.: Bianca Bin e Sérgio Guizé estreiam "Meu Deus!" dia 24 no Teatro das Artes

Produção da Morente Forte para texto da dramaturga israelense Anat Gov tem figurino de Fábio Namatame, luz de Wagner Pinto e cenário de Rebeca Oliveira. Foto: Caio Oviedo

 

A química entre os atores, o texto na ponta da língua e o timming imprimido durante o ensaio deram mostras do que está por vir. Numa tarde de sol e frio, final de maio, em um casarão na Vila Leopoldina, o encontro organizado pela produção apresentou o espetáculo à equipe e revelou uma dinâmica deliciosa de parceria entre os dois artistas. Morando em Indaiatuba, no Interior de São Paulo, Bianca Bin e Sérgio Guizé tirava proveito do trajeto de carro até a Capital para decorar o texto da peça "Meu Deus!", com estreia no dia 24 de julho no Teatro das Artes para temporada até 1º de novembro.

 

O casal aproveitou um ao outro o tempo todo. “Eu venho dirigindo de lá pra cá; da marginal até aqui dá mais ou menos uma hora. Ele, com o texto no banco do passageiro; a gente vem batendo as falas. Dá para fazer uma passada completa no percurso”, conta ela. O casal dribla a rotina e transforma a estrada em laboratório de ensaio. Uma cumplicidade que transborda no palco e na vida real.

 

"Meu Deus!", da dramaturga israelense Anat Gov, tem adaptação de Jorge Schussheim, tradução de Eloísa Cantom, versão brasileira de Célia Regina Forte e direção de Elias Andreato, figurino de Fábio Namatame, iluminação de Wagner Pinto. Na trama, Deus (Sérgio Guizé), assolado pela depressão que o persegue nos últimos dois mil anos, decide fazer terapia e espera que a psicóloga Ana (Bianca Bin) o ajude. Um texto espirituoso, com diálogos ágeis e verdadeiros, mesmo que aparentemente improváveis. Plateias do mundo inteiro surpreendem-se, riem, compactuam, torcem e, finalmente, se emocionam com essa sessão de terapia.

 

Ana (Bianca Bin) é uma psicóloga que vive uma rotina marcada por tensões pessoais: ela é mãe solo de Paulo, um filho adulto com autismo, e lida diariamente com os desafios emocionais dessa relação. Certo dia, recebe um telefonema urgente e misterioso de alguém que insiste em se consultar com ela imediatamente. Esse paciente, que se identifica apenas como “D”, revela-se nada menos que Deus — o Criador (Sérgio Guizé). Ele está profundamente deprimido.

 

Sentindo-se responsável pela “criação” que, segundo Ele, fugiu ao controle, Deus admite pensar no suicídio, tomado pela desesperança diante da humanidade e de tudo aquilo que se tornou. Ana tem apenas uma sessão para ajudar Deus a ver sentido novamente, a encontrar forças para continuar enfrentando o mundo. A peça entrelaça humor, emoção e questionamentos teológicos e existenciais. A história, embora pareça fantasiosa, aproxima o espectador através do diálogo com temas universais: culpa, fé, responsabilidade, abandono, esperança.

 

Os ensaios e o diretor 

A experiência e o talento do diretor Elias Andreato foi salientada pelos atores, que se sentiram à vontade para construir suas personagens. “A confiança em nos deixar livres, seguros e confortáveis para irmos em frente, sem ficar parando para marcar ou dar ênfase a alguns sentimentos, foi muito importante”, afirma Sérgio.

 

Guizé ressalta a troca como fator importante durante a etapa de ensaios. “Sob o olhar atento e a direção precisa do Elias, o processo ganhou muita sensibilidade. E dividir a cena com a Bianca é um privilégio absoluto; ela é uma atriz genial e a minha maior parceira na vida e na arte". Bianca completa: “Ter um grande diretor por trás faz toda a diferença. Elias pontua e extrai o melhor que a gente tem pra dar. Recebe e aproveita o que apresentamos. Sou muito fã desse cara”, fala.

 

Sobre a ótima interação de Bianca e Sérgio em cena, Andreato aponta: “Independente do fato de vocês se amarem, o jogo na cena é muito difícil quando a química não rola. Eles são maravilhosos”. Bianca concorda que dar certo na relação amorosa não garante que o mesmo aconteça na interpretação. “Eu me divirto muito com ele, na vida e no palco. Nessa história também”.

 

Elias Andreato cita a importância de reconhecer o talento do outro e trabalhar para que ele floresça. “O prazer é mais relevante que o sucesso, acredita Elias, comentando que hoje o mundo vive em função do ego e o mais importante é a escolha que fazemos como artistas”.

 

Para Andreato, o humor ácido de Meu Deus exige dos atores um caminho verdadeiro, sem buscar a graça no jogo cênico. “A situação inusitada já é suficiente. Assim, poderemos equilibrar a comédia e a visão crítica que a autora desenhou em sua dramaturgia, tão bem escrita e inteligente, ao trazer Deus para a terapia em um quadro de depressão”.

 

Sobre sua direção, reflete como ele próprio aprendeu com esse olhar mais jovem sobre a dramaturgia de uma autora que fala sobre o momento político mundial, de uma transformação gritante. “Somos representantes de um gueto. A gente pode tocar alguém, divertir, levar à reflexão, fazer a comédia com alguma utilidade”.

 

Leveza e humor

O Deus de Sérgio Guizé é humanizado, deprimido e com um humor ácido. “Às vezes até meio agressivo. Ele está em crise, tentando digerir os rumos do mundo e as próprias escolhas que fez nos últimos dois mil anos". Sobre como usar a leveza e o humor do texto sem esvaziar a gravidade de um personagem que cogita o suicídio, Sérgio diz: “A inteligência do texto já nos dá esse equilíbrio. O humor aqui não serve para mascarar a tragédia, mas para torná-la suportável. A leveza é o que nos permite mergulhar em um tema tão denso sem perder o fôlego”.

 

Acostumado a papéis intensos e explosivos na TV e no cinema, o ator conta como fazer para humanizar um Deus frágil e deprimido sem cair na caricatura: “O desafio é encontrar o humor na dor e na verdade, sem ceder à tentação da piada fácil. O trunfo está em construir um personagem vulnerável com o qual o público consiga se identificar, e não apenas rir dele”.

 

Terapeuta brilhante, mãe solo, ateia, sobrevivente de um casamento falido e dos desafios de uma maternidade exaustiva - assim Bianca enxerga sua personagem. “Ela acredita profundamente na razão, na ciência e na escuta, até que surge o maior desafio de sua carreira: receber Deus como paciente em seu consultório”. A mistura de força e vulnerabilidade da Ana encanta a atriz. “É uma mulher que cuida de todos, mas que também carrega suas próprias feridas e questionamentos”.

 

Conhecida pelo público em geral pelas protagonistas dramáticas que tem interpretado nas novelas de TV, a atriz rompe com este estereótipo para viver uma mulher exausta, que representa a "resistência humana" e precisa encarar Deus no divã. “Para mim, a próxima personagem é sempre o maior desafio, justamente por representar o desconhecido. Existe sempre um mistério a ser desvendado, e isso é o que mais me instiga na profissão. A Ana me convida a mergulhar em questões humanas muito profundas, e isso é especialmente estimulante".

 

Por que montar "Meu Deus!" de Anat Gov 

Por mais fantasiosa que a história possa parecer à primeira vista, no decorrer da peça plateias do mundo inteiro acreditam nesse encontro inusitado. Elas se surpreendem, riem, se reconhecem, torcem e, por fim, se emocionam com essa sessão de terapia tão improvável quanto plausível.

 

A trama acontece em um único dia na vida da psicóloga Ana, interpretada por Bianca Bin, que recebe um misterioso telefonema de um homem em desespero - papel de Sergio Guizé - insistindo em marcar uma consulta naquele mesmo instante. Quando chega ao consultório, ele se apresenta como sendo... Deus. Um Deus profundamente deprimido com a situação do Paraíso que um dia criou.

 

Ana tem apenas uma sessão para convencê-lo do contrário - e talvez salvar o mundo. É nesse embate que se desenrola uma comédia inteligente, cheia de humor ácido, revelações surpreendentes e reflexões que nos fazem imaginar: como seria, afinal, encontrar-se com Deus?

 

A importância de tratar desse tema 

Vivemos um tempo em que todos, de alguma forma, sentem-se um pouco “deuses” - donos da verdade, juízes da vida alheia, criadores de suas próprias regras. As redes sociais amplificam essa sensação: cada opinião parece absoluta, cada gesto ganha dimensão divina, cada indivíduo acredita ter o poder de decidir o certo e o errado.

