.: Musical "O Diabo Veste Prada" reúne Cláudia Raia, Myra Ruiz e Bruna Guerrin

Na superprodução brasileira, Claudia Raia assume Miranda Priestly, dando corpo à icônica editora-chefe com a autoridade cênica e o rigor técnico que marcam sua carreira em grandes protagonistas, enquanto Myra Ruiz dá vida a Andrea Sachs, trazendo sua reconhecida potência dramática para a construção de uma personagem em transformação. Ao lado delas, Bruna Guerin interpreta Emily Charlton, e Maurício Xavier assume Nigel Kipling, personagem-chave na engrenagem da narrativa. Foto: Andy Santana

Um dos títulos mais aguardados do teatro musical internacional acaba de confirmar sua chegada ao Brasil — e já abre caminho para a formação de seu elenco. Apresentado pelo Ministério da Cultura, o musical “O Diabo Veste Prada”, visto por mais de um milhão de pessoas e em cartaz de sucesso em Londres, estreia em 25 de fevereiro de 2027 no Teatro Santander, no Complexo JK Iguatemi, em São Paulo. Com vendas abertas, os ingressos estão disponíveis pela plataforma Sympla e na bilheteria física do teatro. A iniciativa posiciona o país como uma das primeiras praças do mundo a receber a montagem, antes mesmo de sua estreia na Broadway, prevista para 2028. O musical conta com patrocínio do Santander e Esfera. 

O projeto marca um novo momento na trajetória da Touché Entretenimento em parceria com a Artnic. No portfólio da empresa, sob liderança de Renata Borges — responsável por alguns dos principais sucessos recentes do teatro musical no país —, estão montagens premiadas como "Beetlejuice", "Uma Babá Quase Perfeita", "Bob Esponja – O Musical", "Peter Pan – O Musical da Broadway", "Cinderela – O Musical da Broadway", "Alguma Coisa Podre" e "Querido Evan Hansen", títulos que ajudaram a consolidar um padrão de produção em larga escala no Brasil. Ao mesmo tempo, a produtora amplia seu campo de atuação ao investir em seu primeiro musical brasileiro original, "Meu Filho É Um Musical", inspirado na trajetória de Paulo Gustavo, com estreia marcada para maio. Nesse contexto, a Touché avança agora em mais uma iniciativa de alcance global, consolidando uma trajetória que articula grandes títulos internacionais e novas criações nacionais. 

Com direção de José Possi Neto, a montagem de “O Diabo Veste Prada” propõe uma leitura cênica que articula sofisticação estética, precisão narrativa e diálogo direto com o universo da moda e da cultura contemporânea. A encenação parte do imaginário já reconhecido do público para construir uma experiência que equilibra espetáculo e dramaturgia, conectando diferentes gerações em torno de uma mesma referência.

A produção antecipa ainda os primeiros nomes convidados que passam a integrar o elenco, reunindo artistas que, em suas trajetórias, se consolidaram como referências no teatro musical brasileiro. O anúncio acontece por meio de um teaser cinematográfico inédito, produzido pela Smiley Pepper — produtora de Lucas Pimenta, também responsável pelo roteiro e direção —, marcando também a abertura oficial das vendas. A estratégia dialoga com o retorno da franquia ao cinema após 20 anos, com a continuação estrelada por Meryl Streep e Anne Hathaway, que estreia nos cinemas brasileiros em 30 de abril, reposicionando a história no imaginário contemporâneo e ampliando sua circulação entre diferentes públicos e plataformas. 

Na superprodução brasileira, Claudia Raia assume Miranda Priestly, dando corpo à icônica editora-chefe com a autoridade cênica e o rigor técnico que marcam sua carreira em grandes protagonistas, enquanto Myra Ruiz dá vida a Andrea Sachs, trazendo sua reconhecida potência dramática para a construção de uma personagem em transformação. Ao lado delas, Bruna Guerin interpreta Emily Charlton, imprimindo ritmo e precisão a uma figura marcada pela acidez e pelo humor, e Maurício Xavier assume Nigel Kipling, personagem-chave na engrenagem da narrativa, em uma leitura marcada pela elegância e pela presença. Juntos, os quatro nomes inauguram o elenco com um encontro de diferentes trajetórias e linguagens, reforçando o nível artístico da montagem e projetando, desde já, a escala e a ambição do espetáculo no país. A partir dessa base, a produção avança para a próxima etapa e realiza, em maio de 2026, audições em São Paulo, mobilizando artistas de diferentes regiões do país para compor os demais personagens e o ensemble. 

Baseado no romance de Lauren Weisberger, publicado em 2003, e na adaptação cinematográfica de 2006, com roteiro de Aline Brosh McKenna, a obra reúne uma equipe criativa de projeção internacional. A trilha é assinada por Elton John, com letras de Shaina Taub e Mark Sonnenblick, e libreto de Kate Wetherhead, em colaboração com a própria autora, consolidando uma adaptação que expande o material original para o palco sem perder sua identidade.

Antes de sua chegada ao Brasil, o espetáculo construiu seu percurso em importantes praças internacionais, com estreia em Chicago, em 2022, em temporada pré-Broadway, e nova montagem no Reino Unido a partir de 2024, com apresentações em Plymouth e, na sequência, no West End de Londres, onde permanece em cartaz. Nesse contexto, a produção vem se afirmando junto ao público e à crítica, ampliando sua presença no circuito internacional.

No cenário britânico, o espetáculo também alcançou reconhecimento institucional, com indicação ao Olivier Awards 2025 na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante em Musical para Amy Di Bartolomeo, por seu trabalho como Emily Charlton, evidenciando a força do projeto em um dos principais centros do teatro mundial. Com um título de projeção internacional, uma equipe criativa consolidada e a expertise de uma produtora à frente de sucessos recentes no país, “O Diabo Veste Prada - Um Novo Musical” se apresenta como uma das estreias mais relevantes do teatro musical no Brasil nos próximos anos, antecipando um movimento que conecta mercado, público e novas possibilidades de circulação para o gênero.

Serviço | "O Diabo Veste Prada – Um Novo Musical"

Temporada:  De 25 de fevereiro a 27 de junho de 2027(conferir datas e sessões disponíveis para vendas)

Horários: quintas e sextas-feiras, às 20h00; 

Sábados, às 16h00 e 20h30; 

Domingos, às 15h00 e 19h30

Duração: Aproximadamente 165 min, com intervalo de 15 minutos

Local: Teatro Santander

Endereço: Av. Pres. Juscelino Kubitschek, 2041, Itaim Bibi, São Paulo - Complexo JK Iguatemi

Classificação etária: Livre, menores de 14 anos acompanhados dos pais ou responsáveis legais.

Vendas: Site da Sympla e bilheteria física do teatro 

SETORES/VALORES:

PLATEIA VIP: de R$225,00 (meia entrada) a R$450,00 (inteira)

PLATEIA SUPERIOR: de R$180,00 (meia entrada) a R$360,00 (inteira)

FRISA PLATEIA: de R$180,00 (meia entrada) e R$360,00 (inteira)

BALCÃO A: de R$120,00 (meia entrada) e R$240,00 (inteira)

FRISA BALCÃO: de R$25,00 (meia entrada) e R$50,00 (inteira)

BALCÃO B: de R$25,00 (meia entrada) e R$50,00 (inteira)

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.: "Visita a Domicílio" estreia em maio no Teatro Sérgio Cardoso

Sucesso do Festival de Curitiba, espetáculo faz temporada em São Paulo de 20 de maio a 25 de junho, na Sala Paschoal Carlos Magno, no mês da diversidade. Cicero de Andrade e Juan Manuel Tellategui. Foto: Rafa Marques

O que você faria se encontrasse seu primeiro amor da adolescência 25 anos depois de forma inesperada? A situação surpreendente movimenta o espetáculo "Visita a Domicílio", peça em coprodução internacional Brasil-Argentina que fez sua estreia nacional com sucesso de público e de crítica no 34º Festival de Curitiba, e agora chega a São Paulo, onde cumpre temporada no Teatro Sérgio Cardoso (R. Rui Barbosa, 153, Bela Vista, SP), às quartas e quintas, às 19h, de 20 de maio a 25 de junho, ficando em cartaz no mês da diversidade, com ingressos na Sympla.

O ator argentino Juan Tellategui e o ator brasileiro Cícero de Andrade protagonizam o texto inédito do argentino Alberto Romero, dirigido pelos brasileiros Zé Guilherme Bueno e Miguel Arcanjo Prado. No time criativo, a obra ainda tem direção de movimento de Zuba Janaina, cenografia e figurino de Kleber Montanheiro, iluminação de Nicolas Manfredini, sonoplastia de Eder Sousa, produção executiva de Fabio Camara e assistência de direção de Julia Zann e Luiza Carvalho. A realização é das produtoras Arcanjo e 4Ever, em coprodução com Lugibi e Mosaico e coprodução internacional associada da Mundo Giras. A tradução do texto original Tu Hipocampo y Mi Caballito de Mar, de Alberto Romero, é de Juan Tellategui, com adaptação dramatúrgica de Miguel Arcanjo Prado.

"Visita a Domicílio" é uma sensível comédia dramática sobre um amor entre dois homens que foi interrompido bruscamente durante a adolescência. Por um acaso do destino, 25 anos depois, Gabo(Juan Tellategui) e Fernando (Cícero de Andrade) ganham a chance de acertar as contas com o passado. A história se passa em um apartamento da icônica Avenida Corrientes, no centro deBuenos Aires, capital da Argentina.

Idealizador do projeto, o ator Juan Tellategui comemora 30 anos de carreira com o espetáculo, no qual interpreta Gabo: ​"Celebrar 30 anos de carreira com Visita a Domicílio é consolidar uma travessia que começou em Buenos Aires e floresceu em São Paulo, onde vivo há 15 anos. Metade da minha trajetória foi construída no Brasil. Um personagem tão rico como o Gabo confirma o meu desejo de manter e estimular essa ponte cultural entre os dois países. A peça traz um recado forte que sempre precisamos lembrar: o preconceito não destrói o amor. Fazer esta peça agora significa compartilhar com o público o meu momento de maior liberdade criativa e maturidade no palco, conectado com tudo o que aprendi nesta caminhada de três décadas."

