.: Manual Crônico, de Thiago Sobral: Minha pequena árvore

Thiago Sobral é escritor e autor do livro "O Pai, a Faca e o Beijo", publicado pela Editora Patuá. Também publica semanalmente a coluna "Ao rés-do-chão" no Substack. 

Dia desses, me peguei pensando em uma jovem árvore lá da minha escola que tombou por causa de uma ventania, quase um ano atrás. Era magrinha, de baixa estatura arborística e de copa nada frondosa. Poderíamos até dizer que tinha cara de pinto recém-nascido — mas não o faremos. Nem tu, nem eu. É preciso lembrar que, ainda que jovem, era árvore e, portanto, digna de nossas honrosas vênias.

Mas a verdade é que eu nunca a reverenciei. Nunca me acheguei ao seu corpo e o lacei pela cintura com meus braços finos, muito menos tentei sentir sua respiração ou ouvir seu coração. De minha parte, antes de sua queda, nunca houve qualquer gratidão — ou gratiluz. Sua mirrada copa nunca me ofereceu sombra, seu odor nunca me ocupou as narinas, sua seiva nunca me alimentou e seu verde nunca me deu esperança. O que de fato ocorreu é que nunca me dei conta de sua existência até o dia em que o vento a derrubou.

O corpinho franzino, que teve a grama como travesseiro para a rala cabeleira, e as raízes expostas aos céus tragaram os meus olhos enfeitiçados. Como no entorno da minha escola há muitas árvores e, naqueles dias, ventou muito, algumas outras árvores também tombaram, mas pouco me importei. Daquele dia em diante, somente a minha pequena tinha a minha atenção. Passaram dias, passaram semanas, passaram meses, e ela continuou ali. Ninguém cuidou de suas feridas, ninguém enfaixou suas fraturas, nenhuma criatura providenciou o seu enterro.

Ao longo do tempo, o verde de suas folhas foi minguando, sorvendo o tom da terra e ganhando meus olhos, que têm cor parecida. Esses meus olhos a olhavam na chegada e na saída do trabalho e dela sentiam falta aos sábados e domingos. E assim foi, até que se encerrou o ano letivo e o nosso enamoramento. No último dia, meu coração pulsou um tantinho a mais ao reparar que as folhas eram agora terra e que aquele verde que nunca me dera esperança vivia então dentro de mim.

Ao retornar ao trabalho, no início do ano, minha árvore deixou apenas o buraco onde antes dormiam suas raízes. Seu magro corpo havia sido recolhido e talvez alimentado alguma fogueira por aí. Lembrei-me do tronco fino, da minguada copa e do verde que de vez em quando me fazia cócegas dentro do peito. Apenas isso e nada mais. Não houve mais lembranças, não houve compaixão, não houve saudade alguma de minha pequena que partiu.

O passar dos meses até agora tem se mostrado tão cruel quanto aquela ventania que deitou a minha árvore. Sinto que quase diariamente sou jogado ao chão e calcado por ventanias e tempestades. Minha copa é tão minguada como a de minha pequena, e minhas parcas folhas se espalham na terra com o temor pelo que há de vir. Tenho medo e sei que todos temos. As tempestades e ventanias que enfrentamos ameaçam as raízes.

Enquanto pensava nisso, entre uma aula e outra, olhei para o chão onde vivia minha árvore. Cadê buraco das raízes? Foi coberto por uma graminha verde rasteira, brilhante e com cara de macia. Desde então, não paro de pensar na minha pequena. Acho que foi por isso que voltei a sentir pequenas cócegas verdes dentro do peito.

Sei que nada está perdido.

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.: “Eterna Promessa” expõe a frustração de um ex-boleiro diante da vida comum

Em romance de Leandro Marçal, João Pedro abandona o sonho dos gramados e encara a rotina de trabalhador enquanto tenta lidar com a carreira que poderia ter tido

Acordar cedo para cumprir o turno de 12 por 36 horas na portaria de um prédio na Ilha Porchat. Nos fins de semana, fazer um “bico” entregando pizzas para um estabelecimento da avenida Presidente Wilson, em São Vicente. No bairro Parque São Vicente, acompanhar as picuinhas entre vizinhos. Levar o filho ao colégio, resolver pendências do dia a dia e seguir a vida como tantos outros trabalhadores. Para João Pedro, o Jotapê, essa rotina aparentemente banal carrega uma dose generosa de frustração.

O personagem é o narrador de “Eterna Promessa”, sexto livro do escritor vicentino Leandro Marçal. Ex-quase jogador profissional, Jotapê viu o sonho de viver do futebol escapar entre uma lesão no joelho e problemas com um empresário. O que restou foi voltar à vida comum e procurar espaço no mercado de trabalho convencional, enquanto convive com a sensação de que poderia ter chegado muito mais longe. A história nasceu, segundo Marçal, da convivência com pessoas que também alimentaram o sonho de jogar futebol profissionalmente e acabaram seguindo outros caminhos. O livro será lançado neste sábado, dia 7 de novembro, das 14h00 às 18h00, na Rua Frei Gaspar, 1731, no Centro de São Vicente, no litoral de São Paulo.

“O João Pedro nasceu do convívio com uma galera que conheci ao longo dos anos. Gente que sonhou em jogar bola, em mudar a vida da família, mas não conseguiu seguir esse caminho por vários motivos. Porque assim como o mercado de trabalho convencional, o mundo da bola não é justo, nunca foi”, comenta Marçal. O romance acompanha esse personagem preso entre aquilo que viveu e aquilo que acredita que poderia ter vivido. Jotapê chegou a ser apontado como promessa nas categorias de base de clubes médios brasileiros, mas a combinação de uma lesão e de uma relação problemática com o empresário encerrou precocemente a possibilidade de uma carreira nos gramados.

A frustração, então, passa a fazer parte da vida adulta. Entre o trabalho, a família e as obrigações cotidianas, João Pedro carrega a memória de um futuro que nunca aconteceu. E, convenhamos, poucos fantasmas são tão insistentes quanto aquele famoso “e se?”. “É mais um livro ambientado na região, com o protagonismo de um cidadão comum, muito mais comum do que a gente imagina. Tem um monte de João Pedro por aí, contando a história de uma vida que não teve, quase incapaz de seguir em frente, sentindo-se superior a quem não tem suas supostas habilidades boleiras, carregando características não muito simpáticas do meio do futebol”, complementa o autor.

