O pianista pernambucano Amaro Freitas foi anunciado como vencedor do Prêmio Paul Acket 2026, uma das mais relevantes distinções do jazz internacional. Concedido anualmente a artistas cuja obra merece maior reconhecimento público por sua excelência e originalidade, o prêmio destaca trajetórias que vêm renovando o cenário do jazz contemporâneo em escala global. Criado em homenagem ao produtor e visionário Paul Acket, o prêmio é entregue durante o NN North Sea Jazz Festival, um dos mais importantes do mundo.
Natural de Recife, Amaro Freitas construiu uma linguagem musical singular, marcada por uma sonoridade crua e profundamente autoral. Sua obra propõe uma leitura fresca e “descolonizada” do jazz brasileiro, na qual dialogam com os elementos da tradição afro-brasileira, da espiritualidade indígena e das culturas populares. Ao entrelaçar com precisão estilos locais com o jazz contemporâneo, o pianista se consolidou como um dos músicos mais surpreendentes e virtuoses de sua geração, convidando o público a experimentar novas possibilidades sonoras.
Com seu mais recente álbum solo, "Y’Y" (2024), o artista presta uma homenagem à Amazônia - o título remete a uma palavra indígena para “água” ou “rio” - e propõe uma escuta atenta e respeitosa da natureza. A obra transita entre momentos de intensidade e contemplação, evocando, em sua primeira parte, as paisagens sonoras da floresta brasileira, e, na segunda, sua abordagem ao jazz contemporâneo. O disco conta ainda com colaborações de nomes como Brandee Younger, Jeff Parker e Shabaka Hutchings, ampliando o diálogo internacional de sua música.
Na segunda metade dos anos 60,Ronnie Von decidiu dar um novo rumo para a carreira. Com forte influência do surrealismo na arte, ele lançou a chamada trilogia psicodélica, que apesar de ter sido um tremendo fracasso comercial na época, passaria a ser redescoberta nas décadas seguintes por uma nova geração de musicoa que entenderam o aspecto visionário dessa fase do cantor.
Ronnie Von já tinha lançado três discos, tendo como pano de fundo o inocente movimento musical da Jovem Guarda. Isso embora ele não fizesse parte daquele grupo que fazia as festas das jovens tardes de domingo; Pelo contrário: ele comandava um outro programa na televisão também com a mesma proposta de atingir o público jovem.
Mas em 1968 ele decidiu fazer o que realmente queria. A união com o produtor Arnaldo Saccomani foi fundamental para que os três discos que seriam lançados passassem a ter uma sonoridade mais experimental. Bem distante da Jovem Guarda e mais próxima do movimento Tropicália, capitaneado pelos músicos Caetano Veloso e Gilberto Gil e pelo maestro e arranjador Rogério Duprat.
Na primeira faixa do ´álbum de 1968, intitulado "Ronnie Von", ele declama um trecho de poesia antes de entar na canção "Meu Novo Cantar" (“Doa a quem doer, então eu vou cantar..."). As demais faixas que se sucedem na audição mostram um artista interessado em explorar caminhos diferentes do pop convencional que predominava na época,
Desse disco talvez a faixa mais emblemática seja "Silvia 20 Horas Domingo", que passou a ser venerada pelas novas gerações de músicos. A canção narra um encontro fictício marcado para o final de semana, que na verdade nunca aconteceu de fato.
O segundo disco da trilogia tem um título extenso ("A Misteriosa Luta do Reino de Para Sempre Contra o Império de Nunca Mais") E já tem duas versões de canções pop internacionais em português ("I Started A Joke" e "My Cherie Amour", dos Bee Gees e de Stevie Wonder). Mas mesmo assim conserva a aura de experimentalismo nas faixas "Regina e o Mar" e "Mares de Areia".
Fechando a trilogia psicodélica, é lançado em 1970 o álbum "A Máquina Voadora" também tem algumas faixas com concessões mais comerciais, por imposição da gravadora. Mas é possível notar ecos do psicodelismo na faixa título e em outras como "Baby de Tal" e "O Verão nos Chama". A faixa título fala sobre uma das paixões de Ronnie Von: a aviação. Ele foi piloto de aviões na juventude.
Em uma entrevista dada ao podcast "Disco Voador", Ronnie Von revelou que esse processo de redescoberta de sua obra o fez sentir vingado. Pois apesar de na época as críticas terem sido bastante negativas, a "Trilogia Psicodélica" ainda continua despertando o interesse de colecionadores e de jovens músicos.
Trabalho mais autoral da sua carreira, o álbum "D'Água" de Julia Vargas apresenta três canções assinadas por ela: “Pavio”, em parceria com Duda Brack, “Vem” e “Atrás da Cortina da Pantera”, ambas com música e letra de Julia Vargas; Dona de uma voz forte e interpretação contundente, a cantora oferece canções que vão agradar os amantes da boa música popular brasileira.
“Os álbuns que eu gravei anteriormente eram projetos de intérprete. Agora estou começando a trazer as minhas canções, movimento novo na minha história. Sempre tive uma timidez muito grande para falar sobre mim, sobre coisas que eu vivi. Tenho referências tão fortes de poetisas e poetas incríveis, que quando eu começava a compor, achava tudo pequeno, bobo. Só depois fui entendendo que a minha maneira de compor tem a sua beleza, também”, pontua Julia Vargas.
Com “D’Água” a artista propõe novas experiências, trazidas pelas canções autorais e parcerias inéditas, o que faz com a mesma desenvoltura com a qual construiu a solidez de sua carreira de intérprete. Além do repertório autoral, o álbum traz novas versões para “Comportamento Geral”, de Gonzaguinha, e “Maluca” (Luís Capucho), que havia sido gravada por Cássia Eller. Nesta faixa, Julia Vargas recebe Zélia Duncan para um dueto: A outra convidada do álbum é a cantora Roberta Sá, com quem Julia Vargas divide “Sinceramente”, de Khrystal e Moyseis Marques. Da compositora Lhuli, parceira de Lucina em vários clássicos da MPB, Julia escolheu “Flor Lilás”. “Bomba”, de Nicolas de Francesco e Alisson Sant, completa o repertório.
