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sexta-feira, 16 de fevereiro de 2024

.: Crítica musical: Caio mostra todo o seu balanço no CD "Passageiro"


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Tinho Souza.

O cantor e compositor mineiro Caio está lançando o seu primeiro álbum autoral. Intitulado "Passageiro", o trabalho funciona como um passeio musicado pelas suas vivências familiares, espirituais e afetivas, além de ser um balanço sobre o que aprendeu ao longo de seus 33 anos de vida.

O ponto de partida para o disco foi o samba. Caio cresceu ouvindo esse ritmo em casa, nos churrascos de família. Seu pai tocava percussão como músico amador em pizzarias, num grupo de pagode de amigos. A produção do disco funde o samba com outros ritmos brasileiros, somando batidas eletrônicas numa simbiose de tradição e vanguarda. Os produtores do álbum (Douglas Moda e Nave) conseguiram captar muito bem essa atmosfera.

A voz forte e afinada de Caio é outro ponto forte. Ele consegue interpretar com maestria vários ritmos, mas é no samba que ele se sente mais à vontade, como se percebe na faixa título ("Passageiro") e em "Despachei Você". Duas canções que ajudam a entender o caminho escolhido por Caio para ilustrar a sua musicalidade.

Junto com Iza, Felipe Sassi e Nídia Aranha, Caio ganhou o Prêmio Multishow de 2023, na categoria “Melhor Capa”, pela direção criativa de “Afrodhit”. A escolha do nome "Passageiro" teve muito a ver com a visão do artista sobre esse trabalho. “Eu acredito que o álbum cumprirá o papel dele, acessará quem está predestinado a ouvi-lo e, fechado esse ciclo, tudo segue. A vida caminha. Meus objetivos mudam. Não quero estabelecer um ponto de vista fixo sobre chegar a algum lugar. Quero ecoar essa mensagem durante o tempo em que ela fizer sentido. Nós somos passageiros nesse plano terrestre. Tudo é. Por que esse trabalho não seria?”, assinala o cantor.

Recentemente Caio lançou o single "Sente o Tambor", cantado em dueto com Daniela Mercury. Trata-se de uma canção que mescla elementos de samba-reggae e pop. A produção do single também foi de Douglas Moda, apresentando uma batida bem dançante, partindo dos arranjos da primeira versão de 2019. O CD "Passageiro" e o single "Sente o Tambor" já estão disponíveis nas principais plataformas de streaming. E quem quiser conhecer mais sobre o trabalho do artista mineiro pode acessar seu canal no YouTube (@CaioOficial).


"Passageiro"

"Despachei Você"

"Sente o Tambor"

sábado, 10 de fevereiro de 2024

.: Crítica musical: Luarada Brasileira resgata o autêntico forró pé de serra


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

O músico Cicinho Silva se uniu a outros músicos talentosos para fundar o grupo Luarada Brasileira, um projeto que busca resgatar o som do autêntico forró, transitando entre o tradicional pé de serra e o contemporâneo. Eles preparam um EP autoral intitulado "Três É Demais" que estará disponível nas plataformas em breve e já vem divulgando o trabalho em apresentações ao vivo.

O grupo é formado por Cicinho Silva (sanfona), Ivan Rodrigo (zabumba), Clebinho Santos (voz e triângulo) e Antonio Batista (guitarra, recém-integrado ao trio original). Todos artistas de carreira consolidada na música brasileira. A trajetória do Luarada, apesar de recente, já soma mais de 60 apresentações, além do lançamento do primeiro EP, Três É Demais (2024), que chega para consolidar o trabalho.

O grupo foi batizado de Luarada Brasileira pelo poeta cordelista Cacá Lopes como uma homenagem ao rei do baião, Luiz Gonzaga, que recebeu o apelido carinhoso de Mestre Lua. Também é uma referência a um dos clássicos da música brasileira, a toada “Luar do Sertão”, de João Pernambuco e Catulo da Paixão Cearense, que o próprio Gonzagão regravou, em 1981.