Publicado de forma independente, “Eterna Promessa” é o sexto livro de Leandro Marçal e foi viabilizado pelo Edital de Chamamento Público 01/2026 da Secult/SV, com recursos da Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura. Em 2025, o escritor publicou “Me Vê Dez Médias”, também de forma independente e com recursos de edital de fomento à cultura. Assim como o novo romance, a publicação mantém o olhar voltado para personagens e situações reconhecíveis da Baixada Santista, transformando a vida cotidiana da região em matéria-prima literária.

Serviço
Lançamento de “Eterna Promessa”, de Leandro Marçal
Sábado, dia 7 de novembro, das 14h00 às 18h00
Rua Frei Gaspar, 1731 – Centro – São Vicente/SP
Valor: R$ 30,00
Os pedidos podem ser feitos pelo site tireidagaveta.com.br/eterna-promessa, pelo e-mail marcal_91@hotmail.com ou pelas redes sociais, em @leandromp91.

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.: “Na Hora da Zona Morta” faz de dom paranormal um inquietante dilema

Suspense de David Cronenberg, baseado no romance de Stephen King, chega ao Belas Artes À La Carte com uma das atuações mais marcantes da carreira de Christopher Walken

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Christopher Walken interpreta um homem que acorda depois de cinco anos em coma e descobre que perdeu praticamente tudo o que dava sentido à antiga vida. A carreira de professor ficou para trás, a mulher que amava seguiu adiante e o mundo continuou funcionando durante o longo período em que ele permaneceu inconsciente. Em compensação, o personagem dele, Johnny Smith, ganhou um poder que ninguém em sã consciência pediria de presente: ao tocar em alguém, consegue enxergar acontecimentos do passado e possíveis acontecimentos do futuro. É a premissa de “Na Hora da Zona Morta”, produção de 1983 dirigida por David Cronenberg e baseada no romance homônimo de Stephen King, que estreia no catálogo do streaming Belas Artes À La Carte.

A situação poderia facilmente descambar para uma aventura sobrenatural cheia de truques, sustos e explicações convenientes. Cronenberg prefere outro caminho. O extraordinário aparece integrado à rotina de Johnny, quase como uma extensão incômoda de sua existência. O personagem não ganha uma capa, tampouco passa a posar de salvador da humanidade. Continua sendo um homem abatido, confuso e ressentido, tentando descobrir o que fazer com aquilo que lhe aconteceu.

As premonições têm um efeito físico sobre ele, mas o que realmente pesa é saber coisas que os outros desconhecem e carregar informações que não podem ser simplesmente esquecidas. Uma das características mais interessantes da atuação de Walken está nessa mistura de fragilidade e desconforto, sem transformar Johnny em um herói convencional. A escolha do protagonista quase foi outra. Stephen King queria Bill Murray para interpretar Johnny Smith, mas o papel acabou nas mãos de Walken. Hoje, a escalação parece tão perfeitamente encaixada que é difícil imaginar o filme com outra pessoa. 

A produção ainda reúne Brooke Adams, Tom Skerritt, Herbert Lom, Anthony Zerbe, Colleen Dewhurst e Martin Sheen, este último especialmente memorável como Greg Stillson, um político ambicioso que cruza o caminho de Johnny. A Paramount confirma o elenco principal e credita Jeffrey Boam pelo roteiro, baseado no romance de King. O roteiro de Boam organiza a narrativa em episódios que acompanham diferentes situações provocadas pelo dom de Johnny. Ele ajuda pessoas, interfere em acontecimentos e tenta compreender os limites de sua própria capacidade. Entre esses momentos está a colaboração com o xerife Bannerman, vivido por Tom Skerritt, numa investigação envolvendo um assassino de mulheres. 

A estrutura poderia resultar em um filme fragmentado, mas Cronenberg mantém o fio emocional do protagonista enquanto conduz a história até o encontro decisivo com Stillson. O aspecto político ganha força quando Johnny toca a mão de Stillson e vislumbra um futuro de consequências catastróficas. A partir daí, a pergunta deixa de ser apenas o que fazer com uma capacidade paranormal e passa a envolver uma questão bem mais incômoda: até onde alguém pode interferir no destino de outra pessoa quando conhece aquilo que está por vir?

Cronenberg vinha de filmes como “A Ninhada” e “Videodrome”, obras fortemente associadas ao horror corporal e às deformações físicas. Em “Na Hora da Zona Morta”, o diretor trabalha de maneira mais contida. O próprio filme parece interessado em explorar o medo por dentro da cabeça de Johnny, deixando o fantástico conviver com uma atmosfera cotidiana. A percepção das habilidades paranormais também varia visualmente ao longo da narrativa, em vez de obedecer a um único recurso repetido. Essa escolha ajuda a manter as premonições estranhas sem transformá-las em mero espetáculo.

A paisagem de inverno contribui para a sensação de isolamento. Johnny está cercado por neve, casas, pequenas comunidades e pessoas aparentemente comuns, mas carrega informações que o afastam cada vez mais delas. Uma análise publicada pela Cinemateca Portuguesa sobre a obra de Cronenberg destaca justamente o caráter psicológico do filme e sua ambientação fora dos grandes centros urbanos.

Os bastidores também guardam algumas histórias curiosas. Para conseguir reações involuntárias de Walken durante as premonições, Cronenberg disparava, fora do enquadramento, um revólver Magnum .357 carregado com munição de festim. A ideia teria partido do próprio ator. O recurso ajudava a provocar os pequenos espasmos que o diretor queria registrar diante da câmera. 

Outra situação curiosa envolveu um boneco de “E.T. - O Extraterrestre”. Na primeira versão da cena em que Johnny presencia uma premonição envolvendo o quarto de uma menina, o brinquedo aparecia em uma prateleira. Como o personagem pertencia à Universal, a produção precisou refazer a sequência depois que o estúdio ameaçou tomar medidas legais. O boneco, definitivamente, não tinha poderes paranormais, mas quase conseguiu interferir no futuro do filme.