Nascida em Cabo Frio (RJ, rodeada por músicos na família, Julia Vargas é uma jovem artista que já contabiliza mais de 15 anos de atuação profissional. A artista, que começou na dança, vem se destacando no cenário da música brasileira, dentro da chamada "nova MPB" e tem dois discos lançados: "Ao Vivo em Niterói" (2015) e "Pop Banana" (Biscoito Fino / 2017).
Já atuou ao lado de artistas como Ney Matogrosso, Zélia Duncan, Roberta Sá, Milton Nascimento, Alceu Valença, Elba Ramalho e Pedro Luís. Participou como solista da Orquestra Petrobras Sinfônica e possui vários outros registros relevantes. Seus mais recentes trabalhos fonográficos são o EP "Bruta Flor", em parceria com o Duo Gisbranco. Gravado para o projeto Primeiro Abraço, o single é o da canção "Pé na areia" e "Pé na Areia - remix”, este com o DJ Marcelinho da Lua - ambos lançados em 2021.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Bruno Conrado
O violonista, compositor e letrista Dino Galvão Bueno, um dos pilares da Bossa Nova paulista, lança o álbum autoral "Falando de Amigos" nas plataformas digitais de música,. Aos 83 anos, o artista celebra seis décadas de trajetória com canções compostas ao longo da carreira.
Com direção musical e arranjos de Ricardo Barros e direção artística de Anita Galvão Bueno, "Falando de Amigos" faz uma travessia musical pela memória afetiva e artística de Dino Galvão Bueno, que transita por estilos como samba-canção, bolero, valsa, bossa e frevo-canção. E traz parcerias com Theo de Barros, Daltony Nóbrega, Cau Pimentel, Edgard Poças, Adylson Godoy e J. Petrolino, amigos e importantes artistas da cena paulistana e brasileira.
O álbum também tem participações de músicos convidados, virtuoses como o maestro e pianista Nelson Ayres (que toca piano e assina o arranjo da canção “Estrela Guia”), o clarinetista israelense Oran Etkin, o trombonista Jaziel Gomes, o saxofonista Anderson Quevedo e o trompetista Diogo Duarte, além de Anita Galvão Bueno (filha de Dino, que canta em duas faixas) e a netinha Violeta Galvão Bueno (na faixa em sua homenagem). O time se completa com a banda base das gravações, formada por Ricardo Barros (violão), Paula Valente (flauta e sax), Mauricio Orsolini (piano), Daniel Amorin (contrabaixo) e André Kurchal (bateria e percussão), que acompanha Dino desde 2024.
Cada canção acende uma lembrança. Cada história ilumina um pedaço do mapa sonoro da vivência, do trabalho e dos afetos de Dino. O choro-canção que dá nome ao álbum, “Falando de Amigos” (Dino Galvão Bueno e Daltony Nóbrega), abre o repertório com participação de Oran Etkin no quarteto de clarinetes e clarone. Dino a compôs essa bossa em homenagem ao amigo Carlos Lyra (1933-2023). Posteriormente ganhou letra de Daltony, estendendo essa homenagem aos demais amigos e parceiros do compositor.
A valsa “Até Quando?” (Dino Galvão Bueno e Theo de Barros), segunda parceria entre Dino e Theo, gravada também no primeiro disco de Dino, Mestre Navegador, vem com a banda base completa no arranjo - violão, sopros, piano, baixo e bateria. Seguindo, “Todos os Cantos” (Dino Galvão Bueno e Daltony Nóbrega), é um samba cuja letra foi inspirada no cambacica, passarinho cuja figura também ilustra a capa do álbum. A faixa é interpretada por Anita Galvão Bueno, filha de Dino.
A quarta composição é o bolero “Pedaço Pior” (Dino Galvão Bueno), com letra carregada de sentimentos e dores de amores, também registrada no primeiro disco do autor. O arranjo potencializa o tema com solo de Paula Valente no sax soprano e a marcação cadenciada do bongô de Kurchal. Na sequência, “Versos de Amor” (Dino Galvão Bueno e Cau Pimentel) é uma canção romântica, cuja nostalgia ganha tons nas teclas do piano Orsolini.
Um momento afetuoso do disco está no medley “Violeta” (Dino Galvão Bueno e Edgard Poças) e “Cantiga para Violeta” (Dino Galvão Bueno e Sergio Lima), composições que Dino fez para sua netinha Violeta Galvão Bueno, que também participa da faixa. A primeira é uma cantiga de ninar, em tom camerístico, que deságua na segunda, uma valsa-jazz com arranjo mais pesado, tendo toda a banda na execução.
A sétima composição é a bossa nova “Quando o Amor Chegar” (Dino Galvão Bueno e Sergio Augusto). O arranjo limpo, minimalista, tem destaque para a percussão de Kurchal e para o nipe de flautas de Paula Valente. Esta é a única faixa em que Dino Galvão Bueno toca violão, além de interpretar. “Estrela Guia” (Dino Galvão Bueno e Adylson Godoy) é uma composição de Dino, criada ao piano, para sua esposa Vera, que desejava ouvi-la um dia sendo tocada pelo pianista Nelson Ayres. Esta é uma das três faixas não inéditas do trabalho, sendo já gravada no álbum Notas Brasileiras, de Adylson Godoy, Dino Galvão Bueno e Theo de Barros & Filhos, em 2023.
A penúltima faixa, “Sob a Luz do Neon” (Dino Galvão Bueno e Daltony Nóbrega), canta e poetiza o brilho da vida; é um envolvente bolero que, no final, faz referência ao chileno Lucho Gatica (O Rei do Bolero). Fechando Falando de Amigos, “Bloco de Tudo” (Dino Galvão Bueno e J. Petrolino) é um frevo-canção de melodia marcante no qual Dino divide a interpretação com Anita Galvão Bueno. O arranjo traz o clima autêntico do frevo pernambucano com performances brilhantes de Jaziel Gomes, Anderson Quevedo e Diogo Duarte nos sopros, Destaque também para o sax de Paula Valente, fechando o naipe de metais.