O forró e suas vertentes, assim como a música nordestina, estão presentes em cada um dos componentes do grupo. Todos têm raízes familiares nordestinas fortalecidas com forró pé de serra. “O forró acolhe as novas tendências musicais, reinventa-se fortalecendo a cultura popular que continua existindo e resistindo. O forró é nosso Patrimônio Cultural Imaterial do Brasil, reconhecido pelo IPHAN, em 2021”, assinala o sanfoneiro Cicinho Silva.

Quem quiser conhecer o trabalho do Luarada Brasileira pode acessar os perfis do grupo nas redes sociais: Instagram: @luaradabrasileira | Facebook - Luarada Forró e YouTube  - @LuaradaBrasileira.

"Longe ou Perto de Mim"

"Nilopolitano"

sábado, 3 de fevereiro de 2024

.: Crítica musical: Danilo Caymmi recria clássicos da MPB em disco


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

O cantor, compositor e músico Danilo Caymmi lançou o álbum “Danilo Caymmi Andança 5.5”, uma referência ao clássico eternizado por Beth Carvalho na época dos festivais. E resgata canções desse fértil período de nossa música, em releituras que ficaram acima da média.

O repertório é fruto de uma pesquisa do músico e produtor Flávio Mendes, que já havia produzido o projeto "Danilo Caymmi Canta Tom Jobim". Ele trouxe uma lista de músicas lançadas no entorno de “Andança” e dos Festivais da Canção, do final dos anos 60. A partir desta seleção, chegaram a um consenso sobre o que entraria no disco.

“Danilo Caymmi Andança 5.5” é um álbum de intérprete, uma espécie de trilha sonora da sua trajetória musical. Mesmo reunindo clássicos como “Sabiá”, “Pra Não Dizer que Não Falei de Flores”, “Travessia”, “Pra Dizer Adeus”, “Eu a Brisa”, “Viola Enluarada” e “Andança”, entre outros, não tem caráter saudosista, como explica Danilo: “A ideia foi gravar essas canções à minha maneira, dar novas versões para elas. Eu sinto que estou no meu melhor momento como intérprete e o disco traduz muito bem esse momento”.

A capa do álbum reproduz um dos quadros pintados por Danilo Caymmi  durante a pandemia. Estudante de arquitetura, Danilo herdou do pai Dorival não só a veia musical, mas também o talento para a pintura. Difícil apontar uma faixa como destaque. Todas estão muito bem produzidas e a voz de Danilo está cada vez melhor. Assim como seus irmãos (Nana e Dori Caymmi), ele mostra ser um excelente intérprete, capaz de trazer as canções para o seu estilo suave de cantar.

"Viola Enluarada"

"Andança"

 
"Travessia"

sexta-feira, 26 de janeiro de 2024

.: Graziela Medori resgata a obra de Marcos Valle em disco


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Alexandre Vianna

Com 13 anos de carreira, Graziela Medori coleciona projetos musicais bem interessantes. Agora ela apresenta um novo disco, o quinto de sua discografia, colocando luz em canções menos conhecidas do consagrado compositor Marcos Valle, que completou 80 anos recentemente. Um tributo mais do que oportuno, que comprova a riqueza da obra do autor carioca.

O disco conta com arranjos de Alexandre Viana, que toca teclados, além de João Benjamim no baixo e Rafael Lourenço na bateria. Os arranjos em formato de trio acabaram por valorizar a bela voz de Graziela e as canções do mestre carioca. Como as faixas escolhidas são desconhecidas pela maior parte do público, o trabalho soa como se fosse algo inédito para o ouvinte.

A relação musical de Graziela com Marcos Valle já vem de longa data. Sua mãe, a cantora Claudya, gravou várias canções dele nos anos 70. E a própria Graziela interpretou algumas composições do autor carioca em sua discografia.

O disco foi lançado pela gravadora Joia Moderna.  O repertório foi selecionado pelo DJ Zé Pedro, idealizador do disco, que acabou por fazer uma viagem pela obra do consagrado músico. Tem canções mais recentes como Vamos Sambar (de 2010., parceria de Valle com Marcelo Camelo), Curvas do Tempo (de 2009, parceria de Valle com Celso Fonseca), América Latina (de 1972, parceria com o irmão Paulo Sérgio) , entre outras pérolas musicais.