O ator Cícero de Andrade comemora 20 anos de carreira com "Visita a Domicílio", na qual dá vida a Fernando. Ele reforça a importância do espetáculo. “Em tempos em que tantas narrativas e identidades ainda correm o risco de serem apagadas, colocar essa história em cena é um gesto de presença e de resistência. Celebrar meus 20 anos de carreira interpretando Fernando não  é apenas significativo, mas também profundamente simbólico”, afirma. 

A proposta cênica bebe de fontes como a telenovela, a comédia e o drama, além de recriar a atmosfera do centro portenho. Para os diretores Zé Guilherme Bueno e Miguel Arcanjo Prado, a peça mostra que histórias mal resolvidas atravessam o tempo. “São situações que, por não terem sido elaboradas ou encerradas, acabam influenciando escolhas, relações e caminhos, podendo desviar completamente o curso de uma vida. A peça convida o público a olhar para esses atravessamentos, para aquilo que fica em aberto, e a refletir sobre o impacto silencioso que essas questões podem ter ao longo do tempo”, diz o encenador Zé Guilherme Bueno. “'Visita a Domicílio' vem para tocar profundamente o coração do público. Traz um amor que o preconceito ao redor tentou destruir, mas que ganha uma chance de ser revivido e, quem sabe, resolvido”, complementa Miguel Arcanjo Prado. 

O dramaturgo argentino Alberto Romero define como “uma honra” ter seu primeiro texto encenado no Brasil e lembra que a peça mostra que todos merecem ser felizes no amor. “Muitas pessoas da comunidade LGBT+ não tiveram a chance de viver um primeiro amor em sua adolescência, porque era difícil assumir quem éramos, porque nos dava vergonha ou simplesmente porque negávamos o que sentíamos. Os personagens Gabo e Fernando se arriscaram na adolescência e hoje, 25 anos depois, ganham a oportunidade de fechar ou reabrir essa primeira história que ficou inconclusa. Visita a Domicílio é uma peça otimista e que traz a mensagem que o amor é mais forte, como canta um roqueiro argentino”, finaliza.

Siga a peça no Instagram @visitaadomicilio

Serviço:

Visita a Domicílio

Gênero: Comédia Dramática.

Duração: 60 minutos.

Classificação: 16 anos.

Teatro Sérgio Cardoso, Sala Paschoal Carlos Magno

Rua Rui Barbosa,153, Bela Vista, São Paulo

De 20 de maio a 25 de junho de 2026.

Quartas e quintas, 19h

Ingressos: R$ 35 a R$ 70. Promoção no 1º Lote até 30/4 a R$ 30.

Site para compras: https://bileto.sympla.com.br/event/118922/d/377769/s/2516886

Ficha técnica:

Visita a Domicílio

Uma coprodução internacional Brasil-Argentina

Idealização: Juan Tellategui

Direção artística e de produção: Zé Guilherme Bueno e Miguel Arcanjo Prado

Autor: Alberto Romero

Tradução: Juan Tellategui

Adaptação dramatúrgica: Miguel Arcanjo Prado

Elenco: Juan Tellategui e Cícero de Andrade

Encenação: Zé Guilherme Bueno

Direção de movimento: Zuba Janaina

Produção Executiva: Fabio Camara

Assistência de direção: Julia Zann e Luiza Carvalho

Iluminação: Nicolas Manfredini

Sonoplastia: Éder Sousa

Cenografia e figurino: Kleber Montanheiro 

Assistentes de produção: Jean Lizo, João Schelbauer e Runan Braz

Estagiária: Júlia Brum

Design: Aro 8 - Vinicius Campiolo

Direção de Comunicação: Miguel Arcanjo Prado

Direção de Marketing e Parcerias: Julia Zann e Miguel Arcanjo Prado

Direção de Arte e IA: Juan Tellategui

Fotografia: Rafa Marques

Assessoria de imprensa: Adriana Balsanelli e Renato Fernandes em São Paulo e André Nunes em Curitiba 

Apoio institucional: Consulado da Argentina, Festival de Curitiba – Mostra Fringe, Espaço Cia da Revista, Escola A Voz em Cena, Aro 8, Teatro Sérgio Cardoso - APAA

Produtoras associadas: Lugibi e Mosaico

Produtora internacional associada: Mundo Giras

Realização: Arcanjo Produção e 4Ever Produções

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.: Anselmo Bandeira traz a São Paulo o monólogo “Solo”

O ator, diretor e produtor mineiro Anselmo Bandeira traz a São Paulo o monólogo “Solo”. Curta temporada de 29 de abril a 10 de maio no Teatro de Arena Eugênio Kusnet

O texto escrito pelo próprio ator, com colaboração dramatúrgica da italiana Anita Mosca, reflete sobre a solidão no mundo contemporâneo. Foto: Elizabete Guimarães

“O objetivo não é explicar a solidão, mas fazê-la ser sentida, lembrada, projetada no corpo, por todos os sentidos.”

O ator, diretor e produtor mineiro Anselmo Bandeira chega a São Paulo para apresentar o monólogo “Solo”, em curta temporada, no Teatro de Arena, de 29 de abril a 10 de maio. O texto escrito pelo próprio ator, com colaboração dramatúrgica da italiana Anita Mosca, reflete sobre a solidão no mundo contemporâneo e a urgência de falar sobre o tema. O artista investiga como lidar com esta condição cada vez mais presente no século XXI, atravessando, em cena, diferentes atmosferas, revelando facetas do estar solo: as cruéis, quando são impostas, e as libertadoras quando procuradas.

“Falar sobre solidão é urgente na nossa sociedade. ‘Solo’ traz à tona questões casuais e polêmicas que circundam aspectos íntimos e subjetivos dos indivíduos quando estão ou se sentem sozinhos”, diz Anselmo Bandeira.

“Falar sobre solidão é uma urgência da nossa sociedade, e isso precisa ser apontado nas escolas, teatros, cinemas, jornais, documentários, bem como nas salas de terapia”, completa.

“Solo” é um projeto iniciado em 2015 e conta com a colaboração cênica e dramatúrgica da italiana Anita Mosca. A artista possui 25 anos de experiência em palcos de diversos países, atuando como atriz, diretora e dramaturga. As técnicas de improvisação com imagens, palavras, gestos e movimentos são complementares aos materiais textuais que compõem uma estrutura sensível e inovadora.

Anita destaca que “solo” em português e em italiano significa sozinho, mas pode significar, na linguagem teatral, um trabalho com um único ator ou atriz. “A partir dessa proposta do título, encontramos uma intenção comum e tentamos provocar um ao outro sobre a solidão, que pode ser escolhida, procurada ou imposta. E também como se vive essa condição e como a solidão muda a sua cor e a sua consistência”, conta.

“A ideia é que eu convide o público a vivenciar comigo, em cena, atmosferas da solidão, do estar só metafórica e fisicamente. Quero que cada um saia pensando na própria solidão, revivendo e reconstruindo, se reconhecendo”, aponta Anselmo.

Este projeto é realizado com recursos da Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura (PNAB) e apoio do Ministério da Cultura, do Governo Federal e do Governo de Minas Gerais/Secult-MG. O espetáculo tem apoio do PROGRAMA FUNARTE ABERTA 2026 – OCUPAÇÃO DOS ESPAÇOS CULTURAIS DA FUNARTE.

Sinopse: Um ator investiga a solidão no mundo contemporâneo e as possíveis formas de lidar com essa condição, cada vez mais presente no século XXI, atravessando diferentes atmosferas e revelando facetas do estar solo.

Ficha Técnica:

Realização: doispontos: Plataforma Artística Direção e atuação: Anselmo Bandeira.

Colaborações artístico-cênicas: Anita Mosca e Carolina Cândido. Colaboração dramatúrgica: Anita Mosca.

Iluminação: Gabriel Corrêa. Operação de Luz: Ismael Soares

Trilha Sonora: Anselmo Bandeira e Gabriel Ventura. Composição e Violão: Gabriel Ventura.

Música Eletrônica: João Gabriel Morais Passos (DJ Bill). Operação de Som: Camila Felix

Figurino: Thiago Helmer Comunicação: Anselmo Bandeira

Identidade Visual: Carolina Cândido - CÂ Design

Assessoria de Imprensa: Ofício das Letras - Adriana Monteiro Produtor: Tiago Leão

Assistente de Produção: Guilherme Conrado Social Media: Tadeu Ramos

Tráfego Pago: Dona Sinhá Produções - André Hã

Acessibilidade (Audiodescrição e Libras): Incluir Pela Arte - Vanessa Bruna

Fotos e Vídeos: André Rodrigues e Elizabete Guimarães Gestão de Projeto: Patrícia Vieira e Anselmo Bandeira

Agradecimentos: Isabela Arvelos, Vitória Fonseca, Ana Prado, Claudete Bandeira e Maria José do Prado.

SERVIÇO

Espetáculo Solo

TEATRO DE ARENA EUGÊNIO KUSNET

(Rua Teodoro Baima, 96)

Sala Augusto Boal - 99 pessoas

De 29 de abril a 10 de maio (quarta a domingo)

Quarta a sexta às 20h, sábado às 18h e domingos às 17h. Duração: 50 min.

Classificação: 16 anos

Ingressos: Disponíveis no Sympla (https://www.sympla.com.br/evento/solo-circulacao-sao-paulo/3349089) ou uma hora antes das apresentações na bilheteria do teatro.

Ingressos promocionais: Nas 24 horas que antecedem cada apresentação, os ingressos terão virada de lote.

Acessibilidade:

Sessão “Solo” - 01 de maio, às 20h* Audiodescrição e Libras.

Sessão “Solo” - 08 de maio, às 20h* (Libras) - Haverá bate-papo após o espetáculo.

Trechos da peça em vídeo:

 

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.: Comédia jovem "A.M.I.G.A.S." retorna a São Paulo a partir de 1º de maio

Ernesto Piccolo dirige texto de Duda Ribeiro adaptado por Julia Iorio, Luiza Lewicki e Isabel Castello Branco, numa montagem que transpõe afetos da vida real para o palco. A produção é de Joana Motta. Foto: Paulo Aragon

Sucesso de público a comédia "A.M.I.G.A.S.", criada para para o público jovem e adulto a partir no livro homônimo de Cláudia Mello, retorna a São Paulo para uma temporada de  1º a 31 de maio no Teatro Sabesp Frei Caneca, com apresentações às sextas e sábados às 20h00 e domingos às 19h00 (uma sessão acontece no dia 28 de maio às 20h00), O patrocínio é da Bradesco Seguros. A história gira em torno das amigas Aline, Dil e Dadá, com seus encontros e desencontros amorosos, suas expectativas nas relações, suas frustrações e seus desejos. Julia Iorio, Leticia Braga e Isabel Castello Branco interpretam essas personagens que criam a Associação das Mulheres Interessadas em Gargalhadas, Amor e Sexo. 

