.: Sandra Sá canta sucessos no Teatro do Sesc 24 de Maio

No palco, de "Olhos Coloridos" a "Retratos e Canções", a cantora interpreta músicas dos seus 45 anos de carreira. Foto: divulgação

O Teatro do Sesc 24 de Maio recebe, nos dias 23 e 24 de janeiro, a cantora Sandra Sá. O show conta com um mix de diferentes estilos musicais, como MPB, soul, samba e funk, além de canções que foram importantes ao longo da carreira. Sandra Sá, é uma cantora, compositora, musicista e atriz brasileira. Conhecida por seu timbre grave da voz, a carioca nasceu em 1955. 

Chegou a iniciar, em 1977, faculdade de Psicologia, mas desistiu antes da conclusão quando umas de suas canções, intitulada “Morenando”, foi gravada por Leci Brandão. Logo depois, viria a ser descoberta como intérprete, com “Demônio Colorido”, seu álbum de estreia, em 1980. Em 45 anos de trabalho, Sandra conta com algumas parcerias musicais. Em 1983, se juntou com Tim Maia em “Vale Tudo”, canção que ganhou clipe musical e deu nome ao disco da artista. S

As músicas de Sandra Sá levantam temáticas contemporâneas, como em “Olhos Coloridos”, que relata o racismo enfrentado em um país que é majoritariamente composto por miscigenação. As músicas da artista já foram temas de algumas novelas, “Bye Bye Tristeza” em “Que Rei Sou Eu?” (1989) foi uma delas. Recentemente regravou nova versão de “Dona de Mim”, ao lado de IZA, autora da canção, e a artista Azzy, para a novela que leva o mesmo nome, e tem a previsão de fim para 2026.

Serviço 
Show de Sandra Sá no Sesc 24 de maio 
Dias 23 e 24 de janeiro, sexta e sábado, às 20h00
Sesc 24 de Maio, Rua 24 de Maio, 109, São Paulo – 350 metros da estação República do metrô
Classificação: 12 anos
Ingressos: sescsp.org.br/24demaio ou através do aplicativo Credencial Sesc SP- R$ 60,00 (inteira), R$ 30,00 (meia-entrada) e R$ 18,00 (Credencial Sesc).
Duração do show: 90 minutos
Serviço de Van: Transporte gratuito até as estações de metrô República e Anhangabaú. Saídas da portaria a cada 30 minutos, de terça a sábado, das 20h00 às 23h00, e aos domingos e feriados, das 18h00 às 21h00.

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.: Entrevista: Patrick Selvatti discute envelhecimento e desejo em novo romance

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com.

Escritor, jornalista e finalista do Concurso de Dramaturgia da TV Record, Patrick Selvatti voltou à ficção. Em “Ainda Sou Mar”, romance digital lançado pela Amazon, o autor deixa para trás a adolescência prolongada que marcou parte de sua obra e avança para um terreno mais áspero: o de um homem que já foi desejado, já foi referência e agora precisa lidar com o fim do próprio protagonismo.

Marlon Petit tenta entender onde ainda cabe. Ex-modelo internacional, ele circula pelo Rio de Janeiro entre praias, sessões de terapia improvisadas e encontros sexuais que já não prometem permanência. Selvatti constrói esse mosaico sem suavizar o universo gay masculino nem transformar seus personagens em exemplos edificantes. O sexo aparece com crueza, mas nunca como ornamento ou provocação vazia. Nesta entrevista exclusiva ao portal Resenhando.com, o autor fala sobre envelhecimento, desejo, racismo, apagamento profissional e o desconforto de seguir em movimento enquanto o mundo insiste em não esperar ninguém.

Resenhando.com - Você escreveu recentemente dois romances que dialogam com fases diferentes da vida: juventude e maturidade. Em que momento percebeu que precisava escrever sobre o envelhecimento do desejo com "Ainda Sou Mar"?

Patrick Selvatti - Tenho uma marca autoral registrada muito forte relacionada à juventude. Do meu romance de estreia, "Os Filhos da Revolução", até agora, com "A Orquídea e o Beija-flor", abordo muito a juventude. Coincidentemente, ambas histórias nasceram quando eu era adolescente. Percebi que precisava evoluir para a faixa madura quando eu próprio cruzei esse limiar. A partir dos 40 anos, eu comecei a notar o silêncio em torno desse tema. O desejo envelhece, mas a narrativa sobre ele some! Existe uma espécie de pacto social, especialmente dentro do meio gay, que associa erotismo à juventude eterna. Quando o corpo começa a mudar, o desejo vira algo quase vergonhoso, deslocado... Escrever sobre isso é uma tentativa de romper esse silêncio e de me recusar a aceitar que o afeto e o tesão tenham prazo de validade.

Resenhando.com - Marlon Petit foi um corpo desejado, consumido e descartado. Em algum ponto da escrita você sentiu que estava narrando menos a história de um personagem e mais a anatomia cruel de um sistema que transforma pessoas em fetiche?

Patrick Selvatti - Totalmente. Marlon Petit é menos um indivíduo isolado e mais um corpo atravessado por um sistema que valoriza, usa e descarta. A escrita foi revelando isso aos poucos: não se trata apenas de quem ele é, mas do lugar que o mercado do desejo reserva para certos corpos em determinados momentos da vida. O romance acabou se tornando uma espécie de autópsia emocional desse mecanismo cruel que, como o próprio personagem diz, "te mastiga e te cospe". E ele não se refere apenas ao desejo sexual, mas também ao comercial, onde um corpo, mesmo considerado mito para a mídia, é rapidamente substituído.

Resenhando.com - O que você pensa que mais incomoda hoje em “Ainda Sou Mar”: a explicitude do sexo ou o fato de um homem gay de 42 anos ainda desejar, sofrer e sentir medo de desaparecer?

Patrick Selvatti - Espero que incomode mais o segundo ponto, viu? Afinal, ainda há um falso moralismo em relação a tudo que envolve o sexo, né? Mas a literatura erótica não é uma ferramenta exclusiva do homem gay, que, por tantas vezes, é acusado de promiscuidade. Tanto que os maiores best sellers do gênero dialogam com mulheres, donas de casa que, hoje, consomem narrativas como as da trilogia "365 Dias" assim como minha mãe lia as coleções "Bianca", "Júlia" e "Sabrina" no passado. Aqui, o sexo explícito é quase um álibi moral para alcançar o debate real. A pornografia atrai e fascina, mas não aprofunda. E o meu intuito é que o que realmente desconcerte não seja o realismo cru da narrativa, mas a ideia de que um homem gay maduro ainda sente, deseja, erra e sofre... Existe uma expectativa silenciosa de que, passado um certo tempo, o desejo deveria se aposentar junto com o corpo, e isso é profundamente violento!

Resenhando.com - Ao criar um influenciador de 19 anos como reflexo do protagonista, você quis denunciar uma herança simbólica tóxica ou admitir que todos, em alguma medida, aprendem a desejar de forma equivocada?