Foto: Alexandre Vianna

Difícil escolher uma faixa como a melhor. Todas contam com arranjos que lembram os bons momentos dos anos 60 e 70.  Gosto muito de “Qual é?”, que daria para imaginar também Elis Regina cantando com toda sua sua malemolência e graça. Aliás, se Elis tinha Cesar Camargo Mariano, Graziela conta com Alexandre Viana, que também mostra ser um músico de primeira linha, seja nos teclados, seja nos arranjos luxuosos e discretos.

Graziela entrou de cabeça no balanço inconfundível de Marcos Valle. E é uma satisfação ouvir sua voz tão segura de si, sabendo a direção a ser dada em sua carreira. E que ela continue nos brindando com lançamentos de extremo bom gosto musical como esse.


America Latina


Qual é?


Curvas do tempo




sexta-feira, 19 de janeiro de 2024

.: Crítica musical: Linda Ramalho presta tributo ao pai em disco


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Leo Aversa.

“Linda Ramalho canta Zé Ramalho” (Avôhai/Discobertas), primeiro álbum da filha caçula do célebre compositor paraibano, já pode ser ouvido nas plataformas de streaming. Para produzir o álbum, ela convidou o músico, arranjador e produtor Robertinho de Recife, que também assina mixagem e masterização do projeto.

As dez músicas foram escolhidas a partir de uma lista dos principais sucessos, mas também levando em conta as que mais se identificavam com a voz de Linda. “A vida, enquanto ritual, existe para celebrar, e aqui estamos para celebrar a entidade Zé Ramalho que existe dentro de cada um de nós”, assinala Linda Ramalho.

No repertório estão clássicos como “Chão de Giz", “Eternas Ondas", "Admirável Gado Novo” e “Vila do Sossego", em arranjos que traduzem a veia roqueira de Linda Ramalho. Ora mais pop, ora com pitadas de hardcore. No final das contas, é o rock que prevalece.

O entrosamento com o seu trio, com o qual Linda pretende ir para estrada com o novo show, também foi fundamental para trazer o rock para o universo de Zé Ramalho: o power trio é formado por João Guilherme Ferreira no baixo, Jeffersom Cardim na guitarra (o China) e Caco Braga na bateria. A capa do disco foi inspirada na capa de "A Terceira Lâmina", álbum que Zé Ramalho lançou em 1981.

Graduada em artes cênicas, a estreia de Linda Ramalho na música foi como vocalista e líder da banda de covers Linda and the Spacehearts. No início de 2023, lançou um EP autoral produzido por Zé Ramalho chamado “Adrenalina”, e agora apresenta o primeiro álbum de sua carreira.

A ideia de trazer o universo poético de Zé Ramalho para o rock parece até natural. Afinal, o compositor paraibano flertou com o estilo musical rebelde em várias ocasiões. Mas as versões de Linda soam desafiadoras, não só pelo fato do autor ser seu pai. Mas pelo simples desejo de tornar suas releituras convincentes para o público. Pelo menos para mim, ela conseguiu atingir o seu objetivo.

"Vila do Sossego"


"Chão de Giz"

"Admirável Gado Novo"

sexta-feira, 12 de janeiro de 2024

.: CD "Muita Lindeza" traz composições de Carlos Rennó e parceiros


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. 

Já chegou nas plataformas de streaming o projeto que apresenta dez canções do compositor Carlos Rennó com diversos parceiros, em um repertório pop com letras que falam de amor. Parceiros e convidados se dividem nos vocais do álbum, que conta com Apollo Nove na produção e divulgado pela gravadora Biscoito Fino.

"Muita Lindeza - Letras de Amor de Carlos Rennó e Músicas de Parceiros" é um álbum de letrista. Segundo o autor, o projeto representa uma grande realização artística. “Pois pela segunda vez, traz uma reunião de canções minhas, nas vozes de vários parceiros e artistas”.

O álbum conta com as participações de Paulinho Moska, Samuel Rosa e Juliano Rosa, Moreno Veloso, Gilsons e Cortejo Afro, José Gil e Mariá Pinkusfeld, Preta Ferreira, Moraes Moreira e Davi Moraes, Marcelo Jeneci, Felipe Cordeiro e o uruguaio Jorge Drexler. Nove faixas foram lançadas no formato de singles ao longo dos últimos meses pela Biscoito Fino, com exceção de “Sá”, parceria de Rennó com Drexler.