 

Montar "Meu Deus!" é mergulhar justamente nessa contradição. Ao colocar o próprio Deus numa sessão de terapia, a peça humaniza o divino e nos lembra da fragilidade que compartilhamos. Questiona o poder absoluto, relativiza certezas e convida o público a rir e refletir sobre nossas arrogâncias cotidianas.

 

Falar desse tema é urgente porque mostra que, quando todos se sentem deuses, corremos o risco de perder a humildade, a escuta, a compaixão. E talvez seja justamente no reconhecimento da nossa vulnerabilidade que esteja a verdadeira grandeza humana. (texto de Elias Andreato)

 

A fúria de Deus e a fúria dos homens 

Desde a criação, a relação entre Deus e os homens é atravessada pela fúria. A fúria de um Deus decepcionado, que vê sua obra escapar do controle e mergulhar em guerras, injustiças e destruição. Um Deus que se pergunta se valeu a pena criar o mundo, e que, no limite da sua impotência, ameaça virar as costas para a humanidade.

 

Mas há também a fúria dos homens contra Deus. Homens que cobram respostas, que se revoltam diante do silêncio, que não compreendem a dor, a miséria, a desigualdade. Homens que ousam julgar o Criador, acusando-o de abandono ou crueldade. E, talvez ainda mais devastadora, está a fúria dos homens contra os próprios homens. A violência, o ódio, a indiferença cotidiana que revelam como nos tornamos deuses uns dos outros - prontos a punir, condenar, excluir.

 

Essa peça nasce desse conflito. Ao colocar Deus no divã, ela nos obriga a encarar nossa própria fúria refletida na fúria d’Ele. Rir desse encontro improvável é também rir de nós mesmos, e perceber que a salvação, se existe, talvez não esteja em um milagre divino, mas em nossa capacidade de escutar, perdoar e reinventar a convivência. (texto de Elias Andreato)

 

 

Ficha técnica

Espetáculo "Meu Deus!"

Texto Anat Gov.
Adaptação: Jorge Schussheim.
Tradução: Eloísa Canton.
Versão: Célia Regina Forte.
Direção Elias Andreato. 

Elenco Bianca Bin, Sérgio Guizé e D. Enzo Morente.

Cenário: Rebeca Oliveira.
Figurino: Fábio Namatame.
Iluminação: Wagner Pinto.
Música: original Jonatan Harold.
Designer gráfico: Vicka Suarez.
Fotos: Caio Oviedo.
Assistente de direção: Zé Guilherme Bueno.
Assessoria de imprensa: Fernanda Teixeira e Maurício Barreira – Arte Plural Comunicação.

Produtoras: Selma Morente e Célia Forte. 
Lei Rouanet: Patrocínio Laboratório Cristália.

Uma produção Morente Forte Produções Teatrais.
Realização: Ministério da Cultura, Governo do Brasil.

Serviço

Espetáculo "Meu Deus!"
De 24 de julho a 1.° de novembro. Teatro das Artes no Shopping Eldorado, em São Paulo. Sessões: sextas e sábados, às 20h00, e domingos, às 17h00. Ingressos - de R$ 25,00 a R$ 160,00. Vendas Eventim. Gênero: comédia. Duração: 80 minutos. Classificação indicativa: 12 anos.

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.: Angel Ferreira estreia o sucesso "Sidarta" em São Paulo no Teatro Estúdio

Criada ao longo de 5 anos, a peça é inspirada no livro homônimo de Hermann Hesse e narra a jornada interna do protagonista em busca de si mesmo. Espetáculo comemora 2 anos em cartaz e chega, pela primeira vez, na capital paulista. Foto: Claudio Pitanga

A vida e a iluminação de Buda são o ponto de partida para a criação do solo "Sidarta", do ator e diretor Angel Ferreira, que celebra dois anos em cartaz com este trabalho. O espetáculo estreia em São Paulo no Teatro Estúdio, de 8 a 31 de agosto, com apresentações aos sábados e domingos, às 17h00, com sessões extras às segundas, 20h00.

A peça, ambientada na Índia no período de vida do Buda histórico, é livremente inspirada no livro homônimo de Hermann Hesse, vencedor do Prêmio Nobel de Literatura, que narra, de forma ficcional, uma viagem que o próprio autor realizou em sua juventude, abarcando temas de valor existencial e mergulhos na ambiguidade entre os pólos sagrado-profano, sucesso-fracasso, prazer-privação, solidão-pertencimento.

Nesta história, Sidarta, inteligente filho de Brâmane, a deixar a casa dos pais. Seguido por seu melhor amigo, Govinda, ambos aderem aos samanas, vertente espiritual que busca a iluminação através da mortificação do corpo. Em seguida, desconfiado e desiludido com as doutrinas, Sidarta conhece o próprio Buda e dele também se afasta, determinado a encontrar seu próprio caminho ou a morte. 

Estabelece relação com uma cortesã da cidade, torna-se comerciante, embrenha-se no vício e no materialismo, para novamente deixar tudo para trás e retornar à simplicidade, junto a um barqueiro que se revela um mestre e amigo. Continuamente, encontramos ao longo do texto dramaturgias de aprisionamento e libertação, que descortinam suas ilusões e aprofundam sua subjetividade.

Sobre essa jornada interior em busca da essência,  Angel Ferreira comenta: “Quando a gente põe em perspectiva o nosso tempo de vida, a efemeridade de tudo, não faz sentido basear a vida numa busca distraída por sucesso, bens, poder. Gosto do conforto, e não sou um asceta, como os samanas da floresta que o Sidarta encontra. Se libertar do materialismo pra mim não é sobre abdicar e renunciar a vida material, ao mundo dos objetos e da relação com as coisas, pra mim é sobre aprender a brincar com elas, mas sem ficar obcecado, sem se viciar nesse jogo. Então, a peça me ensina a pensar e escolher quais hábitos me centram e me trazem calma. Como o trabalho é bastante físico, ele me convida a ter uma vida amorosamente disciplinada, com alongamento, fortalecimento, meditação - e se eu não faço eu me machuco em cena”.

Angel também destaca a relação da peça com temas atuais e urgentes, principalmente os ambientais. “Quando eu penso que nós vivemos num mundo em colapso climático, no qual o negacionismo encontra força justamente no fato de que deixamos de conviver com as árvores, os bichos, as águas limpas, fazer uma peça que conta a história de uma pessoa que encontra a paz se dedicando a ouvir a voz do rio, me encanta! Isso pra mim é urgente de ser trabalhado nas artes. Uma nova compreensão da centralidade da natureza nas nossas vidas”, acrescenta.

Preparado ao longo de cinco anos, o espetáculo narra a jornada do protagonista em busca de si mesmo, em uma apresentação que mescla narrador, personagens e ator a partir de uma montagem minimalista, com colaboração na direção de Beth Martins (Intrépida Trupe) e Renato Livera (Shell 2026 de Melhor Ator). Livera também é responsável pela iluminação da peça, ao lado de João Gioia, com quem foi indicado ao Prêmio Shell 2025 na categoria Iluminação.

“‘Sidarta’ é um desses projetos que te chamam para algo a mais do que a criatividade artística puramente dita. É um chamado também espiritual. Foi assim que recebi o convite do Angel Ferreira para estar junto. E como a espiritualidade está ligada a um movimento interno de conexão que vai para além de nós mesmos, entendemos que o resultado que tivemos com a iluminação seguiu o princípio desse sopro, dessa troca, da escuta e da generosidade. É uma luz muito simples, mas ela habita e dá lugar à imensidão da história contada. Isso foi reconhecido e resultou na indicação, a qual agradeço imensamente ao Angel, ao João Gioia e à Thatyane Calandrini. Sem esse coletivo inspirado e inspirador, nada disso teria acontecido”, comenta Livera.

