vampiro!” chega ao catálogo da plataforma de streaming Belas Artes À La Carte, com gosto de provocação e deboche, apostando no exagero. Dirigido por Antonin Peretjatko, o longa-metragem francês gira em torno do mito do vampiro conduzido por um elenco que abraça o absurdo com Estéban à frente, ao lado de Pascal Tagnati, Yolène Gontrand, Alma Jodorowsky e Arielle Dombasle.

A trama acompanha Norbert, um vampiro aristocrata pressionado por regras familiares rígidas e anacrônicas: ele precisa encontrar uma mulher de “sangue puro” para garantir a continuidade da linhagem. A viagem ao Japão, planejada como solução, termina em naufrágio em Boulet Rouge, uma ilha isolada. O que se instala ali não é exatamente um conflito, mas um desfile de situações descontroladas, em que o nonsense se impõe e a narrativa se recusa a se comportar.

Peretjatko, que assina o roteiro ao lado de Masa Sawada e Laure Desmazières, reorganizou o projeto após a pandemia inviabilizar parte do financiamento internacional. O Japão saiu de cena, e a história foi reconfigurada a partir de referências visuais e geográficas da Ilha de La Réunion, território francês no Oceano Índico. A limitação orçamentária - cerca de 1 milhão de euros - faz com que o filme assuma uma estética assumidamente precária, que flerta com o cinema de gênero europeu das décadas de 1970 e 1980.

O humor oscila entre o escracho e a sátira, cutucando temas como pureza racial e dogmas religiosos a partir de uma lente torta e quase carnavalesca. A escolha de Estéban, conhecido pelo trabalho cômico na televisão francesa, reforça esse tom: o Norbert interpretado por ele é, ao mesmo tempo, patético e magnético. Já Alma Jodorowsky carrega no sobrenome um histórico que dialoga com o espírito do filme - neta de Alejandro Jodorowsky, ela parece perfeitamente à vontade nesse universo que beira o delírio. Arielle Dombasle, por sua vez, amplia o lado camp da narrativa. Há quem enxergue no filme uma comédia anárquica cheia de fôlego e invenção; outros se incomodam com o excesso e a falta de eixo. “Vade Retro, Vampiro!” assume o risco de ser indigesto para alguns e irresistível para outros. 

Ficha técnica
“Vade Retro, Vampiro!” | “Vade Retro” (título original)
Gênero: comédia, terror. Duração: 95 minutos. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 2025. Data de lançamento: 31 de dezembro de 2025 (França). Idioma: francês. Direção: Antonin Peretjatko. Roteiro: Antonin Peretjatko, Masa Sawada, Laure Desmazières. Elenco: Estéban, Pascal Tagnati, Yolène Gontrand, Alma Jodorowsky, Arielle Dombasle, Pascal Légitimus. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

Assine o Belas Artes À La Carte, o streaming para quem ama cinema de verdade

A equipe do portal Resenhando.com acompanha parte da cobertura cinematográfica por meio da Belas Artes À La Carte, plataforma brasileira dedicada ao cinema de arte, clássicos e produções premiadas de diferentes países. Criado pelo grupo responsável pelo tradicional cinema Belas Artes, em São Paulo, em parceria com a Pandora Filmes, o serviço reúne um catálogo com curadoria especializada, incluindo obras raras, títulos restaurados e destaques de festivais internacionais. Para acessar o catálogo completo, conferir os lançamentos semanais e realizar a assinatura, basta acessar o site ou aplicativo da plataforma. Os planos têm valores acessíveis, com opção mensal e anual, além de locação avulsa para títulos específicos. Você pode assinar o Belas Artes À La Carte neste link.

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.: Obra finalista do International Booker e mais livros de Ana Paula Maia em box

A premiada Ana Paula Maia reúne em nova edição, no box "Saga dos Brutos", os sucessos "Entre Rinhas de Cachorros e Porcos Abatidos", "Carvão Animal", "De Gados e Homens" e "Assim na Terra como Embaixo da Terra". Este último, vencedor do Prêmio São Paulo de Literatura em 2018, chegou em 2026 a finalista do International Booker Prize, prêmio literário britânico e um dos mais importantes do mundo dado a obras traduzidas para o inglês. O projeto gráfico é do premiado Leo Iaccarino.