"Falando de Amigos" é mais do que um simples disco autoral. Mostra com clareza a riqueza poética e melódica da obra de Dino Galvão Bueno, que merece ser ouvida pelos amantes da boa música popular brasileira.
Fundador da banda Yahoo, baterista, produtor musical e jornalista, além de colecionador de discos, Marcelo Ferreira, conhecido como Marcelão, decidiu criar um canal de comunicação nas redes sociais para compartilhar suas experiências e conhecimentos na área musical. E a iniciativa vem recebendo uma boa resposta junto ao público, que sugere até temas para os próximos vídeos.
“Eu percebi que podia contribuir de alguma forma para disseminar esse conhecimento acumulado de 40 anos atuando na música, produção musical e da minha coleção de discos. Como sou jornalista. achei importante ajudar a divulgar a informação correta e mostrar para outras gerações o que há de bom na música. Para mim, existem dois tipos de música: a boa e a ruim”, disse Marcelão.
Entre os vídeos está a série um ano em cinco discos, na qual ele busca listar cinco álbuns mais significativos de acordo com seu gosto musical. “Funciona como um amostra da produção daquele ano. É claro que há muito mais discos do que cinco, mas a intenção é mostrar aquilo que mais me tocou como ouvinte e colecionador”, explicou
Outro projeto ligado ao canal é o "Conexão Rio-Berlim", no qual ele grava entrevistas com Ricardo Henrique, um amigo de longa data que atualmente reside na Alemanha. “Conversamos sobre os mais variados assuntos, sempre buscando trazer a visão dele sobre como é a vida na Alemanha”. Sobre a banda Yahoo, Marcelão disse que deixou de tocar bateria nos shows para se dedicar a direção musical e produção musical. “Após 40 anos tocando ao vivo, minha mão esquerda passou a doer mais intensamente. Na direção pude contribuir de uma forma muito gratificante".
A formação atual conta com Zé Henrique (baixo e vocal). Rodrigo Novaes (guitarra), Leo Mendes (teclados) e Diogo (bateria). E mantém a mesma pegada pop que consagrou a banda ainda nos anos 80, quando a banda emplacou hits radiofônicos. “ A banda está preparando o próximo disco 'O Agora é Real' para esse semestre. O primeiro single será lançado em breve”. Quem quiser conferir o trabalho do músico é só acessar o canal dele no YouTube: Marcelão Yahoo - Tudo de Som.
Recentemente os Rolling Stones anunciaram a reedição do álbum "Black and Blue", que completou 50 anos em 2026 e marcou uma nova fase com a entrada de Ron Wood no lugar de Mick Taylor, que preferiu sair da banda. Para entender melhor o contexto, é preciso lembrar que os Stones haviam gravado o álbum anterior ("It´s Only Rock´n Roll")que apesar das críticas favoráveis, acabou provocando tensões internas por parte de Mick Taylor, insatisfeito com a linha musical desenvolvida pela banda. O grupo contava com Mick Jagger (vocal), Keith Richards (guitarra), Bill Wyman (baixo) e Charlie Watts (bateria).
Com a iminente saída de Taylor, Jagger pensou em chamar Ron Wood, que havia participado da gravação do disco anterior. E obteve a aprovação dos demais integrantes. A entrada de Wood não só preencheu a lacuna deixada por Taylor como ainda agregou qualidade para a sonoridade da banda. Seu estilo se encaixou muito bem ao de Keith Richards.Outro destaque foi a participação de Billy Preston nos teclados, que já havia tocado com os Beatles anteriormente.
"Black and Blue" mostra uma influência direta do reggae nas faixas "Hey Negrita" e "Cherry Oh Baby", esta última uma regravação de um hit do cantor jamaicano Eric Donasldson. Nas demais faixas se ouve aquele tipo de sonoridade habitual dos Stones, seja nas baladas "Memory Motel" e "Fool To Cry", seja em momentos mais rock´n roll como a ótimas "Crazy Mama" e "Hand Of Fate". Há ainda o blues na faixa "Melody" e um flerte com a música dançante na faixa "Hot Stuff". "Black and Blue" é um álbum de transição, que marca a entrada de Ron Wood. De uma certa forma, ajudou a pavimentar o caminho para os álbuns que viriam a seguir.
Chris Standring retorna em 2026 com onze canções inspiradas em composições que remetem a uma era de ouro. Este conjunto retrô-soul evoca uma época familiar, talvez nostálgica, em que arranjos sofisticados e belas harmonias estavam em voga. Com uma seção de metais de primeira linha, composta por quatro músicos, e uma vasta gama de cores orquestrais, além dos timbres únicos de guitarra de Chris, "Time Of Change" leva você a uma jornada revigorante do início ao fim.
Casar-se pela primeira vez e o falecimento de seu pai marcaram um período de mudanças para Chris Standring, guitarrista de jazz contemporâneo que já figurou no topo das paradas da Billboard. Com a nostalgia em mente e as transformações da vida moldando o terceiro ato de sua existência, Standring compôs e produziu onze novas canções para "Time of Change", que foi lançado pela Ultimate Vibe Recordings. O álbum, que mistura cool jazz inspirado nos anos 70 com grooves retrô de rhythm and blues, será promovido pelo primeiro single, “Hollywood Hustle”, uma faixa animada com toques de metais que começou a ganhar espaço em playlists e rádios no exterior.
Destaco as faixas "Photographs", com uma levada irresistível a la Steely Dan no arranjo. E a faixa "All The Good Times", com um groove que remete aos melhores trabalhos de Standring. Na verdade, as demais faixas estão no mesmo nível e merecem ser conferidas O quarteto principal de “Time of Change”, o décimo oitavo álbum de Standring, é formado por Standring (guitarras, teclados, programação, arranjos de metais e cordas), o baixista Andre Berry, o baterista Chad Wright e o percussionista Lenny Castro.