Ficha técnica
Espetáculo "Sidarta"

Direção, adaptação e atuação: Angel Ferreira

Direção de produção: Marcela Casarin

Diretores colaboradores: Beth Martins e Renato Livera

Diretora assistente: Thatyane Calandrini

Interlocução dramatúrgica: Walter Daguerre

Iluminação: João Gioia e Renato Livera

Colaboração artística: Lavinia Bizzotto

Preparação em parateatro: João Maia P

Colaboração em movimento: Alexandre Maia

Fotografia: Philipp Lavra e Claudio Pitanga

Produção: Mãe Joana Produções

Agradecimentos: Felipe Habib, Nina Harper e Ricardo Cabral

Sinopse de "Sidarta"

Nesta história, acompanhamos Sidarta, inteligente filho de Brâmane, a deixar a casa dos pais. Seguido por seu melhor amigo, Govinda, ambos aderem aos samanas, vertente espiritual que busca a iluminação através da mortificação do corpo. Em seguida, desconfiado e desiludido com as doutrinas, Sidarta conhece o próprio Buda e dele também se afasta, determinado a encontrar seu próprio caminho ou a morte. Estabelece relação com uma cortesã da cidade, torna-se comerciante, embrenha-se no vício e no materialismo, para novamente deixar tudo para trás e retornar à simplicidade, junto a um barqueiro que se revela um mestre e amigo. Continuamente, encontramos ao longo do texto dramaturgias de aprisionamento e libertação, que descortinam suas ilusões e aprofundam sua subjetividade.

Serviço

Espetáculo "Sidarta", com Angel Ferreira

Temporada: 8 a 31 de agosto de 2026

Sábados e domingos, às 17h00. Segundas, às 20h00

Teatro Estúdio - R. Conselheiro Nébias, 891 - Campos Elíseos

Ingressos: R$ 100 (inteira) e R$ 50 (meia-entrada)

Vendas on-line em https://site.bileto.sympla.com.br/teatroestudio/

Bilheteria: segunda a sábado, a partir das 17h00; e aos domingos, a partir das 15h00

Serviço de Vallet com Estacionamento no local (a partir de 1h30 antes do início do espetáculo).

Duração: 120 minutos

Capacidade: 112 lugares

Classificação: 18 anos

Acessibilidade: teatro acessível a cadeirantes e pessoas com mobilidade reduzida

Não é permitida a entrada após o início do espetáculo. 

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.: Musical brasileiro transforma clássico de Shakespeare em festa junina

Livremente inspirado em “Sonho de Uma Noite de Verão”, de William Shakespeare, espetáculo ambientado nas festas juninas celebra a cultura brasileira ao misturar romance, comédia e fantasia. Foto: João Pedro Hachiya

Em uma vila tomada pelo céu estrelado e pela magia das festas juninas, nasce uma história de amor que vai conquistar o seu coração. Com direção de Thereza Falcão, que assina o texto com Mariana Mesquita, “Festa no Arraial, O Musical” estreia no Teatro Sabesp Frei Caneca, no Shopping Frei Caneca, na Consolação, temporada de 24 de julho a 16 de agosto, com sessões de sexta a domingo em diferentes horários. No palco, um grande elenco com Claudia Ohana, Lorena Tucci, Cadu Libonati, Bernardo Mesquita, Erika Affonso, Danilo Dal Farra, Sofie Orleans, Rafa Canedo, Júlia Perré, Nestor Fonseca, Caio Padilha, Benji Iuler, Jude Fontenelle e Mariana Braga.

Livremente inspirado em “Sonho de Uma Noite de Verão”, de William Shakespeare, o espetáculo transporta para o universo das festas juninas uma trama envolvente sobre desejos, escolhas e os caminhos inesperados do amor. Vibrante, emocionante e divertido, mistura romance, comédia e fantasia para celebrar a cultura brasileira em uma experiência única para toda a família. "Festa no Arraial é um convite para que o público volte a acreditar na força dos encontros, dos sonhos e do amor. É uma história que celebra nossas raízes, nossa cultura e tudo aquilo que faz o coração bater mais forte. Queremos que cada pessoa saia do teatro com a sensação de ter vivido uma noite mágica", conta Thereza Falcão, diretora e autora do espetáculo.

O elenco, formado por 14 atores, cantores e instrumentistas, dão vida a personagens apaixonantes em uma história cheia de reviravoltas, encontros e desencontros, na qual o amor precisa enfrentar tradições, interesses e até forças encantadas da natureza. Com músicas que vão fazer você se divertir, se emocionar e cantar junto do início ao fim, o espetáculo convida o público a mergulhar em um universo onde o amor é desafiado, os sonhos ganham voz e a magia pode transformar destinos.

Entre fogueiras acesas, quadrilhas animadas e criaturas encantadas da mata, “Festa no Arraial” nos lembra que o amor verdadeiro não se impõe, e sim floresce. Um musical inédito, brasileiro e feito para emocionar todas as idades. Venha se apaixonar, se divertir e celebrar. Porque nessa festa, o coração também entra na dança. Apresentado pelo Ministério da Cultura e Brasilprev, com patrocínio do Laboratório Cristália, produção e marketing da Inova Brand e realização da Everybody Entretenimento, Ministério da Cultura e Governo do Brasil.

"Patrocinar um musical original e autoral como 'Festa no Arraial' reafirma nosso compromisso com a cultura nacional e a valorização de histórias que conectam gerações. Celebrar tradições como as festas juninas e suas múltiplas expressões, em um espetáculo que reúne música, dramaturgia e elementos da arte popular brasileira, é um estímulo para que mais pessoas vivenciem essa experiência e um meio de democratizar o acesso cultural", diz Laura Beltran, gerente de Comunicação da Brasilprev.

Sinopse de “Festa no Arraial, O Musical”
Em uma pequena vila nordestina, tomada pela magia das festas juninas, na noite mais brilhante do ano, quando o céu se ilumina para celebrar, nasce uma história de amor guiada pelas forças da natureza encantada. Hérmia e Lisandro são dois jovens apaixonados que sonham em se casar durante a grande noite do arraial. Mas, quando algo inesperado surge em seus caminhos, seus planos tomam rumos imprevisíveis, o amor dos dois é colocado à prova e o destino de todos ao seu redor começa a se transformar.

Entre fogueiras acesas, quadrilhas animadas e canções que embalam a festa, a trama ganha novos contornos quando a floresta revela seus mistérios e o mundo dos encantados atravessa o caminho dos personagens. Em meio a encontros e desencontros, cada um será levado a entender o que realmente significa amar. Livremente inspirado em Sonho de uma Noite de Verão, de William Shakespeare, “Festa no Arraial, O Musical” é um espetáculo vibrante, emocionante e divertido, que mistura romance, comédia e fantasia em uma grande celebração da cultura brasileira, para toda a família.

Ficha técnica
“Festa no Arraial, O Musical”
Texto: Thereza Falcão e Mariana Mesquita
Direção: Thereza Falcão
Idealização e produção geral: Sérgio Lopes
Elenco: Claudia Ohana, Lorena Tucci, Cadu Libonati, Bernardo Mesquita, Erika Affonso, Danilo Dal Farra, Sofie Orleans, Rafa Canedo, Júlia Perré, Nestor Fonseca, Caio Padilha, Benji Iuler, Jude Fontenelle e Mariana Braga
Marketing e comercial: Mauricio Tavares
Direção musical: Marcelo Alonso Neves
Pesquisa musical: Rodrigo Faour
Cenários e figurinos: Mauro Leite
Coreografias: Renato Vieira
Iluminação: Adriana Ortiz
Produção de elenco: Felipe Ventura
Assistente de direção: Luiz Fernando Bruno
Direção de produção: Filomena Mancuzo
Produção executiva: Neco Fx
Assessoria de imprensa: Carlos Pinho
Produção e marketing: Inova Brand
Realização: Everybody Entretenimento, Ministério da Cultura e Governo do Brasil

Serviço
“Festa no Arraial, O Musical”
Teatro Sabesp Frei Caneca - Shopping Frei Caneca - Rua Frei Caneca, 569, Consolação / São Paulo
Temporada São Paulo: de 24 de julho a 16 de agosto de 2026

Sessões
Sextas-feiras, às 20h00: dias 24 e 31 de julho; 7 e 14 de agosto.
Sábados, às 17h00: 1°, 8 e 15 de agosto.
Sábados, às 20h00: dias 25 de julho, 8 e 15 de agosto.
Domingos, às 18h00: dia 2, 9 e 16 de agosto.
Domingo, às 19h00: dia 26 de julho

Ingressos
Bilheteria do Teatro Sabesp Frei Caneca e no site https://uhuu.com/evento/sp/sao-paulo/festa-no-arraial-o-musical-16282

Valores
Plateia I: R$ 150,00 (inteira) / R$ 75,00 (meia-entrada)
Plateia II: R$ 120,00 (inteira) / R$ 60,00 (meia-entrada)
Plateia Superior: R$ 80,00 (inteira) / R$ 40,00 (meia-entrada)

Ingresso Solidário:
50% de desconto mediante a doação de 1kg de alimento não perecível
Classificação: livre
Duração: 90 minutos
Rede social: @festanoarraial

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.: Estreia "Antes Que Seja Tarde" da obra de Carpinejar com Vânia Brito

Consagrado pelo público carioca e destacado pela Veja Rio como um dos melhores monólogos em cartaz em 2026, o espetáculo protagonizado pela atriz Vânia de Brito — inspirado na obra "Cuide dos Pais Antes que Seja Tarde", de Fabrício Carpinejar — emociona o público com uma delicada reflexão sobre a memória, os laços familiares e o afeto. Foto: Guga Melgar

Após três temporadas no Rio de Janeiro e apresentações em Niterói, Belo Horizonte e São José dos Campos, o monólogo "Antes Que Seja Tarde", inspirado na obra de Fabrício Carpinejar, chega a São Paulo para temporada de 8 a 30 de agosto, sempre aos sábados e domingos, na Sala Gil Vicente do recém-reinaugurado Teatro Ruth Escobar. Estrelado por Vânia de Brito, com direção de Delson Antunes e da própria atriz, e adaptação dramatúrgica de Antonio Januzelli e Rodolfo Amorim, o espetáculo vem construindo, desde sua estreia em 2023, uma trajetória marcada pela forte identificação do público com sua delicada reflexão sobre memória, família e afetos.