Patrick Selvatti - Existe uma herança simbólica sendo passada adiante, sim, mas ela não surge do nada. Todos nós aprendemos a desejar dentro de estruturas que associam valor à aparência, poder à juventude e afeto à performance. O jovem não é vilão, ele é produto e espelho. O romance tenta mostrar esse ciclo sem simplificações morais. Mas a ligação do personagem Mateus com Marlon vem em camadas que vão se apresentando de forma muito poética. E dialoga muito também com questões parentais que, segundo Freud, pautam o fetiche. Para mim, a passagem mais bonita do livro é quando os personagens que representam as três gerações se unem e, literal e poeticamente, se despem uns para os outros em uma praia de nudismo. Ali, eles falam do desejo sexual, mas também do ponto que mais os fere: suas relações parentais. É bonito e eu me emocionei escrevendo!

Resenhando.com - O vizinho negro sexagenário carrega o peso do estereótipo do “preto bem-dotado”. Ao escrever esse personagem, o que mais incomodou você: expor o racismo estrutural do desejo ou perceber o quanto ele é reproduzido dentro da própria comunidade gay?

Patrick Selvatti - Na realidade, Alex surge na narrativa como o espelho que Marlon não quer ver. Ele "despreza" o vizinho que se instala ao seu lado em plena pandemia por representar aquilo que ele enxerga que será seu futuro: um homem gay maduro e solitário que apela ao sexo pago para se sentir desejado. Isso é muito forte! Independentemente da cor da pele, Alex simboliza a velhice gay que a comunidade isola. Mas sempre me incomodou perceber o quanto esse racismo ligado à objetificação é naturalizado e reproduzido internamente. Não se trata apenas de um olhar branco sobre o corpo negro, mas de um sistema de desejo que se perpetua mesmo entre quem também é marginalizado. O próprio Alex busca corpos pretos, jovens e instrumentalmente avantajados para se satisfazer. Ele carrega essa contradição no corpo e na afetividade, e isso torna sua dor ainda mais complexa. Foi uma escolha necessária que o personagem fosse preto, sexagenário, bem-dotado e passivo. E sua profissão, bombeiro que apaga incêndios e salva-vidas no mar, não é à-toa: o personagem luta para conter suas próprias chamas e, ao mesmo tempo, não se afogar no mar revolto.

Resenhando.com - No livro, o marido dermatologista que vive da estética íntima masculina é uma provocação direta à indústria da perfeição. Você acredita que o culto ao corpo se tornou uma nova forma socialmente aceita de autoviolência?

Patrick Selvatti - Acredito plenamente. Quando o cuidado vira obsessão e a autoestima depende de procedimentos, métricas e validação externa, há violência, ainda que bem embalada. O culto ao corpo, hoje, opera como uma exigência social disfarçada de escolha individual. É uma forma elegante de coerção. No meio gay, ela também vem muito associada à distorção da virilidade e da potência: tamanho vira documento. E há o agravante de o personagem Benício sofrer de uma compulsão sexual diagnosticada. A doença está ali, sendo tratada, ainda que maquiada pelo discurso bonito da harmonização. Essa relação conjugal também espelha uma realidade atual que merece uma lente de aumento: até que ponto o amor livre é saudável e uma escolha de mão dupla? É polêmico isso...

Resenhando.com - Seu romance escancara o universo gay masculino sem suavizações. Existe uma cobrança, seja ela explícita ou silenciosa, para que narrativas LGBTQIAPN+ sejam sempre edificantes, pedagógicas ou “exemplares”?

Patrick Selvatti - Talvez se espere que personagens LGBTQIAPN+ representem uma espécie de manual de conduta ou um discurso politicamente correto permanente. Mas isso seria injusto e limitador. Personagens têm o direito de ser contraditórios, falhos, incômodos... A ficção não precisa pedir desculpas por mostrar zonas sombrias. O ser humano, por essência, é complexo. Em diversas situações, Marlon pode deixar de ser vítima para ser algoz. Uma leitora me escreveu que não sabe se sente pena ou raiva dele em diversos momentos. E é exatamente sobre isso.

Você bebe na fonte da teledramaturgia e assume o folhetim como linguagem. Em tempos de literatura que tenta parecer séria demais, o exagero emocional ainda é um ato de resistência narrativa?

Patrick Selvatti - O exagero emocional da dramaturgia sempre foi uma forma de dizer verdades que o realismo contido não alcança. O folhetim entende que sentimento também é estrutura narrativa. Em um momento em que tudo precisa parecer asséptico e intelectualizado, assumir emoção, melodrama e intensidade é, sim, um gesto de resistência. Estamos em um momento peculiar do nosso audiovisual, onde as tradicionais novelas precisam se render ao ritmo alucinante das séries e do consumo rápido do digital. Mas também é o momento em que o Brasil está se curvando ao seu cinema, sabendo valorizar narrativas mais profundas e com mais pausas. "Ainda Sou Mar", inclusive, nasceu de um argumento para um filme. E ele está pronto para se tornar um. 

As ilustrações criadas com auxílio de Inteligência Artificial tensionam o debate sobre autoria e imagem. Para você, elas ampliam a experiência literária ou revelam o quanto a literatura também está refém da lógica visual das redes?

Patrick Selvatti - As ilustrações foram uma escolha consciente e que conduziram toda a narrativa. As imagens foram nascendo junto com a história - muitas delas, aliás, fizeram com que passagens da narrativa nascessem - tal qual ocorre com o storyboard de um filme. "Ainda Sou Mar" não seria o mesmo romance sem o apelo visual, a retratação em imagens. É uma história sobre estética, e as ilustrações contam essa história. Para o leitor, elas ampliam a experiência, mas também podem escancarar essa dependência da imagem, sim. Não vejo isso como contradição, mas como sintoma do nosso tempo. A literatura sempre dialogou com outras linguagens. Ignorar o peso do visual hoje seria artificial. O importante é que a imagem não substitua a palavra, mas dialogue com ela.

Antes de perder o lugar como corpo desejável, Marlon Petit já havia perdido o lugar como referência profissional. O que dói mais: deixar de ser desejado ou deixar de ser necessário?

Patrick Selvatti - Acho que deixar de ser necessário dói mais, porque o desejo ainda pode ser negociado, reinventado, deslocado... A necessidade não. Quando você deixa de ser referência profissional, perde não só espaço, mas função simbólica. É como se o mundo dissesse: “Seguimos sem você”. Isso atinge a identidade de forma muito mais profunda do que o espelho.

O romance sugere que o mercado não envelhece ninguém, ele simplesmente substitui. Em que medida o apagamento profissional é a primeira forma de violência simbólica sofrida pelo protagonista?

Patrick Selvatti - O apagamento profissional vem antes do apagamento do corpo porque ele é silencioso. Ninguém anuncia que você ficou obsoleto, você apenas vai deixando de ser chamado. Para Marlon Petit, essa ausência de demanda antecede o declínio do desejo. O mercado opera por substituição, não por transição. Não há rito de passagem, só descarte. É uma ferida muito mais profunda, e é o que desencadeia nele a impotência sexual como um sintoma dos danos à sua saúde mental... Marlon traz muitas camadas, para além do homem narcisista que vê sua imagem o sugar para o fundo do mar.