Para contracenar com o elenco feminino, o ator Bernardo Coimbra dá vida a vinte personagens diferentes no decorrer das cenas. Na montagem anterior, quem se desdobrava em diversos papéis era Ernesto Piccolo, diretor da montagem atual. A primeira montagem desse texto aconteceu há 26 anos com grande sucesso de público. A ideia de remontá-lo surgiu em 2025, motivada pelo encontro do diretor com Julia Iorio, filha do autor Duda Ribeiro, que faleceu em 2016. Essa reunião foi o impulso que faltava para viabilizar o sonho que ela tinha desde os 10 anos, quando assistia à fita da peça na casa do pai. 

Assim, Iório convidou suas amigas Isabel Castello Branco, filha de Maneco Quinderé (que também esteve na primeira versão da peça), e Luiza Lewicki para adaptar o texto para os nossos dias. Também foi convidada ao projeto a produtora Joana Motta, que, assim como o diretor, era muito amiga do autor. “O teatro é feito de equipe, então é muito legal, 26 anos depois, trabalhar com os filhos dos parceiros da primeira equipe. Julia, Luiza e Isabel são três meninas cheias de gás, de energia, muito criativas, que adaptaram o texto brilhantemente para os tempos modernos, mais o Bernardo arrebentando com suas várias personagens. Ando me divertindo muito. Tá sendo feito com amor”, diz o encenador.

Além da direção e da produção ficarem a cargo de profissionais experientes, o design de luz assinado por Quinderé e Ronald Teixeira, que também integrou a equipe anterior. Já os figurinos são assinados por Antonio Rocha; a programação visual e cenografia, por Antonia Motta; e a direção de movimento, por Julia Varga e Marcela Pires. O sucesso total de público na nova montagem de "A.M.I.G.A.S." garantiu outras temporadas no ano passado , e tanto Julia Iorio quanto Bernardo Coimbra foram indicados ao Prêmio FITA 2025 (Festa Internacional de Teatro de Angra), na categoria Ator Revelação. Bernardo foi o vencedor do prêmio. "A.M.I.G.A.S." é uma peça leve que promete divertir o público e que ressalta sobretudo, a amizade, com todas as dores, delícias, confusões e intensidades presentes nessa relação afetiva que desafia o tempo.

Ficha técnica
Espetáculo "A.M.I.G.A.S." 
Baseado no livro de Cláudia Mello
Elenco: Isabel Castello Branco, Julia Iorio, Leticia Braga e Bernardo Coimbra
Texto: Duda Ribeiro
Adaptação: Julia Iorio, Luiza Lewicki e Isabel Castello Branco
Direção: Ernesto Piccolo
Desenho de luz: Maneco Quinderé
Cenografia: Antonia Motta
Figurino 1ª temporada: Helena Araujo
Figurino: Antonio Rocha
Trilha musical: Rodrigo Penna
Stand in meninas: Carolina Matos
Assistência de direção: João Maia P
Assistência de cenografia: Felipe Loureiro
Supervisão e consultoria técnica de cenografia: Ronald Teixeira
Direção de movimento: Julia Varga e Marcela Pires
Programação visual: Antonia Motta
Assessoria de imprensa: Pombo Correio
Social media: Agência Nuah
Assistente administrativo: Marilene Teixeira
Controller - Físico Financeiro: Mariana Teixeira
Jurídico: Joaquim Motta
Fotos: Paulo Aragon
Produção geral: Joana Motta
Assistência de produção: Bels Ferrari

Serviço
Espetáculo "A.M.I.G.A.S."
Temporada: de 1° até 31 de maio - sextas e sábados às 20h00 e domingos às 19h00, com uma sessão extra na quinta dia 28 de maio, às 20h00.
Teatro SABESP Frei Caneca - Rua Frei Caneca, 569 - Consolação, São Paulo (dentro do Shopping Frei Caneca, 7º andar).
Ingressos: plateia baixa - R$150 (inteira), R$75 (meia-entrada); plateia - R$140 (inteira), R$70 (meia-entrada).
Venda on-line: https://uhuu.com/evento/sp/sao-paulo/amigas-15904
Bilheteria: de terça a sexta-feira, das 12h00 às 15h00 e das 16h00 às 19h00; aos sábados, domingos e feriados, das 14h00 às 20h00. Em dias de evento, a bilheteria permanece aberta até 30 minutos após o início do espetáculo.
Duração: 80 minutos
Gênero: comédia
Classificação indicativa: 16 anos
Capacidade: 600 lugares
Acessibilidade: teatro acessível a cadeirantes e pessoas com mobilidade reduzida

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.: Crítica: "Não me Entrego, não" brinda à biografia de Othon Bastos e ao teatro

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora e criadora do portal Resenhando.com. Foto: Beti Niemeyer

Em abril de 2026

“Não Me Entrego, Não!” é o primeiro monólogo do ator, que revisita mais de sete décadas de carreira.

 

Um espetáculo que é um verdadeiro brinde à biografia do grande ator Othon Bastos mesclada ao teatro brasileiro e os acontecimentos históricos. Eis o monólogo “Não Me Entrego, Não!” do ator de 92 anos que passou pelo palco do Teatro do Sesc Santos, nos dias 10 e 11 de abril. Organizando lembranças e pensamentos junto ao teatro, cinema, política, amor e profissão, tudo é entrelaçado em blocos temáticos que esbarram nas experiências individuais.

Tendo ao lado, numa carteira escolar em modelo similar a dos anos 50, a memória, interpretada pela atriz Marta Paret, que o auxilia no andamento da narrativa que deixa o público vidrado. Assim, com muita agilidade e um vozeirão que ecoa em toda sala do teatro, ele revisita mais de sete décadas de carreira com rápido e divertido raciocínio. O que se testemunha é a presença cênica ímpar de Othon Bastos. 

Para tanto, tudo começa ainda no período escolar, quando a professora o faz prometer não caminhar pelas artes. No entanto, é o destino que leva o jovem Othon ao teatro, inicialmente trabalhando na parte técnica, passando a personagens sem fala até ganhar fama nos palcos, o que esbarra no cinema. Ali, diante do público ele relembra a trajetória percorrida, a qual foi pontuada por Flávio Marinho, a partir de aproximadamente 600 páginas de anotações pessoais. Não atoa, a montagem já soma mais de 40 mil espectadores, prêmios e indicações (Prêmio Shell e o Prêmio APTR). 

O monólogo, escrito e dirigido por Flávio Marinho é um emocionante recorte da trajetória artística de Othon Bastos. Contudo, ao ser recriada no palco, consequentemente, homenageia o teatro e até o cinema. Ao recordar a atuação em "Deus e o Diabo na Terra do Sol", assim como o espetáculo "Um Grito Parado no Ar", reforça que o presente é o resultado do passado e que, os erros, tendem a querer se repetir, mas cabe a nós lutarmos, o que justifica o sábio título da montagem, “Não Me Entrego, Não!”. Imperdível!

Acompanhe as apresentações e programe-se: instagram.com/othonbastosnoteatro

Serviço
Espetáculo “Não Me Entrego, Não!”
Sexta-feira, dia 10, e sábado, dia 11 de abril, às 20h00

Bilheteria Sesc Santos - Funcionamento

Terça a sexta-feira, das 9h00 às 21h30 | Sábados e domingos, 10h00 às 18h30   

Sesc Santos
Rua Conselheiro Ribas, 136 - Aparecida / Santos
Telefone: (13) 3278-9800        
Site do Sesc Santos
Instagram e Facebook: @sescsantos

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.: Mateus Solano no Teatro Renaissance com "O Figurante" após Portugal

Com mais de 250 apresentações e público de 150 mil espectadores, monólogo de Mateus Solano retorna a São Paulo após circulação internacional. Foto: Dalton Valério

Após temporada em Lisboa e passagem por dez cidades portuguesas, com 250 apresentações e público de 150 mil espectadores, "O Figurante" retorna a São Paulo para nova temporada no Teatro Renaissance, a partir de 2 de maio, com sessões aos sábados, às 19h00, e domingos, às 17h00. No monólogo, Mateus Solano dá vida a um figurante do audiovisual que passa a questionar sua própria existência e seu lugar em um mundo que insiste em mantê-lo em segundo plano. Com direção de Miguel Thiré, que retoma a parceria com o ator após "Selfie", o espetáculo conta com dramaturgia desenvolvida em colaboração por Isabel Teixeira, Mateus Solano e Miguel Thiré.

A trama mergulha na rotina de Augusto, um figurante que luta para encontrar a si próprio em meio a uma rotina pobre de sentido, que o mantém num lugar muito aquém da sua potência como ser humano.  O Figurante reflete sobre a dificuldade de se conectar com a própria essência e sobre os desafios de assumir o controle da própria narrativa. “Somos um animal que cria histórias para viver e um mundo para acreditar. Na ânsia em fazer parte desse mundo, acabamos por nos afastar de nós mesmos a ponto de não saber se somos protagonistas ou figurantes de nossa própria história”, reflete Mateus Solano.

A dramaturgia foi construída a partir do método "Escrita na Cena", desenvolvido por Isabel Teixeira, que estimulou o ator a explorar sua própria criatividade por meio de improvisos. As cenas criadas por Mateus foram gravadas, transcritas e reelaboradas por Isabel para compor o texto final, preservando a autenticidade das reflexões do personagem.

“Atores e atrizes escrevem no ar da cena, onde vírgula é respiração e texto é palavra dita e depois encarnada no papel. Essa é a tinta de base usada para escrever ‘O Figurante’. Partimos de improvisos de Mateus Solano e posteriormente mergulhamos no árduo e delicioso trabalho de composição e estruturação dramatúrgica. ‘O Figurante’ coloca no centro o que normalmente é deixado de lado, ampliando o olhar para o que muitas vezes passa despercebido”, explica Isabel Teixeira.

