.: “Ordinary Days” estreia em SP e cruza quatro vidas na rotina de Nova York

Musical Off-Broadway de Adam Gwon ganha sua primeira montagem paulistana sob direção de Glaucia da Fonseca e direção musical de Laura Loup

Dez anos depois de chegar aos palcos brasileiros, no Rio de Janeiro, “Ordinary Days” finalmente desembarca em São Paulo. O musical Off-Broadway escrito pelo compositor norte-americano Adam Gwon estreia nesta segunda-feira, 9 de novembro, no Teatro Ruth Escobar, onde segue até 15 de dezembro, com sessões às segundas e terças-feiras, às 20h00, além de apresentações adicionais nos dias 12, 21 e 28 de novembro e 3 de dezembro. Com direção de Glaucia da Fonseca, direção musical de Laura Loup e realização da COALVE Produções, a história acompanha quatro jovens que têm suas trajetórias cruzadas de maneira inesperada em Nova York. Em meio à rotina acelerada da metrópole, relacionamentos, perdas, encontros e expectativas colocam os personagens diante de questões bastante familiares para quem vive em uma cidade grande.

No elenco estão Camila Vergasta, Éri Correia, Gabriel Alvim e Mau Alves, nos papéis de Deb, Claire, Warren e Jason, respectivamente. Ma Ikeda, Bruna Guimarães, Thiago Gonçalves, Nestor Fonseca e Bernardo Rasador integram a equipe de swings, profissionais que assumem os personagens ao longo da temporada quando necessário. A trama parte de duas histórias que caminham em paralelo. Jason e Claire enfrentam uma nova etapa do relacionamento quando ele se muda para o apartamento dela, trazendo à tona expectativas e inseguranças sobre a vida a dois. Já Deb, estudante universitária, perde o caderno em que guarda as anotações de sua tese. Warren encontra o objeto e decide devolvê-lo. O encontro dá origem a uma amizade capaz de mudar a forma como os dois observam a própria vida.

Com texto, músicas e letras de Gwon, “Ordinary Days” utiliza as canções para conduzir a narrativa e revelar desejos, conflitos e inseguranças. O espetáculo alterna humor e situações de maior carga emocional ao acompanhar acontecimentos aparentemente banais que acabam interferindo no percurso dos personagens. Embora ambientada em Nova York, a história encontra uma aproximação evidente com São Paulo. Afinal, em uma metrópole onde milhões de pessoas dividem os mesmos espaços diariamente, encontros fortuitos, amizades inesperadas e pequenas decisões podem alterar uma rotina inteira.

A montagem paulistana reúne ainda assistência de direção de Larissa Garcia, preparação vocal de Pedro Coppeti, versões brasileiras de Caio Loki e do elenco, figurinos e visagismo de Luan Carvalho, adaptação cenográfica de Rodrigo Gomes, iluminação de Luiz Fernando Vaz Jr. e desenho e operação de som de Mattheus Silva.

A passagem de “Ordinary Days” pelo Brasil começou em agosto de 2016, quando o musical foi apresentado no Teatro Serrador, no Rio de Janeiro. A primeira montagem brasileira teve direção de Reiner Tenente e direção musical de Marcelo Farias, com elenco formado por Hugo Bonemer, Gabi Porto, Caio Loki e Mau Alves, entre outros artistas que se revezavam nos papéis principais. Agora, Mau Alves retorna à obra na montagem paulistana, que também estabelece uma conexão direta com aquela primeira produção brasileira.

“Ordinary Days” começou a ser desenvolvido pelo New York Theatre Barn e teve sua estreia mundial em 2008, no Pennsylvania Centre Stage, nos Estados Unidos. No mesmo ano, participou do Festival of New Musicals da National Alliance for Musical Theatre e ganhou sua primeira produção europeia no Finborough Theatre, em Londres. Em outubro de 2009, a obra chegou ao circuito Off-Broadway de Nova York em uma montagem da Roundabout Theatre Company. Dois anos depois, em 2011, o musical teve temporada no Trafalgar Studios, no West End londrino.

Desde então, “Ordinary Days” ganhou montagens em países como Austrália, Coreia do Sul, Argentina e Brasil. Entre os reconhecimentos ligados à obra está a indicação ao Drama League Award de Destaque em Remontagem de Musical, em 2019, pela produção da Keen Company, apresentada em Nova York no ano anterior. Uma montagem britânica recebeu o Kensington Eddies Award em 2017, depois de passar pelo Festival Fringe de Edimburgo, onde também esteve entre as selecionadas ao prêmio de Melhor Musical do Musical Theatre Review. Adam Gwon recebeu, entre outras distinções, o Fred Ebb Award e o Kleban Award por seu trabalho no teatro musical.

A temporada de “Ordinary Days” também inaugura as atividades da COALVE Produções, produtora independente recém-criada em São Paulo. A empresa pretende desenvolver espetáculos de teatro musical voltados a diferentes perspectivas e experiências, com incentivo à presença feminina em posições de liderança e à ampliação de oportunidades para artistas e profissionais com representatividade racial e LGBTQIA+. A escolha de “Ordinary Days” para a estreia da produtora segue essa proposta ao apostar em uma obra contemporânea que coloca música e interpretação a serviço de histórias reconhecíveis na vida cotidiana.

A temporada no Teatro Ruth Escobar segue até 15 de dezembro, com sessões às segundas e terças-feiras, às 20h, além de apresentações adicionais nos dias 12, 21 e 28 de novembro e 3 de dezembro. Os ingressos custam entre R$ 30 e R$ 120, de acordo com setor e modalidade, e estão disponíveis pela Ticketmaster e na bilheteria do teatro.

Ficha técnica
"Ordinary Days"
Direção: Glaucia da Fonseca. Direção Musical: Laura Loup. Assistente de Direção: Larissa Garcia. Preparação vocal: Pedro Coppeti. Versões: Caio Loki e elenco. Fonoaudióloga: Noemi de Oliveira. Design de Luz: Luiz Fernando Vaz Jr. Desenho e operação de som: Mattheus Silva. Visagismo e Figurino: Luan Carvalho. Adaptação cenográfica: Rodrigo Gomes. Assessoria de imprensa: GPress Comunicação. Realização: COALVE Produções. Produtores: Camila Vergasta, Éri Correia e Gabriel Alvim. Produção Associada: Amanda Lemos e Rodrigo Marques. Direção de Palco: Beatriz Bortoletto. Assistentes de Produção: Valentina Rosa, Amanda Bonato e Noemi de Oliveira. Artes: Mau Alves. Patrocínio: Frevo. Apoio: CO.ART, Cinzia Álvarez, Cerejeira Produções e Casa de Artes Operária

Serviço
“Ordinary Days”
Local: Teatro Ruth Escobar – Sala Gil Vicente. Endereço: Rua dos Ingleses, 209, Morro dos Ingleses, São Paulo/SP. Temporada: 9 de novembro a 15 de dezembro de 2026. Sessões: segundas e terças-feiras, às 20h00. Apresentações adicionais: 12, 21 e 28 de novembro e 3 de dezembro. Ingressos: De R$ 30,00 a R$ 120,00, conforme setor e modalidade. Vendas: Ticketmaster e bilheteria do teatro. Duração: 90 minutos. Classificação indicativa: 14 anos.

Leia na íntegra...