Foi do produtor paulistano Apollo Nove (que já produziu Rita Lee, Marcelo D2, Seu Jorge) a ideia de fazer um álbum composto somente por canções pop de Carlos Rennó. Apollo vislumbrou uma obra pondo em destaque o outro lado do trabalho do letrista, que nos últimos quinze anos tem se notabilizado por canções de teor político, servindo a causas socioambientais e de direitos humanos.

Algumas faixas, mesmo sem deixarem de ser canções de amor, demonstram um conteúdo com fundo político, como por exemplo a que Rennó fez com Moreno Veloso (”A Sua Vida, Preta, Importa pra Mim”). “É antirracista, política e romântica, ao mesmo tempo”, pontua Carlos Rennó. Outro exemplo de canção romântica “atípica”, na visão do letrista, é “O Laço que Une Eu Você”, feita com Paulinho Moska, um dos parceiros frequentes de Rennó.

O disco inaugura a parceria de Rennó com Samuel Rosa na canção "Declaração", que também tem a participação do filho de Samuel, Juliano Rosa, como autor e intérprete.  Aliás, um outro dueto reúne pai e filho: Moraes Moreira e Davi Moraes, juntos em “Baião pra Uma Baiana em São Caetano” (de 2012). Esta foi a primeira música de Moraes a ser lançada depois do falecimento do eterno Novo-Baiano, uma grande influência musical de Rennó.

A produção de Apollo Nove conseguiu dar um colorido interessante para a obra de Carlos Rennó. E o resultado ficou acima da média, como aliás costuma acontecer nos lançamentos da Gravadora Biscoito Fino. Vale muito a pena a audição.

"Declaração" (com Juliano e Samuel Rosa)


"Sá" (com Jorge Drexler)

"A Rima Perfeita" (com Marcelo Jeneci)

sexta-feira, 5 de janeiro de 2024

.: "Portas Ao Vivo": Marisa e um Monte de hits ao vivo


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Leo Aversa.

Ao sair em turnê para divulgar seu mais recente álbum de estúdio, Marisa Monte pôde vivenciar o calor humano que as plateias dos shows proporcionavam, depois de um período de hiato forçado em função da pandemia. E foi pensando nisso que ela acabou decidindo registrar essas apresentações em um disco intitulado "Portas Ao Vivo", para que os fãs pudessem ter uma amostra de seu momento atual e de sua ótima performance ao vivo.

Foram 150 shows em 80 cidades para mais de 500 mil pessoas, passando pela Europa, Estados Unidos e América Latina, além da imensidão do Brasil.  O show do CD foi gravado no Rio de Janeiro, na Arena Jockey, em outubro de 2022.

A excelente banda de apoio contou com Dadi Carvalho (baixo, guitarra e piano), Davi Moraes (guitarra), Pupillo (bateria), Pretinho da Serrinha (percussão e vocais), Chico Brown (teclados e guitarra), Antonio Neves (trombone e arranjo de metais), Eduardo Santanna (trompete e flugelhorn) e Oswaldo Lessa (sax e flauta).

A adição dos metais na banda deu um colorido interessante para as canções, mesmo nas mais conhecidas de seu repertório, como "Maria de Verdade", "Na Estrada" e "Ainda Lembro". De uma certa forma, os arranjos ficaram mais encorpados, preenchendo os espaços vazios. Da produção mais recente, Marisa canta "Portas", 'Quanto Tempo" e "A Língua dos Animais". Tem ainda a participação especial de Jorge Drexler que canta com Marisa a balada "Vento Sardo".

Marisa também resgata algumas canções conhecidas como "Doce Vampiro" (em homenagem a Rita Lee), "A Lua e Eu" (de Cassiano), "Lamento Sertanejo" (de Gilberto Gil e Dominguinhos, cantada em dueto com Waldonys), "A Vida de Viajante" (de Gonzaguinha, que gravou originalmente com seu pai, Luiz Gonzaga) e "Felicidade" (de Lupicínio Rodrigues).