Resenhando.com - Marlon Petit foi um “mito” e virou "passado". Você acredita que nossa cultura sabe lidar com trajetórias ou apenas com novidades? Há espaço para a experiência ou só para o próximo hype?

Patrick Selvatti - Nossa cultura é profundamente obcecada pela novidade. Ela consome histórias apenas enquanto elas rendem visibilidade, e não é à toa que vivemos a ditadura do reels. Trajetórias exigem memória, e memória dá trabalho, "Ainda Estou Aqui " e "O Agente Secreto" nos esfrega isso na cara. O hype é fácil porque é descartável. A experiência, ao contrário, exige escuta, paciência e reconhecimento. Essas coisas são cada vez mais raras, né?

Resenhando.com - Existe uma solidão específica de quem já foi alguém profissionalmente e hoje precisa se reinventar fora dos holofotes. Essa dor é menos falada do que a crise do corpo. Por quê?

Patrick Selvatti - Porque a crise do corpo é visível, e sua reparação está ao alcance dos procedimentos estéticos. Já a perda de relevância profissional é invisível e profundamente envergonhante. Admitir que você já teve importância e, hoje, não tem mais é confrontar o medo coletivo de inutilidade. É uma solidão que não rende likes, nem empatia imediata. É fato: o derrotado não engaja.

Escrever "Ainda Sou Mar" foi também uma forma de elaborar o medo de que a relevância profissional tenha prazo de validade, especialmente para quem construiu a própria identidade em torno do reconhecimento público?

Patrick Selvatti - Sem dúvida. Para além do dilema gay, o livro nasceu desse medo que me foi apresentado em diversas entrevistas que fiz e sigo fazendo com artistas, na maioria heterossexuais. Um em especial, que se tornou meu amigo pessoal, desabafava muito comigo sobre o fato de estar com 35 anos e "não ter acontecido". Essa angústia me atravessou muito - afinal, um homem nessa faixa etária está no auge, mas não para a indústria do like. Quando sua identidade está atrelada ao olhar do outro, a perda de reconhecimento vira um abismo. Escrever foi uma tentativa de nomear essa angústia, de encará-la sem a romantização de que envelhecer é bonito. Não para resolver essa angústia, mas para entendê-la e, talvez, sobreviver a ela com mais consciência. E trazer esse tom cinzento que não aparece no colorido do arco-íris foi a cereja do bolo.

Depois de “Ainda Sou Mar”, fica a sensação de que envelhecer é um ato político. Escrever esse livro foi mais um gesto de sobrevivência pessoal ou uma forma de dizer que o desejo também tem direito à maturidade?

Patrick Selvatti - Mas é um ato político, e não sou eu quem afirmo isso, quem sou eu? (risos). Eu só constato que envelhecer, especialmente sendo gay, é resistir a uma lógica que tenta nos apagar. Escrever esse livro, para mim, foi reafirmar que o desejo não pertence apenas à juventude e que a maturidade também tem direito ao corpo, ao afeto, ao erro e ao prazer. É uma declaração de existência.

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.: "O Último Ato" estreia com Eduardo Martini e direção de Elias Andreato

Do encontro entre dois artistas movidos pela mesma chama — o amor absoluto pelo teatro — nasce um espetáculo que abre a discussão sobre a morte assistida. Foto: Morgade

"O Último Ato" nasce de um encontro casual: foi numa manhã de outono, entre um café e um pão de queijo, que Eduardo Martini convidou Franz Keppler para escrever um novo texto teatral. Um mês depois, a obra estava pronta. Dessa parceria surgiu um espetáculo potente e sensível, que aborda uma história de amor entre dois homens e mergulha em um tema delicado e urgente: o suicídio assistido. A direção é assinada por Elias Andreato.

Na trama, um pintor de reconhecimento internacional e seu companheiro mais jovem, juntos há 43 anos, preparam-se para viajar ao Porto, em Portugal, cidade onde se conheceram. A princípio, seria apenas mais uma das muitas viagens que o casal realizou ao redor do mundo, não fosse esse o último destino antes da decisão definitiva do pintor: recorrer ao suicídio assistido após o agravamento dos sintomas do Alzheimer. 

Na noite que antecede a partida, o companheiro mais jovem faz e recebe ligações de amigos próximos. Essas conversas constroem diferentes pontos de vista sobre a escolha extrema, ampliando o debate e revelando, sobretudo, a força dos vínculos afetivos. Em meio à despedida, o espetáculo destaca a importância do amor, da amizade e do respeito à decisão do outro, mesmo quando ela exige a maior das renúncias. Com delicadeza e coragem, "O Último Ato" propõe uma reflexão profunda sobre autonomia, dignidade e o amor que permanece até o fim.

Serviço

"O Último Ato"

Autor:  Franz Keppler

Direção: Elias Andreato

Elenco: Eduardo Martini

Duração: 60 minutos

Classificação: 12 anos

Gênero: drama

Temporada: de 22 janeiro a 26 fevereiro, quintas-feiras, às 20h.

Ingressos: R$ 80,00 | R$ 40,00 (meia)

Bilheteria: abre 1h30 antes do espetáculo

Ingressos on-line: https://bileto.sympla.com.br

Teatro União Cultural - 269 lugares

Rua Mario Amaral, 209 - Paraiso

Estação Metrô Brigadeiro

Tel: (11) 3885-2242

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.: Escrevivência de Conceição Evaristo vira tema de ópera no Theatro São Pedro

Programação terá as óperas "Orfeu no Inferno", "Don Pasquale" e "Conceição Evaristo - Uma Ópera Escrevivência", com texto da própria autora que completa 80 anos em 2026. Foto: divulgação

A temporada 2026 do Theatro São Pedro ganha um ponto de inflexão simbólico e artístico com “Conceição Evaristo - Uma Ópera Escrevivência”, criação que coloca no centro do palco uma das vozes mais decisivas da literatura brasileira contemporânea. Em um gesto que ultrapassa a programação cultural e toca a história, o teatro dedica uma ópera inteira à autora mineira justamente no ano em que ela completa 80 anos - e o faz com texto assinado pela própria escritora.

A estreia está marcada para 20 de novembro, Dia da Consciência Negra, data que não poderia ser mais precisa para a proposta do espetáculo. As récitas seguintes acontecem nos dias 22, 25, 27 e 29 de novembro, esta última coincidindo com o aniversário de Conceição Evaristo. Não se trata apenas de uma homenagem, mas de uma afirmação estética e política: a ópera, gênero historicamente associado a narrativas europeias e cânones brancos, abre espaço para a escrevivência - conceito criado pela autora para nomear uma escrita atravessada por memória, corpo, experiência e ancestralidade.

Com composição musical de Juliana Ripke, a obra articula palavra e música a partir da própria matéria literária de Evaristo, marcada por vozes femininas negras, silêncios históricos e afetos forjados na resistência cotidiana. No elenco estão Edna D’Oliveira, Juliana Taino e Vinicius Costa, que dão corpo e voz a uma narrativa que não busca acomodação, mas escuta. Na mesma temporada, o teatro ainda apresenta títulos como “Orfeu no Inferno”, “Don Pasquale”, produções da Academia de Ópera, criações inéditas do Atelier de Composição Lírica, além de uma programação que envolve cinema, dança, música de câmara e concertos especiais.