Maia dialoga com o cinema, com inspirações no horror e no suspense. Enterre seus mortos, também vencedor do prêmio São Paulo, ganhou adaptação para o cinema em 2025, e a autora roteirizou a série Desalma (Globoplay). "A Saga dos Brutos" reúne histórias de homens que abatem porcos, recolhem o lixo, desentopem esgoto, quebram asfalto, apagam incêndios, cremam corpos e comandam prisões. O retrato da vida amarga desses seres embrutecidos pelas tarefas que executam também é uma fotografia cruel do meio onde vivem. Compre o box de livros "Saga dos Brutos" neste link.

"Entre Rinhas de Cachorros e Porcos Abatidos"

Duas narrativas retratam homens submetidos à brutalidade do cotidiano. Em um subúrbio sufocante, Edgar Wilson e Gerson sobrevivem abatendo porcos e apostando em rinhas de cães. Na segunda história, trabalhadores da limpeza urbana enfrentam o caos após uma greve de coletores de lixo, enquanto Erasmo Wagner inicia uma jornada de acerto de contas com o passado. Compre o livro neste link.

"Carvão Animal"

Ernesto Wesley, Ronivon e Edgar Wilson são trabalhadores marginalizados, presos à dureza de suas funções e escolhas. Em uma atmosfera claustrofóbica, Ana Paula Maia revela personagens ambíguos, marcados pela violência, pela morte e pela perda de dignidade. Compre o livro neste link.

"De Gados e Homens"

Dois anos após Carvão animal, Edgar Wilson trabalha em um matadouro bovino. Mortes inesperadas de animais levam funcionários a questionamentos sobre trabalho, destino e existência em um cotidiano brutal e invisível. Compre o livro neste link.

"Assim na Terra como Embaixo da Terra"

Em uma colônia penal construída sobre um passado de tortura e assassinatos, o projeto de ressocialização dá lugar a um campo de extermínio. Nos últimos dias de funcionamento da prisão, horrores vêm à tona em uma narrativa impactante que analisa cenários de violência e desumanização. Compre o livro neste link.

Sobre a autora

Ana Paula Maia é escritora e roteirista. Tem nove livros publicados, incluindo "Assim na Terra como Embaixo da Terra", "Carvão Animal", "De Gados e Homens" e "Entre Rinhas de Cachorros e Porcos Abatidos", publicados pela Editora Record; e foi traduzida na Alemanha, Estados Unidos, Sérvia, França, Argentina e Itália. Vencedor do Prêmio São Paulo de Literatura, "Assim na Terra como Embaixo da Terra" foi finalista do International Booker Prize 2026, um dos principais prêmios da literatura mundial. Compre os livros de Ana Paula Maia neste link.

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.: Após a Flip, Valter Hugo Mãe percorre cidades brasileiras com novo romance

Autor português participa de bate-papos, festivais literários e sessões de autógrafos para celebrar o lançamento de "O Século dos Imbecis". Foto: divulgação

Após participar da Festa Literária Internacional de Paraty, o escritor Valter Hugo Mãe segue pelo Brasil para uma turnê de lançamento de "O Século dos Imbecis", novo romance publicado pela Biblioteca Azul, selo da Globo Livros. Até dia 15 de agosto, o escritor passará por São Luís, integrando a programação do Conversações de Além-mar – Encontro Internacional de Literatura de Língua Portuguesa, do Festival da Palavra de Curitiba; do Festival Literário de Niterói (FLIN) e Rio de Janeiro, em sessão de autógrafos na
Livraria da Travessa de Ipanema. Ele já passou por Brasília e São Paulo,