A peça dá continuidade à pesquisa de linguagem desenvolvida há anos por Miguel Thiré e Mateus Solano: uma encenação essencial, que se vale basicamente do corpo e da voz como balizas do jogo cênico. No palco nu, Mateus dá vida ao Figurante e demais personagens através do trabalho mímico. 

“Sempre acreditei em um teatro que debate direto com a sociedade, que toca o público. O que queremos dizer? Como vamos dizer? Neste quinto trabalho juntos, ao invés de dividirmos o palco, passo eu para esse lugar de ‘espectador profissional’ que é a direção. Acompanho o trabalho desse brilhante ator (Mateus Solano) que dá vida a um outro ator (o personagem) que, por sua vez, não consegue brilhar. “O Figurante busca colocar o foco onde normalmente não há. O trabalho é fazer este personagem quase desaparecer, estar fora de foco, ser parte do cenário”, explica Miguel Thiré, diretor.

Ficha técnica
Espetáculo "O Figurante"

Dramaturgia: Isabel Teixeira, Mateus Solano e Miguel Thiré. Atuação: Mateus Solano. Direção: Miguel Thiré. Direção de Produção: Carlos Grun. Direção de Movimento: Toni Rodrigues. Desenho de Luz: Daniela Sanches. Direção Musical e Trilha Original: João Thiré. Design Gráfico: Rita Ariani. Desenho de Som: João Thiré. Fotos: Guto Costa. Equipe de Produção: Flavia Espírito Santo, Glauce Guima, Kakau Berredo e Cleidinaldo Alves. Idealização e Realização: Mateus Solano, Miguel Thiré e Carlos Grun. Produção: Bem Legal Produções. Assessoria de Imprensa: Adriana Balsanelli.

Serviço:

Espetáculo "O Figurante"

De 2 de maio a 26 de julho de 2026 - Sábados às 19h e domingos às 17h.

Duração: 70 minutos. Classificação etária: 12 anos.

Ingressos: R$ 75,00 (meia-entrada) a R$ 150,00 (inteira), disponíveis em https://teatrorenaissance.com.br/

Teatro Renaissance

Alameda Santos 2233 - Jardim Paulista, Piso E1

Bilheteria de sexta a domingo das 14h ao início do espetáculo.

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.: Com grande elenco, musical "Shrek" estreia nesta quarta no Teatro Renault

Apresentado pelo Ministério da Cultura e Brasilprev, com patrocínio master da Comgás, o espetáculo "Shrek - O Musical", inspirado no filme vencedor do Oscar de Melhor Animação (2002), chega a São Paulo com uma superprodução dos mesmos produtores de "Wicked". A história do icônico ogro mais amado do mundo desembarca no Teatro Renault, em São Paulo, a partir do dia 15 de abril, trazendo diversão para toda a família. Para o elenco, foram escaladas estrelas como Tiago Abravanel, como Shrek, Evelyn Castro, como Burro, e Myra Ruiz e Fabi Bang, dando vida para Fiona em sessões alternadas, além de um grande números de atores já conhecidos dos grandes musicais brasileiros. Os ingressos já estão à venda no site da Tickets For Fun ou na bilheteria do teatro.

Depois de conquistar milhões de fãs ao redor do mundo, "Shrek - O Musical" vai transformar o palco do teatro em um verdadeiro reino encantado. A produção chega com cenários grandiosos, figurinos premiados e efeitos especiais impressionantes. Só para Tiago Abravanel serão 200 próteses, confeccionadas em Londres - uma diferente para cada sessão. A caracterização leva cerca de três horas, envolvendo maquiagem, próteses e figurino. 

Já a transformação de Fiona humana para ogra é uma das trocas mais rápidas e complexas do teatro musical, realizada em tempo recorde. "Trabalhar o figurino de Fiona é um exercício de dualidade. Precisamos unir a delicadeza da princesa à robustez da ogra, preservando a agilidade necessária para as cenas. Beber na fonte dos desenhos de Tim Hatley foi fundamental para garantir que o público brasileiro tenha a mesma experiência visual impactante da Broadway, mas com o toque e a excelência da nossa produção local", conta a figurinista Ligia Rocha.

O espetáculo recria, com humor e imaginação, o universo irreverente de Shrek e os números impressionam. Ao todo são 30 atores em cena, mais de 940 itens de figurino (totalizando 145 looks completos), 57 chapéus, 280 pares de sapatos em cena, 150 perucas, 15 trocas de cenários ao longo do espetáculo, 25 números musicais e um dragão de cerca de 9 metros.

"É um personagem querido por tantas gerações, cheio de humor, coragem e coração. Minha expectativa é levar energia, emoção e muita diversão ao público", comemora Tiago Abravanel. Evelyn Cardoso contou sobre os desafios do Burro: “É um personagem que exige ritmo, escuta e entrega. O Burro é o coração pulsante da história, aquele que provoca, questiona e move a narrativa. Assumir esse papel é um desafio que me instiga como atriz”.

Myra Ruiz, depois da intensidade de Elphaba, contou um pouco sobre estar no papel de Fiona: “É muito especial mergulhar em uma personagem tão divertida, cheia de nuances e humanidade. Estou animada para reencontrar o público em um espetáculo que equilibra humor, emoção e uma mensagem muito bonita". Já para Fabi Bang, Fiona é uma personagem que sempre admirou: “Ela foge dos padrões e abraça quem realmente é. O púbico pode esperar uma produção feita com muito amor e dedicação”.

A história acompanha Shrek e seu inseparável amigo Burro Falante em uma jornada repleta de música, gargalhadas e aventura. Ao longo do caminho, eles desafiam estereótipos e provam que todos merecem um final feliz, mesmo quando estão fora dos padrões dos contos de fadas.

"'Shrek' é uma história sobre quebrar moldes, e ter Fabi e Myra se revezando no papel de Fiona é a personificação desse talento sem fronteiras. A montagem no Teatro Renault não é apenas uma reprodução, é uma celebração da grandiosidade técnica que o teatro musical brasileiro alcançou. Estamos unindo o humor ácido e o coração gigante dessa história para criar um espetáculo que conversa com todas as gerações”, conta o diretor Gustavo Barchilon.

“I’m Beliver” será cantada em inglês, preservando a versão icônica do filme original, que completa em 2026, 25 anos de lançamento. O Brasil é o segundo maior público de Shrek no mundo, em bilheteria e alcance de público. O espetáculo traz referências visuais e cênicas a grandes clássicos do teatro musical como “Mary Poppins”, “O Fantasma da Ópera”, “O Rei Leão”, “Gypsy”, “A Chorus Line”, “Chicago”, Priscilla, a Rainha do Deserto”, “Dreamgirls” — em tom de homenagem e humor.

O musical estreou originalmente na Broadway em 2008, no Broadway Theatre. Desde então, "Shrek - O Musical" ganhou o mundo, com produções em países como Espanha, França, Itália, Holanda, Alemanha, México, Argentina, Israel e Austrália. Baseado no filme de animação da DreamWorks e no roteiro de William Steig, o musical tem texto e letra de David Lindsay-Abaire e músicas de Jeanine Tesori. Ao redor do mundo, é celebrado por seu humor e alto astral em uma história para toda a família.

A nova superprodução brasileira é assinada pelo Instituto Artium, em coprodução com o Atelier de Cultura, os mesmos responsáveis por grandes sucessos do teatro musical no país, como “Wicked - A História Não Contada das Bruxas de Oz”.

"Cada nova produção é uma oportunidade de elevar o padrão técnico e artístico do teatro musical brasileiro. Em Shrek - O Musical, investimos em soluções cenográficas criativas, efeitos especiais de impacto e uma estrutura inédita para contar essa história de forma grandiosa e emocionante. O público pode esperar um espetáculo inovador e surpreendente", declara Carlos Cavalcanti, presidente do Instituto Artium.

"Shrek - O Musical" é apresentado pelo Ministério da Cultura e Brasilprev. "O apoio a 'Shrek - O Musical' reforça o compromisso da Brasilprev de oferecer ao público boas histórias e incentivar grandes espetáculos. Um valor que nos guia é acreditar na construção de um futuro sólido apoiado na cultura que une gerações", afirma Camilo Buzzi, diretor Comercial e de Marketing da Brasilprev.

O espetáculo também conta com patrocínio master da Comgás. "Acreditamos no poder transformador da cultura como ferramenta de inclusão, educação e desenvolvimento social. É um orgulho para a Comgás apoiar um projeto que gera impacto positivo e promove a conexão entre as pessoas", afirma Monalisa Trouquim, Diretora de Pessoas, Cultura e Sustentabilidade da Comgás.

Elenco

Shrek - Tiago Abravanel

Princesa Fiona - Fabi Bang

Princesa Fiona - Myra Ruiz 

Burro - Evelyn Castro 

Lorde Farquaad - Baccic

Lorde Farquaad Alternante - Fabrizio Gorziza

Dragona - Amanda Vicente

Pinóquio - Mateus Ribeiro

Ensemble e Swings: Luisa Bresser, Pamela Rossini, Vania Canto, Fabrizio Gorziza, Bia Vasconcellos, Roberto Justino, Gabriela Gatti, Pedro Balu, Carla Vazquez, Fernanda Godoy, Eddy Norole, Afonso Monteiro, Thiago Perticarrari, Gabriel Querido, Clarty Galvão, Gabi Camisotti, Thaiane Chuvas, Fernanda Muniz, Leo Rommano, Lucas Corsino, Tati Christine, Mariana Montenegro e Sergio Blur

Equipe criativa

Baseado no livro de: William Steig

Texto e letras: David Lindsay-Abaire

Músicas: Jeanine Tesori

Produzido originalmente na Broadway por DreamWorks Theatricals & Neal Street Productions 