A relação com a literatura também aparece em uma brincadeira que ganhou uma segunda vida anos depois. Antes do acidente, Johnny orienta os alunos a lerem “The Legend of Sleepy Hollow”, de Washington Irving. Em 1999, Christopher Walken interpretaria o Cavaleiro Sem Cabeça em “A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça”, de Tim Burton. A coincidência transformou uma referência aparentemente casual em uma daquelas pequenas conexões que o cinema gosta de guardar para quem presta atenção.

A história de Johnny também tem uma curiosa ligação com Peter Hurkos, holandês que ficou conhecido por afirmar possuir poderes paranormais depois de sofrer uma queda e bater a cabeça. Hurkos dizia conseguir obter informações sobre outras pessoas por meio do toque, ideia que guarda evidente proximidade com a habilidade apresentada no filme.

Outro dado interessante está na própria trajetória de Cronenberg. “Na Hora da Zona Morta” foi seu primeiro grande sucesso de público, segundo a Cinemateca Portuguesa, e recebeu reconhecimento em festivais e premiações. O filme ganhou o Saturn Award de Melhor Filme de Terror em 1984, enquanto Walken, Cronenberg e Jeffrey Boam foram indicados nas categorias de atuação, direção e roteiro. Cronenberg também recebeu prêmios no Festival de Cinema Fantástico de Avoriaz, e a fotografia de Mark Irwin foi premiada pela Canadian Society of Cinematographers.

O longa-metragem tem ainda uma característica que ajuda a explicar sua permanência: o poder de Johnny nunca elimina sua condição humana. Ele continua sofrendo, hesitando, perdendo e fazendo escolhas cujas consequências não consegue controlar completamente. O sobrenatural serve, portanto, para apertar ainda mais o parafuso de uma história sobre culpa, destino, perda e responsabilidade. Com “Na Hora da Zona Morta”, Cronenberg encontrou uma maneira particularmente eficiente de adaptar Stephen King sem depender do excesso. O horror está naquilo que Johnny descobre quando toca alguém, mas também naquilo que ele gostaria de nunca ter visto.

Ficha técnica

“Na Hora da Zona Morta” | “The Dead Zone” (título original) | “Zona de Perigo” (título em Portugal).
Gênero: suspense, terror, ficção científica e drama psicológico. Duração: 103 minutos. Classificação indicativa: 14 anos no Brasil; M/16 em Portugal. Ano de produção: 1983. Data de lançamento: 21 de outubro de 1983 nos Estados Unidos. Idioma: inglês. Direção: David Cronenberg. Roteiro: Jeffrey Boam, baseado no romance de Stephen King. Elenco: Christopher Walken, Brooke Adams, Martin Sheen, Tom Skerritt, Herbert Lom, Anthony Zerbe, Colleen Dewhurst, Nicholas Campbell, Sean Sullivan e Jackie Burroughs. Distribuição no Brasil: Paramount Pictures. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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.: “Prazeres Desconhecidos”: a juventude perdida na China em transformação

Longa-metragem de Jia Zhangke acompanha dois jovens desempregados em Datong e registra, com humor seco e olhar documental, os desejos, frustrações e contradições de uma geração diante da modernização chinesa

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Dois jovens desempregados passam os dias andando de moto, jogando conversa fora, assistindo televisão e tentando descobrir o que fazer da própria vida. Em meio a uma China que acelera rumo à modernização, Xiao Ji (Wu Qiong) e Bin Bin (Zhao Weiwei) parecem ter ficado para trás. É desse aparente vazio que Jia Zhangke constrói “Prazeres Desconhecidos”, longa-metragem que chega à plataforma de streaming Reserva Imovision.

Terceiro longa dirigido pelo cineasta chinês, o filme acompanha os dois amigos em Datong, cidade industrial da província de Shanxi, durante 2001. O cenário ajuda a contar a história tanto quanto os personagens: prédios degradados, ruas em obras, fábricas, motocicletas, bares, karaokês e televisores ligados registram uma sociedade que começa a experimentar novas possibilidades econômicas e culturais. 

Xiao Ji se interessa por Qiao Qiao (Zhao Tao), cantora e dançarina que trabalha como garota-propaganda de uma empresa de bebidas alcoólicas. O problema atende pelo nome de Qiao San (Li Zhubin), namorado da moça, um sujeito envolvido com atividades criminosas e pouco disposto a aceitar a aproximação do rapaz. Bin Bin, por sua vez, vive uma relação cada vez mais distante com Yuan Yuan (Zhou Qingfeng), jovem que pretende deixar Datong para estudar comércio internacional em Pequim.

Enquanto os dois amigos perambulam pela cidade, a televisão anuncia acontecimentos que parecem pertencer a outro universo: a entrada da China na Organização Mundial do Comércio, a candidatura de Pequim aos Jogos Olímpicos de 2008, acontecimentos políticos e episódios de violência. A vida particular dos personagens segue em outra velocidade, quase como se eles assistissem ao próprio país avançar pela tela sem saber muito bem onde se encaixar. O filme registra uma geração influenciada pela televisão, pela cultura pop ocidental e pelo desejo de consumo, mas que ainda vive cercada por estruturas sociais e econômicas bastante precárias. 

O título original, “Ren Xiao Yao”, remete a um conceito associado ao filósofo taoista Zhuangzi e pode ser compreendido como uma ideia de liberdade diante das restrições. A expressão também aparece ligada a uma canção pop bastante conhecida entre os jovens chineses naquele período. O curioso é que a busca por liberdade dos personagens frequentemente esbarra em dívidas, desemprego, relacionamentos complicados, violência e falta de perspectivas. O prazer anunciado pelo título está sempre por perto, mas raramente ao alcance deles.

A relação com a cultura norte-americana aparece de maneira divertida e, ao mesmo tempo, reveladora. “Pulp Fiction”, de Quentin Tarantino, é citado pelos personagens, enquanto filmes, músicas, televisão e produtos estrangeiros compõem o imaginário de Xiao Ji e Bin Bin. Jia não trata essas referências como simples decoração: elas ajudam a mostrar como uma juventude de uma cidade provincial passa a construir seus desejos a partir de imagens vindas de um mundo muito maior.

A produção também guarda uma particularidade importante. “Prazeres Desconhecidos” foi o primeiro longa de Jia Zhangke filmado em vídeo digital. Segundo informações de produção reunidas pelo próprio diretor, a opção estava ligada às limitações de orçamento e tempo. O filme foi rodado em apenas 19 dias, e a câmera digital permitiu maior mobilidade para acompanhar as ruas de Datong.