Em "O Século dos Imbecis", Valter Hugo Mãe constrói uma alegoria sobre os vícios e as virtudes da sociedade contemporânea. Com capa dura e projeto gráfico assinado pelo artista português Albuquerque Mendes, o livro acompanha Agilulfo, o excêntrico Marquês da Malandrinha, que vive em um palacete no alto das montanhas e exerce enorme fascínio sobre os habitantes de um pequeno vilarejo. O personagem é conhecido por uma característica insólita: quanto mais desce em direção ao nível do mar, mais emburrece; quanto mais sobe a montanha, mais lúcido e brilhante se torna. Entre o realismo mágico, o humor e a delicadeza característica da obra do autor, o romance reflete sobre o que há de mais contraditório na experiência humana. Compre o livro "O Século dos Imbecis", de Valter Hugo Mãe, neste link.


"A felicidade estava tão disponível no espetáculo da burrice, que todos se aproveitavam daquela que fosse alheia tanto quanto podiam" 
Um homem que emburrece ao descer a montanha. Um vilarejo movido por ambições, paixões e ressentimentos. Mulheres que, com gestos discretos e revolucionários, desafiam convenções e transformam a vida coletiva. Em "O Século dos Imbecis",, novo romance de Valter Hugo Mãe, a realidade e o fantástico se entrelaçam em uma narrativa que investiga, com humor, ironia e sensibilidade, aquilo que há de mais contraditório na experiência humana.

No alto das montanhas ergue-se a Malandrinha, palacete que domina a paisagem de uma pequena comunidade. Ali vive Agilulfo, o excêntrico Marquês da Malandrinha, conhecido por uma característica peculiar: quanto mais desce em direção ao nível do mar, mais emburrece; quanto mais sobe, mais lúcido se torna. Em torno dessa figura fascinante, desenrola-se uma trama em que desejo, inveja, vergonha, ganância, empatia, solidariedade e estupidez atravessam a vida dos personagens e revelam os mecanismos mais íntimos da convivência humana.

Entre a sátira social e o realismo mágico, Valter Hugo Mãe constrói uma alegoria sobre os excessos, os preconceitos, as crenças e as fragilidades que moldam a vida em comunidade. Ao mesmo tempo, o romance encontra nas personagens femininas uma força transformadora capaz de desafiar hierarquias, reinventar destinos e apontar novos caminhos para a coletividade.

Considerado um dos mais importantes escritores da literatura contemporânea em língua portuguesa, Valter Hugo Mãe é autor de obras marcantes como O filho de mil homens, adaptado para o cinema pela Netflix, A desumanização e A máquina de fazer espanhóis, entre outros sucessos. Depois de Educação da tristeza, livro em que se aproximou da biografia para refletir sobre a experiência do luto, o autor retorna ao terreno da ficção com a mesma prosa lírica e singular que o consagrou internacionalmente. 

Em "O Século dos Imbecis", Valter Hugo Mãe revisita temas centrais de sua obra - pertencimento, afeto, poder, fragilidade e esperança - para criar um romance ao mesmo tempo divertido e inquietante, capaz de provocar o riso enquanto lança um olhar mordaz sobre quem somos. Uma história que transforma o absurdo em beleza e convida o leitor a reconhecer, nos personagens da Malandrinha, algo de si mesmo. Publicado em edição de capa dura com ilustração assinada pelo artista português Albuquerque Mendes, "O Século dos Imbecis" já chegou às livrarias em pela Biblioteca Azul. 

Sobre o autor

Valter Hugo Mãe é um dos mais destacados autores portugueses da atualidade. Sua obra foi traduzida para diversas línguas, e recebeu prestigiado acolhimento em muitos países. É autor dos romances "Deus na Escuridão", "As Doenças do Brasil", "Contra Mim" (Grande Prêmio de Romance e Novela - Associação Portuguesa de Escritores); "Homens Imprudentemente Poéticos";  "A Desumanização";  "O Filho de Mil Homens";  "A Máquina de Fazer Espanhóis" (Prêmio Oceanos);  "O Apocalipse dos Trabalhadores";  "O Remorso de Baltazar Serapião" (Prêmio Literário José Saramago);  "O Nosso Reino" e "O Século dos Imbecis". Escreveu "Educação da Tristeza", uma não-ficção, e também alguns livros para todas as idades, entre os quais:  "Contos de Cães e Maus Lobos", "O Paraíso São os Outros", "As Mais Belas Coisas do Mundo",  "Serei Sempre o Teu Abrigo" e "A Minha Mãe É a Minha Filha". Todas essas obras são publicadas no Brasil pela Biblioteca Azul. Compre os livros de Valter Hugo Mãe neste link.