Quatro faixas do álbum contam com a participação de uma seção de metais composta por Brandon Fields (saxofone tenor), Tom Saviano (saxofone alto), Michael Stever (trompete) e Erik Hughes (trombone). Outros músicos que contribuíram para o álbum são o baixista vencedor do Grammy, Brian Bromberg, George Whitty (piano), Dave Karasony (bateria) e Rodney Lee, o tecladista que fez parceria com Standring na banda Solar System há trinta anos, no início de sua carreira musical. "Time of Change" é mais do que um álbum confessional de Standring. É uma verdadeira aula de como produzir e arranjar um disco mesclando elementos de soul e jazz fusion. É um trabalho de extremo bom gosto de Standring, que merece ser apreciado por amantes da música instrumental.
Depois de um longo trajeto na dança, no teatro e na música, Lia Levin, a cantora e compositora que também é graduada psicóloga pela USP, finalmente amarra todas as linguagens e vivências que acumulou em um videoclipe bastante original. O single intitulado "Intermitência" integrará um futuro EP autoral que flerta com vários estilos musicais da nossa MPB. A artista não se restringe aos rótulos e modismos de cada estilo musical e transita livremente pelos ritmos brasileiros para contar histórias. Neste novo clipe “Intermitência”, o quarto lançado por ela, a multiartista escolheu se valer também do lado atriz para encenar no clipe um relacionamento tóxico.
Para fazer o papel do "homem abusivo” a compositora convidou o Thomás Aquino, que atualmente faz o papel do produtor Ronei Soares na novela Coração Acelerado no canal Globo, e que fez grandes papéis em outras importantes obras do audiovisual brasileiro como os filmes Bacurau e O Agente Secreto, do diretor pernambucano Kleber Mendonça Filho, e a série Guerreiros do Sol da Globoplay. O clipe não segue a convenção do que seria um clipe de sertanejo, bachata ou brega, ritmos com os quais a faixa Intermitência flerta. Para dirigir esta criação totalmente original, Lia Levin encontrou Felipe Corvello.
Lia Levin já pensa em montaruna banda para tocar em shows ao vivo., E quer abrir espaço para mulheres instrumentistas. “Nada contra homens tocando em bandas. Mas o que percebo é que há pouco espaço para as mulheres nesse segmento., É só uma fotma de ampliar esse espaço para elas”. Em sua formação como intérprete, Lia Levin ouviu Barbra Streisand e Liza Minelli, além de outras cantoras e compositoras femininas como Fátimas Guedes e mais recentemente Marília Mendonça.”O Brasil senmpre teve compositoras mulheres extraordinárias. Mas a mídia de uma forma geral acaba enfocando mais o trabalho dos compositores masculinos. Acho que merecia ter mais espaço para as mulheres nesse segmento da composição”.
Com esse lançamento, Lia pretende conversar com todas as mulheres do Brasil. "Quanto mais as mulheres entenderem o mecanismo e como funciona o abuso, mais poderemos evitar a violência e o feminicídio. A mulher brasileira precisa ter clareza dos seus direitos e do seu poder para exigir para si mesma respeito e segurança, buscando a rede de apoio correta e os mecanismos da lei. No relacionamento intermitente ou instável, o homem parece estar cuidando e protegendo a mulher em alguns momentos, mas em outros ele a agride totalmente. Isso não é amor. A mulher é quem precisa se esclarecer e proteger a si própria antes de tudo”.
Há 50 anos, o trio canadense Rush vivia um dilema. Pressionados pela fraca vendagem dos segundo e terceiro álbuns ("Fly By Night" e "Caress of Steel"), os músicos Geddy Lee (baixo e vocal), Alex Lifeson (guitarra) e Neil Peart (bateria) receberam um ultimato dos executivos de sua gravadora na época: ou produziam um álbum com potencial radiofônico ou então seria o fim da linha para eles. Foi exatamente nesse panorama que eles lançaram o álbum "2112", que se tornou o segundo mais vendido de toda a carreira do grupo.
Nesse processo foi importante o papel do empresário Ray Danniels, que convenceu os executivos a aguardarem o lançamento de mais um disco da banda antes de tomarem uma medida mais drástica. E o Rush conseguiu vencer o desafio da forma mais improvável. A faixa que abre o disco tem simplesmente 20 minutos, divididos em sete partes que ocupavam todo o lado A do disco. O enredo idealizado por Neil Peart foi inspirado em um livro da escritora Ayn Rand, intitulado A Nascente; Essa faixa mostra todo o potencial da banda para compor peças conceituais, narrando uma aventura futurista de um personagem que se vê sem condições de exercer sua individualidade e criatividade em um universo opressor.
O lado B abre com "A Passage to Bangkok", que se tornou um clássico do repertório da banda bastante executado nos shows ao vivo. E segue com "Twllight Zone" composta em homenagem a série famosa de TV americana homônima, que no Brasil se chamava Além da Imaginação. A faixa seguinte ("Lessons") foi composta por Lifeson enquanto que a bela balada "Tears" foi feita por Geddy Lee. O disco se encerra com "Something For Nothing", composta com letra de Peart e arranjada bem ao estilo que consagrou o Rush.
O álbum "2112" é apontado como um ponto de virada na carreira do grupo, que passaria não só a contar com o apoio da gravadora como também se apresentariam em locais com maior capacidade de público nos anos seguintes.
Chegou nas plataformas o álbum “Falso Antigo”, projeto de composições inéditas, fruto da parceria dos irmãos Mario Adnet e Chico Adnet. As nove faixas fazem uma ode bem humorada e afetiva ao passado da música popular brasileira, com canções inéditas que soam como se sempre tivessem existido. Entre invenção e homenagem, as músicas têm arranjos que recriam a estética da era do rádio com um toque de contemporaneidade.