A escolha estética combina com a história. Jia observa os personagens a uma certa distância, deixa as situações se desenvolverem e evita conduzir o espectador pela mão. Em vez de transformar cada conflito em grande acontecimento dramático, acompanha o cotidiano de pessoas que parecem não saber muito bem para onde ir. “Prazeres Desconhecidos” também encerra uma fase da carreira de Jia Zhangke. O longa é frequentemente associado a uma trilogia informal formada por “Xiao Wu”, “Plataforma” e este filme, dedicada a observar diferentes momentos de uma China em processo acelerado de mudança. A partir de “The World”, de 2004, o diretor passou a trabalhar dentro do sistema oficial de produção cinematográfica chinês.

Ficha técnica

“Prazeres Desconhecidos” | “Ren Xiao Vao” (título original)
Gênero: comédia dramática. Duração: 113 minutos. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 2002. Data de lançamento no Brasil: 23 de outubro de 2026. Idioma: mandarim. Direção: Jia Zhangke. Roteiro: Jia Zhangke. Elenco: Zhao Weiwei, Wu Qiong, Zhao Tao, Zhou Qingfeng, Wang Hongwei, Bai Ru, Liu Xi'an e Li Zhubin. Distribuição no Brasil: Imovision, pela plataforma Reserva Imovision. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.

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.: "Perfume: A História de Um Assassino" trata solidão e desejo de ser amado

 

Cartaz de "Perfume: A História de Um Assassino"

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora do Resenhando.com

Em outubro de 2026

A alegoria sobre a solidão humana é a tônica de "Perfume: A História de Um Assassino", longa dirigido por Tom Tykwer ("A Luz"), sobrea vida de Jean-Baptiste Grenouille, personagem fictício que de tão bem estruturado convence a ponto de nas pesquisas na internet, o primeiro complemento para seu nome ser o verbo conjugado no passado: "existiu". O protagonista que nasceu no romance homônimo de Patrick Süskind, nasce na cidade de Grasse, em Paris, numa França suja e abandonada no século XVIII. 

Teimosamente, apesar de falta de higiene, ele resiste e sobrevive ali, num mercado de peixes. Rejeitado pela mãe, Jean-Baptiste cresce e apura o dom de um olfato sobre-humano, embora não tenha cheiro corporal próprio. Até que consegue emprego como aprendiz do perfumista Giuseppe Baldini (Dustin Hoffman) aprende técnicas a ponto de superar o mestre na criação de essências. 

Obcecado por capturar o aroma perfeito da juventude feminina, por meio da maceração para extrair a gordura e o cheiro de suas peles, o impetuoso Jean-Baptiste assassina 13 jovens mulheres, incluindo o alvo principal, Laura Richis. Contudo, ele é capturado, julgado e condenado à morte. No entanto, antes da execução, desepeja em si o perfume supremo que elaborou. A poderosa fragrância automaticamente causa histeria coletiva de adoração e êxtase na multidão.

"Perfume: A História de Um Assassino" reflete a necessidade visceral de conexão por conta da solidão e a ausência dos limites do desejo. Reforçado justamente quando Jean-Baptiste percebe que o perfume supremo apenas faz as pessoas amarem a essência e não a ele, que segue sem um aroma próprio, sem identidade. Excelente filme que faz refletir quando alguém aparentemente diz gostar de você a ponto de guardar num potinho. Imperdível!

Filme: Perfume - A História de um Assassino. Diretor: Tom Tykwer. Roteiro: Andrew Birkin, Bernd Eichinger e Tom Tykwer, com base no romance homônimo de Patrick Süskind. Gênero: Thriller/Fantasia. Duração: 2h 27m. Classificação etária: 16. Estreia no Brasil: 26 de janeiro de 2007. Estreia na Alemanha: 14 de setembro de 2006. Sinopse: A adaptação cinematográfica do romance de Patrick Süskind de 1985 acompanha a vida de Jean-Baptiste, do nascimento, a apuração de seu dom até seu último suspiro.

Trailer de "Perfume: A História de Um Assassino"

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Cartaz de "As Filhas de Marvin"

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora do Resenhando.com

Em outubro de 2026

O drama emocionante "As Filhas de Marvin" é pura sensibilidade que faz brilhar em cena um elenco de primeira com Meryl Streep ("Não Olhe Para Cima"), Diane Keaton (indicada ao Oscar de Melhor Atriz por este papel, "Do Jeito Que Elas Querem: O Próximo Capítulo"), Leonardo DiCaprio ("Assassinos da Lua das Flores") e Robert De Niro ("Coração Satânico"). O clássico que completa 30 anos, reúne duas irmãs afastadas. Enquanto Bessie (Diane Keaton) tem paciência no trato com o pai acamado e a tia (Gwen Verdon), e assume o posto de abnegada, Lee (Meryl Streep, indicada ao Globo de Ouro) é uma mulher desinteressada em apegos, uma vez que cria os filhos sozinha, tendo que lidar com o adolescente rebelde problemático.

No entanto, Bessie, a irmã cuidadora descobre estar com leucemia e procura Lee. Assim, a junção de doçuras doloridas se faz a cada dia de convivência, mesmo que deva ser por alguns dias. Afinal, a mãe e os filhos já tem a vida acertada longe dali. Contudo, o sobrinho adolescente, Hank (Leonardo Di Caprio), anteriormente internado após um incidente com fogo acaba deixando mais os nervos à flor da pele na família unida com o diagnóstico do doutor Wally (Robert De Niro).

Ao reunir uma família separada, "As Filhas de Marvin" trata o perdão após 20 anos de distanciamento, as dificuldades do envelhecimento, o sacrifício familiar e a leucemia. De texto marcante e um elenco que se entrega. Há ainda no filme dirigido por Jerry Zaks uma história de afeto que passa longe de ser um melodrama deprimente. Imperdível!

As Filhas de Marvin (Marvin's Room). Gênero: Drama, comédia dramática. Direção: Jerry Zaks. Elenco principal: Meryl Streep, Diane Keaton, Leonardo DiCaprio e Robert De Niro. Lançamento comercial amplo em 18 de dezembro de 1996 / 28 de fevereiro de 1997 nos EUA, chegando no Brasil em novembro de 1997. Sinopse: Acompanha a reunião de uma família distante após uma crise de saúde.