Publicado em 2018 e considerado um dos maiores sucessos editoriais do escritor gaúcho, Cuide dos Pais Antes Que Seja Tarde parte da relação do autor com seus próprios pais para refletir sobre um tema universal: a dificuldade de cuidar de quem passou a vida cuidando de nós. Em uma sequência de crônicas, o autor aborda a inversão dos papéis entre pais e filhos, convidando o leitor a repensar a presença, o afeto e o tempo compartilhado antes que a ausência transforme o amor em saudade. 

Livremente adaptado, o monólogo acompanha uma mulher que revisita episódios da infância e da vida adulta, dando voz a personagens, lembranças e situações que atravessam diferentes fases da existência. Entre humor, emoção e poesia, a narrativa constrói um retrato sensível das relações familiares e do modo como o tempo transforma a nossa percepção do mundo. 

A produção marcou o retorno de Vânia de Brito aos palcos em 2023, após 16 anos afastada do teatro. Desde então, a atriz percorreu diferentes cidades brasileiras com o espetáculo, consolidando um trabalho construído de forma independente e sustentado pela permanência em cartaz e pela resposta do público ao longo de sucessivas temporadas. A encenação aposta na simplicidade como principal recurso dramático. O cenário de José Dias, a iluminação de Aurélio de Simoni e a trilha sonora original de Beatriz Parisi Pinheiro criam uma atmosfera intimista, na qual a palavra e a interpretação assumem o protagonismo. "O livro me pegou pelo coração. Foi ele que me fez voltar aos palcos. Essa história fala sobre a urgência da vida e do amor que tantas vezes deixamos para depois", afirma a atriz e produtora. 

Ao longo de sua circulação, "Antes Que Seja Tarde" transformou cada apresentação em um espaço de encontro entre palco e plateia. Não são raros os espectadores que permanecem no teatro após as sessões para compartilhar histórias despertadas pela narrativa - um reflexo da capacidade do universo literário de Fabrício Carpinejar de tocar experiências comuns e estabelecer conexões que permanecem muito além do encerramento da sessão. “Em tempo de relações cada vez mais apressadas, o espetáculo nos lembra que o amor nunca chega cedo demais - mas pode chegar tarde”, reflete Vânia.

Ficha técnica

Espetáculo "Antes Que Seja Tarde"

Baseado na obra "Cuide dos Pais Antes Que Seja Tarde", de Fabrício Carpinejar

Direção: Delson Antunes e Vânia de Brito

Adaptação: Antonio Januzelli e Rodolfo Amorim

Elenco: Vânia de Brito

Cenário: José Dias

Figurino: Vânia de Brito

Iluminação: Aurélio di Simoni

Trilha sonora original: Beatriz Parisi Pinheiro

 

Serviço
Espetáculo "Antes Que Seja Tarde"

Baseado na obra "Cuide dos Pais Antes Que Seja Tarde", de Fabrício Carpinejar

Direção: Delson Antunes e Vânia de Brito

Adaptação: Antonio Januzelli e Rodolfo Amorim

Elenco: Vânia de Brito

Duração: 60 minutos.

Recomendação: 8 anos.

Gênero: drama.

Temporada: de 8 a 30 de agosto, sábados e domingos, às 20h30.

Ingressos: a partir de R$ 60,00

Vendas on-line: https://www.ticketmaster.com.br/page/teatroruthescobar

Bilheteria: de terça a domingo a partir das 14h

Teatro Ruth Escobar – Sala Gil Vicente (320 lugares)

Rua dos Ingleses, 209 - Morro dos Ingleses

Telefone (11) 3289.2358

Acessibilidade, cafeteria e valet

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.: Beto Matos estará na Flip em debate sobre fragmentação do tempo

Evento na Casa Urutau durante a FLIP discutirá memória, aceleração e as novas formas de narrar o presente

A literatura contemporânea e os desafios de representar um mundo marcado pela fragmentação estarão no centro da participação do escritor e ator Roberto Basílio de Matos na 4ª edição da Casa Urutau, espaço integrante da programação paralela da Festa Literária Internacional de Paraty (Flip). No dia 25 de julho, sábado, às 16h00, o autor participa da mesa "Este Velho Mundo Novo (e Louco): O Tempo do Fragmento", ao lado de Leonardo Mourão Carrara e Zeh Gustavo, em um encontro dedicado a refletir sobre como a literatura responde às experiências do presente por meio da memória, do tempo e das narrativas fragmentadas.

O convite reforça o momento vivido por Roberto Basílio de Matos com o romance ** Longitude 33º Oeste **, publicado pela Editora Urutau. A obra transporta o leitor para o isolamento do Atol das Rocas, onde acompanha a luta de uma família para sobreviver em meio à escassez, ao silêncio e à força da natureza, transformando esse cenário em uma reflexão sobre pertencimento, resistência e a própria condição humana.

A construção narrativa do romance dialoga diretamente com o tema da mesa da Flip. Com estrutura fragmentada e múltiplos pontos de vista, Longitude 33º Oeste apresenta diferentes perspectivas de seus personagens para revelar como memória, tempo e experiência moldam a percepção humana. O autor, com experiência como ator e dramaturgo, utiliza a locução em seu processo de escrita, dando particular importância ao ritmo e sonoridade do texto. A obra combina lirismo, oralidade e regionalismo em uma narrativa que rompe a linearidade para aproximar o leitor das inquietações de cada integrante da família retratada.

"A fragmentação não é apenas uma escolha estética. Ela traduz a forma como vivemos, lembramos e compreendemos o mundo. A literatura precisa encontrar novas maneiras de narrar essa experiência contemporânea sem perder sua capacidade de provocar reflexão", afirma Roberto Basílio de Matos. Ao mesmo tempo em que mergulha em um território geograficamente isolado, o romance amplia sua discussão para temas universais como solidão, deslocamento, memória e sobrevivência. "Somos seres sociais, não isolados. O livro aborda essa fragilidade do humano perante o outro e a si mesmo, quando os laços externos são cortados. Que mundo queremos para nós, quando destruímos aquilo que nos mantém vivos?", destaca o autor.

A participação na Casa Urutau consolida a presença de Roberto Basílio de Matos entre os autores que discutem os caminhos da literatura brasileira contemporânea durante a FLIP. Ao levar Longitude 33º Oeste para um dos principais encontros literários do país, o escritor amplia o debate sobre as novas formas de narrar o presente e reafirma a literatura como espaço de reflexão sobre as transformações do mundo e da experiência humana.

 

Sobre o autor

Roberto Basílio de Matos (Beto Matos) acumula uma trajetória premiada nas artes. Cofundador da Cia. De teatro Phila7 e vencedor do Prêmio Funarte de Dramaturgia em 2005, já publicou Guarda-chuva? Guarda-chuva!  (Prêmio Lusofonias em Portugal) e Nosso diário (2019). Em "LONGITUDE 33° Oeste", ele une seu olhar biológico sobre a natureza e sua experiência dramática para construir uma narrativa sensível sobre a condição humana.