Confira a programação:

São Luís (MA)
Conversações de Além-mar – Encontro Internacional de Literatura de Língua Portuguesa
Bate-papo e sessão de autógrafos
Dia 6 de agosto, quinta-feira, às 18h00.
São Luís Hall - Avenida Professor Carlos Cunha, 1000, Jaracati - São Luís (MA)

Curitiba (PR)
Festival da Palavra de Curitiba
Bate-papo “A Delicadeza Contra a Brutalidade” e sessão de autógrafos
Dia 8 de agosto, sábado, às 20h00
Auditório do Museu Oscar Niemeyer - Rua Marechal Hermes, 999, Centro Cívico - Curitiba (PR)

Niterói (RJ)
Festival Literário de Niterói (FLIN)
Bate-papo e sessão de autógrafos
Dia 14 de agosto, sexta-feira, em horário a confirmar
Reserva Cultural Niterói — Avenida Visconde do Rio Branco, 880, São Domingos - Niterói (RJ)

Rio de Janeiro (RJ)
Lançamento de "O Século dos Imbecis"
Sessão de autógrafos
Dia 15 de agosto, sábado, às 18h00
Livraria da Travessa de Ipanema - Rua Visconde de Pirajá, 572, Ipanema - Rio de Janeiro (RJ)

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.: Treze autoras transformam canções de Taylor Swift em contos

Em "13 Histórias de Amor", antologia juvenil que chega às livrarias em agosto pela Intrínseca, nomes de peso da literatura contemporânea internacional se inspiram em canções de Taylor Swift para explorar temas como o primeiro amor, as dores de um coração partido, a força da amizade, as incertezas do amadurecimento e o processo de descobrir quem se é para além de um relacionamento. Escritas por Lynn Painter, Jesse Q. Sutanto, Elise Bryant, J. Elle, Jennifer Dugan, Jessica Goodman, Julie Murphy, Katharine McGee, Krystal Marquis, Laura Sebastian, Sara Shepard, Crystal Maldonado e Sloan Harlow, as histórias acompanham personagens em momentos decisivos da juventude.

Com tradução de  Beatriz D’Oliveira e Nathália Dimambro, os contos são organizados como as faixas de uma playlist e alternam estilos, atmosferas e interpretações sobre sentimentos presentes nas músicas que os inspiraram. Para os fãs da cantora, a leitura também está repleta de referências do universo de Taylor Swift. Ao mesmo tempo, as histórias funcionam de maneira independente e acompanham personagens que tentam compreender as próprias emoções em fases marcadas por mudanças e decisões difíceis.

Em um dos contos, uma estudante do ensino médio prepara um grande gesto para demonstrar à melhor amiga a importância daquela relação. Em outro, dois jovens no último ano da escola tentam conciliar a atração que sentem com os caminhos distintos que pretendem seguir depois da formatura. Há ainda uma universitária prestes a iniciar uma carreira promissora que precisa reavaliar o relacionamento no qual depositou seus planos para o futuro. O amor funciona como o fio que conecta a antologia, mas surge em diferentes formas. 

As autoras de "13 Histórias de Amor" estão entre alguns dos principais nomes contemporâneos da literatura jovem. O grupo reúne escritoras best-sellers do New York Times e do USA Today, autoras premiadas e donas de obras adaptadas para o audiovisual. Lynn Painter, por exemplo, autora de "Melhor do que nos Filmes", já ultrapassou a marca de um milhão de exemplares vendidos no Brasil.  Compre o livro "13 Histórias de Amor" neste link.