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.: Depois de sete anos, Pitty lança disco com inéditas

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

Pitty  está divulgando o seu sexto álbum de inéditas, que chega às plataformas pela ggravadora Deck e também nos formatos CD físico e vinil. Sete anos depois de "Matriz" (2019), a artista apresenta um trabalho homônimo de 13 faixas que reúne diferentes perspectivas, experiências e sonoridades. O álbum nasceu depois de um período de pausa, escuta e reorganização. A partir de uma inspiração que, segundo Pitty, não foi racionalizada, as ideias foram surgindo e ela voltou a criar sozinha com o violão, como nos primeiros anos, quando compunha no quarto de sua casa, em Salvador.

Desta vez, porém, o processo avançou para além das letras e melodias. Em seu próprio estúdio, a artista experimentou arranjos, criou riffs e pré-produziu demos, construindo a identidade musical das canções antes mesmo de entrar em estúdio para gravá-las. Em menos de dois meses, Pitty compôs todas as músicas do álbum, em um processo de criação intenso. Em "Pitty", o rock permanece no centro da linguagem musical da artista, mas não funciona como fronteira. Ao longo das 13 faixas, guitarras, riffs e baterias convivem com diferentes ritmos, texturas e possibilidades de movimento. O resultado é um disco que preserva a identidade musical de Pitty enquanto amplia as formas de expressá-la.

Mais de duas décadas depois de surgir como uma das vozes que transformaram o rock brasileiro, Pitty ocupa hoje um lugar raro na música brasileira: uma mulher que atravessa gerações com um repertório que segue vivo e cada vez mais relevante, sem perder a inquietação de quem ainda quer criar, experimentar e se mover.

"Pitty" reúne, assim, diferentes dimensões da artista: a compositora que começou sozinha com o violão, a roqueira que mantém as guitarras no centro de sua linguagem e a mulher que segue experimentando novas possibilidades. Um disco que carrega sua trajetória, mas encontra sua identidade na artista que Pitty é hoje.

"Sobremesa"

"Madame"

"Desobediente"

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.: Livro "Os Porcos" recupera a escrita provocadora de Júlia Lopes de Almeida

Edição especial do livro publicado originalmente em 1903 pela escritora carioca revisita uma obra marcada por ganância, decadência e tensões sociais no ambiente rural

Júlia Lopes de Almeida escreveu "Os Porcos" em 1903, quando o Brasil ainda atravessava uma série de transformações sociais e culturais que deixariam marcas profundas no século XX. Mais de 120 anos depois, o livro ganha uma nova edição pela Degustadora Editora e retorna às livrarias em capa dura, como o terceiro volume da Coleção Pingente, do Selo Jocalis. Uma das principais escritoras brasileiras da passagem do século XIX para o XX, elaconstruiu uma obra extensa, atenta aos conflitos sociais, às desigualdades e às contradições das relações humanas. Em "Os Porcos", esse olhar encontra um ambiente rural marcado por interesses, decadência e disputas, em uma narrativa que combina elementos do Realismo e do Naturalismo.

A nova edição reúne textos críticos de Melissa Velludo, escritora e editora da Degustadora, e Daniela Lobo. Os ensaios ampliam as possibilidades de leitura da obra e aproximam o texto publicado no início do século XX das questões observadas pelo leitor contemporâneo. A história coloca em primeiro plano aspectos pouco confortáveis da condição humana. Ganância, relações de poder e tensões sociais aparecem em uma narrativa que investiga tanto o comportamento dos personagens quanto a influência do ambiente sobre suas escolhas. Júlia Lopes de Almeida observa esse universo com atenção aos conflitos psicológicos e à crítica dos costumes, características que ajudam a explicar a permanência de sua obra.

Nascida em 1862, no Rio de Janeiro, Júlia Lopes de Almeida teve uma produção literária marcada pela diversidade e pela intensa atividade intelectual. Durante a Belle Époque brasileira, tornou-se uma das vozes femininas de maior destaque na literatura nacional, escrevendo romances, contos, crônicas e textos voltados a questões sociais e culturais. A trajetória dela, porém, também expõe uma das contradições do ambiente intelectual brasileiro daquele período. Júlia participou das articulações que resultaram na criação da Academia Brasileira de Letras, em 1897, mas não pôde integrar a instituição como membro fundadora porque a Academia admitia apenas homens.

A cadeira de número 3 acabou ocupada por seu marido, o escritor Filinto de Almeida. A história, vista hoje, tem aquela ironia que a literatura de Júlia Lopes de Almeida conhecia tão bem: uma autora que ajudou a construir um espaço destinado à literatura brasileira acabou impedida de ocupar uma cadeira nele. “O reconhecimento de sua contribuição literária e intelectual integra um movimento de redescoberta de escritoras brasileiras que, apesar da relevância de suas obras, tiveram sua presença reduzida na história literária ao longo das décadas”, comenta Melissa Velludo.

"Os Porcos" integra a Coleção Pingente, projeto editorial da Degustadora Editora dedicado à recuperação de textos clássicos em edições que procuram reunir cuidado gráfico, contextualização crítica e valorização do livro como objeto. A coleção começou com "A Escrava", de Maria Firmina dos Reis, uma das pioneiras da literatura afro-brasileira. O segundo volume reuniu "Eleonora", de Edgar Allan Poe, e "A Desejada das Gentes", de Machado de Assis, aproximando dois autores fundamentais da literatura do século XIX.

Com "Os Porcos", a coleção volta o olhar para uma autora cuja produção ainda vem sendo redescoberta por novas gerações de leitores. A escolha também reforça a proposta de recuperar obras que ajudam a ampliar a própria compreensão da literatura brasileira, especialmente quando se trata da presença feminina na formação do nosso cânone. A Coleção Pingente já tem outros títulos, como "Uma Xícara de Chá", da escritora neozelandesa Katherine Mansfield (1888-1923), com tradução de Nara Vidal, que está em pré-venda. O quinto volume será "Sua Majestade o Dinheiro", da escritora carioca Carmen Dolores (1852-1910).