Serviço

Mesa: "Este Velho Mundo Novo (e Louco): O Tempo do Fragmento"

Sábado, dia 25 de julho, às 16h00

Casa Urutau – Flip 2026

Participantes: Roberto Basílio de Matos, Leonardo Mourão Carrara e Zeh Gustavo

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.: Luci Collin: 30 anos de literatura em nova coletânea de contos

Em "Acontecidos", lançamento da Maralto Edições, a vencedora do Prêmio Jabuti apresenta uma seleção de textos que percorre sua trajetória como contista e reafirma sua aposta na invenção, no humor e na liberdade da linguagem. Foto: Annie Libert

Uma das vozes mais originais da literatura brasileira contemporânea, a escritora curitibana Luci Collin lança pela Maralto Edições o livro "Acontecidos: Contos Escolhidos", coletânea que reúne 44 narrativas produzidas ao longo de quase três décadas de carreira. A obra percorre um arco temporal que vai de 1997 até textos inéditos escritos para esta edição, oferecendo ao leitor um panorama abrangente da produção contística da autora, reconhecida pela experimentação formal, pela musicalidade da escrita e pelo constante diálogo com os limites da linguagem. O livro será lançado na Flip - Festa literária Internacional de Paraty 2026 no próximo dia 23,  às 12h30, na Casa Acaso. O evento contará com um bate-papo mediado pela escritora e artista visual Julie Fank.

Com prefácio do escritor e tradutor Caetano Galindo, o volume apresenta uma seleção criteriosa realizada a partir de cerca de 130 contos publicados por Luci Collin em oito coletâneas ao longo de sua trajetória. Organizado cronologicamente, Acontecidos funciona como uma espécie de cartografia literária de uma autora que sempre privilegiou a inventividade, a ruptura de convenções e a busca por novas possibilidades narrativas.

A seleção dos textos levou em consideração tanto a representatividade formal quanto temática da produção da escritora. O objetivo foi apresentar contos capazes de sintetizar as principais características de sua literatura, marcada por estruturas fragmentadas, jogos de linguagem, cortes narrativos, humor ácido e um afastamento deliberado das formas mais convencionais do gênero. “Foi um processo de escolha muito cuidadoso. Busquei contos que trouxessem essa marca de inventividade e transgressão dos padrões tradicionais da narrativa, reforçando uma linguagem mais ágil, fragmentada e menos realista, características muito presentes na literatura contemporânea”, afirma a autora.

Ao revisitar textos escritos ao longo de quase 30 anos, Luci Collin também encontrou uma oportunidade de refletir sobre sua própria trajetória. Segundo ela, os primeiros contos surgiram em um momento em que suas propostas literárias eram frequentemente percebidas como rebeldes por se distanciarem dos modelos narrativos mais tradicionais. Hoje, no entanto, a autora percebe um público mais familiarizado com procedimentos como a fragmentação, a montagem e os jogos linguísticos que sempre fizeram parte de sua escrita.

“Olhar para trás foi um exercício emocionante. Muita coisa mudou no mundo e na minha vida desde então. Permaneci acreditando em uma escrita experimental que sempre disse muito sobre quem sou. Ver essa trajetória reunida em um único volume é um presente indescritível”, comenta. Ao longo das páginas de "Acontecidos", o leitor encontra personagens excêntricos, diálogos marcados por ruídos de comunicação e narrativas que são uma reflexão sobre o próprio ato de escrever. A fragilidade da linguagem, os impasses da vida urbana contemporânea e as múltiplas formas de construção da identidade aparecem como temas recorrentes, tratados sempre com uma combinação singular de humor, ironia e refinamento formal.

Embora reconhecida pelo experimentalismo, Luci Collin destaca que sua literatura nunca abriu mão da comunicação com o leitor. “Escrever corresponde a uma necessidade profunda de comunicação. Não sou uma escritora radical em relação à forma. Tenho muitos leitores jovens que leem meus textos com facilidade, e isso me alegra porque mostra que o tratamento que dou à linguagem não a torna hermética ou inacessível”, afirma.

Outro elemento fundamental da obra de Luci Collin é sua estreita relação com a música. Pianista e percussionista profissional durante muitos anos, ela incorporou à escrita princípios como ritmo, melodia, pausas e contrapontos. Não por acaso, referências a compositores como Mozart e Beethoven aparecem em seus contos, assim como termos do universo musical. “O convívio com a música trouxe para a minha escrita recursos ligados à sonoridade, à cadência e à polifonia. Muitas vezes trabalho a narrativa pensando no ritmo da fala, nos silêncios e na musicalidade das palavras”, finaliza.

Com "Acontecidos", Luci Collin oferece aos leitores uma síntese poderosa de uma trajetória dedicada à experimentação estética e à reinvenção permanente da narrativa, reafirmando seu lugar entre os nomes mais inventivos da literatura brasileira contemporânea. A obra já está disponivel no ecommerce da Maralto Edições e também faz parte do Programa de Formação Leitora Maralto, uma iniciativa direcionada para escolas de todo o país.

Sobre a autora
A curitibana Luci Collin é escritora, tradutora e professora. Formou-se em Piano/Performance, Letras (Português/Inglês) e Percussão Clássica, é doutora em Estudos Linguísticos e Literários em Inglês (USP) e tem dois pós-doutorados em Tradução de Literatura Irlandesa. Lecionou na UFPR entre 1999 e 2019. Estreou na literatura em 1984 com Estarrecer e construiu uma carreira reconhecida na poesia e na prosa. Foi finalista do Prêmio Oceanos com Querer falar (2014), venceu o Prêmio Jabuti com A palavra algo (2016) e recebeu distinções como o Prêmio Clarice Lispector e o Prêmio Literário Biblioteca Nacional com Dedos impermitidos, (2021). Tradutora de autores como Virginia Woolf e Seamus Heaney, tem obras publicadas no Brasil e no exterior e integra a Academia Paranaense de Letras (Cadeira 32).

Serviços
Eventos de lançamento
Flip 2026
Data: 23 de julho, quinta-feira, às 12h30
Casa Acaso | O evento contará com um bate-papo mediado pela escritora e artista visual Julie Fank.

Lançamento em Curitiba
Data: 15 de agosto, sábado, às 14h00
Livraria Telaranha | R. Ébano Pereira, 269 – Centro

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.: Musical “Os Últimos 5 Anos” retorna em edição comemorativa pelos 25 anos

Única produção da América do Sul destacada no programa oficial dos 25 anos da estreia da obra, montagem com Beto Sargentelli e Eline Porto volta ao Teatro Nair Bello para curta temporada em outubro. Foto: Gustavo Arrais

A montagem brasileira de “Os Últimos 5 Anos”, musical escrito por Jason Robert Brown, voltará aos palcos paulistanos entre os dias 9 e 18 de outubro, no Teatro Nair Bello, no Shopping Frei Caneca. Protagonizado por Beto Sargentelli e Eline Porto, o espetáculo, realizado pela H Produções Culturais, retorna em uma edição comemorativa criada para celebrar os 25 anos de “The Last Five Years” na Broadway, em um momento especialmente simbólico para sua trajetória no Brasil.

A produção estreou em 2018, com direção de João Fonseca, direção musical de Thiago Gimenes e direção de movimento de Keila Bueno. Desde então, passou por temporadas em 2018, 2019 e 2023, conquistando reconhecimento da crítica, importantes indicações e prêmios do teatro musical brasileiro - entre eles o de Melhor Ator para Beto Sargentelli no Prêmio Bibi Ferreira. Ao longo desse período, consolidou-se como uma das produções mais representativas do teatro musical contemporâneo no país e contribuiu para ampliar o alcance da obra entre o público brasileiro.

Esse novo retorno chega acompanhado de um reconhecimento inédito. A produção foi a única da América do Sul mencionada no programa oficial comemorativo dos 25 anos de "The Last Five Years", passando a integrar o material que registra a trajetória internacional do musical. "Enquanto o mundo celebra os 25 anos de 'The Last Five Years' com novas montagens, é uma honra para nós recolocar em cena a produção brasileira, que ajudou a escrever a história desse musical fora dos Estados Unidos e foi reconhecida no programa oficial comemorativo como a única montagem da América do Sul. Depois de conquistar 19 prêmios e indicações ao longo de cinco temporadas entre São Paulo e Curitiba, sentimos que essa celebração também pertence ao público brasileiro, que celebra não só esse marco da obra na Broadway, mas também os oito anos em nosso país”, afirma Beto Sargentelli.

A homenagem coincide com um período de grande projeção para o título ao redor do mundo. Em 2026, as comemorações reuniram novas montagens e concertos especiais em diferentes países, entre eles a produção estrelada por Ben Platt e Rachel Zegler, apresentada no London Palladium e posteriormente levada ao Hollywood Bowl e ao Radio City Music Hall, sob direção e regência do próprio Jason Robert Brown. A programação incluiu ainda o lançamento de um álbum ao vivo oficial, reafirmando a relevância do musical um quarto de século após sua estreia.