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.: Shajara Bensusan lança “Spectrophilia”, obra híbrida sobre memória e existência

“Spectrophilia” é um livro que trabalha com a ideia de memória e espectro, circulando entre filosofia e ficção sem se fixar em um gênero específico. Mais do que um autor no sentido tradicional, Shajara Néehilan Bensusan aparece como uma autoria atravessada por vozes, mitos e experiências que ampliam os limites do pensamento filosófico. Lançado pela Editora Cultura e Barbárie, o livro propõe um experimento literário que mistura reflexão teórica, imaginação e desejo, em um território que o próprio texto insiste em manter instável.

A obra se organiza como um percurso em três movimentos, atravessado por questões de gênero, vida, morte, política e pertencimento. Em “Spectrophilia”, a morte não surge como oposição à vida, mas como parte constitutiva dela - incômoda, erótica, afetiva. Ao situar esse debate em espaços simbólicos como Chungara (ex-América Latina), o livro articula reflexão filosófica e conflito político, sugerindo que tanto a vida quanto a morte são atravessadas por disputas de poder e modos de existir.

Sobre o autor
Shajara Néehilan Bensusan é professor associado do Departamento de Filosofia da Universidade de Brasília. Doutor pela University of Sussex, atuou como pesquisador e professor visitante em diversas universidades no Brasil e no exterior. Autor de extensa produção acadêmica e ensaística, publicou, entre outros títulos, Spectrophilia (Cultura e Barbárie, 2025), Memory Assemblages (Bloomsbury, 2024) e História Sul-Americana da Imortalidade (Cultura e Barbárie, 2024).

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.: "Cinderela" é atração no 42º Festival de Férias do Teatro Uol

Os atores Ravenna Ortiz e Tito Soffredini interpretam todos os personagens em uma performance marcada pela criatividade, agilidade e um irresistível jogo cênico. Foto: Will Siqueira

Até dia 1º de fevereiro, o Teatro Uol, em São Paulo, recebe sete clássicos infantis que atravessam gerações e seguem vivos no repertório afetivo de muita gente. Dentro da programação do 42º Festival de Férias do Teatro Uol, aos sábados de domingos, às 16h00, será apresentado o espetáculo infantil "Cinderela", que revisita o clássico conto da jovem sonhadora em uma montagem ágil e cheia de humor. 

Nesta versão moderna, apenas dois atores interpretam todos os personagens - Cinderela, Madrasta, as irmãs Anastácia e Drizella, o Rei, o Príncipe, os conselheiros e até os ratinhos - em uma performance marcada pela criatividade, agilidade e um irresistível jogo cênico. A história acompanha Cinderela enfrentando as injustiças impostas pela família enquanto guarda, com delicadeza e força, o desejo de uma vida melhor. 

Com a intervenção mágica da Fada Madrinha, ela chega ao Baile Real, vive um encontro encantador com o Príncipe e deixa para trás o famoso sapatinho de cristal que mudará seu destino. Com trocas de personagens em segundos, interpretações hilárias, surpresas visuais e muita imaginação, o espetáculo transforma o conto tradicional em uma experiência original, leve e encantadora — capaz de envolver crianças e adultos. Elenco: Ravenna Ortiz e Tito Soffredini. Texto e direção: Ian Soffredini. Realização: Teatro dos Sonhos. Data: até 1° de fevereiro, sábados e domingos, às 16h00. Duração: 60 minutos. Classificação: livre - indicação: a partir de três anos.

Sobre o Festival de Férias do Teatro Uol

Graças a uma curadoria rigorosa e consistente desde a primeira edição, o Festival de Férias do Teatro Uol, que em 2026 completa 25 anos de atividade, consolidou-se como o mais longevo de São Paulo. Localizado no Shopping Pátio Higienópolis, o Teatro Uol oferece uma experiência completa, reunindo conforto, segurança e fácil acesso, criando um cenário ideal para um programa de férias completo: entrar na sala, desligar o celular, se encantar com as histórias e sair com a cabeça cheia de arte e imaginação.

Serviço
Festival de Férias do Teatro Uol
De 5 de janeiro a 1º de fevereiro

Ingressos: R$ 100,00 (inteira) | R$ 50,00 (meia-entrada)

Televendas: (11) / 3823-2423 / 3823-2737 / 3823-2323

Vendas on-line: www.teatrouol.com.br

Horário de funcionamento da bilheteria em janeiro: segundas e terças, das 14h00 às 16h00, quartas, quintas e sextas das 14h00 às 20h00, sábados, das 13h00 às 22h00, e domingos, das 13h00 às 20h00. Não aceita cheques. Aceita os cartões de crédito: todos da Mastercard, Redecard, Visa, Visa Electron e Amex.  Estudantes e pessoas com 60 anos ou mais têm os descontos legais. Clube Uol e Clube Folha têm 50% desconto.

Teatro Uol

Shopping Pátio Higienópolis - Av. Higienópolis, 618, Terraço. Tel.: (11) 3823-2323 

Acesso para cadeirantes- Ar-condicionado- Estacionamento do Shopping: consultar valor pelo tel: 4040-2004- Venda de espetáculos para grupos e escolas: (11) 3661-5896, (11) 99605-3094 – Patrocínio do Teatro UOL: UOL, Folha de S. Paulo, Germed e Interfood.

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.: Entrevista com Samir Murad: ator leva o passado ao limite do palco

Em cartaz na Arena B3, o solo de Samir Murad confronta imigração, memória e saúde mental sem concessões. Foto: divulgação

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com.

Samir Murad entra em cena sozinho e não pede empatia antecipada. Em “O Cachorro Que Se Recusou a Morrer”, em cartaz no Teatro da Arena B3, neste final de semana, dias 17 e 18 de janeiro, com sessões às 14h30 e 17h00, o ator não transforma a própria história em confissão nem usa a memória como ornamento. O que se vê é um trabalho de risco: lidar com imigração, herança familiar, saúde mental e pertencimento sem o conforto da explicação fácil ou da catarse fabricada. 

Entre humor seco e drama frontal, Murad constrói um solo que recusa tanto a reverência quanto a autopiedade. Em entrevista exclusiva para o portal Resenhando.com, ele fala sobre caos criativo, genealogia, urgência, dublagem, corpo, e sobre por que o teatro ainda é o lugar onde certas histórias podem ser ditas sem se tornarem espetáculos de si mesmas.