.: “Baracoa” leva Giancarlo Giannini para Cuba de afetos, conflitos e revoluções

Em sua estreia na direção de um longa-metragem, Luis Ernesto Doñas acompanha a viagem de um homem e do médico de seu pai por uma Cuba marcada por diferenças familiares, políticas e afetivas

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

A morte de Felipe, um revolucionário italiano que escolheu Cuba como pátria, coloca o filho Pepe diante de uma viagem que ele provavelmente preferiria evitar. Ao lado do médico Jimmi, ele parte rumo à remota Baracoa, no extremo leste da ilha, numa jornada que mistura memória, conflitos familiares, identidade e encontros inesperados. Esse é o ponto de partida de “Baracoa”, drama dirigido pelo cubano Luis Ernesto Doñas, em cartaz gratuitamente no streaming Belas Artes À La Carte, dentro da programação do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil, e em sessões em cinemas espalhados pelo Brasil.

Produção ítalo-cubana, o filme tem Giancarlo Giannini no papel de Felipe. O ator italiano, conhecido por uma carreira que inclui trabalhos com Lina Wertmüller e outros nomes importantes do cinema europeu, interpreta um homem ligado à antiga esquerda revolucionária e às memórias de uma Cuba que mudou profundamente ao longo das décadas. A relação com Pepe, interpretado por Carlos Luis González, está longe de ser tranquila: o filho deseja uma vida distante daquela herança política e sonha em partir para o Canadá.

Jimmi, vivido por Yadier Fernández, entra nessa equação como médico de Felipe e personagem que guarda uma vida noturna bastante diferente daquela que Pepe imagina. À noite, ele se apresenta como Estrellita, uma drag queen. A descoberta provoca o filho e acrescenta ao roteiro uma camada de confronto entre aparências, preconceitos e as diferentes maneiras de cada personagem lidar com a própria identidade.

A viagem até Baracoa acontece depois da morte de Felipe e desloca a narrativa de Havana para uma Cuba menos conhecida pelo cinema turístico. A estrada, as paisagens e os encontros pelo caminho ganham espaço enquanto Pepe e Jimmi precisam conviver com aquilo que Felipe deixou para trás. Segundo o Programa Ibermedia, responsável pelo apoio ao projeto, o roteiro é assinado pelo próprio Doñas, que também participa da produção por meio de uma equipe formada entre Cuba e Itália.

A primeira exibição internacional ocorreu no Taormina Film Fest, na Itália, em 2026. Na ocasião, Giannini recebeu o prêmio de trajetória do festival, aos 83 anos, e apresentou o filme como parte de uma programação que também celebrou sua extensa carreira. A participação em Taormina marcou a estreia mundial da produção.

Antes de chegar ao streaming brasileiro, “Baracoa” também passou pelo Festival Internacional do Novo Cinema Latino-Americano de Havana, em 2025. A produção integrou a competição de óperas-primas, ao lado de filmes de diferentes países da América Latina. No Brasil, o filme integra a seleção contemporânea do 21º Festival de Cinema Italiano, que reúne 24 títulos, entre produções inéditas e clássicos. A edição de 2026 disponibiliza parte da programação gratuitamente pela internet, por meio do Belas Artes à La Carte, além das sessões presenciais em diversas cidades.

O curioso em “Baracoa” é uma combinação de elementos que poderiam facilmente descambar para uma aventura convencional de estrada. Doñas prefere acompanhar o desconforto dos personagens e deixar que a viagem revele aquilo que Felipe, Pepe e Jimmi carregam. No centro dessa história está Giannini, que empresta ao velho revolucionário uma presença capaz de carregar tanto a dimensão política do personagem quanto suas fragilidades particulares.

A paisagem cubana, fotografada por Lorenzo Casadio Vannucci, ajuda a conduzir esse percurso, enquanto a trilha sonora de Bárbara Llanes acompanha a movimentação dos personagens. O resultado é um drama sobre família, memória e identidade que coloca Cuba e Itália em conversa e encontra na viagem uma maneira bastante particular de falar sobre aquilo que permanece depois que uma geração desaparece.

Para quem gosta de cinema italiano, “Baracoa” ainda oferece um ingrediente particularmente saboroso: a presença de Giancarlo Giannini, um veterano que aparece em uma produção de estreia e cercado por um elenco cubano. É uma combinação curiosa para um filme que, a exemplo de seus personagens, também parece interessado em descobrir o que acontece quando mundos diferentes são obrigados a dividir o mesmo caminho.

Serviço

“Baracoa” integra a retrospectiva "Itália em Cena" do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente no Belas Artes À La Carte durante o período do evento. Na página do filme, basta clicar em "Assistir Filme". O acesso permanece disponível de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026, inclusive para não assinantes. Para assistir pela televisão, é possível utilizar o aplicativo Belas Artes À La Carte disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

Ficha técnica

“Baracoa” (título original)
Gênero: drama. Duração: 107 minutos. Classificação indicativa: 18 anos. Ano de produção: 2025. Data de lançamento: 6 de dezembro de 2025, no Festival Internacional do Novo Cinema Latino-Americano de Havana; estreia internacional em 2026, no Taormina Film Fest. Programa Ibermedia. Idioma: espanhol e italiano. Direção: Luis Ernesto Doñas. Roteiro: Luis Ernesto Doñas. Elenco: Giancarlo Giannini, Carlos Luis González, Yadier Fernández, Carlos Pérez Peña, Ana Gloria Buduén e Giovanni Giusto. Distribuição no Brasil: Belas Artes à La Carte, dentro da programação do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

Assine o Belas Artes À La Carte, o streaming para quem ama cinema de verdade

A equipe do portal Resenhando.com acompanha parte da cobertura cinematográfica por meio da Belas Artes À La Carte, plataforma brasileira dedicada ao cinema de arte, clássicos e produções premiadas de diferentes países. Criado pelo grupo responsável pelo tradicional cinema Belas Artes, em São Paulo, em parceria com a Pandora Filmes, o serviço reúne um catálogo com curadoria especializada, incluindo obras raras, títulos restaurados e destaques de festivais internacionais. Para acessar o catálogo completo, conferir os lançamentos semanais e realizar a assinatura, basta acessar o site ou aplicativo da plataforma. Os planos têm valores acessíveis, com opção mensal e anual, além de locação avulsa para títulos específicos. Você pode assinar o Belas Artes À La Carte neste link.

Leia na íntegra...

.: “A Palavra Mágica” revela as lições de escrita de Isabel Allende

Em “A Palavra Mágica: Uma Vida Escrita”, autora revisita a própria trajetória, compartilha experiências do ofício e convida leitores a descobrir os caminhos que levam uma história ao papel

Para Isabel Allende, escrever nunca se resumiu a colocar palavras no papel. Em “A Palavra Mágica: Uma Vida Escrita”, publicado pela Bertrand Brasil, a escritora revisita a própria trajetória e combina memórias, reflexões e ensinamentos sobre o ofício da literatura. O resultado é um livro que conversa tanto com quem já escreve quanto com aqueles que ainda ensaiam os primeiros passos em direção à própria história. A autora parte de experiências pessoais para falar sobre a construção de uma carreira literária marcada por deslocamentos, dúvidas, fracassos, descobertas e uma coleção de livros que conquistou leitores em diferentes partes do mundo. O percurso passa pela juventude no Chile, pelo início no jornalismo e pelo exílio na Venezuela, período em que começou a escrever o romance que mudaria sua vida. A edição brasileira tem tradução de Ivone Benedetti e texto de orelha assinado pela escritora cearense Socorro Acioli.