Olhando com atenção a sua discografia, percebemos que Marisa Monte nem precisava lançar novo álbum ao vivo. Mas podemos dizer que esse CD "Portas ao Vivo" corresponderá aos anseios dos fãs, especialmente aqueles que não conseguiram estar presentes nos shows. Vale muito a pena a audição.

 "Portas"

"Maria de Verdade"

"Doce Vampiro"

sexta-feira, 29 de dezembro de 2023

.: "Rockstar": Dolly Parton também é do rock com o 49º álbum da discografia


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. 

Ao ser indicada para o Hall Of Fame do Rock, a cantora Dolly Parton chegou a pensar em declinar da homenagem, por conta de sua forte identificação com a música folk. Ela achou que seria mais digno receber o prêmio lançando um disco de rock. E a ideia se concretizou com o álbum "Rockstar", o 49º de sua discografia, que conta com participações de nomes como Paul McCartney, Ringo Starr, Sting, Peter Frampton, Steve Perry e Debbie Harry, entre outros. E acredite: o resultado ficou acima da média.

Não que seja uma surpresa tão grande assim ouvir Dolly Parton cantando rock. É possível lembrar dela em algum momento interpretando canções mais calcadas no pop rock. Uma das mais conhecidas é "9 to 5", tema do filme “Como Eliminar seu Chefe”, que ela também estrelou como atriz. Mas dessa vez ela resolveu levar a sério. Elevou o seu tom roqueiro para níveis que jamais conseguiríamos imaginar nos seus 77 anos de idade e 56 anos de carreira.

Nesse álbum ela resgata de forma competente algumas canções consagradas, como "Every Breath You Take" (com Sting), "Baby I Love Your Away" (com Peter Frampton), "Magic Man" (com Ann Wilson), "Long As I Can See The Light" (com John  Fogerty), "Don't Let The Sun Go Down On Me" (com Elton John), entre outros. E ainda conseguiu a proeza de reunir Paul McCartney e Ringo Starr na releitura de "Let It Be", dos Beatles.

Gostei muito de "You-re No Good", hit resgatado do repertório de sua amiga Linda Ronstadt. Nessa faixa ela divide os vocais com Emmylou Harris e Sheryl Crow, que abrilhantaram ainda mais a canção. A sua versão de "We Are The Champions", do Queen, deixaria Freddie Mercury orgulhoso, assim com a releitura de Purple Rain, de Prince, que também certamente aprovaria a gravação. Ela também surpreende com o resultado do dueto com Rob Halford, da banda Judas Priest, na faixa "Bygones". Uma prova concreta de que os estilos opostos podem se unir perfeitamente na música.

Dolly só exagerou ao incluir "Stairway To Heaven", do Led Zeppelin. A gravação dela não ficou abaixo da média, mas soa um pouco deslocada em relação às demais que compõem o repertório. Se fosse parte de um tributo específico ao Led Zeppelin, até se encaixaria no set list. As duas faixas inéditas ("Rockstar" e "World On Fire") seguem o espírito roqueiro das canções mais conhecidas. Mas é preciso destacar o lado intérprete de Dolly Parton. Sua voz segue limpa e cristalina, se moldando com perfeição em todas as canções, seja nas mais agitadas, seja nas baladas.

"Rockstar" é uma agradável surpresa para quem acompanha o trabalho de Dolly Parton. Mostra que os seus horizontes musicais podem ir muito além da música folk. Ela acabou provando que também é do rock, com certeza.

"We Are the Champions/We Will Rock You"

"What-s Up"

"Let It Be"

sexta-feira, 22 de dezembro de 2023

.: Entrevista com Vico Iasi: Carbono 5 divulga 1° álbum, "Pedra Sobre Pedra"


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. 

A banda paulistana Carbono 5 está divulgando seu primeiro álbum, intitulado "Pedra Sobre Pedra". São dez canções autorais na linha do pop rock, mas com influências de elementos da MPB. O grupo conta com Vico Iasi (vocal e guitarra base), Mauricio Barros (guitarra solo), Alexandre Hashimoto (baixo) e Marcelo Viterite (bateria) Vico Iasi e Maurício Barros são jornalistas e agora decidiram investir firme no projeto da banda, que apresenta um som interessante, com letras e mensagens diretas para o público. Em entrevista para o Resenhando, Vico explica como foi a decisão de seguir carreira na música e acredita que ainda há espaço para novas bandas. “O público que curte o rock é fiel ao estilo”.