Resenhando.com - Ao transformar lembranças familiares em cena, você sente que está organizando o passado ou aceitando, finalmente, o seu caos? O que o teatro permite fazer que a memória, sozinha, não dá conta?
Samir Murad - Creio que a aceitação do caos provocado pelas lembranças, é fundamental para um verdadeiro processo criativo, principalmente quando se lida com as memórias reais de uma vida. No caso desse trabalho onde sou criador da escritura literária e cênica, a memória se potencializa. Como sou essencialmente um ator, essa memória se torna carne e osso ou seja, quando escrevo, aquele texto já tem um endereço certo: a Cena. E sim. Creio que o Teatro mais do que qualquer outro veículo, possibilita esse recurso de dividir a palavra e o ato que é intimo, com uma infinidade de outros universos pessoais

Resenhando.com - O espetáculo fala de imigração e pertencimento, mas também de saúde mental. Há algo de adoecido na própria ideia de “origem”, quando ela passa a nos definir demais?
Samir Murad - Acho que qualquer definição que rotule ou categorize o ser-humano pode incorrer em erros graves. Tipo “eu sou assim porque sou de origem tal...”, sem a possibilidade de ressignificação da própria origem”. Estamos em um momento que se fala muito de questões que procuram ligar as pessoas e povos às suas origens ancestrais, tendo o sangue e a terra como principais referências e penso que, esse resgate de identidade,faz sentido nos tempos atuais e eu mesmo faço isso nesse trabalho. Quando vemos segmentos étnicos como índios, negros, só para citar dois, se embebedando e se drogando para aguentar o desvio forçado que tiveram de suas origens, aí sim podemos ver a doença mental se instalando. Quando falo de uma irmã que teve um surto esquizofrênico que, por uma sensibilidade mal direcionada, não suportou a “ barra” de uma criação excessivamente pesada, acho que estou falando de muitas famílias que tem um doente mental em casa e muitas vezes nem sabem ou não dão a devida atenção. Assim não acho a ideia de busca da “origem” em si, adoecida. Qualquer busca verdadeira envolve uma abertura de visão ou uma reflexão sobre o objeto no qual se debruça e isso a meu ver já é válido.

Resenhando.com - O humor aparece no espetáculo quase como um desvio estratégico. Você ri para sobreviver às histórias que conta ou para impedir que elas se tornem insuportavelmente solenes?
Samir Murad - Gostei do quase. Na verdade, eu não usaria um desvio estratégico somente para não cansar o espectador ou pesar demais a mão. A minha sobrevivência se dá no ato de decidir fazer Teatro para poder fazer esse trabalho com todas as suas assumidas variações de humor, inclusive com uma absoluta solenidade em algumas passagens. Mas por incrível que pareça, há muito humor em algumas situações que narro e meu pai mesmo, era um contador de histórias muito engraçado, com uma picardia que se estende a outros membros de minha família. Naturalmente não estou falando de um humor fácil ou apelativo mas de uma forma de perceber a Vida, ligeiramente colorida pela ironia ou também de uma seriedade excessiva que acaba ficando cômica. Além disso eu queria alguns traços de humor , embora não me ache propriamente um comediante, para prestar homenagem a personagens de minha infância como Chaplin e Ronald Golias e me permiti esse exercício.

Resenhando.com - Filho de imigrantes libaneses, você carrega uma herança cultural muito marcada. Em que momento essa herança deixou de ser um legado e passou a ser uma cobrança?
Samir Murad - Pode-se dizer que a cobrança estava nas entrelinhas, em relação à aspectos morais, relacionais e de conduta, principalmente durante a minha infância. Como eu fui temporão, já peguei uma pai mais velho e cansado que acho, afrouxou um pouco a corda. Havia uma preocupação até maior dos irmãos para que eu seguisse alguma carreira rentosa de preferência ligada ao comércio que é uma tradição libanesa. A adolescência para variar foi bem difícil. Quando já no vestibular decidi ser artista e que fique claro, meu pai nunca me impediu disso, acho que transformei meu legado dramático em Teatro e pude pensar e sentir minha história através das lentes da Arte

Resenhando.com - A encenação aposta em projeções, trilha original e uma atuação descrita como visceral. O corpo, para você, ainda é um território confiável para contar histórias — ou também é um campo de conflito?
Samir Murad - Acho que o corpo é o principal instrumento para um ator. Confiável numa medida pessoal em que cada ator o valoriza e também é um campo de conflitos. A meu ver esses conflitos são extremamente poderosos e criativos e quanto mais controle você tem do seu corpo mais você pode experimentar um descontrole e contar uma história de diferentes maneiras. Para mim o conflito subjaz na existência do ator e na sua necessidade de estar em cena. Esse é o grande conflito: “por que eu tenho que entrar em cena e contar uma história? Como posso fazer isso da melhor forma possível?” Olha aí o conflito.

Resenhando.com - Depois de décadas atuando, dublando, ensinando e dirigindo, você retorna a um trabalho profundamente autobiográfico. Isso é um gesto de coragem tardia ou de urgência absoluta?
Samir Murad - Aí que está. Eu não retornei. Eu continuei. Esse trabalho é o coroamento de uma quadrilogia que se iniciou em 2000 com meu primeiro solo. Todos esses trabalhos solos falam de genealogia, pertencimento, ancestralidade e saúde mental entre outros temas comuns. Sem eles O Cachorro... não existiria. O ineditismo desse, é que me debrucei sobre minhas próprias lembranças , mas todos os outros trazem elementos que mesclam as trajetórias das personagens com elementos da minha história. Todos são afinados com minha pesquisa que tem Antonin Artaud como principal referência ética e estética. Acho que a coragem tardia veio na verdade com meu primeiro solo que aliás, só tornou-se um solo por uma sequência de coincidências e que foi o trabalho que mais deu certo em minha vida, um divisor de águas. Ele nasceu com uma urgência absoluta assim como os outros, inclusive esse último. Acho que essa urgência eu trago comigo, ainda e que acredito seja uma mistura do espirito artaudiano que me habita com o desespero árabe e que se estende as outras atividades que você cita na pergunta. Podem rir.

Resenhando.com - A dublagem ocupou mais de 20 anos da sua vida. Que vozes alheias ficaram em você - e quais delas precisaram ser silenciadas para que essa voz autoral emergisse?
Samir Murad - Não percebo dessa forma excludente, de precisar silenciar vozes para que voz autoral emerja. Essa voz existe desde que escrevia músicas e poemas na adolescência e foi aparecendo como uma extensão de meu trabalho de ator, quando comecei a escrever meus textos. A dublagem surgiu como um veículo a mais para ampliar minhas possibilidades de atuação. Já fiz teatro, televisão e dublagem ao mesmo tempo e tudo tinha a sua importância, a sua própria voz. Sempre procurei imprimir em qualquer veículo, um alinhamento artístico coerente com o que me constitui. Hoje me dedico cada vez mais às minhas construções autorais, que me dão maior autonomia sobre o processo, mas a possibilidade de participar de projetos alheios será sempre bem-vinda. As vozes da dublagem assim como os personagens de novelas e peças que fiz e que não faço mais, hibernam em um cantinho aconchegado do meu coração.

Resenhando.com - O espetáculo se constrói como um encontro íntimo com o público. Você teme que essa intimidade seja confundida com exposição, ou acredita que o teatro ainda é o último lugar possível para esse risco?
Samir Murad - Acho que você já respondeu. Sim, o Teatro ocupa esse lugar para mim, seja atuando em uma peça de minha autoria ou não. A intimidade do ator em cena em um solo só será confundida com exposição se ele e(ou) a encenação assim o desejar e aí ao meu ver o fenômeno teatral não acontece e tanto faz ser um solo ou não. Em "O Cachorro..." eu estou só em cena e falo um texto escrito por mim sobre a minha família. Isso por si só poderia constituir-seem uma obra com tintas excessivamente auto referentes. O fato é que existem muitos espetáculos que seguem essa linha ou seja, não existe nada de inédito no meu trabalho desse ponto de vista. Acredito que o diferencial esteja em como as formas e conteúdos apresentados por cada um desses espetáculos chega até o querido espectador de Teatro.