“A Palavra Mágica" combina memórias literárias e reflexões sobre a escrita, aproximando o leitor dos bastidores do trabalho de uma autora que construiu uma obra traduzida para dezenas de idiomas. A proposta também alcança quem deseja começar a escrever, ao apresentar experiências e caminhos que podem servir de estímulo para encontrar uma voz própria. Lançado na Espanha em abril deste ano, o livro alcançou o topo das listas de livros mais vendidos no país. A edição brasileira chega com 182 páginas e aposta na proximidade entre autora e leitor para apresentar uma espécie de caderno de memórias sobre a literatura e sobre a própria formação de uma escritora.

Entre lembranças pessoais e observações sobre a criação literária, Isabel Allende revisita momentos decisivos de sua vida e compartilha as experiências que ajudaram a formar sua maneira de escrever. Para quem pretende iniciar uma jornada literária, o livro funciona como uma conversa franca com uma autora que conhece tanto os encantos quanto as dificuldades de transformar experiências e imaginação em narrativa. Foi em uma cozinha venezuelana, tomada pela saudade do país que havia deixado para trás, que Allende datilografou as primeiras páginas de “A Casa dos Espíritos”.

Publicado em 1982, o romance se tornou um dos títulos fundamentais da literatura latino-americana e abriu caminho para uma trajetória internacional que transformaria a escritora em uma das vozes mais conhecidas da literatura contemporânea. Em “A Palavra Mágica”, essa história pessoal serve como ponto de partida para uma conversa sobre o próprio processo criativo. Allende compartilha aquilo que aprendeu ao longo de décadas diante da página em branco, sem transformar a escrita em um manual de regras. A autora olha para o próprio percurso e mostra como a literatura também pode nascer de lembranças, perdas, inquietações e da insistência em contar uma história.

Uma trajetória construída entre países

Isabel Allende nasceu em 1942, no Peru, passou a primeira infância no Chile e viveu em diferentes lugares durante a adolescência e a juventude. Depois do golpe militar de 1973 no Chile, exilou-se na Venezuela. Desde 1987, vive na Califórnia, nos Estados Unidos, e costuma se definir como uma “eterna estrangeira”. Antes de se dedicar à literatura, trabalhou como jornalista no Chile e na Venezuela. Em 1982, publicou “A Casa dos Espíritos”, primeiro romance dela, que alcançou repercussão internacional e deu início a uma extensa bibliografia.

Ao longo da carreira, seus livros foram traduzidos para mais de 40 idiomas e alcançaram dezenas de milhões de leitores em todo o mundo. Allende recebeu mais de 60 prêmios internacionais, entre eles o Prêmio Nacional de Literatura do Chile, em 2010, e o Prêmio Hans Christian Andersen, na Dinamarca, em 2012. Também recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, considerada a mais importante distinção civil dos Estados Unidos, e o National Book Award pelo conjunto de sua obra. No Brasil, a escritora já ultrapassou a marca de um milhão de exemplares vendidos. No mercado internacional, a obra de Allende se aproxima dos 80 milhões de exemplares comercializados.

Ficha técnica
Título: “A Palavra Mágica: Uma Vida Escrita”

Título original: “La Palabra Mágica: Una Vida Escrita”

Autora: Isabel Allende

Tradução: Ivone Benedetti

Páginas: 182

Editora: Bertrand Brasil | Grupo Editorial Record

Compre o livro neste link.

Leia na íntegra...

.: "Stromboli" leva Ingrid Bergman ao limite em clássico de Roberto Rossellini

Retrospectiva "Itália em Cena" recupera o drama que colocou Bergman diante de uma ilha vulcânica, de um casamento difícil e de uma comunidade hostil

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

O 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil recupera, na retrospectiva "Itália em Cena", um daqueles filmes que ganharam uma vida própria muito além das circunstâncias de sua produção. "Stromboli", dirigido por Roberto Rossellini e protagonizado por Ingrid Bergman, chega à plataforma de streaming Belas Artes À La Carte dentro da programação gratuita do festival, que acontece de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026. O longa-metragem pode ser assistido gratuitamente no streaming e sessões em cinemas espalhados pelo Brasil.

Lançado em 1950, o filme acompanha Karin (Ingrid Bergman), uma refugiada lituana que vive em um campo para deslocados na Itália depois da Segunda Guerra Mundial. Para deixar o local, ela aceita se casar com Antonio (Mario Vitale), um pescador italiano que conhece no campo. O casamento, porém, leva Karin para uma situação que ela não imaginava: a pequena ilha de Stromboli, marcada pela pobreza, pelas tradições rígidas da comunidade e pela presença constante do vulcão.

A promessa de uma vida melhor rapidamente perde o encanto. Karin se vê presa a uma casa simples, a um marido com quem tem dificuldades de comunicação e a uma comunidade que observa com desconfiança seus modos, suas roupas e suas tentativas de reorganizar a própria vida. O choque entre a mulher que ela era e o ambiente em que passa a viver conduz boa parte do drama.

Rossellini filma a ilha com a atenção característica do neorrealismo italiano, deixando que a paisagem tenha peso dentro da narrativa. O mar, as pedras vulcânicas, as ruas da pequena comunidade e a cratera do Stromboli não aparecem como simples decoração. O território interfere diretamente na experiência de Karin, que parece procurar uma saída enquanto descobre, pouco a pouco, que escapar de um lugar pode não resolver aquilo que a incomoda.

A sequência da pesca do atum é um dos momentos mais conhecidos da produção. Filmada com pescadores e incorporada ao cotidiano da ilha, ela reforça a dimensão documental que Rossellini imprime ao filme. A erupção do vulcão também ganha uma presença impressionante, aproximando o drama pessoal de Karin da força imprevisível da natureza.

A escolha de Ingrid Bergman acrescenta uma camada particularmente curiosa ao filme. Já uma grande estrela de Hollywood, a atriz havia escrito a Rossellini manifestando admiração por seu trabalho e interesse em atuar com ele. "Stromboli" marcou a primeira colaboração entre os dois e acabou dando início a uma relação amorosa que provocou enorme escândalo na época. A própria Criterion Collection observa que a repercussão da vida pessoal do casal chegou a obscurecer, durante anos, a importância dos filmes realizados em conjunto.

Hoje, porém, "Stromboli" pode ser revisto sem depender da fofoca que acompanhou sua produção. O BFI destaca a maneira como Rossellini utiliza o neorrealismo para retratar a vida da comunidade e, ao mesmo tempo, aborda questões como solidão, condição feminina e emancipação. A produção também teve uma trajetória complicada em suas diferentes versões. A obra recebeu cortes e alterações para a distribuição norte-americana, o que gerou conflitos entre Rossellini e a RKO. A AFI registra, inclusive, a existência de versões distintas e a disputa pelos direitos internacionais do filme.

A recepção inicial esteve longe de ser consensual. A revista Time, em 1950, considerou a produção irregular, embora tenha reconhecido a força de Bergman e destacado as cenas da erupção vulcânica e da pesca do atum. Décadas depois, o filme ganhou uma avaliação muito mais generosa e passou a ser reconhecido como uma peça importante da trajetória de Rossellini e do cinema moderno.

A presença de "Stromboli" no Festival de Cinema Italiano no Brasil ajuda a recolocar em circulação uma obra que continua provocando discussões justamente porque Karin está longe de ser uma protagonista fácil de acompanhar. Ela é vaidosa, impaciente, inconformada e, muitas vezes, desagradável. Ao mesmo tempo, está tentando sobreviver em um lugar que não escolheu e em uma relação que rapidamente se torna sufocante.