Resenhando.com - Você tinha mais de 20 anos de carreira no Globo Rural. Como foi essa decisão de seguir na música?
Vico Iasi -
Para o público do programa "Globo Rural" foi um choque e tanto. Eu tinha chegado ao posto de chefe de redação do Globo Rural, além de apresenta-lo eventualmente. Mas para mim foi muito simples e fácil seguir esse caminho. A música sempre esteve presente de alguma forma. E senti que poderia ampliar mais esse sonho. Conheço o Mauricio (Barros) desde os tempos da Faculdade. Há uma interação que funcionou ainda melhor com os demais integrantes (Alexandre Hashimoto e Marcelo Viterite). O Maurício segue no canal BandSports e em paralelo mostra seu talento na guitarra e como compositor.


Resenhando.com - Como funciona o processo criativo da banda?
Vico Iasi -
Eu e o Maurício formamos o núcleo de composição. Temos algumas canções em parceria e outras assinadas individualmente. A concepção dos arranjos é discutida por todos os integrantes.


Resenhando.com - Quais são suas principais influências musicais?
Vico Iasi -
O rock clássico, representado por bandas como Beatles, Rolling Stones e Deep Purple. No Brasil, posso citar Mutantes, Rita Lee, Secos e Molhados, Novos Baianos, Barão Vermelho entre outros. O Carbono 5 funciona como um caldeirão de influências. Esse nosso primeiro álbum tem uma pegada pop rock, mas tem também alguns elementos de MPB.


Resenhando.com - De uma certa forma, vocês parecem trazer aquele pique do rock nacional dos anos 80. Vocês se identificam com esse movimento?
Vico Iasi -
Totalmente. E é interessante essa pergunta. Veja só: os Titãs lotaram o Allianz Pàrque em três noites, tocando suas canções consagradas. Ao contrário do que alguns dizem, o que percebo é o público do rock querendo ouvir bandas desse estilo. Estamos procurando ocupar esse espaço, mas de uma forma consciente e profissional.


Resenhando.com - E como vocês vêm trabalhando nessa divulgação?
Vico Iasi -
Um dos pontos que diferem nosso trabalho de outras bandas é que eu e o Maurício estamos com mais de 50 anos de idade. No caso do Carbono 5, todos os passos são dados de forma consciente, porque temos um objetivo e sabemos como alcança-lo. Os vídeos no YouTube mostram o nosso dia a dia e nos aproximam do público que acessa a internet. Disponibilizamos o disco nas plataformas de streaming, que é uma outra tendência atual.


Resenhando.com - E os planos para shows?
Vico Iasi -
Temos avaliado a condição para realizar uma turnê em 2024. Estamos vendo a melhor alternativa para cair na estrada e mostrar nossa música para o público. Quem quiser conhecer melhor nosso trabalho pode conferir nosso canal no YouTube (@CARBONO5_BANDA) ou acessar nosso perfil no Instagram (carbono_5) e no Facebook (bandacarbono5). Nós gostamos muito de interagir com o público que curte nosso som.

"Olhos no Mar"

 "Espalhando Flores"

"Paredes de Isopor"

sexta-feira, 15 de dezembro de 2023

.: Entrevista: Frejat, entre o som elétrico e o acústico


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Leo Aversa

Desenvolvendo carreira solo, Roberto Frejat decidiu realizar um projeto que visava trazer suas canções para arranjos mais acústicos, mas sem se afastar por completo do chamado som elétrico. Unindo forças com o filho Rafael e o músico Maurício Almeida, ele fundou o Frejat Trio Eletroiacústico, com o qual vem se apresentando pelo país. E esse registro ao vivo já pode ser conferido nas plataformas de streaming.. Em entrevista para o Resenhando.com, Frejat conta como foi que surgiu a ideia e fala sobre seus planos para o futuro, incluindo um novo CD autoral. “Era um desejo antigo criar novas texturas musicais”.