Estreado em Chicago, em 2001, "Os Últimos 5 Anos" acompanha o relacionamento entre Cathy e Jamie por meio de duas linhas narrativas que seguem direções opostas e se cruzam apenas uma vez. Enquanto ela revive a história do fim para o começo, ele percorre o caminho inverso, do primeiro encontro à separação. O sucesso do musical ultrapassou os palcos, inspirando uma adaptação cinematográfica em 2014, protagonizada por Anna Kendrick e Jeremy Jordan. Ao longo de seus 25 anos, a obra também atraiu alguns dos principais nomes do teatro musical e do entretenimento internacional, seja em montagens, concertos ou interpretações especiais de suas canções, entre eles Cynthia Erivo, Jonathan Bailey, Nick Jonas, Ariana Grande, Ben Platt e Rachel Zegler. A estrutura inovadora transformou a obra em um fenômeno internacional e consolidou seu autor como um dos principais nomes do teatro musical contemporâneo.

Responsáveis por apresentar oficialmente o musical ao público brasileiro, Beto Sargentelli e Eline Porto voltam aos papéis de Jamie e Cathy em uma temporada que celebra não apenas os 25 anos da estreia da obra na Broadway, mas também a permanência de uma montagem que, ao longo de quase uma década, conquistou reconhecimento artístico e estabeleceu uma relação duradoura com o público.

"Voltar a 'Os Últimos 5 Anos' depois de tantas temporadas é um presente. Jamie e Cathy marcaram profundamente nossas trajetórias e reencontrar essa história justamente na celebração dos 25 anos do musical torna tudo ainda mais especial. Cathy é uma personagem de muitas camadas, que percorre diferentes estados emocionais ao longo da narrativa, e isso, somado à partitura desafiadora de Jason Robert Brown, faz deste espetáculo um mergulho artístico que continua me emocionando a cada nova temporada", completa Eline Porto.

Mais do que revisitar um clássico contemporâneo, esta edição comemorativa celebra a permanência de uma montagem que, ao longo de quase uma década, construiu uma trajetória própria no teatro musical brasileiro e segue emocionando plateias com uma narrativa atemporal e uma trilha sonora que transita entre o pop, o jazz, o folk e a música contemporânea.

Serviço
"Os Últimos 5 Anos" - Edição comemorativa de 25 anos na Broadway
Temporada: de 9 a 18 de outubro de 2026
Local: Teatro Nair Bello - Shopping Frei Caneca
Rua Frei Caneca, 569 - Consolação / São Paulo

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.: O mundo colorido de Gildo e seus amigos na plataforma Itaú Cultural Play

Baseada na aclamada obra infantil da autora e ilustradora brasileira Silvana Rando, a série de animação "Gildo" (2024), dirigida por Cesar Cabral, está em cartaz na plataforma Itaú Cultural Play como um mergulho sensível, lúdico e cheio de cor no universo da infância. É uma ótima pedida para as férias escolares. Ao longo de 20 episódios, a produção explora, com delicadeza e inteligência, temas como pluralidade cultural, amizade, descobertas e os laços afetivos que se constroem nas pequenas experiências do dia a dia.

A narrativa acompanha o carismático elefantinho Gildo e seus inseparáveis amigos - o passarinho Paulo e a irreverente barata Socorro - em jornadas que transitam entre a imaginação e a vivência cotidiana. Seja desvendando os mistérios de uma biblioteca enquanto tentam construir um superfoguete para a feira de ciências, seja enfrentando desafios em uma caverna lendária para recuperar uma simples bola de vôlei, cada episódio transforma situações aparentemente corriqueiras em aventuras cheias de significado.

O universo de Gildo, já conhecido pelos leitores dos livros publicados pela editora Brinque-Book, ganha ainda mais vida na animação ao incorporar toda a riqueza visual das ilustrações originais e o humor afetuoso que marca a obra de Silvana Rando. A famosa turminha - que inclui também a hipopótamo Verinha, o macaco João e a girafa Catarina - representa diferentes personalidades e formas de ver o mundo, reforçando valores como empatia, convivência e respeito às diferenças.

As histórias dialogam diretamente com o cotidiano infantil: idas à escola, brincadeiras no jardim, passeios à praia e encontros entre amigos se tornam pontos de partida para reflexões sobre medo, coragem, amizade e pertencimento. Gildo, por exemplo, é corajoso diante de grandes desafios, como uma montanha-russa, mas revela um medo curioso de bexigas — um detalhe que humaniza o personagem e aproxima ainda mais o público de suas experiências.

A série funciona como um convite para que crianças e adultos reconheçam e compartilhem sentimentos, sempre por meio de uma linguagem leve, acessível e profundamente afetiva. Ao valorizar o brincar como ferramenta de aprendizado e expressão, Gildo reafirma a importância da imaginação na formação emocional e social das crianças. Todos os episódios estão disponíveis gratuitamente na plataforma Itaú Cultural Play, acessível pelo site itauculturalplay.com.br e também por aplicativo para dispositivos móveis e smart TVs. Compre os livros da série "Gildo" neste link.

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.: Hugo Possolo comemora 45 anos de carreira com espetáculo solo inédito

Em "Idiota Convicto", Hugo Possolo zomba da normalização crescente da mediocridade que vem tornando a sociedade cada vez mais embrutecida. Foto: Luiz Doroneto

Para comemorar seus 45 anos de carreira e 35 do grupo Parlapatões, o palhaço, ator, dramaturgo, diretor, cenógrafo, figurinista e aderecista Hugo Possolo apresenta o espetáculo solo inédito “Idiota Convicto”, todos os sábados até dia 29 de agosto, às 22h00, no Espaço Parlapatões, em São Paulo. A peça nasce das suas inquietações e desejo de abordar o fato de que a sociedade contemporânea está cada vez “mais intolerante, tensa e agressiva, mas que a solidariedade ainda é possível!”. A montagem reúne textos exclusivos de renomados dramaturgos e dramaturgas como Luís Alberto de Abreu, Ana Saggese, Maíra Dvorek, Michelle Ferreira e Sérgio Roveri, e fica em cartaz até o dia 29 de agosto, sempre aos sábados, exceto dia 01/08, sem sessão.

Possolo, hoje com 63 anos, iniciou sua carreira em teatro profissional ainda na adolescência, em 1981. Com mais de 100 peças encenadas, ele segue voltado à pesquisa de teatro popular, comicidade e artes circenses para levar ao público um trabalho artístico divertido e que gere reflexões. O premiado palhaço - como faz questão de ser chamado - se consolidou em 1991, quando fundou os Parlapatões, que neste ano celebra 35 anos de trajetória, com 71 espetáculos produzidos. O grupo tem como característica a palhaçaria, o teatro de rua e popular, sempre buscando inovar a linguagem e ampliar o alcance de público. Já o Espaço Parlapatões, na Praça Franklin Roosevelt, no Consolação, comemora também 20 anos de atividades. 

Em sua trajetória multifacetada, Possolo escreveu diversos textos infantis, dirigiu óperas, atuou em televisão e cinema, colaborou para jornais e revistas, foi gestor público e curador de concertos, balés e espetáculos das mais variadas linguagens. É um dos fundadores da SP Escola de Teatro. “Idiota Convicto” é o terceiro espetáculo solo do ator, que realizou “Prego na Testa” (2005, indicado ao Prêmio Shell de melhor ator), com texto de Eric Bogosian e direção de Aimar Labaki, com enorme sucesso e que seguiu no repertório do grupo por 20 anos; e “Eu Cão Eu”, do próprio Possolo (2012, indicado ao Prêmio Shell de melhor texto) com direção de Rodolfo García Vázquez.

A produção inédita traz o parlapatão em nova encenação que, pelo humor e com diferentes personagens, zomba da normalização crescente da mediocridade que vem tornando a sociedade cada vez mais embrutecida. Os textos independentes foram escritos especialmente para a celebração dos 45 anos de carreira como um presente para Possolo, que também contribuiu com textos e roteirização. A narrativa da memória de um ator preso em casa passeia por diversos quadros e temas. 