Resenhando.com - Em um país que frequentemente romantiza a imigração e ignora os traumas desse ato, que tipo de desconforto você espera provocar em quem assiste?
Samir Murad - O espetáculo tem algumas divisões como digamos, uma pequena sinfonia e os momentos mais dramáticos compõem apenas uma parte dele. Por isso chamo a peça de drama bem humorado. Nas temporadas que fizemos o que percebi, é que há um envolvimento maior do espectador nas partes mais dramáticas. Não sei muito bem porque mas atribuo isso à empatia provocada pelas situações talvez comuns a muitos, como já ouvi de espectadores ao vivo e em depoimentos gravados. O riso, a farsa divertem e afastam, o drama aproxima. Acho que é isso. O fato é que o drama da imigração é um problema atual e mundial e algumas imagens realmente podem tocar o coração do espectador. O desconforto que pode surgir, advém da crueza das situações que são denunciadas onde o imigrante é visto sem véus, como uma pessoa que teve que abandonar sua terra natal para tentar a vida numa terra desconhecida. Isso por si só já e cruel.

Resenhando.com - Depois de transformar memórias familiares em cena, o que sobra quando as luzes se apagam: alívio, esgotamento ou a sensação de que ainda há histórias que se recusam a descansar?
Samir Murad - Linda pergunta. Olha, há uma sensação muito grande de missão cumprida. Um esgotamento gostoso. Boa parte desses textos foram retirados de uma autobiografia que comecei a escrever e foram adaptados para o Teatro. Essa outra obra, aí sim literária, naturalmente traz muitas outras histórias entrelaçadas como essa e se propõem um dia a virar um livro. Então claro, essas histórias se recusam a descansar e sem dúvida existe uma urgência em termina-las. No entanto, o cansaço da vida tem me ensinado a não correr mas a viver caminhando junto com a Arte. Muito obrigado por essa linda entrevista. Espero todos lá!

Ficha técnica
Espetáculo "O Cachorro Que Se Recusou A Morrer"
Criação, texto e atuação: Samir Murad
Direção: Delson Antunes e Samir Murad
Cenografia: José Dias
Figurino e Adereços: Karlla de Luca
Desenho de Luz: Thales Coutinho
Trilha Sonora: André Poyart e Samir Murad
Direção de Movimento: Samir Murad
Videocenário: Mayara Ferreira
Assistente de Direção: Gedivan de Albuquerque
Programação Visual: Fernando Alax
Fotos: Fernando Valle
Direção de produção: Fernando Alax
Produção executiva: Wagner Uchoa
Operação audiovisual: Marco Agrippa
Operação de luz: Chico Hashi
Realização: Cia Teatral Cambaleei, mas não caí... 

Serviço
"O Cachorro Que Se Recusou A Morrer"
Dias 17 e 18 de janeiro, sábado e domingo, sessões às 14h30 e 17h00
Arena B3 - Centro Histórico de São Paulo
Duração: 70 minutos
Classificação: L=livre
Ingressos: https://bileto.sympla.com.br/event/114363/d/355043/s/2395277?

 
Sobre a B3
A B3, a bolsa do Brasil, tem o compromisso de apoiar a democratização do acesso à cultura, por meio de parcerias e patrocínios que facilitem o acesso da sociedade a esses espaços. Em 2023, a bolsa do Brasil apoiou 25 projetos, e possibilitou que mais de 95 mil pessoas acessassem os 7 museus patrocinados por meio do oferecimento também de dias de gratuidade. Dentre as instituições apoiadas estão o MASP, a Pinacoteca de São Paulo, o MIS, o Museu Judaico e MUB3, na capital paulista, o Instituto Inhotim, localizado em Minas Gerais, e o Museu do Amanhã, no Rio de Janeiro. Além das gratuidades, a bolsa do Brasil patrocina ainda uma série de iniciativas culturais, como musicais, eventos e exposições.

Sobre a Aventura
Fundada em 2008, e liderada por Aniela Jordan, diretora artística e produção e geral, Luiz Calainho, diretor de marketing e negócios, e por Giulia Jordan, diretora geral de venues, a Aventura é referência na produção de espetáculos de altíssima qualidade, que tornou o mercado de teatro musical um dos principais segmentos da economia criativa no Brasil. A empresa se estabeleceu como uma grande aliada da multiplicidade artística, fundamental para o desenvolvimento social, econômico e cultural. A sua missão é transformar grandes ideias em realidade, criando fortes conexões entre marcas e projetos. São mais de 40 produções, de espetáculos inéditos e de versões da Broadway, como “Elis, a musical”, “A Noviça Rebelde”, “Sete”, “O Mágico de Oz”, “SamBRA”, “Chacrinha, o musical”, “Romeu & Julieta, ao som de Marisa Monte”, “Merlin e Arthur, um sonho de liberdade” e o infantil “Zaquim”. Em 2022, a produtora inovou com o primeiro musical em formato de série do país, o “Vozes Negras – A Força do Canto Feminino”, e com o musical “Seu Neyla”, apresentado em dois palcos com o uso da internet para criar uma experiência diferenciada no espectador, além de estrear uma parceria com a Disney - Pixar com o espetáculo “Pixar in Concert”. Com o objetivo de democratizar o acesso à cultura, criou a Cia Stone de Teatro, projeto de teatro itinerante no interior do Brasil e é a responsável pela produção da Cia de Ballet Dallal Achcar. Ao todo, foram mais de 3,8 mil apresentações e cerca de 4,5 milhões de espectadores, mais de 16 mil empregos diretos e indiretos gerados, números que não param de crescer. 

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.: Teatro: "Flashdance" abre audições para montagem brasileira do musical

Clássico absoluto do cinema dos anos 1980, "Flashdance" ganhou o mundo a partir do filme lançado em 1983, que se tornou um fenômeno da cultura pop. O sucesso nas telas deu origem à adaptação para os palcos, que desde então vem conquistando plateias em diferentes países e agora chega ao Brasil em uma nova montagem que estreia em São Paulo, com temporada prevista para abril e maio de 2026. A montagem brasileira tem direção geral de Ricardo Marques, com direção associada de Igor Pushinov, direção musical de Paulo Nogueira e coreografias de Tutu Morasi.

Inspirado na história da jovem operária que sonha em se tornar bailarina profissional, o musical preserva a energia, o romantismo e as músicas que marcaram gerações. O filme venceu o Oscar de Melhor Canção Original com “Flashdance… What a Feeling” e consolidou seu lugar na história do entretenimento. Nos palcos, "Flashdance - O Musical" já foi encenado com sucesso em países como Reino Unido e Estados Unidos, reafirmando a força da obra também no teatro musical. A produção brasileira, realizada pela 4ACT Entretenimento, busca atores, cantores e bailarinos com forte presença cênica, versatilidade e energia.