Resenhando.com - Por que decidiu apresentar um repertório mais intimista ao invés de uma banda completa?
Frejat -
Eu vejo este show como uma versão aumentada do meu show de voz e violão, que eu vinha fazendo antes da pandemia. O projeto Frejat Trio Eletroacústico surgiu de um desejo antigo que eu tinha de criar novas texturas musicais para algumas das minhas músicas. Então, ele tem composições desses meus 40 anos de carreira, mas foram o Rafael Frejat e o Maurício Almeida que criaram, em grande parte, essas novas possibilidades. A sonoridade é acústica, mas também elétrica, como o nome indica.


Resenhando.com - Com esse projeto do trio, você pretende apresentar algo autoral novo ou apenas recriar canções já existentes?
Frejat - O Frejat Teio já está na estrada com esse repertório, que levamos algum tempo preparando e ensaiando. Já fizemos em várias cidades, mas queremos continuar levando o show Eletroacústico para muitos lugares no formato atual, que tem tido excelente repercussão. Mas nada impede que o repertório ganhe novas canções, futuramente.


Resenhando - Fale sobre a experiência de tocar com o filho. Como tem sido a convivência?
Frejat - Nós desenvolvemos uma relação muito gostosa de tocar com muita concentração, mas com muita alegria, e isso transparece para o público, dá um clima muito gostoso pro show. Rafael é muito talentoso: ele tem uma visão, uma capacidade enorme de prestar atenção em todos os detalhes. O talento do Rafael é indiscutível e as pessoas que assistem ao show percebem tudo isso, explicitamente.


Resenhando.com - Como estão os planos para novas apresentações?
Frejat - O Frejat Trio tem se apresentado em vários teatros: a sonoridade do show foi pensada para esse tipo de local, não para grandes espaços, como acontece com o Frejat ao Vivo, que faço com a minha banda. Esse EP, que já está nas plataformas, traduz muito bem a sonoridade do show.


Resenhando - Você tem planos para lançar mais um CD solo no futuro?
Frejat - Acabei de estrear um novo projeto, que é o Frejat em Blues, no PRIO Blues & Jazz Festival, aqui no Rio. Fizemos apenas uma apresentação do show, que reúne blues de compositores brasileiros: de Luiz Melodia e Angela RoRo a Djavan, passando por parcerias minhas com Cazuza. O próximo passo é levar esse show para outras praças da forma como ele foi feito, com uma super banda, vocais, naipe de metais, etc....



"Segredos"

"Meus Bons Amigos"

"Todo Amor que Houver Nessa Vida"

sexta-feira, 8 de dezembro de 2023

.: Entrevista: Rodrigo Faour resgata em livro a história da cantora Leny Eversong


Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

O jornalista Rodrigo Faour conseguiu concretizar um sonho antigo: editar em livro pelo Sesc Editora a história da cantora Leny Eversong (1920-1984), que nos anos 50 chegou a se apresentar com sucesso no exterior, inclusive nos Estados Unidos. Mas acabou sendo esquecida pelo público nas décadas de 70 e 80.

O livro foi o resultado de uma tese de mestrado do jornalista na PUC-Rio, financiada pela Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES), uma fundação do Ministério da Educação (MEC). Além de um minucioso trabalho de pesquisa que desenvolveu ao longo dos anos sobre a trajetória incrível da cantora. Em entrevista para o Resenhando, Faour conta como foi o processo de elaboração e explica os objetivos de seu trabalho de resgate da memória da nossa autêntica música popular. “Temos uma história muito rica na nossa música”. Compre o livro "A Incrível História de Leny Eversong ou A Cantora que o Brasil Esqueceu", escrito por Rodrigo Faour, neste link.