O projeto conta com convidados especiais. Tem Roberta Sá em "Falso Baiano" e Mônica Salmaso no choro "Acende o Lampião". Mosquito canta em "Samba Réquiem"; Pedro Miranda em "Fake Falso" e "Fred Astaire do Samba", e Pedro Paulo Malta em "Santinha". E tem ainda uma gravação da Jards Macalé em um dueto com Marcelo Adnet no samba de breque ‘De Aniceto ao Acetato’.
Em tons de crônica e ironia, as criações da dupla contam histórias. No samba de breque “De Aniceto ao Acetato”, os convidados Marcelo Adnet e Jards Macalé ecoam o último malandro Moreira da Silva: “O rei da voz é meu cliente...”, falando na compra e venda de canções, praticada entre compositores pobres e cantores cada vez mais conhecidos pelas ondas do rádio nascente, e, logo, pela indústria fonográfica.
O álbum conta também com participações de Ana Rabello (cavaquinho), Jorge Helder (baixo acústico), Marcelo Martins (sax), Everson Moraes (trombone, bombardino e oficleide) e Aquiles Moraes (trompete), além de Marcos Nimrichter (acordeon), Edu Neves (flautas e sax), Rogério Caetano (violão de 7 cordas) e Marcus Thadeu (percussão).
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
Ouvir um trabalho novo de Raimundo Fagner tem sido uma atividade cada vez mais prazeirosa. Agora ele brinda o público com um disco temático recheado de canções antológicas que marcaram o movimento da "Bossa Nova". E acompanhado por ninguém menos do que Roberto Menescal, um dos ícones do movimento musical que marcou definirtivamente o Brasil no mundo.
"Fagner - Bossa Nova", foi lançado nas plataformas de streaming pela gravadora Biscoito Fino com produção, arranjos e violões de Roberto Menescal, idealização do próprio Fagner e direção vocal do experiente produtor José Milton. A capa foi elaborada com inspiração nos lançamentos da antiga gravadora Elenco nos anos 60.
O repertório é um capítulo a parte. Fagner fez questão de incluir canções que marcaram a sua formação musical. Tem "Chega de Saudade", um dos marcos da Bossa Nova, passando por clássicos como "Samba de Verão" (dueto com Marcos Valle), "Teresa da Praia" ( dueto com Zeca Baleiro), "Samba em Preludio" (dueto com Wanda Sá), "Wave", "Águas de Março", "Por Causa de Você", "Rio" e "O Negócio É Amar".
Engana-se quem imagina que interpretar canções em Bossa Nova foi fácil para Fagner. Sem precisar usar seus conhecidos vibratos, ele teve que ajustar sua voz para tons mais graves e adequados para o estilo musical. O acompanhamento de Menescal foi um fator certo para Fagner poder interpretar com desenvoltura as canções clássicas.
O disco é dedicado a Tom Jobim, Vinícius de Morais e Ronaldo Boscoli, este último considerado um padrinho de Fagner, que chegou a levar o cearense para morar em sua casa no início dos anos 70. Naquela época, Boscoli era casado com Elis Regina e Fagner ainda era um aspirante na música. Trata-se de um disco que soa diferente dos seus últimos trabalhos. E que confirma o potencial de Fagner como intérprete. Ele não se intimidou ao cantar canções consagradas da Bossa Nova.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
O Banduo - formado pelos bandolinistas Maik Oliveira e Rafael Esteves lançou o álbum "Dobras" nas plataformas digitais de música. O lançamento integra o projeto "Banduo - O Bandolim e Suas Texturas", lançado pelo duo, em 2025, no qual exploram as possibilidades sonoras do bandolim.
Com direção musical de Alisson Amador, o álbum apresenta dez faixas inéditas, entre composições próprias e de ouros autores, feitas especialmente para o Banduo. Os arranjos trazem assinaturas de quatro instrumentistas, referências na cena contemporânea - Edmilson Capelupi, Milton Mori, Marcílio Lopes e Alisson Amador, além do próprio Rafael Esteves.
Nesse dueto, o virtuosismo de Maik Oliveira e Rafael Esteves é aplicado às possibilidades do bandolim, mesclando influências do choro com a música instrumental e de câmara (com destaque para J.S. Bach) em busca de sonoridades inovadoras e potentes. O flerte com a música camerística traz uma singularidade muito em virtude da formação inusitada de dois bandolins.
O "Banduo - O Bandolim e Suas Texturas" é um projeto realizado com recursos do edital PNAB 24/2024 de Gravação e Lançamento de Álbum Musical Inédito, com apoio da Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura (PNAB); do Programa de Ação Cultural - ProAC, da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Governo do Estado de São Paulo; e do Ministério da Cultura e do Governo Federal.
Além da gravação do álbum, o Banduo vem realizando circulação com sete apresentações: dois concertos didáticos e cinco shows (pré-lançamento e lançamento). Os concertos didáticos, realizados em polos do Projeto Guri, têm o objetivo de compartilhar com os alunos o processo criativo, a preparação do disco, a criação dos arranjos e a construção do repertório, além de abordar o bandolim e sua história.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
O artista visual carioca André Pivetti participa da próxima edição da Expo Arte SP, que acontece nos dias 28 e 29 de março de 2026, no Solar Fábio Prado, em São Paulo. A feira, reconhecida por valorizar artistas independentes e promover o acesso à arte contemporânea, chega à sua 45ª edição reunindo criadores de diferentes linguagens em um espaço de conexão direta com o público e o mercado.
Para a ocasião, Pivetti apresenta a coleção completa “Cotidiano”, composta por obras em acrílica sobre canvas. Com forte presença gestual, traço urbano e construção simbólica marcante, as peças possuem tiragem limitada a dez unidades cada, reforçando o caráter autoral e colecionável do conjunto.
A série “Cotidiano” investiga o caos urbano e as transformações emocionais provocadas pela vida nas grandes cidades. Pressões sociais, conflitos internos, vícios emocionais e a constante adaptação ao ritmo acelerado da vida contemporânea atravessam as narrativas visuais das obras, que convidam o público à identificação e ao reconhecimento de experiências universais.