É nessa contradição que Ingrid Bergman encontra uma de suas personagens mais difíceis. Karin quer sair da ilha, mas também precisa descobrir o que fazer consigo mesma quando todas as alternativas parecem igualmente ruins. Rossellini acompanha essa crise sem transformar a personagem em uma heroína convencional. O resultado é um drama áspero, marcado pela paisagem vulcânica e por uma mulher tentando encontrar algum espaço para respirar.

Serviço
"Stromboli" integra a retrospectiva "Itália em Cena" do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente no Belas Artes À La Carte durante o período do evento. Na página do filme, basta clicar em "Assistir Filme". O acesso permanece disponível de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026, inclusive para não assinantes. Para assistir pela televisão, é possível utilizar o aplicativo Belas Artes À La Carte disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

Ficha técnica

"Stromboli" | "Stromboli, Terra di Dio" (título original)

Gênero: Drama. Duração: 106 minutos . Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 1950. Data de lançamento: 15 de fevereiro de 1950, nos Estados Unidos; a circulação italiana ocorreu posteriormente. Idioma: Inglês e italiano, conforme a versão; há versões com diferentes configurações de idioma e montagem. Direção: Roberto Rossellini. Roteiro: Roberto Rossellini, Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari e Felix Morlion. Elenco: Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana e Mario Sponzo. Distribuição no Brasil: Festival de Cinema Italiano no Brasil / Belas Artes À La Carte, na programação de 2026. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

Assine o Belas Artes À La Carte, o streaming para quem ama cinema de verdade

A equipe do portal Resenhando.com acompanha parte da cobertura cinematográfica por meio da Belas Artes À La Carte, plataforma brasileira dedicada ao cinema de arte, clássicos e produções premiadas de diferentes países. Criado pelo grupo responsável pelo tradicional cinema Belas Artes, em São Paulo, em parceria com a Pandora Filmes, o serviço reúne um catálogo com curadoria especializada, incluindo obras raras, títulos restaurados e destaques de festivais internacionais. Para acessar o catálogo completo, conferir os lançamentos semanais e realizar a assinatura, basta acessar o site ou aplicativo da plataforma. Os planos têm valores acessíveis, com opção mensal e anual, além de locação avulsa para títulos específicos. Você pode assinar o Belas Artes À La Carte neste link.

Leia na íntegra...

.: “Avó Inventada” recria vida de mulher que morreu antes de ser conhecida

Espetáculo de Ana Paula Lopez, dirigido por Kenia Dias, estreia no Sesc Vila Mariana e imagina outros destinos para uma avó marcada pelo analfabetismo, pelo casamento precoce e pela falta de acesso à saúde. Foto: Jamil Kubruk

E se fosse possível inventar uma vida diferente para alguém que morreu antes mesmo de você nascer? Foi a partir dessa pergunta que a atriz e dramaturga Ana Paula Lopez criou “Avó Inventada – Desenhando o Retrato da Avó que Não Conheci ou Desenterrando Seus Ossos em Mim”, espetáculo que estreia em 11 de novembro de 2026, no Auditório do Sesc Vila Mariana, em São Paulo.

Com direção de Kenia Dias, a montagem reúne Ana Paula e a musicista, compositora e performer vocal e sonora Tâmara David. A peça parte de uma história familiar para construir, entre memória, ficção e realismo mágico, uma vida possível para Maria, avó paterna da atriz, uma mulher que ela nunca chegou a conhecer. Aos 45 anos, mesma idade em que Maria morreu, Ana Paula decidiu olhar para os poucos vestígios deixados por essa mulher do norte de Minas Gerais. Vítima de esquistossomose e sem acesso a tratamento médico, analfabeta e casada ainda adolescente, Maria deixou uma história contada principalmente pelos relatos do filho, pai da atriz.

A dramaturgia surge do desejo de preencher essas lacunas. E se Maria tivesse aprendido a ler? E se tivesse se tornado professora? E se tivesse escolhido não ter filhos? E se tivesse vivido o suficiente para conhecer a neta? “Eu queria inventar um passado novo para ela, como um tipo de reparação mesmo. Queria que ela tivesse uma oportunidade de ser alfabetizada, de se tornar professora, como a maioria das netas dela são. Queria que ela tivesse esperança”, conta Ana Paula.

A imaginação, porém, não apaga a realidade que cerca a história de Maria. “Avó Inventada” coloca em cena questões como casamento infantil, maternidade compulsória, desigualdade social e violência patriarcal, aproximando a experiência de uma mulher do norte de Minas da realidade de tantas outras brasileiras. “Estou olhando para um Brasil profundo, para a realidade de milhões de mulheres que ainda vivem essas situações. Por mais que eu queira inventar um novo passado, ela vem e traz toda essa dor, toda essa violência que mulheres ainda estão sofrendo neste instante”, afirma a autora.

Diagnosticada com autismo na vida adulta, Ana Paula também investiga no espetáculo possíveis heranças neurodivergentes presentes em sua família. A questão aparece tanto no conteúdo quanto na própria construção da linguagem teatral, que acompanha pensamentos acelerados, associações de imagens e deslocamentos entre diferentes tempos e personagens. A atriz passa pela neta, pela avó e pela narradora sem recorrer às tradicionais mudanças de figurino ou caracterização. O corpo e a voz assumem a tarefa de estabelecer essas diferentes presenças.

A montagem também leva em consideração necessidades sensoriais de artistas e espectadores neurodivergentes. O desenho de luz e a intensidade sonora foram pensados para evitar estímulos que possam provocar desconforto, ampliando as possibilidades de acolhimento durante as apresentações. “A gente tem falado que é um duo de presenças. Nenhuma está a serviço da outra, mas são as duas traçando, falando esse texto pelo movimento, pela palavra, pelo som, pela música, pela relação entre as duas que se estabelece em cena”, explica Kenia.

A diretora também chama atenção para a convivência entre humor e tragédia na montagem. A avó inventada não aparece somente como uma figura marcada pela dor. Ela ganha espaço para reivindicar outras possibilidades de existência e, em determinado momento, chega a confrontar a própria neta. “Avó Inventada” foi uma das vencedoras do Concurso Internacional de Dramaturgia Feminina 2025/2026, promovido pelo Festival Internacional A Escritura das Diferenças.

O texto será publicado em português, italiano e espanhol pela editora italiana Metec Alegre Edizioni. O lançamento está previsto para 23 de dezembro de 2026, em Morcone, na Itália. Em novembro de 2027, o texto também terá leituras dramáticas em português e italiano durante o festival realizado em Pordenone. A montagem marca ainda a estreia da Mira Teatro, companhia fundada por Ana Paula Lopez e Kenia Dias, que mantêm uma parceria artística há mais de uma década. Ana Paula é professora da Escola de Arte Dramática da USP, enquanto Kenia leciona na Universidade de Brasília (UnB).