Produção original dirigida por Jason Moore & Rob Ashford

Figurinos baseados nos desenhos de Tim Hatley

Direção geral: Gustavo Barchilon

Direção Musical: Thiago Rodrigues

Coreografia: Anelita Gallo

Cenário: Tim Hatley

Figurino: Lígia Rocha

Design de luz: Vinicius Zampieri

Design de som: Gustavo Inca

Design de vídeo: Bruna Junqueira

Design de maquiagem: Cris Takkahashi

Design de perucas: Feliciano San Roman

Design de próteses: Bruno Vinagre

Versão brasileira: Victor Mühlethaler

Direção técnica: David Brenon

Produção executiva: Pia Calixto

Diretor de operações: Pedro Romani

Diretor geral de produção: Baccic 

Ficha técnica

Apresentado por Ministério da Cultura e Brasilprev

Patrocínio Master: Comgás

Patrocínio Ouro: Sem Parar

Patrocínio: Farmacêutica EMS e Alelo

Apoio: Livelo, Unisys, Atlas Schindler, CNA, SegurPro e NR

Hotelaria Oficial: Radisson Blu São Paulo

Catering Oficial: Dona Deôla

Maquiagem Oficial: Linha Bruna Tavares

Coprodução: Atelier de Cultura

Realização: Instituto Artium de Cultura, Ministério da Cultura e Governo Federal

Serviço
"Shrek - O Musical"

Estreia dia 15 de abril, quarta-feira, às 20h00

Até 7 de junho

Local: Teatro Renault | Av. Brigadeiro Luis Antonio, 411 – Bela Vista

Sessões:

Quartas, quintas e sextas | 20h00

Sábados | 15h00 e 19h30

Domingos | 14h00 e 18h30

Ingressos: De R$50,00 a R$450,00

Vendas

Bilheteria on-line: www.ticketforfun.com.br

Bilheteria física | Sem taxa de conveniência

Teatro Renault | Av. Brigadeiro Luis Antonio, 411 – Bela Vista

De terça a domingo, das 12h às 20h, exceto feriados

Classificação: livre. Menores de 12 anos devem estar acompanhados dos responsáveis legais

Duração: 165 minutos (com 15 minutos de intervalo)

Ogro Pass - Visita aos bastidores
Para os fãs que querem uma experiência exclusiva, a produção oferece a promoção Ogro Pass, limitada a 50 ingressos por sessão nos setores Plateia VIP Pântano, Camarote VIP Pântano e Balcão VIP Pântano, válida apenas nas primeiras 48 horas após a abertura de novas datas, incluindo tour pelos bastidores do espetáculo. A visita aos bastidores para os compradores do Ogro Pass acontecerá uma hora antes da sessão. Confira todas as regras da promoção nas redes sociais do espetáculo.

Cliente Brasilprev tem 30% de desconto

Regras da promoção: Desconto não cumulativo com outros descontos, como meia-entrada e limitado a 4 ingressos por CPF do comprador. Promoção válida para todos os setores, exceto Balcão Economy Torre. Importante: caso encontre dificuldades em obter o desconto, entre em contato com a Central de Relacionamento Brasilprev, disponível de segunda a sexta-feira, das 8h às 20h (exceto feriados). Capitais e regiões metropolitanas: 4004-7170. Demais localidades: 0800 729 7170

Sobre a Brasilprev

Com 32 anos de atuação, a Brasilprev Seguros e Previdência S.A. tem como acionistas a BB Seguros — braço de seguros, capitalização e previdência privada do Banco do Brasil — e a Principal Financial Group. Líder do setor, administra mais de R$454,2 bilhões em ativos e atende 2,5 milhões de clientes, oferecendo soluções acessíveis e serviços diferenciados, com a rede do Banco do Brasil como principal canal de distribuição.

Sobre a Comgás

A Comgás possui mais de 24 mil quilômetros de rede de distribuição de gás encanado em 96 municípios, abastecendo os segmentos industrial, comercial, residencial e automotivo, além de viabilizar projetos de cogeração e disponibilizar gás para usinas de termogeração. A companhia atende mais de 2,8 milhões de clientes em sua área de concessão no estado de São Paulo: a Região Metropolitana de São Paulo, a Região Administrativa de Campinas, a Baixada Santista e o Vale do Paraíba.

Sobre os produtores

O Instituto Artium de Cultura e o coprodutor Atelier de Cultura são referência no mercado de entretenimento ao vivo para os espectadores e para as marcas devido ao destaque da qualidade técnica e artística de suas produções de padrão internacional. Desde 2013, os produtores trouxeram ao Brasil importantes títulos do teatro musical internacional, como "A Madrinha Embriagada", "O Homem de La Mancha", "A Noviça Rebelde", "Annie", "Billy Elliot", "Escola do Rock" e "Charlie e a Fantástica Fábrica de Chocolate". Em 2022, o Atelier de Cultura realizou o "Evita Open Air", com a maior estrutura já construída para teatro musical no Brasil, a céu aberto, no Parque Villa-Lobos. Suas últimas coproduções foram Cantando na Chuva, no Teatro Sérgio Cardoso - SP, Legalmente Loira, no Teatro Claro Mais SP, "Shakespeare Apaixonado", no 033 Rooftop - SP e "Wicked - A História Não Contada das Bruxas de Oz", com temporada de gigantesco sucesso no Teatro Santander - SP, em 2023, e no Teatro Renault - SP, em 2025.

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.: Aretha Sadick e Verónica Valenttino leem "As Malditas" na piscina do Sesc

Atividade gratuita do projeto "Ler à Luz da Lua" convida o público a acompanhar a performance de dentro da água ou do mirante da unidade. Na foto: Aretha Sadick (crédito: Samba Magazine) e Verónica Valenttino (crédito: Caio Oviedo)  

 
Nesta quarta-feira, dia 15 de abril, às 20h00, o Sesc 24 de Maio apresenta mais uma edição do projeto "Ler à Luz da Lua". Desta vez, as artistas Aretha Sadick e Verónica Valenttino apresentam a leitura de trechos de "As Malditas", romance de estreia da escritora argentina Camila Sosa Villada. A atividade acontece na área da piscina, localizada no 13º andar da unidade, com vista para o centro da cidade.

O livro, anteriormente publicado no Brasil como "O Parque das Irmãs Magníficas", narra a trajetória de uma jovem travesti em busca de pertencimento, da infância no interior à convivência com trabalhadoras sexuais em Córdoba. Entre violência, afeto e imaginação, revela uma comunidade que reivindica seu direito à felicidade.

Uma característica singular da programação é a possibilidade de o público acompanhar a leitura de dentro da piscina, em boias. Para o acesso à água, as vagas são limitadas e as pessoas interessados devem trajar roupa de banho e possuir exame dermatológico válido. O Sesc disponibilizará a realização do exame gratuito no local, a partir das 18h00, com validade exclusiva para a atividade. Para quem optar pela área seca (cadeiras e almofadas ao redor do deck), a retirada de ingressos ocorre a partir das 19h00.

 
Sobre o projeto
O "Ler à Luz da Lua" promove leituras públicas mensais de obras literárias conduzidas por artistas de diversas linguagens. O projeto busca explorar a oralidade e a presença cênica no ambiente da piscina. Desde o início do ano, a programação já recebeu nomes como Letrux, Lilia Guerra, Ana Flavia Cavalcanti, Iara Rennó e Thalma de Freitas. 

 
Sobre as artistas
Aretha Sadick é atriz e intérprete musical, nasceu em Duque de Caxias e participou de alguns projetos ao longo de sua carreira, como "Reencarne" (Rede Globo) e "Cidade de Deus" (MAX), em peças de teatro, como "Ópera Tupi" (2019) e em curtas, como "Se Eu Tô Aqui É Por Mistério" (2023).

Verónica Valenttino é atriz e cantora cearense, atualmente vocalista da banda Verónica Decide Morrer. Graduada em Artes Cênicas, já trabalhou no teatro, com destaque para Brenda Lee e o Palácio das Princesas, espetáculo vencedor do APCA de Melhor Espetáculo Musical (2022).  

Serviço
Aretha Sadick e Verónica Valenttino leem "As Malditas", de Camila Sosa Villada
Data: 15 de abril de/2026, quarta-feira, às 20h00
Local: Sesc 24 de Maio, Rua 24 de Maio, 109, São Paulo – 350 metros da estação República do metrô
Classificação: 14 anos
Grátis 

Informações importantes de acesso
Como a atividade ocupa a área da piscina, existem duas formas de assistir:
Dentro da Piscina: Obrigatório traje de banho e realização de exame dermatológico (feito no local). Retirada de ingressos e avaliação médica a partir das 18h, no dia do evento. Não precisa de credencial plena.
No Entorno (Deck): Cadeiras e almofadas disponíveis por ordem de chegada. Retirada de ingressos a partir das 19h00.
Duração: 60 minutos
Serviço de Van: Transporte gratuito até as estações de metrô República e Anhangabaú. Saídas da portaria a cada 30 minutos, de terça a sábado, das 20h às 23h, e aos domingos e feriados, das 18h às 21h.

Sesc 24 de Maio
Rua 24 de Maio, 109, Centro, São Paulo
350 metros do metrô República
Fone: (11) 3350-6300

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.: Viúva e amante desenterram segredos de George Washington em duelo íntimo

Tragicomédia inédita no Brasil coloca Claudia Ohana e Priscila Fantin frente a frente em um encontro marcado por luto, ciúme e revelações que tensionam a história pública e a verdade pessoal. Foto: divulgação

"As Amantes de George Washington", peça inédita escrita pelo escritor croata Miro Gavran, é uma tragicomédia ficcional, inspirada nos boatos espalhados sobre uma possível amante do primeiro presidente dos Estados Unidos. É um embate intimista, emocionante e elegante entre a viúva Martha Washington, interpretada por Claudia Ohana, e a amante Sylvia Carver, vivida por Priscila Fantin. O espetáculo está em cartaz no Teatro BDO Jaraguá, às sextas e sábados, às 20h00, e domingos, às 19h00, até dia 10 de maio.

No centro da trama, um mês após a morte de George Washington, a viúva Martha Washington convida a amante do marido, Sylvia Carver, a visitá-la. No encontro dramático e repleto de emoção, as rivais se obrigam a revelar pela primeira vez a verdade uma à outra e vão, então, descobrindo um passado sob uma nova perspectiva com uma reviravolta surpreendente. É como se George Washington ainda estivesse ali, naquela nobre sala do século XVIII, no casarão mantido até hoje e aberto à visitação, em Mount Vernon, norte da Virgínia, nos Estados Unidos, com suas pastagens e planagens de 20 mil metros quadrados, cercado pelo Rio Potomac.