Com a nova edição de "Os Porcos", Júlia Lopes de Almeida volta às estantes com uma obra que preserva sua capacidade de observar as pequenas e grandes crueldades das relações humanas. O livro chega em embalagem nova, mas a matéria-prima continua sendo aquela velha conhecida da literatura: gente, dinheiro, poder, desejo e as escolhas que fazemos quando acreditamos que ninguém está olhando.

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.: No Sesc Belenzinho, "Planeta Pelúcia" leva menina a estranho universo

Espetáculo da CASCA – Coletivo de Criação acompanha uma criança de nove anos que deseja crescer e mergulha em questões como solidão infantil, consumo, produtividade e relações entre crianças e adultos. Foto: Camila Riveredo

Uma menina de nove anos quer crescer. Pati acredita que a vida adulta poderá lhe oferecer aquilo que sente faltar na infância: ser vista, ouvida e ter acesso aos lugares que ainda lhe são proibidos. O desejo parece simples, mas ganha contornos bastante peculiares em "Planeta Pelúcia", espetáculo da CASCA – Coletivo de Criação que retorna aos palcos em nova temporada, desta vez no Sesc Belenzinho. Com dramaturgia de Bruno Canabarro e direção de Rodolfo Amorim, a montagem fica em cartaz de 24 de outubro a 29 de novembro, aos sábados e domingos, às 12h00, com sessões também nos feriados de 2 e 20 de novembro. A temporada integra o Projeto Começa 2026.

Depois da estreia em abril deste ano, no Sesc Consolação, a peça retoma uma pesquisa do grupo sobre as infâncias e acompanha Pati em uma aventura que começa quando ela decide entrar no quartinho de bagunça dos adultos, espaço proibido onde estão guardados objetos, documentos, memórias e segredos. Quando finalmente consegue abrir a porta, a menina passa a enxergar um universo que parecia reservado aos crescidos. E, como costuma acontecer quando uma criança ganha acesso a um lugar proibido, a descoberta vem acompanhada de algumas surpresas.

Escrito por Bruno Canabarro, que também integra o elenco ao lado de Bruna Betito e Paula Spinelli, "Planeta Pelúcia" investiga os desejos, as inquietações e a autonomia das crianças, enquanto coloca em xeque a maneira como os adultos escutam — ou deixam de escutar — aquilo que os pequenos têm a dizer. A montagem também se distancia daquela imagem açucarada da infância que costuma aparecer em determinadas histórias para crianças. Curiosidade, vontade de superar desafios, desejos e conflitos pertencem ao ser humano, independentemente da idade. Afinal, criança também tem opinião, desejo próprio e uma boa dose de teimosia. Às vezes, o adulto chama isso de desobediência. A peça prefere fazer outra pergunta.

Em "Aqui Tem Vida Demais!", primeiro espetáculo do grupo, as crianças lidavam com o luto sem o apoio dos adultos. Agora, o interesse se volta para a convivência entre esses dois universos e para a possibilidade de estabelecer relações menos hierárquicas, em que as crianças tenham espaço para expressar desejos e opiniões. “Embora a adultização seja o grande plano de fundo, durante o processo percebemos que a peça acabou sendo muito mais sobre a solidão dessas crianças da cidade que vivem praticamente fechadas em casa. Nossa protagonista se sente sozinha e usa a imaginação para criar diversos mundos. E assim surgiu a vontade de adentrar o universo dos adultos”, conta Amorim.

Na história, o quartinho de bagunça dos adultos funciona como uma espécie de passagem para um mundo que Pati deseja conhecer. Lá estão objetos e lembranças, mas também uma série de referências ao universo adulto que a menina ainda não consegue compreender completamente. A personagem entra em contato com figuras da mídia, como ídolos do esporte, influenciadores de beleza, coaches e até crianças que alcançaram fama nas redes sociais. Conforme avança por esse novo território, Pati começa a se afastar de seu companheiro inseparável: o urso de pelúcia que a acompanha desde o início da aventura.

A encenação utiliza uma câmera ao vivo para ampliar aquilo que aparece em uma "casa de bonecas", espécie de reflexo do quartinho dos adultos. As projeções de Vic Von Poser ajudam a construir esse universo e fazem referência ao consumo exacerbado, enquanto a música executada ao vivo por Demian Pinto e Gabi Queiroz, vestidos de pelúcia, cria a Banda Telúrica. A iluminação de Daniel Gonzalez completa o ambiente com atmosferas cósmicas e jogos de luz e sombra, acompanhando os conflitos de uma criança fascinada pela possibilidade de crescer.

É nesse universo que surge a "Síndrome da Adultopia", invenção da CASCA para definir o "sonho-sem-graça" que acomete crianças interessadas em crescer antes da hora. O diagnóstico vem de Traça e Cupim, bichinhos-leitores que vivem no quarto dos adultos, devoram livros e palavras e aparecem como dispositivos líricos da montagem, brincando com pontuação, metalinguagem e humor filosófico.

“As sociedades totalmente guiadas por produtividade, estética, autocontrole e consumo também moldam as crianças, o que estimula esse desejo de crescimento acelerado. Nesta peça, é a criança quem deseja. Por isso, o que muito me interessa na pesquisa é o que vemos como desobediência infantil. Os pequenos e as pequenas têm vontades próprias e, como nem sempre compreendemos isso, não abrimos espaço para o diálogo, simplesmente associamos à desobediência e à má educação. Eu gostaria que os adultos pensassem sobre isso enquanto assistem ao trabalho: em como podemos mediar as vontades infantis ao invés de simplesmente se impor”, comenta Bruno Canabarro.

A aventura de Pati também mexe com a comunicação dentro da própria família. Em determinados momentos, a menina e os pais parecem falar idiomas diferentes. A incompreensão ganha forma física e sonora na encenação, enquanto a dança e o brincar acabam encontrando caminhos para reconstruir essa comunicação. Pati se vê diante de um universo novo sem saber muito bem como voltar para aquilo que conhecia. O caminho de retorno passa, portanto, pelo reencontro com a própria infância e com a criança que continuou existindo mesmo durante a tentativa de crescer depressa.

“Pati é jogada para esse mundo novo sem nenhum suporte e, quando ela tenta voltar à sua infância, já não consegue mais. Por esse motivo, acreditamos que o tal Planeta Pelúcia é um lugar de segurança e proteção, onde as crianças podem crescer asseguradas. E é justamente essa a nossa responsabilidade enquanto adultos. Paulo Freire já dizia, baseado num provérbio africano, que é preciso de uma comunidade inteira para educar uma criança. Então, estamos convidando os adultos a realmente olharem para as crianças ao invés de invalidá-las”, reflete o dramaturgo.