Ficha técnica
“Avó Inventada – Desenhando o Retrato da Avó que Não Conheci ou Desenterrando Seus Ossos em Mim”
Concepção, dramaturgia e interpretação: Ana Paula Lopez
Direção: Kenia Dias
Diretor assistente e iluminador: Lucas Brandão
Musicista, compositora e performer vocal: Tâmara David
Direção vocal: Mônica Montenegro
Dramaturgia de movimento: Kenia Dias, Lucas Brandão e Ana Paula Lopez
Orientação de escrita dramatúrgica: Solange Dias
Cenário e figurinos: Renato Bolelli
Sonorização: Gylez Batista
Assistente de cenografia e figurino: Ana de Queiroz
Assessoria de imprensa: Canal Aberto Comunicação
Fotografia: Jamil Kubruk
Arte: Tande Campos
Produção: Corpo Rastreado - Lucas Cardoso
Apoio: Mira Teatro, Perereca Produções, Corpo Rastreado e Casa Farofa
Realização: Sesc SP

Serviço
“Avó Inventada – Desenhando o Retrato da Avó que Não Conheci ou Desenterrando Seus Ossos em Mim”
Estreia: 11 de novembro de 2026, quarta-feira, às 20h30
Temporada: até 5 de dezembro de 2026
Apresentações: quintas, sextas e sábados, às 20h30
Local: Auditório do Sesc Vila Mariana - São Paulo
Exceção: não haverá sessão no dia 26 de novembro
Sessões acessíveis: dias 27 e 28 de novembro, sexta e sábado, às 18h30
Boteco Crítico: sábado, 28 de novembro, às 19h30, após a apresentação
Ingressos: R$ 50,00 (inteira), R$ 25,00 (meia-entrada) e R$ 15,00 (credencial plena)
Duração: 60 minutos
Classificação indicativa: 16 anos

Sesc Vila Mariana
Rua Pelotas, 141, Vila Mariana - São Paulo
Metrô Ana Rosa
Informações: (11) 5080-3000

Estacionamento: 125 vagas – R$ 10 a primeira hora + R$ 4 a hora adicional (Credencial Plena: trabalhador no comércio de bens, serviços e turismo matriculado no Sesc e dependentes). R$ 20 a primeira hora + R$ 5 a hora adicional (outros). Paraciclo: 16 vagas – gratuito. É necessário utilizar travas de segurança.

Leia na íntegra...

.; “On Your Feet!” conta a trajetória de Gloria Estefan em musical inédito

Com Camilla Camargo no papel da cantora cubano-americana, montagem dirigida por Ricardo Marques estreia em São Paulo e reúne sucessos como “Conga”, “Get On Your Feet” e “Rhythm Is Gonna Get You”. Foto: Caio Gallucci

A história de Gloria Estefan chega aos palcos brasileiros ao som de “Conga”, “Rhythm Is Gonna Get You” e outros sucessos que ajudaram a colocar a música latina no mapa do pop internacional. “On Your Feet! - O Musical da Gloria Estefan” está em cartaz no Teatro Claro Mais, no Shopping Vila Olímpia, em São Paulo, em sua primeira montagem brasileira, que segue até dia até dia 20 de dezembro. Camilla Camargo interpreta Gloria Estefan, enquanto o venezuelano Esteban Velásquez estreia nos musicais brasileiros como Emilio Estefan. Renata Brás vive Gloria Fajardo, mãe da cantora. A produção tem direção de Ricardo Marques, adaptação de Silvano Vieira, direção associada de Igor Pushinov, direção musical de Paulo Nogueira e coreografias de Tutu Morasi.

Inspirado na história real de Gloria e Emilio Estefan, o espetáculo acompanha o casal desde as origens até a conquista do mercado internacional. Nascida em Havana, Cuba, e criada em Miami, Gloria construiu uma trajetória que a transformou em uma das artistas latinas de maior projeção mundial. Ao lado de Emilio, também participou da expansão da música latina dentro da indústria fonográfica norte-americana.

A narrativa passa pela formação do Miami Sound Machine, pelas dificuldades encontradas para fazer a música latina conquistar espaço no mercado dos Estados Unidos e pelos conflitos familiares que marcaram a trajetória do casal. A produção também aborda o grave acidente de ônibus sofrido por Gloria em 1990. A cantora ficou temporariamente paralisada e chegou a ter a carreira colocada em risco. No palco, a trajetória ganha ritmo com canções que atravessaram gerações e ajudaram a definir a carreira de Gloria Estefan, entre elas “Conga”, “Rhythm Is Gonna Get You”, “1-2-3”, “Get On Your Feet”, “Don’t Wanna Lose You”, “Coming Out of the Dark” e “Mi Tierra”.

“On Your Feet!” estreou mundialmente em Chicago, em 2015. No ano seguinte, chegou à Broadway, onde permaneceu em cartaz no Marquis Theatre até agosto de 2017. Depois da temporada nova-iorquina, o musical ganhou produções e turnês internacionais, incluindo montagens na Holanda e no West End, em Londres. O texto é assinado por Alexander Dinelaris, vencedor do Oscar pelo roteiro de “Birdman”. Na montagem original, Jerry Mitchell assumiu a direção e Sergio Trujillo foi responsável pelas coreografias.

A versão brasileira coloca Camilla Camargo à frente de uma produção que reúne atores, cantores e ensemble para contar uma trajetória marcada por música, imigração, família, obstáculos profissionais e uma carreira internacional construída ao lado de Emilio Estefan.

Ficha técnica
“On Your Feet! - O Musical da Gloria Estefan” 
Elenco:  Camilla Camargo (Gloria Estefan), Esteban Velásquez (Emilio Estefan), Renata Brás (Gloria Fajardo), Rafael de Castro (José Fajardo), Lilian de Lima (Consuelo García), Julia Pronio (Rebecca Fajardo / Cover de Gloria Estefan), Júlio Oliveira (Phil), Alessandro Balbi (ensemble / Cover José e Phil), Anny Gianoti (ensemble), Beatriz Kizima (ensemble / cover de Gloria Jovem e Rebecca), Gabriella Medeiros (ensemble / Cover Rebecca), Henrique Fernandes (Swing), João Hespanholeto (ensemble), Leo Costa  (ensemble), Maria Potacio  (ensemble / cover Consuelo García e Gloria Fajardo), Mari Moreira  (ensemble / cover Gloria Estefan), Miquéias Martins  (ensemble), Pietro Borba  (ensemble / cover Phil e Emilio Estefan), Rapha Mota  (ensemble / cover Emilio Estefan e José Fajardo), Vicky Maila  (ensemble / cover Consuelo e Gloria Fajardo), Vivian Bugno  (swing), Antonella Dez  (Gloria Jovem), Lorenzo Bozzella  (Nayib / Emilio Jovem), Luani Bordini  (Gloria Jovem) e Pedro Ken  (Nayib / Emilio Jovem).

Serviço
“On Your Feet! - O Musical da Gloria Estefan”
Temporada: até dia 20 de dezembro de 2026
Teatro Claro Mais - Shopping Vila Olímpia - São Paulo/SP
Sessões: quintas e sextas-feiras, às 20h30; sábados, às 16h30 e 20h30; domingos, às 16h00 e 20h00
Ingressos: de R$ 25,00 a R$ 220,00
Uhuu e bilheteria do Teatro Claro Mais: https://uhuu.com/evento/sp/sao-paulo/on-your-feet-o-musical-da-gloria-estefan-16378

Leia na íntegra...

.: "Acesso" expõe no teatro as feridas de uma noite em um hospital público

Espetáculo de Daniela Tozzi, com direção de Lavínia Pannunzio, estreia em 9 de novembro no Teatro Estúdio e acompanha uma mulher diante da espera por atendimento para a companheira. Foto: Manoel Marques

O encontro entre a dramaturga Daniela Pereira de Carvalho e a atriz Daniela Tozzi deu origem a "Acesso", espetáculo que parte de uma experiência de escrita teatral para chegar ao palco com uma história sobre espera, desamparo e as muitas faces de um hospital público. A montagem estreia em 9 de novembro, no Teatro Estúdio, em São Paulo, onde permanece em curta temporada até 22 de dezembro, sempre às segundas e terças-feiras, às 18h30.

O texto teve sua primeira versão desenvolvida por Daniela Tozzi durante um curso de escrita teatral na CAL – Casa das Artes de Laranjeiras, no Rio de Janeiro. O que começou com apenas três páginas ganhou novos contornos durante um processo de orientação dramatúrgica e, posteriormente, encontrou na diretora Lavínia Pannunzio a responsável por levar a obra ao palco.