“A peça conta a história de duas mulheres enlutadas que se veem sem perspectiva pela morte do homem amado. Traz diálogos muito precisos concentrados nas consequências de um ciúme e um rancor quase doentio, expondo temas como amor, solidão e a tensão entre a história pública e a verdade pessoal muito pertinentes aos acontecimentos políticos brasileiros”, conta o diretor Darson Ribeiro.

“A montagem explora o luto na cenografia e nos figurinos, numa estética quase ‘noir’, respeitando a época da trama no século XVIII, mas sem qualquer rigor histórico, mergulhando fundo na vida íntima, muitas vezes dolorosa e contraditória do primeiro presidente dos EUA, através dos olhos das duas mulheres que o amaram”, completa Darson. "As Amantes de George Washington" estreou no Teatro &TD, em Zagrebe, capital da Croácia, em 1988, e até hoje já foi encenada em mais de trinta países, como Inglaterra, Alemanha, Polônia, Grécia, entre outros. No Brasil, a estreia será dia 09 de abril, no Teatro BDO Jaraguá, em São Paulo.

Sobre a encenação

Leitor há tempos do autor croata Miro Gavran, Darson Ribeiro apaixonou-se pela ideia de encenar a ficção dramática "George Washington’s Loves" já traduzindo para "As Amantes de George Washington" pelo dúbio e emblemático significado do adjetivo.

“Gostei de cara do texto pela elaboração das palavras em diálogos precisos e elegantemente ácidos”, diz o diretor, que idealizou uma montagem minimalista toda em preto e branco, respeitando as características do século XVIII, incluindo a sonoplastia que terá somente sons de cavalos e apenas uma música final. “A única cor será a surpresa da montagem trazendo de certa forma, alívio e esperança àquelas duas mulheres que passaram anos lutando pelo mesmo homem”, completa.

A encenação de Darson Ribeiro evoca a realidade nua e crua das rivalidades amorosas, sem cair no vulgar do cotidiano. A ausência de cor ressaltará ainda mais o luto, assim como a música será por meio das vozes conhecidas de duas excelentes atrizes – contextualizando – que o melhor realmente é ser real, verdadeiro. O figurino traz, na íntegra, vestidos suntuosos respeitando a moda ainda influenciada pela Era Vitoriana, com requintados tecidos, chapéus, casquetes e luvas. É o teatro tradicional em todas as áreas.

Ficha técnica

Espetáculo "As Amantes de George Washington"

De Miro Gavran

Adaptação e direção-geral: Darson Ribeiro

Com Claudia Ohana e Priscila Fantin

Assistência de direção e de produção: Reinaldo Bancks

Cenografia, luz, trilha sonora e figurinos: Darson Ribeiro

Assessoria jurídica: Adalberto Kühl

Fotografia: Moisés Pazianotto

Assistência e execução de figurinos, ateliê e alfaiataria: Eduardo Gardenal

Design gráfico e mídia: Higor Lemo

Imagens: Neto Lima

Coordenador técnico: Henrique Polli

Assessoria de engenharia e arquitetura: André Kühl

Auxiliar de palco e camarim: Marco Alvarenga

Prosódia e fonoaudiologia: Ale Zalaf

Assessoria de Imprensa Liège Monteiro e Luiz Fernando Coutinho

Uma produção do Teatro BDO Jaraguá

Serviço

Espetáculo "As Amantes de George Washington"

Gênero: tragicomédia

Temporada: até dia 10 de maio de 2026

Sextas e sábados, às 20h00 e Domingos, às 19h00

Local: Teatro BDO Jaraguá

Endereço: Rua Martins Fontes, nº 71, Centro (Metrô Anhangabaú), São Paulo, SP - Fone: (11) 2802-7075

Ingressos: R$ 150,00 | R$ 75,00 (meia-entrada)

Bilheteria: a partir das 17h de sextas-feiras ou pelo link

Capacidade: 260 lugares | Duração: 60 minutos | Indicação etária: livre https://bileto.sympla.com.br/event/117828

Estacionamento no local, pela Estapar, na entrada principal do Hotel Nacional Inn Jaraguá com valor reduzido de R$ 30,00 (trinta reais) ao teatro - por até 4h, valorizando a experiência “espetáculo + Bar do Clóvis + Restaurante W3 do hotel”

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.: "Qualquer Gato Vira-Lata..." segue em cartaz no Teatro das Artes

Dirigida por Alexandre Reinecke, a clássica comédia de Juca de Oliveira tem temporada até 31 de maio, com Paulo Vilhena, Duda Reis e Vittor Fernando. Foto: Jofí Herrera

Dizem que conselho amoroso é furada… Mas e se viesse com “método científico” e um pouquinho de caos? Um dos títulos mais populares da comédia romântica no teatro brasileiro, “Qualquer Gato Vira-Lata Tem Uma Vida Sexual Mais Sadia que a Nossa!” nova montagem com texto de Juca de Oliveira, direção de Alexandre Reinecke e elenco formado por Paulo Vilhena, Duda Reis e Vittor Fernando, segue até dia 31 de maio, no Teatro das Artes, em São Paulo. A peça segue em curta temporada com apresentações às sextas e sábados, às 20h00, e domingos, às 18h00. Lançada originalmente nos palcos em 1998 e posteriormente adaptada para o cinema, a obra conquistou milhares de espectadores ao longo dos anos, tornando a história sinônimo de entretenimento leve, divertido e irresistivelmente popular.

Em cena, Tati (Duda Reis) vê sua vida sentimental virar de cabeça para baixo quando é abandonada pelo namorado Marcelo (Vittor Fernando) e acaba se envolvendo com Conrado (Paulo Vilhena), um professor que tenta explicar o amor por meio de teorias científicas inspiradas no comportamento animal. Entre aulas absurdas, reencontros inesperados e muitas confusões, forma-se um triângulo amoroso cheio de humor e identificação. Uma comédia romântica leve, divertida e irresistível sobre as surpresas e a falta de lógica das relações modernas.

Diretor com longa trajetória na comédia, Alexandre Reinecke assina uma encenação que abraça o teatro em sua forma mais “assumida”: a cena se constrói a partir de marcações precisas, ritmo, jogo corporal e soluções cênicas que fogem do naturalismo, uma escolha que potencializa a engrenagem cômica do texto de Juca de Oliveira, sem abrir mão da camada afetiva que atravessa a história. “Estou imprimindo o meu jeito de fazer comédia: é uma proposta muito teatral, com marcações inspiradas nos grandes palhaços, do circo, do cinema e do teatro. A ideia é revisitar essas referências para dar uma cara nova à montagem, com liberdade para o exagero quando ele é necessário, mas mantendo a inteligência do texto e as emoções que ele carrega”, afirma Reinecke.

Para o diretor, voltar a um título consagrado também é uma maneira de reafirmar a força do gênero, além de testar a disciplina do riso ao vivo. “Sou um entusiasta da comédia: acho que boas comédias precisam ser sempre revisitadas. Elas atravessam o tempo porque continuam dizendo algo sobre a gente. E, em comédia, o entrosamento é tudo. Desde o começo o elenco se mostrou muito disponível para essa proposta, comprou a ideia e se jogou. Quando existe essa sintonia, a peça ganha precisão, o timing aparece e o público sente”, completa.

A temporada marca ainda o retorno de Paulo Vilhena ao palco após seis anos afastado do teatro, reencontrando o gênero da comédia romântica em uma montagem que aposta no timing preciso e no jogo cênico dos atores em cena.

Ficha técnica
Espetáculo "Qualquer Gato Vira-Lata Tem Uma Vida Sexual Mais Sadia que a Nossa!"
Texto: Juca De Oliveira
Direção: Alexandre Reinecke
Elenco: Paulo Vilhena, Duda Reis e Vittor Fernando
Cenário: Alexandre Reinecke
Iluminação: Alex Saldanha
Figurino: Marcos Valadão
Fotografia: Jofí Herrera
Diretora de produção: Miçairi Guimarães
Produção executiva: Amanda Santana
Produção: Magic Arts
Assessoria de imprensa: Prisma Colab

Serviço
Espetáculo "Qualquer Gato Vira-Lata Tem Uma Vida Sexual Mais Sadia que a Nossa!"
Estreia: 6 de março de 2026
Até dia 31 de maio de 2026
Horário: sábado às 18h00; e domingo, às 19h00
Local: Teatro das Artes
Endereço: Av. Rebouças, 3970 - Store 409 - Pinheiros, São Paulo/SP
Abertura dos portões: 45 minutos antes do evento
Faixa etária: 14 anos
Duração: 70 minutos
Ingressos: R$ 120,00 (inteira) e R$ 60,00 (meia) no balcão; R$ 140,00 (inteira) e R$ 70,00 (meia-entrada) na plateia lateral; e R$ 160,00 (inteira) e R$ 80,00 (meia) na plateia central
Antecipados: https://www.eventim.com.br/artist/teatro-das-artes/qualquer-gato-vira-lata-tem-uma-vida-sexual-mais-sadia-que-a-nossa-4081566 

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.: Crítica: "Susi - O Musical" é tudo o que crianças e adultos precisam ouvir

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com. Foto: Abílio Gil

Ousado e criativo, "Susi - O Musical" é tudo o que crianças e adultos precisam ouvir. Há coragem na espinha dorsal do espetáculo: ao colocar um menino no centro da história e em diálogo direto com uma boneca, a montagem desloca o eixo tradicional do universo feminino para um território mais poroso, em que o gênero deixa de ser fronteira e passa a ser um caminho. É inevitável a comparação com o fenômeno "Barbie - O Filme", mas “Susi - O Musical”, dirigido por Mara Carvalho, não se curva à tentação da cópia. 

A rivalidade entre mulheres, tema espinhoso e frequentemente tratado de forma superficial, surge com densidade cômica na personagem Bárbara, interpretada com precisão por Bruna Guerin, que representa, na peça teatral, um produto de padrões inalcançáveis que o próprio espetáculo se dispõe a desmontar. Ao lado dela, a Susi de Priscilla (ou de sua competente substituta, na sessão assistida Clara Verdier) sustenta um equilíbrio delicado entre carisma e questionamento. Susi é inquieta e, diante do que foi colocado no espetáculo, brinca, confronta, aprende, erra, revisa e cresce, assim como o menino que interage com ela. 