Com uma aventura que parte do imaginário infantil para chegar a questões bastante concretas da vida contemporânea, "Planeta Pelúcia" coloca adultos e crianças no mesmo espaço de investigação. Pati quer crescer. O problema é descobrir o que existe do outro lado da porta — e se, depois de entrar, ainda será possível voltar.

Ficha técnica | Espetáculo "Planeta Pelúcia"
Dramaturgia: Bruno Canabarro
Direção e cenografia: Rodolfo Amorim
Elenco: Bruna Betito, Bruno Canabarro e Paula Spinelli
Direção musical e música ao vivo: Demian Pinto e Gabi Queiroz
Música original: Demian Pinto e Gabi Queiroz
Letras: Bruno Canabarro
Atores-contrarregras: Lucas Asseituno e Rafael Costa
Iluminação: Daniel Gonzalez
Videografia: Vic Von Poser
Figurinos e adereços: Felipe Cruz
Assistentes de figurinos: Asroba e Marcel Marques
Cenotecnia e objetos cênicos: Zé Valdir
Maquete cenográfica: Doideca no Papel – Marcela Falci
Bonecos e cabeção: Edson Gon
Identidade visual: Fernanda Zotovici e Gabriela Meyer
Preparação corporal e coreografias: Jhennifer Peguim
Voz em off: Alice Asseituno
Técnico de som: Maurício Caetano
Técnico de segurança: Sérgio de Souza (Boca)
Montador: Roberto Oliveira
Direção de produção: CASCA – Coletivo de Criação e Plataforma – Estúdio de Produção Cultural
Coordenação de produção: Fernando Gimenes
Produção executiva: Bruno Ribeiro
Assessoria de imprensa: Adriana Balsanelli
Administração: Victor Bittow
Fotografia: Camila Rivereto
Realização: SESC SP
Apoio: IBT – Instituto Brasileiro de Teatro, Teatro Estúdio e Armazém Grupo XIX de Teatro.

Serviço | "Planeta Pelúcia"
Dramaturgia: Bruno Canabarro
CASCA – Coletivo de Criação
Projeto Começa 2026
Datas e horários: de 24 de outubro a 29 de novembro de 2026, sábados e domingos, às 12h00.
Sessões nos feriados de 2 e 20 de novembro, às 12h00.
Classificação: livre
Duração: 60 minutos
Ingressos: R$ 40,00 (inteira), R$ 20,00 (meia-entrada), R$ 12,00 (Credencial plena).
Entrada gratuita: para crianças até 12 anos.
Vendas: sescsp.org.br/programacao/planeta-pelucia-5

Sesc Belenzinho
Rua Padre Adelino, 1000
Belenzinho – São Paulo (SP)
Telefone: (11) 2076-9700
sescsp.org/Belenzinho
Estacionamento: de terça a sábado, das 9h às 21h. Domingos e feriados, das 9h às 18h.
Valores: credenciados plenos do Sesc: R$ 10 a primeira hora e R$ 4 por hora adicional. Não credenciados no Sesc: R$ 20 a primeira hora e R$ 5 por hora adicional.
Transporte público: Metrô Belém (550 m) | Estação Tatuapé (1.400 m).
Sesc Belenzinho nas redes: Facebook, Instagram e YouTube: @sescbelenzinho

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.: Confusões familiares e aposentadoria dão o tom de “Querendo ou Não"

Comédia italiana de Gianni Di Gregorio chega à Reserva Imovision depois de passar pelo Festival de Veneza e observa, com humor delicado, os incômodos e afetos que acompanham a vida em família

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Um professor aposentado na casa dos 70 anos finalmente conquistou aquilo que imaginava ser uma espécie de prêmio pela passagem dos anos: uma vida organizada segundo os próprios interesses. Em “Querendo ou Não”, que estreia na plataforma de streaming Reserva Imovision, o ator e diretor Gianni Di Gregorio interpreta esse homem que encontrou prazer na rotina tranquila, entre amigos, leituras, escritos que avançam devagar e uma existência sem grandes sobressaltos. O problema é que família, como se sabe, costuma ter pouca consideração pelos planejamentos alheios.

A tranquilidade do professor muda quando sua filha Sofia (Greta Scarano) retorna da Alemanha depois de descobrir a traição do marido, Helmut (Tom Wlaschiha). Ela chega acompanhada dos dois filhos, Olga e Tommaso, e instala na casa do pai uma confusão que altera seus hábitos, sua privacidade e até a maneira como ele passa a enxergar os próprios dias. Dirigido por Di Gregorio, que também assina o roteiro ao lado de Marco Pettenello, o filme acompanha esse rearranjo familiar com humor discreto. 

A situação poderia facilmente escorregar para a comédia de conflitos domésticos, mas o cineasta prefere observar os personagens em suas pequenas contradições. O professor gosta da liberdade que tem, mas também se intromete na vida alheia quando lhe interessa. Sofia está fragilizada pela crise conjugal, mas nem por isso deixa de ser exigente. Os netos chegam como uma pequena força da natureza. Helmut, arrependido, tenta reconstruir a relação percorrendo um caminho bastante peculiar da Alemanha até Roma.

A premissa tem uma particularidade interessante: o homem que imaginava ter finalmente conquistado o direito de administrar o próprio tempo descobre que a aposentadoria, para os outros, pode significar exatamente o contrário. Quando Sofia lembra ao pai que ele é aposentado, a frase aparentemente banal carrega uma dose considerável de ironia. O trabalho confere uma espécie de legitimidade social aos compromissos, enquanto aquilo que alguém escolhe fazer por prazer pode ser tratado como tempo disponível para resolver problemas familiares.

Esse aspecto aproxima “Querendo ou Não” de uma tradição do cinema italiano interessada em encontrar humor nas pequenas engrenagens da convivência. Di Gregorio não precisa inventar grandes acontecimentos para movimentar a narrativa. A casa cheia, uma rotina interrompida, uma conversa atravessada ou a necessidade de dividir novamente espaços que pareciam definitivamente particulares já bastam para provocar situações engraçadas. O filme mantém essa atenção aos personagens comuns e aos pequenos embaraços da existência.