“O texto 'Acesso' tem origem com apenas três páginas em um curso online que fiz na CAL – Casa de Artes Laranjeiras/RJ com a dramaturga Daniela Pereira de Carvalho, que posteriormente me incentivou a dar continuidade ao processo de escrita e me tornei sua orientanda por sete meses em encontros online individuais durante o ano de 2025. O primeiro encontro fez nascer o texto 'Acesso'. O segundo nascer o espetáculo. Convidei a diretora Lavínia Pannunzio para ouvir uma leitura e ela por sorte minha, aceitou encená-lo. Durante o processo de montagem o texto original foi adaptado primorosamente pela diretora para o palco, possibilitando o terceiro encontro, com o público. Só tenho a agradecer imensamente, Daniela Pereira de Carvalho e Lavínia Pannunzio por todo amparo criativo para que 'Acessp' pudesse nascer”, declara Daniela Tozzi.

Em "Acesso", Olivia acompanha a namorada, Alice, ao pronto-socorro de um hospital público na cidade de São Paulo. Alice luta para respirar, enquanto Olivia enfrenta horas de espera. Entre corredores, salas e procedimentos, a personagem é tomada por memórias, medos e pensamentos que revelam uma situação de extrema fragilidade.

A espera de Olivia acaba abrindo espaço para outras histórias. O hospital concentra personagens que carregam diferentes marcas da realidade brasileira: a enfermeira Judith, exaurida e ainda assombrada pela pandemia; uma motogirl ferida durante uma entrega de comida por aplicativo; um menino vendedor de paçoca que foi esfaqueado; um médico que admite o desgaste ético provocado pela própria profissão; e Gabriel, o "Homem Esqueleto", figura que leva ao limite a deterioração do corpo.

São oito narrativas interpretadas por Daniela Tozzi, em um solo que percorre mais de 12 horas dentro de um hospital público e coloca em cena uma coleção de vidas anônimas, dores particulares e problemas que se repetem diariamente. “Estruturada como um solo épico-dramático, autora e personagens se misturam ao longo dessas mais de 12 horas entre salas de espera, infindáveis corredores e uma burocracia kafkiana que revela, ao mesmo tempo, as profundezas de um sistema administrativo tão complexo, absurdo e opressor - que esmaga o indivíduo, deixando-o completamente impotente e desamparado -, e a gama humana por trás daquelas centenas de pessoas anônimas que passam, hora após hora, por um hospital público no centro da maior cidade do país", diz Lavínia.

A dramaturga Daniela Pereira de Carvalho aponta a dimensão política da obra e a relação direta entre a dramaturgia e as desigualdades sociais presentes no cotidiano. “A dramaturgia de 'Acesso' é uma espécie propulsora frontal de enfrentamentos às desigualdades sócio econômicas, à mediocridade política e a todo retrocesso comportamental. Acesso é tão profundo e complexo quanto real e urgente”, completa Daniela Pereira de Carvalho.

Para Lavínia Pannunzio, o percurso de Olivia também revela uma sociedade marcada pela multiplicação das situações de vulnerabilidade. “O que a narrativa de Daniela Tozzi nos conta é que nossa sociedade, ao contrário do que pretende nosso famigerado sistema único de saúde, engendra cada vez mais violência sobre violência, e cria sistemas de vulnerabilização social e humana sem precedentes na história da humanidade”, finaliza Pannunzio.

Ficha técnica
"Acesso" | Monólogo
Direção: Lavínia Pannunzio
Atuação, dramaturgia e realização: Daniela Tozzi
Orientação dramatúrgica: Daniela Pereira de Carvalho
Cenografia e direção de arte: Mira Andrade
Figurino: Anne Cerutti
Assistente de figurino: Isadora Brant
Desenho de luz: Aline Santini
Musicista (Acordeão): Aline Reis
Composição Musical Canção UTI e Piano: Daniela Tozzi
Trilha sonora original e design de áudio: Rafael Thomazini
Voz off: Alexandre Padilha - Ministro da Saúde
Operação de luz: Giovanna Gonçalves
Operação de som: Rafael Thomazini
Fotógrafo e vídeo maker: Manoel Marques
Redes Sociais e designer gráfico: Victoria Moliterno
Assessoria de imprensa: Adriana Monteiro
Direção de produção: Carol Vidotti
Apoio Cultural: Nelson Casteline

Serviço
"Acesso" | Monólogo
De: 9 de novembro a 22 de dezembro de 2026
Dias: segundas e terças-feiras, às 18h30
Local: Teatro Estúdio
Rua Conselheiro Nébias, 891, Campos Elíseos
Ingressos: R$ 80,00 (inteira) | R$ 40,00 (meia) | R$ 20,00 para profissionais da saúde, disponíveis diretamente na bilheteria
Vendas: Sympla
Classificação: 14 anos
Duração: 1h20
Capacidade: 42 lugares
*O acesso ao espaço é feito apenas por escadas.

Leia na íntegra...

.: Scatolove lança “Estanho”, álbum que celebra dez anos de dupla

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

Formada pelo casal Léo Ramos (vocalista, compositor e guitarrista da Supercombo) e Isa Salles (compositora e vocalista da Teima), a Scatolove lança “Estanho”, seu segundo álbum de estúdio, sucessor de “Lei de Muffin” (2018). O título faz referência às bodas de estanho, que marcam dez anos de união, pois o disco celebra uma década da banda e do relacionamento da dupla.

Depois do EP “Cavalice no País das Maravilhas - Episódio 1”, a continuação prometida foi se transformando até deixar de conversar com o conceito original. Em vez de uma segunda parte, a Scatolove entrega agora um álbum inteiramente novo.

Em “Estanho”, o indie pop/rock da dupla ganha um peso inédito. Pedal duplo, guitarra de sete cordas e vocais berrados resultam na sonoridade mais densa da carreira. O single “Só Voar” é a faixa preferida dos dois. Pesada, mas dançante e chiclete, traz uma letra descontraída sobre o quanto Léo e Isa são dispersos e as dificuldades que isso traz ao dia a dia.

“Agulhas” reflete sobre o momento político atual e critica a forma como a sociedade se estruturou. Já “No Lugar” transforma em arte o processo doloroso e assustador vivido por Isa ao ser diagnosticada com síndrome do pânico; parte dos vocais foi gravada enquanto ela se regulava durante uma crise.

“Pra Não Ver” é uma música doce que carrega uma crítica pesada ao falar da relação inversamente proporcional entre lucidez e felicidade, e de como, às vezes, é preciso se distanciar da própria vida para encará-la de forma positiva. Sonoramente, é a faixa que mais se conecta com o passado do duo. Lançado pela Deck, “Estanho” já está disponível em todas as plataformas

"Agulhas"

"Passifloras" 

Leia na íntegra...

.: Manual Crônico: Preâmbulos, o que seria da vida sem eles?

Thiago Sobral é escritor e autor do livro "O Pai, a Faca e o Beijo", publicado pela Editora Patuá. Também publica semanalmente a coluna "Ao rés-do-chão" no Substack. 

Penso que todo aquele que se pretende ao apodo de cronista precisa dar-se bem com preâmbulos. Afinal, o que fazemos aqui, despretensiosamente, é ou não é um preâmbulo dos fatos sérios e importantes — e que, por vezes, fingimos ignorar — dado à luz por nossa pena como de suma urgência e importância?