O elenco, aliás, opera em sintonia admirável. Há um senso de conjunto que impede o musical de escorregar para a afetação. As músicas bem resolvidas e eficientes cumprem o papel de avançar a narrativa sem se tornarem meros intervalos sonoros. A inteligência na construção pode ser sentida a cada cena. Mas “Susi - O Musical” não quer apenas entreter.  Ao colocar o dedo na ferida das contradições da própria indústria que criou tanto a Susi quanto trouxe a Barbie para o Brasil, o espetáculo escancara um ciclo quase cruel: as crianças crescem, abandonam seus brinquedos e, no processo, deixam para trás também partes de si mesmos. O final, levemente melancólico, não dá respostas ao que pode acontecer, e isso é um mérito.

Se há um ponto de fragilidade, talvez esteja na cenografia, que poderia expandir ainda mais o universo imaginativo proposto. Em alguns momentos, sente-se falta de uma materialidade mais ousada, que acompanhe a ambição temática do texto. Ainda assim, o saldo é mais do que positivo. “Susi - O Musical” é uma homenagem à boneca, à memória, ao feminismo, mas sobretudo ao feminino em sua complexidade, suas fissuras e reinvenções.


Serviço
"Susi, o Musical"
Local: Teatro Sérgio Cardoso – Sala Paschoal Carlos Magno
Rua Rui Barbosa, 153 – Bela Vista / São Paulo
Estreia: 21 de fevereiro, quinta-feira, 20h00
Temporada: de 21 de fevereiro a 12 de abril
Sessões: quintas e sextas, às 20h00, sábados e domingos 16h00 e 20h00
Ingressos: Plateia: Inteira: R$ 200,00 | Meia Entrada: R$ 100,00
Plateia Alta: Inteira: R$ 160,00 | Meia Entrada: R$ 80,00
Balcão: Inteira: R$ 50,00 | Meia Entrada: R$ 25,00 |
Vendas: Site da Sympla (https://bileto.sympla.com.br/event/114413) ou bilheteria local
Classificação etária: livre
Duração: 90 minutos
Capacidade: 827 lugares

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.: Novas apresentações do solo "Na Sala dos Espelhos" no Sesc Santana

Com direção e adaptação de Michelle Ferreira e Maíra de Grandi, monólogo traz aos palcos adaptação do quadrinho homônimo de Liv Strömquist e questiona a tirania da imagem em um mundo dominado pelas redes sociais. Foto: Paulo Vainer 

Em um verdadeiro tratado sobre a aparência e as ilusões do eu, o solo "Na Sala dos Espelhos" reflete sobre como a tirania da imagem vem minando a relação que travamos com nossos corpos e desejos. O trabalho, idealizado e atuado por Carolina Manica (indicada ao prêmio APCA pelo trabalho), estreou em 2025 e agora ganha novas apresentações no Sesc Santana, nos dias 10, 11 e 12 de abril, na sexta e no sábado, às 20h00, e no domingo, às 18h00. Com direção e adaptação de Michelle Ferreira e Maíra de Grandi, "Na Sala dos Espelhos", adaptação do livro homônimo de Liv Strömquist , conta a história de uma mãe que, ao ver sua filha pré-adolescente entrar em crise com a própria aparência, enfrenta o desafio de criar uma menina feminista em um mundo cada vez mais caótico. Para isso, ela convida Nina, sua filha, e o público, a brincar de pensar sobre o mito da beleza que tanto aprisiona meninas e mulheres. 

O espetáculo irreverente nos faz olhar de outro modo para o espelho e questiona: por que as fotos que vemos rolar pelo feed das redes sociais podem nos levar a sentimentos de ansiedade, raiva, tristeza e frustração? Quando foi que criamos uma relação voyeurística crônica com nós mesmos? Como, afinal, enxergar a si próprio num mundo dominado pela hiperexposição? O espetáculo conta com trilha sonora original composta pela cantora Ava Rocha (que fez sua estreia no Teatro) em colaboração com a compositora Grisa, cenário e figurino de Fábio Namatame e luz de Caetano Vilela.

“Meu primeiro contato com a obra de Liv foi uma experiência reveladora. Fui fisgada pela sua ironia e inteligência. Entre reflexões filosóficas, referências históricas e críticas à cultura da imagem, Liv nos faz questionar o quanto nossa autoestima depende do olhar alheio. E foi assim que decidi levar isso ao palco. Interpretar esta peça tem sido uma jornada. No palco, falo sobre o olhar, a beleza, a cobrança, os padrões e prisões internas — mas fora dele, sou mãe de uma menina que começa a descobrir seu próprio reflexo. E é impossível não pensar em como esse olhar do mundo pesa sobre nós, mulheres, desde cedo. Percebi o quanto herdamos espelhos trincados, distorcidos por expectativas. Hoje tento abrir espaço para um novo reflexo. Talvez essa seja a beleza que queira ensinar à minha filha”, diz a atriz e idealizadora Carolina Manica.

Michelle Ferreira e Maíra De Grandi indagam sobre o que pode o corpo de uma atriz diante de um ensaio filosófico em quadrinhos, a partir do ensaio “Na Sala Dos Espelhos - a autoimagem em transe ou beleza e autenticidade como mercadoria na era dos likes e outras encenações do eu” da sueca Liv Strömquist.  Para elas, a obra é uma tese visual sobre a beleza onde as irmãs Kardashian dividem as páginas com Susan Sontag, Zygmunt Bauman, Naomi Wolf, a Bíblia, a madrasta da Branca de Neve e tudo parece fazer muito sentido. Através do seu traço expressivo e pop, ela convida o leitor a brincar de pensar sobre desigualdade de gênero, relações de poder e estruturas sociais, e usa conceitos do feminismo, da ciência política, da psicologia e da filosofia para basear suas análises. 

É tudo muito colorido, ao mesmo tempo que é terrivelmente ácido. Ler qualquer uma das obras de Liv é uma experiência fascinante. Ao final, nos sentimos mais inteligentes e também mais indignados. Mas como traduzir uma obra como essa para os palcos sem perder a sua essência? Por incrível que possa parecer, foi traindo Liv sem pudor que pudemos nos encontrar com ela. Para isso, criamos uma personagem que fosse capaz de atravessar essas questões não de uma maneira intelectual, mas com seu corpo. 

“A mãe da Nina”, a protagonista, é uma mulher que está no climatério enquanto sua filha está entrando na adolescência. Ambas precisam se relacionar com o espelho e com a tirania da imagem enquanto seus corpos vivem uma grande transformação. E o que pode um corpo? No teatro, um corpo pode tudo. Complementam as diretoras. 

Ficha técnica
Espetáculo "Na Sala dos Espelhos"

Texto original: Liv Strömquist  

Idealização: Carolina Manica  

Direção e adaptação: Michelle Ferreira e Maíra De Grandi  

Atuação: Carolina Manica  

Trilha sonora: Ava Rocha e Grisa  

Direção de arte (Figurino e Cenário): Fábio Namatame  

Iluminador: Caetano Vilela 

Designer: Julio Dui  

Fotógrafo: Paulo Vainer  

Maquiagem: Thiago Braga  

Operação de som: Grisa  

Operação de luz: Gabriel Sobreiro  

Direção de produção: Carolina Manica  

Assistente de produção: Marcela Horta

Produção: Grilo Azul Filmes  

Serviço

Espetáculo "Na Sala dos Espelhos", com Carolina Manica

Apresentações: 10, 11 e 12 de abril de 2026

Na sexta e no sábado, às 20h00  e no domingo, às 18h00.

Sesc Santana - Av. Luiz Dumont Villares, 579 - Santana, São Paulo

Ingressos: R$ 60,00 (inteira), R$30,00 (meia-entrada) e R$18,00 (credencial plena)

Vendas on-line a partir de 31 de março às 17h00 em centralrelacionamento.sescsp.org.br ou presencialmente às 17h00, nas bilheterias de qualquer unidade do Sesc São Paulo

Classificação: 16 anos

Duração: 60 minutos

Acessibilidade: teatro acessível a cadeirantes e pessoas com mobilidade reduzida

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.: CCBB SP recebe "Desassossego" em parceria histórica entre grupos teatrais

CCBB SP recebe "Desassossego", que une Fernando Pessoa e parceria histórica entre grupos teatrais. Montagem marca a colaboração de 20 anos entre a Pequena Companhia de Teatro (São Luís - MA) e a Cia. A Máscara de Teatro (Mossoró - RN). Foto: Mar Pereira

 

 

Na "Ocupação Maranhense: 20 Anos da Pequena Companhia de Teatro", o CCBB SP recebe o espetáculo inspirado no "Livro do Desassossego", de Fernando Pessoa, que encerra a mostra comemorativa das duas décadas de trajetória do grupo. Entre os dias 9 e 20 de abril de 2026, a maranhense Pequena Companhia de Teatro apresenta o espetáculo "Desassossego", com dramaturgia de Marcelo Flecha e que encerra a temporada de comemoração de 20 anos de trajetória do grupo no Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo, com entrada gratuita.

"Desassossego" marca uma parceria entre a Pequena Companhia de Teatro e a Cia. A Máscara de Teatro. Os dois grupos mantêm colaboração artística há duas décadas. Em 2005, Marcelo Flecha dirigiu o primeiro espetáculo d’A Máscara e, ao longo dos anos, os grupos realizaram montagens em conjunto, como Medea e Deus Danado. Nesta nova criação, a parceria assume caráter integrado: a partir de discussões sobre o tema e do interesse comum pela obra de Pessoa, as companhias desenvolveram coletivamente o projeto. O elenco reúne os dois atores d’A Máscara - Luciana Duarte e Jeyzon Leonardo - com direção de Flecha e produção de Katia Lopes, configurando uma coprodução estruturada desde a concepção até a realização.

 

Inspirado no "Livro do Desassossego", de Fernando Pessoa, a peça é um convite para o espectador mergulhar em uma experiência cênica sensorial, emotiva, divertida e provocadora. Luciana Duarte e Jeyzon Leonardo são personagens de si mesmos em uma comédia constrangedora para sorrisos amarelos, encenada por Marcelo Flecha. Na busca pela cena perfeita, tentando construir um novo espetáculo, eles convidam o público a invadir um processo de montagem e ver de maneira escancarada todos os desassossegos, descompassos e descaminhos do mundo teatral, se deparando com a metáfora perfeita do que é a vida humana cotidiana, no seu aspecto mais puro. Afinal, nem o teatro imita a vida, nem a vida imita o teatro, tudo faz parte do mesmo caos.