O romance também aparece nessa equação. O professor demonstra interesse por uma mulher e se permite flertar, lembrar que ainda existe desejo e imaginar uma possibilidade de relacionamento. A abordagem é discreta, sem transformar a velhice em sinônimo de ausência de interesse amoroso. Nesse ponto, o filme ganha uma conversa peculiar com outras produções recentes que colocam personagens mais velhos no centro de histórias de amor e desejo.Talvez exista, na comédia de Di Gregorio, alguma sabedoria nessa inconveniente matemática doméstica: certas coisas simplesmente chegam, ocupam espaço e nos obrigam a recalcular a rota.

Ficha técnica
“Querendo ou Não” | “Come Ti Muovi, Sbagli” (título original)
Gênero: comédia. Duração: 97 min. Classificação indicativa: 12 anos. Ano de produção: 2025. Data de lançamento no Brasil: 22 de outubro de 2026, na Reserva Imovision. Idiomas: italiano e alemão. Direção: Gianni Di Gregorio. Roteiro: Gianni Di Gregorio e Marco Pettenello. Elenco: Gianni Di Gregorio, Greta Scarano, Tom Wlaschiha, Iaia Forte, Anna Losano, Pietro Serpi e Alessandro Bedetti. Distribuição no Brasil: Imovision. Cenas pós-créditos: não identificadas nas fontes consultadas. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.

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.: Tiros, teatro e humor à moda Corbucci: “Que Faço no Meio de Uma Revolução?”

A comédia de Sergio Corbucci mistura western, aventura e sátira política ao acompanhar dois italianos que caem, contra a vontade, no meio da Revolução Mexicana

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Sergio Corbucci levou Vittorio Gassman e Paolo Villaggio para o México revolucionário em “Que Faço no Meio de Uma Revolução?”, comédia de 1972 que chega ao streaming pelo streaming Belas Artes À La Carte. O filme coloca lado a lado um ator de teatro cheio de artimanhas e um padre pouco disposto a aventuras, dupla que passa a sobreviver entre revolucionários, tropas federais, fuzilamentos, fugas e disfarces. O resultado é uma mistura deliberadamente amalucada de western, aventura e humor.

Gassman interpreta Guido Guidi, líder de uma companhia teatral em turnê pelo México. Villaggio é don Albino Moncalieri, religioso que acaba envolvido na mesma confusão. A dupla circula por um país em ebulição e, a cada tentativa de escapar da encrenca, parece encontrar outra situação ainda mais complicada. O filme acompanha os dois italianos enquanto são jogados de um lado para outro entre grupos revolucionários e forças federais, sempre com a ameaça de uma execução por perto.

Corbucci já havia mergulhado no México revolucionário em “O Mercenário” (1968) e “Vamos a Matar, Companheiros” (1970). Em “Que Faço no Meio de Uma Revolução?”, porém, o cineasta leva o seu western para um terreno muito mais próximo da farsa. A produção integra o ciclo dos chamados Zapata Westerns, subgênero do western italiano ambientado na Revolução Mexicana e frequentemente marcado por conflitos sociais e políticos.

O elenco reúne ainda Riccardo Garrone, Eduardo Fajardo, Leo Anchóriz, José Canalejas, Simón Arriaga, Rosanna Yanni, Carmen Pericolo, Víctor Israel e Lorenzo Robledo. O roteiro foi escrito por Corbucci ao lado de Massimo Franciosa e Sabatino Ciuffini, enquanto Alejandro Ulloa cuidou da fotografia e Eugenio Alabiso da montagem. A trilha sonora ficou a cargo de Ennio Morricone, colaborador frequente do cinema de gênero italiano.

Existe ainda uma história de bastidores digna de uma comédia de Corbucci. Segundo Paolo Villaggio, depois de cerca de três meses de filmagens, a equipe descobriu que um problema técnico havia impedido o registro das cenas. Praticamente tudo precisou ser refilmado. A façanha foi realizada em apenas 22 dias, numa espécie de corrida contra o prejuízo que combina bastante com a reputação caótica do projeto.

O título original, “Che c'entriamo Noi con la Rivoluzione?”, pode ser entendido literalmente como “O que Nós Temos a Ver com a Revolução?”. A pergunta resume a situação dos protagonistas, dois italianos que vão parar no centro de uma guerra que, inicialmente, pouco lhes dizia respeito. O próprio conceito também brinca com a tradição do western revolucionário italiano, gênero que Corbucci ajudou a consolidar durante os anos 1960 e 1970.

Ficha técnica
“Que Faço no Meio de Uma Revolução?” | “Che c'entriamo noi con la rivoluzione?” (título original) | “What Am I Doing in the Middle of the Revolution?” (título internacional).
Gênero: comédia, aventura, western. Duração: 103 minutos. Classificação indicativa: 10 anos (classificação registrada no lançamento brasileiro). Ano de produção: 1972. Data de lançamento: 19 de dezembro de 1972 (Itália). Idioma: italiano. Direção: Sergio Corbucci. Roteiro: Sergio Corbucci, Massimo Franciosa e Sabatino Ciuffini. Elenco: Vittorio Gassman, Paolo Villaggio, Riccardo Garrone, Eduardo Fajardo, Leo Anchóriz, Rosanna Yanni, José Canalejas, Simón Arriaga, Carmen Pericolo, Víctor Israel e Lorenzo Robledo. Distribuição no Brasil: Belas Artes à La Carte, em estreia no streaming. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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A equipe do portal Resenhando.com acompanha parte da cobertura cinematográfica por meio da Belas Artes À La Carte, plataforma brasileira dedicada ao cinema de arte, clássicos e produções premiadas de diferentes países. Criado pelo grupo responsável pelo tradicional cinema Belas Artes, em São Paulo, em parceria com a Pandora Filmes, o serviço reúne um catálogo com curadoria especializada, incluindo obras raras, títulos restaurados e destaques de festivais internacionais. Para acessar o catálogo completo, conferir os lançamentos semanais e realizar a assinatura, basta acessar o site ou aplicativo da plataforma. Os planos têm valores acessíveis, com opção mensal e anual, além de locação avulsa para títulos específicos. Você pode assinar o Belas Artes À La Carte neste link.

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