Luís Alberto de Abreu, que foi mestre de Possolo na dramaturgia, traz a situação insólita de um homem que encontra uma argola viva no meio da calçada, até entender que era uma pessoa que virou do avesso. Michelle Ferreira fala de um professor de cinema que, com sua arrogância diante dos alunos, trata a sua própria vida como um roteiro. Ana Saggese e Maíra Dvorek apresentam Deus no comando de tudo, tomando atitudes descontroladas e autoritárias. Sérgio Roveri mostra um pai que não aceita que o filho possa sonhar e ser feliz. O espetáculo nasce das inquietações de Possolo querendo abordar o fato de que a sociedade contemporânea está cada vez “mais intolerante, tensa e agressiva”. Nesta reflexão, ele leva em conta que diversos fatores históricos mundiais são significativos para isso.

“O advento das redes sociais e os comportamentos dela derivados; a volta e violência do fascismo e dos grupos de extrema direita, o militarismo a máfia miliciana; as guerras que ameaçam uma Terceira Guerra Mundial, com possibilidade de utilização de bombas atômicas; o aquecimento global e a destruição do planeta por interesses econômicos e, por fim, o desprezo às Ciências e às Artes, gerando incompreensíveis elogios à ignorância”, reflete Possolo.

Como tratar desses assuntos com comicidade? “No fundo, os desafios do humor estão em saber questionar os temas contemporâneos sem querer definir para o público quais são as soluções. Até mesmo porque não as temos”, completa o ator. Assim, Possolo procurou uma dramaturgia que definisse uma persona múltipla, que se mostra o idiota absoluto do título, totalmente convicto de que está sempre certo. Esse idiota, a persona central, é um ator que não consegue sair de seu apartamento, porque perdeu as chaves. Preocupado com sua memória, ele repassa o que fez antes, para tentar lembrar onde deixou a chave. 

Porém, seu esforço traz lembranças de outros fatos que o fazem reviver suas várias personagens, do passado e do presente. Os protagonistas que revive, enquanto tenta sair de casa, são um pouco dele mesmo e um pouco da visão que teve sobre essas personagens que representou um dia. Essas diversas pessoas e situações, a partir do momento em que ele se ridiculariza, chegam ao público igualmente idiotas. Possolo define a peça como “mais uma provocação parlapatônica, sem julgamentos condenatórios aos idiotas, até porque sou um. Quero deixar ao público as reflexões de como e porque nos tornamos assim, tão tolos e tão convictos de nosso destino errático e sem sentido”.

Se em “Prego na Testa” o foco estava nas personagens que enlouquecem com a solidão das grandes cidades e em “Eu Cão Eu” mergulhava na força que tem um vício em mudar a vida das pessoas, “Idiota Convicto” trata da dificuldade de relações sociais das personagens e de como isso as embrutece. O espetáculo resulta de um processo longo de pesquisa que vem celebrar junto a diversos artistas o trabalho em torno da palhaçaria e do teatro popular. Com comicidade e lirismo, o grupo busca trazer um diferente ângulo de visão que possa, com a comunicação direta com a plateia - típica da linguagem dos Parlapatões -, contribuir na construção de uma cidadania mais solidária.

Ficha técnica
Espetáculo "O Idiota Convicto"

Textos: Ana Saggese, Luís Alberto de Abreu, Hugo Possolo, Maíra Dvorek, Michelle Ferreira e Sérgio Roveri.

Roteiro, direção, atuação, assistência de direção, cenário, figurino, assistência de limpeza, limpeza, iluminação, insistências, confusões, dívidas e dúvidas, paciência, paixão e algumas outras funções não menos importantes: Hugo Possolo

Sonoplastia e operação de som: Deivison Nunes

Locução (Voz Bíblica): Tadeu Pinheiro 

Adereços: Agentemesmoqueimandodedonacolaquente

Operação de iluminação: Walmerio e OBarros

Fotos: Luiz Doroneto

Vídeos: Deivison Nunes

Designer gráfico: Werner Schulz

Redes e comunicação Social: A Outra

Assessoria de imprensa: Fernanda Martins/Benu Comunicação

Produção executiva: Manoela Flor

Gestão de projetos: Cristiani Zonzini

Produção Espaço Parlapatões: Wira Bortoli

Assistência de produção Espaço Parlapatões: Sofia Falastro

Realização: Parlapatões e Nada de Novo Produções Artísticas

Serviço

Espetáculo "Idiota Convicto", Hugo Possolo e Parlapatões 

Data: dias 18 e 25 de julho; 8, 15, 22 e 29 de agosto - todos os sábados (exceto o dia 01/08, que é sem sessão), às: 22h00

Local: Espaço Parlapatões - Praça Franklin Roosevelt, 158 - Consolação / São Paulo

Capacidade: 96 lugares

Classificação indicativa: 14 anos

Ingressos: R$ 70,00 (inteira), R$ 35,00 (meia-entrada); promoção para quem comprar até o dia 03 de julho: R$ 50,00 (inteira), R$ 25,00 (meia-entrada); vendidos pelo Sympla: https://bileto.sympla.com.br/event/122863

Mais informações: @parlapatoes / https://parlapatoes.com.br / @hugopossolo

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.: World Press Photo 2026 chega à Caixa Cultural São Paulo com exposição

Após temporada no Rio de Janeiro, a exposição chega a São Paulo com 42 projetos da edição 2026 do World Press Photo. “Separados pelo ICE” / Fotojornalista: Carol Guzy

A Caixa Cultural São Paulo recebe, a partir desta terça-feira, dia 14 de julho, a exposição "World Press Photo 2026", que apresenta 42 projetos vencedores da 69ª edição do concurso promovido pela organização World Press Photo. Após temporada no Rio de Janeiro, a exposição chega à capital paulista e permanecerá em cartaz até 6 de setembro, com entrada gratuita. A mostra apresenta trabalhos premiados nas categorias Individual, Reportagem e Projetos de Longo Prazo, reunindo imagens produzidas em diferentes regiões do mundo. Os projetos abordam experiências humanas, acontecimentos contemporâneos e diferentes aspectos da vida em sociedade, evidenciando a diversidade de olhares que caracteriza o fotojornalismo e a fotografia documental.

 Entre os destaques está a Foto do Ano, “Separados pelo ICE”, da fotojornalista Carol Guzy, da agência ZUMA Press/iWitness, publicada pelo Miami Herald. Anunciada em Amsterdã, a imagem registra um momento de grande intensidade entre integrantes de uma família durante uma ação de fiscalização migratória nos Estados Unidos.

A edição de 2026 também conta com a participação de fotógrafos brasileiros premiados na América do Sul. Na categoria Individual, Priscila Ribeiro foi reconhecida pela obra “Um Território de Esperança”. Já na categoria Reportagem, Eduardo Anizelli recebeu o prêmio pelo projeto “Aqueles Que Carregam os Mortos”. Os trabalhos reforçam a relevância da fotografia brasileira no cenário internacional e sua capacidade de registrar histórias e realidades por meio da imagem.

Criado em 1955, o World Press Photo reúne anualmente trabalhos de fotojornalismo e fotografia documental selecionados em concurso promovido pela organização. A edição de 2026 apresenta projetos produzidos em diferentes contextos e localidades.


Oficina de fotojornalismo integra a programação educativa
Além da exposição, a programação da Caixa Cultural São Paulo contará com a oficina “Pauta e Rua – Oficina Prática de Fotojornalismo”, realizada pelo Programa Educativo Caixa Gente Arteira. Inspirada na própria World Press Photo 2026, a atividade apresenta conceitos, técnicas e processos relacionados à construção de narrativas visuais e à prática do fotojornalismo. Voltada a estudantes, comunicadores e interessados em fotografia, a oficina abordará aspectos técnicos, éticos e narrativos da produção de imagens. A programação inclui atividades teóricas e práticas, como análise fotográfica, exercícios de composição, saídas fotográficas e construção de narrativas visuais.

Serviço
Exposição "World Press Photo 2026"
Caixa Cultural São Paulo – Praça da Sé, 111, Centro / São Paulo
Período: 14 de julho a 6 de setembro de 2026
Abertura: 14 de julho de 2026, às 17h00
Entrada: gratuita
Horário de visitação: terça a domingo, das 9h00 às 18h00
Classificação indicativa: 12 anos
Acessibilidade: visitas mediadas em Libras e audiodescrição das imagens
Informações: (11) 3321-4400

Oficina: Pauta e Rua - Oficina Prática de Fotojornalismo
Datas: 28 a 31 de julho de 2026
Horário: das 14h00 às 17h00
Vagas: 30
Classificação: 16 anos

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.: A coleção que transforma memórias em experimentação literária

Inspiradas na cultura dos zines e do faça-você-mesmo (Do It Yourself/DIY), quatro autoras exploram identidade, infância, corpo e reconstrução em obras inéditas 

Desde 2024, o selo Tato Literário, da com.tato, publica uma coleção de plaquetes anual com curadoria e edição de Thaís Campolina e Karol Lopes. Inspirada na cultura "Do It Yourself" ("Faça Você Mesmo"), na estética dos zines e no formato livreto, a edição de 2026 traz uma novidade marcante: pela primeira vez, as obras compartilham de uma forte coesão temática. Embora transitem por gêneros, propostas e estilos diversos, os quatro títulos selecionados partiram da memória e de suas diferentes interpretações na construção do material produzido. As plaquetes serão lançadas na 24ª Flip - Festa Literária Internacional de Paraty, em sessão de autógrafos com as autoras no estande da com.tato, localizado na Casa Escreva, Garota!, onde a coleção também será comercializada.