O artista destaca que o público encontrará um espaço expositivo autêntico, com linguagem direta e múltiplas camadas de interpretação. “Minhas obras carregam significados claros, mas também permitem diferentes leituras. A principal sensação que desejo provocar é identificação. Todos, em algum momento, já se sentiram pressionados, sobrecarregados ou em conflito interno. Essa conexão emocional cria um diálogo imediato entre a obra e o espectador”, completa.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
O amor como antídoto e último artifício em meio ao caos. Um alerta para que o sentimento ocupe maior espaço em nossas vidas. Esse é o ponto de partida de “Novos Tempos”, quarto álbum da cantora Claudia Amorim, que conta com composições de hico Buarque, Ilessi, Thiago Amud, Cacau da Bahia, Beto Guedes, entre outros.
Com arranjos feitos por Bruno Danton e Aline Gonçalves, dois jovens e premiados músicos), O show de lançamento de "Novos Tempos" conta com a direção musical de Roberto Kauffmann, responsável pela adaptação dos arranjos do disco para o palco. A cantora, sempre que possível, procura compor a banda com instrumentistas mulheres, para reforçar e amplificar a atuação feminina no cenário musical.
O disco "Novos Tempos" traz à tona a reflexão sobre a humanidade diante de tantas questões climáticas, sociais e guerras. “Diante da possibilidade do fim, o que nos resta fazer? O que sobrevive depois que tudo acaba? Que sentimento fica?” - indaga a cantora. Esse novo trabalho acredita que o sentimento do amor pela família, arte, artistas, companheiros e companheiras, natureza e por fim o planeta é o que rege o ser humano em momentos de desespero e também de reconstrução. O projeto gráfico do álbum resume este conceito de devastação, mas com a firmeza da reconstrução (representada por uma flor de algodão) ao lado do sofrimento e das perdas (representadas por um coração sangrando).
A voz de Claudia Amorim é doce e suave, assim como suas interpretações. O clima de paz, tão necessário nesses conturbados tempos atuais, predomina nos arranjos que são executados por músicos, sem usar recursos de IA ou de computadores.Isso proporcionou um resultado final bem interessante no plano musical. Destaco as faixas "Musa Música", "Prá Onde Foi o Amor" e "Sal da Terra", essa última com um arranjo mais denso do que a versão original com Beto Guedes.
Intérprete com repertório diverso, Claudia Amorim é uma das pioneiras da música independente no Brasil e tem mais de 25 anos de estrada. Possui quatro álbuns lançados, sendo o disco “Sede” pré-selecionado ao Prêmio da Música Brasileira em 2013 e com menção honrosa como um dos 100 melhores álbuns do ano. E nesse novo trabalho ela confirma a sua vocação para produzir música com qualidade e bom gosto. Espero que continue lançando novos discos e se apresentando ao vivo. Os ouvintes da boa música irão agradecer de bom grado.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
Keco Brandão lançou nas principais plataformas digitais os dois novos singles de seu projeto autoral "Com Vida", que já está na 3ª edição. “Nasceu Uma Voz” é uma parceria com o compositor e baixista mineiro Yuri Popoff e vocal de Simone Guimarães. E É Designio Sim, com participação do músico Breno Ruiz.
Em "Nasceu Uma Voz", a poesia criada por Keco faz referência a voz da cantora e compositora Simone Guimarães, que, além de homenageada, também protagoniza a faixa como intérprete convidada. A gravação também conta com a participação do violonista Marcus Teixeira. Aliás, Keco e Marcus, outrora, já haviam gravado com Simone Guimarães no disco “Virada pra Lua”, lançado em 2001 pela gravadora Lua Music.
Keco anunciou também o lançamento da canção "É Desígnio Sim", que irá compor o álbum. O convidado nesta faixa é o compositor, cantor e pianista Breno Ruiz, que também divide a parceria nessa composição, cuja gravação conta com participação de Toninho Ferragutti no acordeon. E o projeto não vai parar por aí. Novos singles estção em fase de produção e aguardam a confirmação de novos convidados. Entre eles está a cantora Claudya, de quem Keco sempre admirou a obra. “Ela é uma cantora extraordinária. Vai ser uma honra e tanto para mim”.
Outra surpresa em fase de produção é a composição de Filó Machado, Olhos Parados. Segundo Keco, essa canção estava nos planos de Elis Regina, que acabou falecendo antes de conseguir gravá-la. Os dois singles "Nasceu Uma Voz" e "É Desígnio Sim" já foram disponibilizados nas plataformas de streaming.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
Integrante do grupo vocal MPB4, Dalmo Medeiros está lançando seu projeto autoral, que reúne composições gravadas por outros artistas e algumas canções inéditas. Intitulado "Estava Escrito nas Estrelas", o projeto apresenta a versatilidade da obra de Dalmo, que passeia com a com maestria tanto pelo samba-rock como nas canções mais introspectivas.
Ele escolheu algumas gravadas por artistas ou grupos, tais como, Roupa Nova, Elba Ramalho e MPB4. Para dividir os vocais nas faixas do disco, Dalmo convidou uma cantora da nova safra, Priscilla Frade, para cantar o Frevo “Proibir prá quê”, Composta em parceria com o saudoso baiano Carlos Pitta
O também parceiro Danilo Caymmi participa dividindo o bolero que fez há alguns anos atrás com Dalmo, com arranjos de Cristóvão Bastos e percussão de Marcelo Costa.E Zé Renato (Boca Livre) participa da canção Alta Costura. O projeto foi lançado pelo Sêlo Mills Records, com ProduçãoMusical Paulo Brandão e Dalmo Medeiros. Direção musical Paulo Brandão, Dalmo Medeiros, Paulo Malagutti Pauleira e Fábio Girão, gravado, mixado e masterizado no Brand Studio. O disco foi disponibilizado nas plataformas de streaming.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
A cantora Claudya está completando 60 anos de carreira com um novo show em que revisita as canções que marcaram a sua trajetória. Ela construiu um percurso singular na música popular brasileira, transitando com naturalidade entre o samba, a bossa nova, o soul, a canção romântica e a música internacional. Dona de uma voz marcante, de timbre quente e fraseado preciso, ela se destacou desde cedo não apenas como intérprete, mas como uma artista atenta ao tempo histórico, às transformações estéticas e às múltiplas linguagens da canção brasileira. Em entrevista para o portal Resenhando.com, Claudya conta algumas de suas passagens e a sua expectativa para reencontrar o público na nova turnê. “Levarei para o palco o melhor das canções que gravei”.