Dito isso, quero hoje fazer uma apologia aos tipos do cotidiano que são capazes de preambular qualquer notícia ou conhecimento proferido como se fosse fruto da mais pura originalidade pessoal, ou uma grande descoberta de seu genuíno exercício reflexivo. Frases longas, empoladas, cravadas por apostos, intercaladas por orações subordinadas das mais várias, floreadas por vocábulos empoeirados, salpicadas por um léxico rebuscado, tal qual o Cultismo barroco tão falado por Antônio Vieira.

Há de se considerar que um preâmbulo bem elaborado, dotado de sintaxe indireta, dando ao sujeito o cabo da oração, e ao predicado, as maiúsculas do início, destacando os adjuntos adverbiais e adnominais, formando sintagmas esplendorosos, é capaz de elevar à máxima potência qualquer ideia sórdida que venha à mente de um ser simplório que arroga a si o direito autoral e a plena erudição.

Pois bem. Preâmbulos cansam, e não está mais aqui quem deles falou.

Mas hoje, lembrei-me de alguns colegas de vida e de ofício que são bons em prefaciar o óbvio. Nem sempre são frases longas, mas sempre são jaculatórias que provocam o suspense ante à grande revelação prestes a ser feita. Vejam só: estas linhas aqui deitadas ao papel pretendem chegar aos vossos olhos a fim de que vejam, leiam e contemplem algo raro, complexo e há muito tempo esquecido — a crônica.

Os néscios dirão que minha crônica é óbvia, mas não é. Num mundo letrado como o nosso, nesta temporada da humanidade em que mais letrados há em toda a nossa história, os feeds livrescos consumidos aos montes raramente dão palco para o cronista, mestre dos preâmbulos. E se aqui vem semanalmente o cronista dizer o óbvio, o leitor educado há de lhe dar ao menos uma forçada educação e consideração lendo-lhe as palavras que aqui se desperdiçam.

Ainda que eu tente frequentemente, jamais alcançarei um certo colega que dava ares superiores às mais vis e medíocres afirmações que fazia.

— Agora, vou te falar uma coisa que tu não sabe — dizia ele: — se você considerar que Maria se casou com José naquele ano, e que José se casou com Maria nesse mês daquele mesmo ano, e que os dois juntos tiveram um filho, essa criança vai ser, presta bem atenção: — o suspense no ar — essa criança vai ser filha de José e Maria, e eles serão seus pais — e o sorriso desatava-lhe largo no rosto.

Preâmbulos, meus amigos, Pre-âm-bu-los! Afinal, o que seria da vida sem os preâmbulos?

Leia na íntegra...

.: Crônica: há 25 anos tudo começou e aqui estamos nós...

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora do Resenhando.com

Em novembro de 2026

Era 5 de novembro de 2001. Depois de umas boas conversas pelos corredores da Universidade Católica de Santos, fomos ao cinema pela primeira vez, afinal estava acontecendo o Festival de Cinema Brasileiro com ingressos a R$ 2,00. Assistimos ao drama "Bicho de Sete Cabeças" e a comédia mesclada com romance "Amores Possíveis". Assim, ele saiu esbanjando o total de R$ 8,00.

Sim. Começamos a namorar numa sala de cinema Cinemark Santos há 25 anos, completando, então, a nossa relação as bodas de prata, enquanto que mês passado fizemos 20 anos de casados, bodas de porcelana. 

É sempre engraçado quando paramos para pensar em quantas coisa passamos juntos. São tantos anos juntos, juntos mesmo. Parceria de fechamento e, ao longo desses 25 anos foram assistidos muitos filmes na telona dos cinemas do litoral paulista, na grande São Paulo e até nas viagens além das redondezas.

Seguimos o juramento feito diante do padre e de tantas testemunhas, incluindo nossos pais, que reforçou e oficializou o que foi iniciado lá naquele 5 de novembro quando eu cheguei totalmente atrasada. Ele lá estava me aguardando na entrada do Shopping Miramar, andando de um lado para o outro. 

Não tinha celular, o que valia era o combinado e ponto final. 

Sim. Ele me esperou e aqui estamos.

Afinal, em 2006 juramos:

“Prometo estar contigo na alegria e na tristeza, na saúde e na doença, na riqueza e na pobreza, amando-te, respeitando-te e sendo-te fiel em todos os dias de minha vida, até que a morte nos separe".

Leia+

.: Crônica: o ciclo da vida que esbarra num até logo, por Mary Ellen Farias

.: Crônica: Ziraldo parte, mas o autêntico menino maluquinho deixa um legado

.: Crônica: Novo "O Morro dos Ventos Uivantes" e o despertar de lembranças

.: Crônica: meu discman da adolescência que foi ao chão em pleno 2024

.: Crônica: despedida de uma vidinha que jamais será esquecida

.: Crônica: os lamentos da perda do que não faz parte do gosto da massa santista

.: Ostentando a burrice, por Mary Ellen Farias dos Santos

.: Crítica: "Guerreiras do K-Pop" entrega modernidade na essência "Sailor Moon"

.: Inesquecíveis: Desenhos dos anos 80 que marcaram a infância

Leia na íntegra...

.: Crítica: "O Bosque Selvagem" é obra-prima épica repleta de subtramas

Cartaz de "O Bosque Selvagem"

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora do Resenhando.com

Em novembro de 2026

Ao assistir "O Bosque Selvagem" não espere uma história de contos de fadas convencional ou algo semelhante ao inesquecível "Coraline e o Mundo Secreto" (2009). A grandiosa animação em stop-motion de 2026, produzida pelo Estúdio Laika e dirigida por Travis Knight, entrega fantasia bastante madura, assim como os diálogos. Em "O Bosque Selvagem" tudo começa, de fato, a partir do momento em que a jovem Prue McKeel adentra a floresta, estando o colega tímido e medroso Curtis logo atrás.

Nos primeiros minutos, os pais da garota são apresentados no papel de zelosos e incentivadores de uma boa leitura. Contudo, é preciso seguir as ordens de não levar o pequeno Mac McKeel porta a fora. Eis que a garota não obedece e, após viver horas de diversão numa bicicleta puxando um carrinho com o garotinho, Prue decide dar uma pausa no parquinho da região, mas um bando de corvos rapta o menininho. Assim, ela embarca numa aventura imprevisível na floresta proibida e encantada (nos arredores de Portland).

Com direito a confrontos estilo a saga de "O Senhor dos Anéis", "O Bosque Selvagem" que levou 16 anos para a conclusão é indiscutivelmente um épico da animação que trabalha temas complicados como luto, violência, perda e dilemas morais profundos (impulsionados pela dor e pela ambição da personagem da Rainha Viúva Alexandra, dublada por Carey Mulligan).

A produção que soma 2 horas e 10 minutos de duração e repleta de subtramas, utilizou de 233 a 236 bonecos diferentes, de tamanhos variando desde a ratinha Septima com 4,1 cm até a personagem General (dublada por Angela Basset) com 86 cm. Sendo que cerca de 142.030 rostos substituíveis impressos em 3D foram trocados quadro a quadro (24 rostos por segundo de filme) para garantir expressões faciais fluidas. 

O resultado na telona de cinema é uma obra-prima baseada no livro homônimo infanto juvenil de Colin Meloy e ilustrado por Carson Ellis, publicado originalmente em 2011. Vale a pena conferir o longa que não é recomendado para menores de 14 anos!  