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.: Da era “Bruceploitation”, filme “Jogo da Morte II”, traz Bruce Lee de volta

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Jogo da Morte II” chega à plataforma de streaming Reserva Imovision como um artefato curioso de um momento em que a indústria de Hong Kong ainda tentava lidar com a ausência de Bruce Lee e, ao mesmo tempo, explorava a imagem dele até o limite. Lançado em 1981, o longa-metragem dirigido por Ng See-yuen, com sequências supervisionadas por Sammo Hung e Corey Yuen, reorganiza fragmentos do astro em uma narrativa de vingança que rapidamente troca de protagonista para seguir com outro corpo em cena.

Na trama, Billy Lo “retorna” em imagens de arquivo enquanto investiga a morte suspeita do amigo Chin Ku. O roteiro, assinado por Ting Chak-luen e Ho Ting-sing, conduz a história por caminhos abruptos até eliminar o personagem e transferir o eixo dramático para Bobby Lo, interpretado por Tong Lung (na verdade Kim Tai-chung), um dos vários dublês associados ao fenômeno que ficou conhecido como “Bruceploitation” - nome dado a uma onda de filmes produzidos após a morte de Bruce Lee, nos anos 1970 e início dos 80, que exploravam a imagem e popularidade dele. Esses longas-metragens usavam dublês fisicamente parecidos, nomes artísticos semelhantes (como Bruce Li, Bruce Le, Dragon Lee) e até cenas reaproveitadas do próprio ator para simular sua presença. 

Era uma estratégia comercial para manter o público atraído pelo mito de Bruce Lee, muitas vezes com resultados irregulares, mas que acabou se tornando um subgênero cult do cinema de artes marciais. A partir daí, o filme assume de vez sua vocação de espetáculo físico, com combates coreografados que sustentam o ritmo mesmo quando a narrativa se mostra irregular. O elenco reúne nomes recorrentes do cinema de artes marciais da época, como Hwang Jang-lee, Roy Horan e Roy Chiao.

Nos bastidores, o projeto carrega a marca da Golden Harvest, produtora que capitalizou o legado de Bruce Lee após sua morte em 1973. Parte das cenas com o ator foi reaproveitada de “Operação Dragão”, estratégia que já havia gerado controvérsia em “Jogo da Morte” (1978), dirigido por Robert Clouse. Em "O Jogo da Morte 2", a montagem tenta integrar melhor esse material, ainda que o resultado revele suas costuras.

Há momentos que beiram o delírio - um caixão roubado por helicóptero durante um funeral, um palácio comandado por um vilão excêntrico cercado por leões - e que ajudam a explicar por que o filme ganhou status de peça cult entre fãs do gênero. Longe de ser unanimidade, “Jogo da Morte II” segue despertando curiosidade por aquilo que representa: um cinema que improvisa, recicla e insiste em transformar ausência em presença.

Ficha técnica
“Jogo da Morte II” | “Si Wang Ta” (título original) | “Torre da Morte” (título em Portugal)

Gênero: ação / artes marciais. Duração: 96 minutos. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 1981. Data de lançamento: 21 de março de 1981. Idioma: cantonês. Direção: Ng See-yuen, Sammo Hung, Corey Yuen. Roteiro: Ting Chak-luen, Ho Ting-sing. Elenco: Bruce Lee, Tong Lung (Kim Tai-chung), Hwang Jang-lee, Roy Horan, Roy Chiao. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.

Assine a Reserva Imovision, a maior plataforma de filmes independentes da América Latina
A equipe do portal Resenhando.com acompanha os filmes por meio da plataforma de streaming Reserva Imovision, dedicada ao cinema independente e autoral. Para acessar o catálogo completo, conferir novidades e realizar sua assinatura, o aplicativo da plataforma ou o visite o site oficial neste link. A Reserva Imovision reúne filmes e séries cuidadosamente selecionados, ampliando o acesso a obras que valorizam a diversidade cultural, a reflexão e experiências cinematográficas diferenciadas. Você pode assinar a plataforma de streaming Reserva Imovision neste link.

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