Resenhando.com - Desde quando você sentiu que entraria no mundo da música? Claudya - Desde menina. Lembro que a primeira vez que cantei foi em uma festa, com meu tio ao violão. Ao ouvir as palmas no final, senti que aquilo era o que queria fazer. E o interessante é que antes eu queria ser bailarina. O Ballet perdeu uma dançarina, mas acabou ganhando uma cantora
Resenhando.com - Você é reconhecidamente uma autodidata como intérprete. Como você cuida de sua voz? Claudya - Eu passo por acompanhamento de uma fonoaudióloga, que sempre me recomenda alguns exercícios para manter a voz. E evito bebida alcóolica e o cigarro. Procuro viver para a minha arte de cantar.
Resenhando.com - Como você está preparando esse show para a turnê? Claudya - Terei uma banda com nove integrantes. Os arranjos serão do Alexandre Vianna e terei a alegria de contar com minha filha, Graziela Medori no backing vocals. Para o show em São Paulo convidei a Alaíde Costa, que além de ser uma pessoa da melhor qualidade, ainda continua cantando muito bem. E convidei também o Ayrton Montarroyos, que representa com louvor a nova geração de intérpretes. Ele é muito talentoso e vai brilhar cada vez mais. Vou repassar alguns momentos importantes, como o repertório dos três discos que gravei pela Odeon entre 71 e 73. Essas são canções que marcaram a minha trajetória na música.
Resenhando.com - Você tem uma relação direta com os festivais de música. Claudya - Em todos em que estive, consegui sempre classificar a canção ou ganhar como melhor intérprete. Teve um festival na década de 70 na Grécia em que cantei Minha Voz Virá do Sol da America, dos irmãos Paulo Sérgio e Marcos Valle. Gnhamos o primeiro lugar.
Resenhando.com - E foi marcante também a sua participação no musical Evita. Como foi essa experiência? Claudya - Foi em 1983. Titubeei muito para aceitar, porque não era atriz e sabia que seria comparada a Bibi Ferreira e Marília Pêra. A trilha sonora era dificílima. Mas valeu a pena. O esforço foi recompensado com elogios da crítica, capas em jornais e revistas e indicação ao Prêmio Molière.
Resenhando.com - E a turnê começa em São Paulo. Há planos de estender para outras localidades? Claudya - Com certeza. A estreia será na Casa Natura, em São Paulo. Mas estamos acertando algumas apresentações em unidades do Sesc. Quem sabe conseguimos uma data no Sesc de Santos, que tem um teatro maravilhoso? Quero levar esse repertório para o maior número de pessoas que for possível. E agradeço a todos que ajudaram a divulgar essa apresentação. Será um momento mais do que especial.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Leo Aversa
Ele está completando 50 anos de carreira e segue no jogo na música. Uma trajetória na qual pôde estar presente ao lado de ídolos. Nomes consagrados como Tom Jobim, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa Roberto Carlos e tantos outros nomes importantes da nossa MPB. E ainda conseguiu produzir uma obra de valor inquestionável. Desde o primeiro álbum até o mais recente, o disco "Interdimensional".
Guilherme Arantes sempre demonstrou ser um caldeirão de influências que ele absorveu ainda na adolescência e conserva acesa a chama da criatividade para produzir novas pérolas musicais. Em entrevista para o portal Resenhando.com, ele conta como vê o momento atual para a música e se considera um !transgressor’ dos tempos atuais. Ao invés de lançar singles de forma homeopática, ele chega com um álbum completo de canções inéditas. “Vivemos um tempo muito imediatista, na velocidade de um vídeo de Tik Tok”.
Resenhando.com - Passados 50 anos, o que o motiva a continuar produzindo novas canções?
Guilherme Arantes - Eu ainda conservo a mesma vontade de buscar coisas novas. Recentemente eu me vi mentalmente transportando para 1975, e me perguntei – Guilheme, quem você quer ser daqui a 50 ano? E a resposta é ser eu mesmo, sem mudar nada. Tudo o que conquistei na música valeu a pena. E continua valendo muito. Sem dúvida, eu sou uma alma inquiet... Apenas quero mostrar minha música e continuar me aperfeiçoando cada vez mais.
Resenhando.com - Ao longo de sua trajetória você colecionou hits e canções que permanecem vivas na memória popular. O que tornou sua obra perene?
Guilherme Arantes - Acho que foi o fato de buscar as inspirações no cotidiano. As pessoas acabam se identificando com as mensagens. “Amanhã, ser´um lindo dia”. As canções românticas falam sobre amor de uma forma verdadeura. Tem um trecho de Cheia de Charme em que eu falo “ Investi tudo naquele olhar”. Uma metáfora bem bolada de conquista.
Resenhando.com - Como foi trabalhar e ter canções gravadas por outros nomes da MPB?
Guilherme Arantes - Eu me considero um privilegiado. Caetano Velkoso, Gal Costa, Giberto Gil, Sandra de Sá,Fafa de Belém, Roberto Carlos. Lembro de morar em 1985 ho Rio de Janeiro e encontrar Tom Jobim. Teve um outro encontro surreal em Belo Horizonte. O Milton Nascimento veio no hotel em que eu estava hospedado para gravar uma entrevista comigo. O Roberto Carlos me recebeu na casa dele, Cinversamos sobre vários assuntos e acabei compçonro pra ele Toda Vâ Filosofia. Depois que gravou ele me ligou para agradecer. Ter uma canção gravada pelo Roberto é um privilégio e tanto.