A montagem integra o conjunto de quatro obras apresentadas na "Ocupação", todas com dramaturgia de Marcelo Flecha e livremente inspiradas em textos de autores da literatura mundial, como Franz Kafka, Gabriel García Márquez e Jorge Luis Borges e Fernando Pessoa. Criada em 2005, a Pequena Companhia de Teatro é formada pelos atores Cláudio Marconcine e Jorge Choairy, pelo encenador e dramaturgo Marcelo Flecha e pela produtora Katia Lopes. O grupo se consolidou como uma das principais referências do teatro maranhense contemporâneo, com circulação por 72 cidades de 25 estados brasileiros e participação em 70 festivais e mostras nacionais. 

Ao longo de sua trajetória, recebeu quatro Prêmios Funarte de Teatro Myriam Muniz e integrou importantes projetos de circulação, como Palco Giratório, Sesc Amazônia das Artes e SESI Viagem Teatral. Até o final da programação, o público pode visitar a Pequena Mostra de Teatro, exposição instalada no foyer do CCBB São Paulo que reúne registros de duas décadas de pesquisa do grupo, com figurinos, cenografias, diários de processo e materiais de criação.

Serviço

"Ocupação Maranhense: 20 Anos da Pequena Companhia de Teatro"

De 26 de fevereiro a 20 de abril de 2026

Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo 

R. Álvares Penteado, 112, Centro Histórico de São Paulo / SP

Grátis na bilheteria do CCBB SP e pelo bb.com.br/cultura 

Os ingressos são liberados na sexta-feira da semana anterior, às 12h00.

 

Teatro

"Desassossego", livremente inspirado no "Livro do Desassossego", de Fernando Pessoa

De 9 a 20 de abril de 2026

Quinta, sexta e segunda-feira, às 19h00 | sábado e domingo, às 18h00

Classificação etária: 14 anos | Duração: 60 minutos | Gênero: comédia constrangedora para sorrisos amarelos

Bate-papo após sessão: 18 de abril | sábado 

Sessão Inclusiva (intérprete de libras): 12/04 | domingo

 

Ficha técnica
Espetáculo "Desassossego"

Elenco: Luciana Duarte e Jeyzon Leonardo

Dramaturgia: Marcelo Flecha e Cia. A Máscara de Teatro

Encenação: Marcelo Flecha

Cenografia, iluminação, figurinos e trilha sonora: Marcelo Flecha e Cia. A Máscara de Teatro

Operador de luz e som: Luciana Duarte e Jeyzon Leonardo

Produção: Luciana Duarte e Katia Lopes

Realização: Cia. A Máscara de Teatro e Pequena Companhia de Teatro

 

No Foyer do Teatro

Exposição Pequena Mostra de Teatro

Até dia 20 de abril 

Dias: Todos os dias, exceto às terças-feiras 

Horário: 9h00 às 20h00

Classificação etária: livre 

Entrada: gratuita 

 

Informações CCBB SP

Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo

Endereço: Rua Álvares Penteado, 112 - Centro Histórico / São Paulo

Funcionamento: Aberto todos os dias, das 9h00 às 20h00, exceto às terças-feiras

Telefone: (11) 4297-0600 

Estacionamento: o CCBB possui estacionamento conveniado na Rua da Consolação, 228 (R$ 14 pelo período de 6 horas - necessário validar o ticket na bilheteria do CCBB). O traslado é gratuito para o trajeto de ida e volta ao estacionamento e funciona das 12h00 às 21h00. 

Van: ida e volta gratuita, saindo da Rua da Consolação, 228. No trajeto de volta, há também uma parada no metrô República. Das 12h00 às 21h00. 

Transporte público: o CCBB fica a 5 minutos da estação São Bento do Metrô. Pesquise linhas de ônibus com embarque e desembarque nas Ruas Líbero Badaró e Boa Vista. 

Táxi ou Aplicativo: desembarque na Praça do Patriarca e siga a pé pela Rua da Quitanda até o CCBB (200 m). 

Entrada acessível: pessoas com deficiência ou mobilidade reduzida e outras pessoas que necessitem da rampa de acesso podem utilizar a porta lateral localizada à esquerda da entrada principal. 

Leia na íntegra...

.: ºAndar recebe "A Última Valsa de Zelda Fitzgerald", com Larissa da Matta

Espetáculo devolve protagonismo a essa grande artista apagada pela história por conta dos erros cometidos pelo marido. Foto: divulgação

O solo "A Última Valsa de Zelda Fitzgerald", com atuação e concepção de Larissa da Matta revisita a trajetória dessa grande escritora, poetisa, pintora e dançarina estadunidense para além do mito de musa, construído a seu respeito nos anos 1920. O espetáculo tem sua temporada de estreia no espaço º Andar, de 9 a 24 de abril, com sessões às quintas e sextas-feiras, às 20h00. O trabalho, com dramaturgia da própria intérprete em parceria com Pedro Amaral, também lança luz sobre o silenciamento dessa mulher pela fama e pelo plágio artístico cometido pelo marido F. Scott Fitzgerald. 

Por muito tempo, Zelda foi lembrada mais como símbolo de uma época do que como autora da própria história. Associada ao brilho da Era do Jazz, à imagem da mulher excessiva e à fama de seu marido, escritor de "O Grande Gatsby" e outros marcos da Literatura mundial, sua trajetória foi frequentemente reduzida a estereótipos que a colocavam no lugar da musa, da esposa difícil e da figura instável. O solo teatral resgata a complexidade de uma mulher artista, escritora e pensadora, cuja voz foi tantas vezes abafada pela narrativa construída ao seu redor. 

O espetáculo propõe ao público uma imersão na vida e obra de Zelda para além do imaginário romântico e trágico que a transformou em personagem secundária de uma história masculina. Em cena, sua história emerge como a de uma mulher em conflito com o tempo em que viveu, com o casamento que a atravessou, com a disputa pela autoria da própria vida e com as tentativas insistentes de afirmar sua criação em um mundo que parecia disposto a lhe negar lugar. 

A peça acompanha Zelda desde seu início no sul dos Estados Unidos à consagração social nos anos 1920, passando pelos embates de seu casamento com Scott Fitzgerald, pelas tensões entre vida íntima e produção artística, pela vontade de existir para além da figura de esposa célebre e pelo agravamento de sua saúde mental. Entre festas, delírios, memórias e internações, o espetáculo constrói o retrato de uma mulher intensa, contraditória e profundamente humana. 

Sobre a montagem
Mais do que revisitar uma personagem histórica, "A Última Valsa de Zelda Fitzgerald" se conecta de maneira direta com o presente. Em um contexto em que as mulheres ainda precisam lutar por espaço, autoria e reconhecimento, o espetáculo transforma a experiência de Zelda em um gesto de reescrita simbólica. Ao colocá-la em foco, a montagem propõe uma reflexão sobre quantas artistas foram reduzidas a notas de rodapé, quantas tiveram sua criação absorvida pela fama de homens ao redor, e quantas ainda precisam lutar para existir com voz própria. 

Com linguagem intimista e força narrativa, o solo se apresenta como uma experiência capaz de dialogar tanto com o público interessado em literatura, história da arte e artes da cena quanto com espectadores atraídos por histórias de mulheres intensas e profundamente contemporâneas em suas contradições. Ao trazer Zelda Fitzgerald de volta ao palco, o espetáculo não apenas revisita o passado: ele questiona os mecanismos que seguem produzindo apagamentos no presente. 

A montagem marca ainda a primeira produção assinada pelo Foyer, plataforma de comunicação, cultura e criação de projetos autorais, ampliando sua atuação para o campo da produção teatral e reforçando seu compromisso com obras que articulam arte, pensamento e relevância contemporânea.

Sobre os criadores
Pedro Amaral é roteirista, apresentador, produtor cultural e empreendedor criativo. Pós-graduado em Dramaturgia pelo Célia Helena, atua na interseção entre comunicação, audiovisual, teatro e mercado artístico. É fundador do Foyer, plataforma de comunicação e produção de conteúdo dedicada à cultura, às artes e à criação de projetos autorais. 

Sobre a atriz
Larissa da Matta é atriz, dançarina, performer, dramaturga, arte-educadora e pesquisadora. Pós-graduada em Direção e Atuação pela Escola Superior de Artes Célia Helena, desenvolveu pesquisa baseada no eixo de Dramaturgias do Corpo, em que investigou corporalmente a vida e a obra de mais de 40 mulheres artistas do século XVI ao século XXI, pertencentes a diversos períodos da história das artes plásticas e visuais, resultando em uma dramaturgia e monólogo teatral autorais sobre a vida e obra de Zelda Fitzgerald. Bacharela e licenciada em Teatro pela Escola Superior de Artes Célia Helena, também possui formação em História da Arte com o Prof. Dr. Rodrigo Naves, pela Difusão Cultural SP, abrangendo do Pré-Renascimento à Arte Contemporânea. Além disso, é formada em Danças Urbanas pelo Centro de Artes Lílian Gumieiro. Atuou em produções internacionais como a peça chilena Granada, apresentada no MIRADA – Festival Ibero-Americano de Artes Cênicas, e participou de festivais e formações na Rússia, incluindo o Teatro de Arte de Moscou e o Festival Internacional de Escolas de Teatro dos países do BRICS, integrando o elenco de Édipo Rei, dirigido por Valentin Teplyakov. 

Serviço
Espetáculo "A Última Valsa de Zelda Fitzgerald", com Larissa da Matta
Temporada: 9 a 24 de abril de 2026
Às quintas e sextas-feiras, às 20h00
⁰Andar  - Rua Dr. Gabriel dos Santos, 88 – Santa Cecília / São Paulo (a 6 minutos da estação Marechal Deodoro do metrô)
Ingressos: R$ 30,00 a R$ 60,00 via Sympla ou na bilheteria do espaço ( aceita cartão, pix e dinheiro)
Estacionamento conveniado: Rua Dr. Gabriel dos Santos, 131
Orientação: retirar carimbo na Bilheteria
Pagamento: Pix e débito (R$ 20,00 preço único)
Classificação: 14 anos
Duração: 70 minutos

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