A base desta coleção foi a 3ª edição do minicurso “Plaquetes: Espaço para Experimentação”, conduzido pela poeta e mediadora de leitura Thaís Campolina. Todos os participantes da oficina submeteram originais para seleção. A escolha dos quatro projetos finais aconteceu de forma orgânica, quando as curadoras perceberam a sinergia entre os textos: “Todos os materiais apresentados eram excelentes, o que trouxe um enorme desafio para a curadoria. Como não há definição de temática prévia e cada pessoa escreve e produz o que quer na oficina, aproveitamos a coincidência para construir algo novo e trazer, pela primeira vez, um tema-guia para a coleção”, comentam as curadoras.

Historicamente utilizadas para circular textos poéticos ou manifestos de forma rápida e acessível, as plaquetes ganham na Tato Literário um contorno de resistência editorial, liberdade criativa e abertura para a hibridez de linguagens. O formato enxuto permite que o leitor e autor experimentem a literatura de forma tátil, íntima e direta, celebrando o erro, o ensaio e a potência da palavra em seus mais diversos formatos. 

A memória e suas possibilidades: crônica, poesia e hibridez  

A coleção de 2026 é composta por quatro obras que, a suas maneiras, investigam o corpo, o tempo, as heranças individuais e coletivas e as miudezas do cotidiano:

"Passar Inteira pelo Buraco da Agulha" (Cacá Silveira): estreia solo da autora após publicações em revistas e coletâneas. A obra traz poemas que abordam as contradições humanas e a subjetividade da identidade. Com um olhar afetuoso e incômodo para as memórias, o eu-lírico transita entre tralhas e bugigangas, costurando a terra com o fio do mar para tecer roupagens para o existir.

"Viva Pelo Avesso" (Talita Franceschini de Carvalho): uma obra que nasce do diálogo com a poesia de Ana Cristina Cesar e Eunice Arruda. Tomando essas referências como norte, os poemas exploram os múltiplos sentidos do "avesso" — aquilo que se inverte, desloca ou revela por outro ângulo —, estabelecendo uma relação de enfrentamento, sensibilidade e voz própria. A memória aqui surge desse entrelace entre os dois grandes nomes de poetas já falecidas e a produção literária de Talita. A autora realiza sessão de autógrafo na Flip no dia 24 de julho, às 20h00.

"Ficção que Chamo de Eu" (Luciana Palhares): em um mundo dominado por selfies e influencers, a multiartista e terapeuta holística investiga quem verdadeiramente é após 37 anos seguindo regras incompreendidas. Neste primeiro volume, a autora compartilha treze “causos” marcantes de sua primeira infância, acompanhando as inocências perdidas e as incompreensões de seus anos de formação. A autora realiza sessão de autógrafo na Flip no dia 23 de julho, às 11h00.

"Tornozelo" (Bianca Smanio): essa é uma plaquete sobre as consequências de um salto único. O que era para ser apenas um pulo no pula-pula termina em um tornozelo quebrado e no hiato de uma rotina interrompida. Durante os meses de recuperação, surge uma coleção de descobertas anatômicas e existenciais que viraram texto. Essa é uma jornada sobre cair, quebrar, esperar e aprender a se reconstruir, pedrinha por pedrinha. A autora realiza sessão de autógrafo na Flip no dia 23 de julho, às 13h00.

Agenda Flip

Sessões de autógrafos com autoras da nova coleção de plaquetes do Tato Literário 2026

23 de julho (quinta-feira)

11h00 - Sessão de autógrafos da plaquete “Ficção que Chamo de Eu”, de Luciana Palhares

13h00 -   Sessão de autógrafos plaquete “Tornozelo”, de Bianca Smanio.

24 de julho (sexta-feira)

20h00 - Sessão de autógrafos da plaquete “Viva pelo Avesso”, da Talita Franceschini de Carvalho

Local: estande da com.tato, localizado na Casa Escreva, Garota!, no Centro Histórico de Paraty (RJ).

Ficha técnica

Coleção de Plaquetes da Tato Literário 2026

Autoras: Bianca Smanio, Cacá Silveira, Luciana Palhares e Talita Franceschini de Carvalho

Gêneros: poesia e crônica

Editora: Tato Literário (selo da com.tato)

Ano: 2026

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.: Filme “Camille Claudel” escancara o preço da genialidade feminina

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

 “Camille Claudel” estreia na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte e recoloca em circulação um dos retratos mais intensos já feitos sobre a criação artística e seus abismos. Dirigido por Bruno Nuytten, que até então era reconhecido sobretudo como diretor de fotografia, o longa-metragem de 1988 transforma a trajetória da escultora francesa em um estudo visual e emocional de grande fôlego.

No centro da narrativa está Isabelle Adjani, em uma atuação que atravessa fases distintas da vida da personagem com vigor e precisão. A Camille Claudel interpretada por ela surge jovem, obstinada e inquieta, ganha força ao se afirmar como artista e, aos poucos, começa a se desorganizar diante de perdas, frustrações e isolamento. O desempenho rendeu a ela o Urso de Prata de Melhor Atriz no Festival de Berlim e uma indicação ao Oscar, consolidando o trabalho como um dos pontos altos de sua carreira.

Ao lado dela, Gérard Depardieu interpreta Auguste Rodin com uma presença que oscila entre o mentor generoso e o homem incapaz de romper com suas próprias contradições. A relação entre os dois sustenta o eixo dramático do filme, misturando admiração artística, desejo, disputa e ressentimento. O elenco ainda reúne nomes como Laurent Grévill, Alain Cuny e Madeleine Robinson, compondo um ambiente familiar e social que pressiona e delimita os caminhos da protagonista.

O roteiro, assinado por Nuytten e Marilyn Goldin, parte da biografia escrita por Reine-Marie Paris, sobrinha-neta de Camille, e se mantém atento aos detalhes históricos. A reconstrução da Paris do final do século XIX aparece com rigor, tanto nos cenários quanto nos figurinos e na ambientação dos ateliês, onde o gesto artístico ganha dimensão quase física. A fotografia de Pierre Lhomme acompanha essa proposta com enquadramentos que lembram esculturas, valorizando textura, luz e volume.

Há ainda curiosidades que ampliam o alcance da obra. Isabelle Adjani já havia interpretado outra figura marcada por sofrimento psíquico em “A História de Adèle H.”, o que estabelece um curioso paralelo em sua filmografia. O filme também inclui uma cena que menciona a morte de Victor Hugo, conectando a narrativa a um momento histórico específico. Outro detalhe envolve Alain Cuny, que interpreta o pai da protagonista e, fora das telas, teve contato real com Paul Claudel, irmão da escultora.

“Camille Claudel” também acumulou reconhecimento em premiações importantes. Além das indicações ao Oscar, conquistou diversos prêmios César, incluindo Melhor Filme, Melhor Atriz, fotografia, trilha sonora e direção de arte. A trilha assinada por Gabriel Yared reforça a atmosfera dramática, enquanto a duração extensa - cerca de 175 minutos - permite acompanhar a transformação da personagem com tempo e densidade. A chegada do longa ao catálogo do Belas Artes à La Carte amplia o acesso a uma obra que segue atual ao discutir autoria, reconhecimento e o lugar da mulher em um meio historicamente dominado por homens.

Ficha técnica

"Os Anarquistas" | "The Anarchists" (título original)

Gênero: drama, ação. Duração: 100 minutos. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 2000. Data de lançamento: 29 de abril de 2000. Idioma: coreano. Direção: Yu Young-sik. Roteiro: Park Chan-wook, Lee Moo-young, Bangnidamae. Elenco: Jang Dong-gun, Kim Sang-jung, Jeong Jun-ho, Lee Beom-soo, Kim In-kwon, Ye Ji-won. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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