Resenhando.com - Os anos 80 foram bastante produtivos?
Guilherme Arantes - Eu acabei surfando naquela onda do rock nacional. Não fazia rock como os outros. Eu vim da geração dos anos 70. Minha ambição sempre foi diferente.
Resenhando.com - Você tem uma produção autoral e algumas parcerias com nomes como Nelson Motta. Ronldo Bastos entre outros. Há alguma vontade de compor com outros parceiros?
Guilherme Arantes - Se é para sonhar alto, gostaria de produzir algo com a Adele, Alicia Keys e Ed Sheeran. No Brasil, tenho vontade de convidar o Caetano Veloso. Ainda não tive chance. Mas se rolar seria muito especiql.
Resenhando.com - Os tempos atuais são muito imediatistas?
Guilherme Arantes - É incrível. A vida parece correr na velocidade de um vídeo do tik tok. Para quem trabalha com música pe importante buscar o nicho certo para fazer valer o trabalho. Recentemente viralizou um vídeo no qual apareço mostrando os acordes de Meu Mundo e Nada Mais em uma loja da Santa IIfigêni, em São Paulo. Alcançpu uma marca que eu mumca imaginei conseguir. Aliás nem tive mesmo essa intenção, pois era somente para ele gravar a sequência dos acordes no piano. Virou essa loucura de corrida pela visualização.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação
Quando fiquei sabendo que Guilherme Arantes iria lançar um novo disco autoral, fiquei curioso para ouvir essa sua nova produção musical. Afinal de contas., ele estava indo pelo caminho mais desafiador, ao invés de se ancorar nos seus antigos hits, que por sinal permanecem sempre atuais apesar dos 50 anos que passaram desde o seu primeiro disco.
O trabalho intitulado "Interdimensional", mostra a sua genialidade. Sim, Guilherme continua cantando o amor e buscando no seu cotidiano as fontes de inspiração. Sua voz continua forte e sem sentir ao efeitos do tempo que passou. Os arranjos instrumentais seguem a linha do rock progressivo, de forma harmônica com o seu universo pop. O resultado é uma massa sonora irresistível que sempre funciona junto ao seu público.
Destaco as canções "Libido da Alma" (cujo arranjo parece lembrar Tom Jobim), "A Vida Vale a Pena" e "Intergalática Missão". Com essa última fazendo uma ponte com a "Nave Errante" de seu primeiro álbum solo. As faixas "Enredo de Romance", "Sob o Sol", "O Espelho" e "Luar de Prata" mantém a mesma pegada pop característica da obra de Guilherme.
Com o disco "Interdimensional", Guilherme Arantes consegue atingir seu objetivo de continuar produzindo canções novas mantendo seu padrão de qualidade.
Em uma entrevista dada a um podcast, Guilherme Arantes disse que parte da classe jornalística classificava sua obra como “desimportante”. Não vou julgar os críticos de sua obra, mas creio que os 50 anos de carreira servem como resposta para quem disse isso . Sua música pode ser menos interessante para alguns, porém para o grande público ela continua sendo relevante e valendo muito a pena ser conferida.
PorLuiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Pri Nakano
Desde os anos 60, São Paulo rem revelado talentos na seara do rock. Desde Mutantes, Rita Lee e Made In Brazil, passando por outros nos anos 80, como Ira, Titãs e Ultraje a Rigor, o rock sempre se mostrou presente, de alguma forma. E a dinastia roqueira continua com os novos grupos que buscam seu lugar ao sol, com a banda paulista Gatos Feios, que mesclam uma mistura de rock inocente da jovem guarda com pitadas fortes de punk rock californiano representado pelo Green Day.
E a receita vem encontrando seu espaço nos cenários alternativos, muito embora o desejo dos integrantes seja alcançar o tão sonhado mainstream. Em entrevista para o portal Resenhando.com, o vocalista Leon Carvalho conta como foi elaborado o projeto para preparar o primeiro álbum, Eu Sou Produto, que está tendo disponibilizado suas faixas nas plataformas de streaming. “São Paulo sempre foi um celeiro de bandas de rock”.
Resenhando.com - Na sua opinião, o que levou o Estado de São Paulo a revelar tanta banda de rock?
Leon Carvalho - Se você parar para pensar, São Paulo sempre esteve na vanguarda do rock. Onde eram gravados os programas da Jovem Guarda? Aquii em São Paulo. Eu sempre curti muito rock nacional dos anos 80 e novamente surgiram bandas paulistas que seguem até hoje. Eu acho que São Paulo sempre foi um grande celeiro de bandas de rock.
Resenhando.com - Comlo está sendo a gravação do primeiro álbum de músicas autorais?
Leon Carvalho - Tem sido tudo muito pensado, com o pé no chão. Vamos lançando os singles de forma “homeopática”. Temos ideia de disponibilizar em todas as plataformas digitais, Se der, vamos fazer uma tiragem pequena de discos físicos, porque o público sempre costuma pedir algo assim para poder atender essa demanda.
Resenhando.com - Como funciona o processo de produção musical da banda?
Leon Carvalho - Eu concentro a produção das canções a partir de violão e voz. Aliás poderíamos até fazer um disco acústico porque as canções nascem dessa forma. Os demis integrantes contribuem na elaboração do arranjo e sugerindo alguma frase ou palavra diferente que se encaixw na canção. As letras destacam cenas do nosso cotidiano.
Resenhando.com - Quais foram as principais influências musicaus da banda?
Leon Carvalho - Com certeza vice encontra toques de Jovem Guardfa e o rock dos anos 50 e 60. Mas temos muita influência do punk rock. Eu sempre gostei muito do rock dos anos 80, representado por nomes como Cazuza, Legião Urbana e Titãs. E não posso deiar de mencionar o Green Day como outra referência importante.
Resenhando.com - Como estão os planos para divulgar esse novo trabalho?
Leon Carvalho - Estamos finalizando uma agende de shows. Se tudo der certo, Santos deve estar no roteiro dessas apresentações.