Os interessados devem enviar currículo atualizado, foto recente (rosto e corpo inteiro) e link com vídeo cantando uma música dos anos 80 para flashdance@4act.art.br, até o dia 22 de janeiro de 2026. Mais informações na página oficial do musical: @flashdancebrasil_

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.: “Show dos Becker” revela o circo como arte do encontro e da precisão

Cada artista revela sua especialidade sem perder o espírito de conjunto, criando um espetáculo dinâmico, acessível e envolvente para todas as idades. Foto: divulgação

Quatro artistas em cena transformam o picadeiro em território de invenção, humor e destreza. Em “Show dos Becker”, malabaristas e palhaços do Grupo Irmãos Becker apresentam números coletivos e solos que dialogam com a tradição circense e a linguagem do circo contemporâneo, sempre com leveza e precisão técnica. A apresentação será no próximo domingo, dia 18 de janeiro, às 17h30, na área de convivência do Sesc Santos.

Chapéus que ganham vida, monociclo em permanente desafio ao equilíbrio, objetos que parecem desafiar a gravidade e o delicado malabarismo de contato com bola de acrílico compõem uma sequência de números que se encadeiam com criatividade, ritmo e humor. Cada artista revela sua especialidade sem perder o espírito de conjunto, criando um espetáculo dinâmico, acessível e envolvente para todas as idades.

O encerramento surpreende: uma coreografia de arrumação do picadeiro transforma o gesto cotidiano em poesia visual, culminando em uma impressionante demonstração de malabarismo coletivo, que reafirma o virtuosismo e a sintonia do grupo.

Ficha técnica
Espetáculo circense "Show dos Becker"

Direção: Grupo Irmãos Becker

Concepção: Cristina Becker

Trilha sonora: Domingo Duclo

Figurino: As Mariposas

Iluminação: Marcos Diglio

Produção: Os Meninos da Cris

Coordenação artística: Thainá Souza

Elenco: André Becker, Chino Mario, Thiago Cintra, Alexandre Lavorini, Eduardo Amaral

Serviço
Espetáculo circense "Show dos Becker"

Data: 18 de janeiro (domingo)

Horário: 17h30

Local: Convivência

Entrada: gratuita

Classificação: livre

Duração: 50 minutos

Venda de ingressos
As vendas de ingressos para os shows e espetáculos da semana seguinte (segunda a domingo) começa na semana anterior às atividades, em dois lotes: on-line pelo aplicativo Credencial Sesc SP e portal do Sesc São Paulo: às terças-feiras, a partir das 17h00. Presencialmente, nas bilheterias das unidades: às quartas-feiras, a partir das 17h00.

Bilheteria Sesc Santos - Funcionamento
Terça a sexta, das 9h às 21h30 | Sábados e domingos, 10h às 18h30   

Sesc Santos
Rua Conselheiro Ribas, 136 - Aparecida / Santos
Telefone: (13) 3278-9800        
Site do Sesc Santos
Instagram e Facebook: @sescsantos

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.: "Alice no País das Maravilhas" é atração no Festival de Férias do Teatro Uol

Unindo tecnologia e arte, o espetáculo inova ao utilizar projeções em 3D com óculos de lentes azul e vermelha e músicas originais, que ampliam o universo lúdico e aproximam a magia da cena. Foto: Ronaldo Gutierrez

Até dia 1º de fevereiro, o Teatro Uol, em São Paulo, recebe sete clássicos infantis que atravessam gerações e seguem vivos no repertório afetivo de muita gente. Dentro da programação do 42º Festival de Férias do Teatro Uol, aos sábados de domingos, às 14h30, será apresentado o espetáculo infantil "Alice no País das Maravilhas". 

Escrito e dirigido por Leandro Mariz, apresenta a jornada de uma garota sonhadora em busca de um mundo de aventuras e descobertas, onde tudo pode acontecer. Misturando fantasia, humor e personagens icônicos, a peça celebra a força da imaginação e mostra como crescer também pode ser aprender a olhar de modo diferente para o mundo.

Unindo tecnologia e arte, o espetáculo inova ao utilizar projeções em 3D com óculos de lentes azul e vermelha e músicas originais, que ampliam o universo lúdico e aproximam a magia da cena. Elenco:  Roberta Scatola, Titzi Oliveira, Aurélio Lima e Lucas Morais. Texto e direção: Leandro Mariz. Realização: Morada da Cultura. Até dia 1° de fevereiro, sábados e domingos, às 14h30. Duração: 60 minutos. Classificação: livre - indicação: a partir de três anos.

Sobre o Festival de Férias do Teatro Uol

Graças a uma curadoria rigorosa e consistente desde a primeira edição, o Festival de Férias do Teatro Uol, que em 2026 completa 25 anos de atividade, consolidou-se como o mais longevo de São Paulo. Localizado no Shopping Pátio Higienópolis, o Teatro Uol oferece uma experiência completa, reunindo conforto, segurança e fácil acesso, criando um cenário ideal para um programa de férias completo: entrar na sala, desligar o celular, se encantar com as histórias e sair com a cabeça cheia de arte e imaginação.

Serviço
Festival de Férias do Teatro Uol
De 5 de janeiro a 1º de fevereiro

Ingressos: R$ 100,00 (inteira) | R$ 50,00 (meia-entrada)

Televendas: (11) / 3823-2423 / 3823-2737 / 3823-2323

Vendas on-line: www.teatrouol.com.br

Horário de funcionamento da bilheteria em janeiro: segundas e terças, das 14h00 às 16h00, quartas, quintas e sextas das 14h00 às 20h00, sábados, das 13h00 às 22h00, e domingos, das 13h00 às 20h00. Não aceita cheques. Aceita os cartões de crédito: todos da Mastercard, Redecard, Visa, Visa Electron e Amex.  Estudantes e pessoas com 60 anos ou mais têm os descontos legais. Clube Uol e Clube Folha têm 50% desconto.

Teatro Uol

Shopping Pátio Higienópolis - Av. Higienópolis, 618, Terraço. Tel.: (11) 3823-2323 

Acesso para cadeirantes- Ar-condicionado- Estacionamento do Shopping: consultar valor pelo tel: 4040-2004- Venda de espetáculos para grupos e escolas: (11) 3661-5896, (11) 99605-3094 – Patrocínio do Teatro UOL: UOL, Folha de S. Paulo, Germed e Interfood.

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.: Crítica: "Marty Supreme" reflete a imaturidade de quem nega a realidade

"Marty Supreme" está em cartaz na Cineflix Cinemas de Santos

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora do Resenhando.com

Em janeiro de 2025

O longa dramático, ambientado no mundo esportivo, "Marty Supreme", inspirado no mesatenista Marty Reisman, que viveu diversos episódios curiosos e reais em sua trajetória pessoal e esportiva, apresenta uma história tão cheia de reviravoltas que parece um novelão ao longo de suas 2 horas e 29 minutos de duração. De fato, o longa dirigido por Josh Safdie ("Bom Comportamento" e "Se Eu Tivesse Pernas Eu Te Chutaria") vai além da vivência do esportista, entregando muito o que somente uma produção cinematográfica é capaz de realizar.