Filme: O Bosque Selvagem. Título Original: Wildwood. Direção: Travis Knight. Roteiro: Chris Butler (adaptado dos livros de Colin Meloy e Carson Ellis). Produção: LAIKA. Gênero: Animação, Aventura, Família, Fantasia Sombria. Duração: 130 minutos (2h 10min). Distribuição no Brasil: Imagem Filmes. Elenco de Voz Original: Peyton Elizabeth Lee (Prue McKeel), Jacob Tremblay (Curtis), Mahershala Ali, Angela Bassett. Data de Lançamento no Brasil: 29 de outubro de 2026. Sinopse: Uma adolescente inicia uma missão desesperada de resgate em uma floresta encantada depois que seu irmãozinho é raptado por um bando de corvos. Acompanhada por um colega de classe azarado, ela arrisca tudo ao navegar por um mundo cheio de bandidos, animais falantes e figuras poderosas. 

Trailer de "O Bosque Selvagem"

Leia+

.: Crítica: "Guerreiras do K-Pop" entrega modernidade na essência "Sailor Moon"

.: Crítica: "Arco" emociona com robô cuidador e amizade entre Arco e Iris

.: Resenha crítica da animação "Divertida Mente"

.: Resenha crítica: "Divertida Mente 2" revela Segredo Sombrio de Riley

.: Crítica: "Cara de Um, Focinho De Outro" une avó e neta pela natureza

.: Resenha crítica de "A Princesa e o Sapo", animação Disney

.: Resenha de "Placa Mãe", animação brasileira numa Minas Gerais do futuro

.: Crítica: "Tarsilinha" é a brasilidade maximizada na tela do cinema

.: Crítica: "Mestres do Universo" tem a força para manter a essência e inovar

.: Crítica: "Minions: A Origem de Gru" é tudo o que desenhos Disney não são

.: Inesquecíveis: Desenhos dos anos 80 que marcaram a infância

Leia na íntegra...

.: Crítica: "Street Fighter" é até bom, mas poderia ser muito melhor

Cartaz de "Street Fighter"

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora do Resenhando.com

Em novembro de 2026

O novo longa de ação e aventura produzido para o clássico dos jogos de fliperama de mesmo nome, "Street Fighter", é um recomeço cinematográfico para a franquia. A produção com Andrew Koji, Noah Centineo e Callina Liang, nitidamente eleva o nível de seus antecessores, "Street Fighter - A Última Batalha" (1994) e do spin-off não canônico de 2009, "Street Fighter: A Lenda de Chun-Li". 

O roteiro assinado por T.J. Fixman e Kitao Sakurai (com colaborações creditadas ou apontadas em versões de desenvolvimento também por Dalan Musson), agrada aos fãs, mas, ao público em geral, deixa a sensação de que poderia ter sido muito melhor. Não pelo uso do bom CGI, mas pelo atropelamento em que todo o enredo é apresentado. No entanto, é bom destacar que entrega embates memoráveis, seja o do Ryu em meio a névoa da sauna ou quando Ken finaliza o confronto no estilo do jogo.

Ambientado nos anos 90, o filme dirigido por Kitao Sakurai com duração de 1 hora e 59 minutos traz diversos personagens importantes da criação da CAPCOM (multinational desenvolvedora e publicadora japonesa de jogos eletrônicos), mas foca na tríade Ryu (Andrew Koji, de "Trem-Bala"), Ken Masters (Noah Centineo, de "Para Todos os Garotos Que Já Amei", "Adão Negro") e Chun-Li (Callina Liang, de "Presença"). Para tanto, apresenta os parceiros, quase irmãos Ryu e Ken que passam anos afastados numa disputa pessoal e de orgulho sobre o passado. 

Longe das lutas, Ryu tenta viver discretamente com as vendas de seu lámen num carrinho decadente de rua. Em tempo, nem mesmo um gatinho esfomeado é capaz de degustar tal iguaria. A derrocada de Ryu até remete a de Johnny Lawrence, na série "Cobra Kai", uma vez que Ken tenta sobreviver expondo-se nos holofotes televisivos quebrando carros. O que faz lembrar do personagem Johnny Cage (Karl Urban), do recente "Mortal Kombat II", mas sem a mesma qualidade e nível de entretenimento.

Eis que o tempo chega para o loiro fortão que também tem a figura esquecida pela grande massa. Por outro lado, Ken mantém ao lado o fiel parceiro Dan Hibiki (Andrew Schulz). Contudo, os rumos das vidas de Ken e Ryu voltam a serem entrelaçados por obra de Chun-Li, movida numa tarefa sombria de M. Bison (David Dastmalchian, de "Entrevista com o Demônio").

"Street Fighter", de trilha sonora no ponto com clássicos da época como "Wanna Be My Lover", La Bouche, entrega uma trama confusa em meio a tantos personagens que circundam o trio principal, desde Dhalsim (Vidyut Jammwal, de "Jungle - Protegendo a Selva"), Balrog (Curtis "50 Cent" Jackson, a Cammy (Mel Jarnson, "A Fera"), cabendo duas aparições de Blanka (Jason Momoa, "Aquaman"). Ao pecar por excesso, com até dois vilões, não apresenta o arco dos personagens e acaba desperdiçando sequência importantes, como o torneio oficial que em meio a tantos outros confrontos fica em segundo plano. 

Contudo, "Street Fighter" deixa clara a busca de entreter o público saudosista do jogo. Sem se levar tão a sério, o longa tem como ponto alto os flashbacks em estilo anime, entregando todo o poder dos embates que faltaram em algumas cenas em live-action. Para quem busca diversão, a trama do famoso golpe Hadouken é uma boa pedida e promete sequência, com direito a cena pós-crédito.

Filme: Street Fighter. Título original: Street Fighter. Gênero: Ação, Artes Marciais, Comédia. Duração: 1h 59min (119 minutos). Direção: Kitao Sakurai. Roteiro: T.J. Fixman, Dalan Musson e Kitao Sakurai. Produção: Legendary Pictures, Capcom. Distribuição: Paramount Pictures. País de origem: Estados Unidos / Japão. Elenco Principal: Andrew Koji (Ryu), Noah Centineo (Ken Masters), Callina Liang (Chun-Li), David Dastmalchian (M. Bison), Cody Rhodes (Guile), Jason Momoa (Blanka / Jimmy), Roman Reigns (Akuma), 50 Cent (Balrog). Ano de lançamento: 2026 (estreia no Brasil em 15 de outubro de 2026). Sinopse: Ambientado em 1993, a história acompanha os amigos de infância e artistas marciais Ryu e Ken Masters, que estão afastados há anos e são recrutados pela misteriosa Chun-Li para competir no World Warrior Tournament (Torneio dos Guerreiros Mundiais). Ao se prepararem para o combate, eles descobrem uma conspiração global sombria orquestrada pelo ditador M. Bison, precisando confrontar o passado para sobreviver.

Trailer de "Street Fighter"

Leia+

.: Crítica: "Adão Negro", no ponto, longa tem narrativa muito bem conduzida

.: Crítica: "Trem-Bala" é proibidão do mundo do crime. Imperdível!

.: Crítica: "A Fera" é suspense que Idris Elba leva bem até o final

.: Crítica: "Mortal Kombat II" é puro entretenimento gamer com cultura pop

.: "Jungle, Protegendo a Selva", do diretor de "O Escorpião Rei" e "O Máskara"

.: Crítica: "Mestres do Universo" tem a força para manter a essência e inovar

.: Crítica: "Backrooms: Um Não Lugar" faz refletir sobre "eus"

.: Resenha: "Cara-de-Barro" é excelente tormenta psicológica da nova fase DCU

.: Crítica: "Verity" fisga pelo talento do elenco, mas se perde na pegada erótica

Leia na íntegra...