O protagonista nitidamente abraçado por Timothée Chalamet até consegue fazer o público torcer por ele, apesar do estilo extravagante, personalidade narcisista e somente ter interesse em ganhar dinheiro com apostas e jogos de exibição. Usando chapéus e roupas coloridas, Marty é um tanto que insuportável por condutas desonestas e absurdas. Seja por negar veementemente a paternidade ou passar a mão no dinheiro de um acidentado e, de quebra, sumir com o animal de estimação o qual combinou levar no veterinário. 

Marty é o tipo de pessoa que transpira problemas e mais problemas, sempre levando a todos ao seu redor para o mesmo abismo, sobrando sempre algo extremamente desagradável. E, claro, com a personalidade de quem não se compromete com nada, além do tênis de mesa, ou ninguém, Marty "leva a vida na flauta" com tamanha naturalidade. Sendo totalmente competente para se esquivar de qualquer responsabilidade elabora planos mirabolantes para conseguir o dinheiro alheio de modo fácil. 

O mentir parece algo familiar e habitual, uma vez que a própria mãe o faz. Perfeitamente doutrinado com mentiras, Marty é o tipo de personagem traiçoeiro, porém Timothée Chalamet entrega tanto a ponto de conquistar o público e, facilmente, mergulha cada um dentro da sala de cinema na trama cheia de ação, conseguindo até com que, hora ou outra, acabemos torcendo por este homem tão errado.

Chalamet dá um show de atuação, interpretando com maestria o jogar do tênis de mesa. Tendo a trilha sonora como complemento perfeito e de excelente seleção, o longa inicia com "Forever Young", da banda Alphaville e termina com um momento emocionante e que representa a virada na chave da mudança de vida daquele que viveu o auge da imaturidade, estando, então, ao som de "Everybody Wants To Rule The World", de Tears For Feavers. De fato, o trecho "Welcome to your life, there's no turning back" (Bem-vindo à sua vida, não há volta) diz tudo e consegue concluir tantos disparates. Excelente filme que tem ainda no elenco Gwyneth Paltrow e Odessa A'Zion!

O Resenhando.com é parceiro da rede Cineflix Cinemas desde 2021. Para acompanhar as novidades da Cineflix mais perto de você, acesse a programação completa da sua cidade no app ou site a partir deste link. No litoral de São Paulo, as estreias dos filmes acontecem no Cineflix Santos, que fica no Miramar Shopping, à rua Euclides da Cunha, 21, no Gonzaga. Consulta de programação e compra de ingressos neste link: https://vendaonline.cineflix.com.br/cinema/SAN.

"Marty Supreme". (Marty Supreme). Gênero: Biografia, Comédia Dramática, Esporte. Direção: Josh Safdie. Roteiro: Josh Safdie, Ronald Bronstein Elenco Principal: Timothée Chalamet, Gwyneth Paltrow, Odessa A'Zion, Tyler, the Creator, Fran Drescher, Abel Ferrara. Duração: 2h 29min. Sinopse: Baseado na vida de Marty Reisman, um jogador de tênis de mesa. 

Trailer de "Marty Supreme"

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.: Atuação forte de Timothée Chalamet será pedra no sapato de Wagner Moura

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com.

Antes superestimado sem mostrar a que veio, Timothée Chalamet finalmente abandona a pose blasé que o acompanhou por anos e assume um papel que exige presença física, risco emocional e fúria em “Marty Supreme”, em cartaz em sessões antecipadas na Rede Cineflix e em cinemas de todo o Brasil. O resultado é uma atuação expansiva, suada, agressiva, rigorosamente construída, a melhor da carreira dele até agora e, sem nenhum exagero, material legítimo de Oscar. Chalamet ocupa a cena, domina o ritmo do filme e impõe um personagem mal-caráter e extremamente carismático que vive no limite da obsessão. Será uma pedra no sapato de Wagner Moura na disputa pelo Oscar

Dirigido por Josh Safdie, em seu primeiro longa solo, o filme rejeita a ideia de cinebiografia ilustrativa e prefere a vibração do mito. Inspirado de forma livre na trajetória do lendário mesatenista Marty Reisman, o roteiro transforma a ascensão esportiva em discussão de tensão social, psicológica e moral. O tênis de mesa aparece como espaço de disputa em que classe, ego, sobrevivência e espetáculo se misturam.

A entrega física de Chalamet é decisiva para essa credibilidade. O ator treinou tênis de mesa por cerca de sete anos, desde 2018, atravessando outras produções de grande escala, levando mesas para sets de filmagem, praticando obsessivamente entre uma cena e outra. Esse investimento aparece na tela de forma nítida. Não há cortes que disfarçam, muito menos dublês que salvam a cena. Cada movimento do ator carrega precisão, cansaço, cálculo e risco. 

Ao longo de duas horas e meia, o filme se sustenta sem desgaste. O tempo não pesa porque as sequências se encadeiam por tensão. A montagem mantém o espectador em estado de alerta, enquanto o protagonista afunda em relações instáveis, alianças interesseiras e conflitos que nunca se resolvem de forma limpa. O elenco de apoio reforça essa instabilidade, com destaque para Odessa A’zion, que interpreta uma mocinha controversa, e Gwyneth Paltrow, em uma atuação corajosa de mulher seca, ambígua, desconfortável, muito distante de personagens conciliadores.

A trilha sonora, repleta de hits dos anos 1980, funciona como escolha estética deliberada, não como erro de época de uma história que se passa mais ou menos na década de 1950. O filme não manipula para forçar uma empatia automática do protagonista, nem oferece uma redenção confortável. É um retrato cru da ambição como motor e veneno, como se fosse um estudo sobre homens que confundem talento com direito e desejo com destino. Nesse terreno instável, Chalamet encontra o espaço ideal para romper com a própria imagem pública e provar, finalmente, do que é capaz quando o cinema exige mais do que beleza e minimalismo.

Ficha técnica
“Marty Supreme” (título original)
Gênero: cinebiografia, drama. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 2025. Idioma: inglês. Direção: Josh Safdie. Roteiro: Josh Safdie e Ronald Bronstein. Elenco: Timothée Chalamet, Gwyneth Paltrow, Odessa A’zion e outros. Distribuição no Brasil: Diamond Films. Duração: 2h29m. Cenas pós-créditos: não.

Assista no Cineflix Cinemas mais perto de você
As principais estreias da semana podem ser assistidos na rede Cineflix Cinemas. Para acompanhar as novidades da Cineflix mais perto de você, acesse a programação completa da sua cidade no app ou site a partir deste link. No litoral de São Paulo, as estreias dos filmes acontecem no Cineflix Santos, que fica no Miramar Shopping, à rua Euclides da Cunha, 21, no Gonzaga. Consulta de programação e compra de ingressos neste link: https://vendaonline.cineflix.com.br/cinema/SAN. O Resenhando.com é parceiro da rede Cineflix Cinemas desde 2021.

Cineflix Miramar | Santos
De 16 e 17 de janeiro | Sessões legendadas | 21h00
No Miramar Shopping | Rua Euclides da Cunha, 21 - Gonzaga - Santos / São Paulo. Ingressos neste link.

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