Resenhando.com - Como foi que surgiu a oportunidade para lançar esse livro sobre a Leny Eversong?
Rodrigo Faour - Quando eu tinha 19 anos, defendi uma tese de mestrado justamente sobre a Leny Eversong. Eu me encantei com a história dela. Não entendia o porque dela ter sido relegada ao esquecimento depois de ter tido uma carreira de sucesso no Brasil e no Exterior. Ela se apresentou no programa de televisão do Ed Sullivan, nos Estados Unidos, que era um marco para a carreira de qualquer artista. Ao longo dos anos fui conhecendo melhor a sua obra musical e tive a oportunidade de relançar algumas coletâneas dela. E isso incentivou o filho dela a me procurar para agradecer o meu interesse pela obra dela. Ele me apresentou uma série de fotos e alguns troféus que a Leny tinha ganhado, como o prêmio Roquete Pinto. Mais tarde conheci o pessoal da Sesc Editora, que se interessou em lançar o livro. Foi a concretização de um sonho.


Resenhando.com - A que você atribui o esquecimento dela pelo público?
Rodrigo Faour - Eu atribuo isso a dois fatores principais: o nacionalismo que imperou inclusive com mais força no período do Governo Militar. E o fato dela ser uma figura fora dos padrões de beleza do meio artístico, acima do peso. Ela sofreu gordofobia de uma forma muito cruel. A imprensa era impiedosa em relação ao sobrepeso dela. No livro tem vários exemplos desses ataques relacionados ao sobrepeso. E é preciso lembrar que quando fez sucesso ela já tinha uma idade um pouco mais avançada. Gravou o primeiro LP em 1955, com 35 anos.

Resenhando.com - Ela ficava chateada com esses comentários gordofóbicos?
Rodrigo Faour - Ela nunca ligou para isso. Até brincava com a situação. Teve uma vez que pediram para ela fazer uma foto na balança. E ela foi. Na verdade, os comentários contribuíam para diminuir o brilho de suas interpretações, que traziam momentos antológicos.Ela tinha uma voz poderosa, capaz de cantar qualquer estilo com perfeição. E isso era pouco lembrado pela mídia no Brasil 

Resenhando.com - Ela teve uma ascensão rápida na música?
Rodrigo Faour - Quando surgiu, em Santos, ainda pré-adolescente, ela se apresentava nas rádios locais. Veio de uma família humilde e batalhou muito para seguir carreira na música. Tudo começou a mudar quando foi descoberta pelo Assis Chateaubriand, que a levou para o Rio de Janeiro. A partir daí sua carreira decolou literalmente. Ela foi logo levada para o Exterior, chegando a apresentar em Las Vegas nos Estados Unidos e em alguns países da Europa. Chegou a ser elogiada pelo compositor Augustin Lara pela sua interpretação da canção Granada. Mas a que destacou mesmo ela foi Jezebel. E é incrível notar que ela cantava em vários idiomas sem conhecer as línguas. Foi um talento fora do comum.  Ela fez mais de 700 shows no exterior.


Resenhando.com - O que houve com ela no final?
Rodrigo Faour - Nos anos 70 ela ainda se apresentava na televisão e fazia shows. Mas em 1973 o marido dela desapareceu. Saiu para pescar e nunca mais foi encontrado. Como era ele quem controlava as finanças, ela ficou sem ter acesso ao dinheiro no banco, pois não tinha o atestado de óbito. Acabou falecendo em uma condição mais pobre em 1984, sem saber o paradeiro do marido.


Resenhando.com - Além desse livro, você já escreveu biografias de outras figuras marcantes, como Dolores Duran, Cauby Peixoto e Angela Maria. De onde vem essa vontade de contar a história da música?
Rodrigo Faour - Eu entendo ser necessário trabalhar para preservar a memória de nossa cultura popular. A nossa música tem uma história muito rica, que precisa ser conhecida pelo público em geral. E quem quiser conhecer o meu trabalho pode acessar o meu canal no YouTube (@rodrigofaouroficial) e no instagram (rodrigo.faour).


"Canta Brasil/Aquqrela do Brasil"

 
"Jezebel"

"Summertime"

sexta-feira, 1 de dezembro de 2023

.: Chico Buarque mostra ao vivo a genialidade de sua obra, por Luiz Otero

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.


Registro de apresentações ao vivo em fevereiro deste ano no Rio de Janeiro, o CD duplo "Que Tal Um Samba" reúne uma ótima coletânea de canções de Chico Buarque interpretadas por ele e por Monica Salmaso. Trata-se de uma rara oportunidade para conferir a importância de sua obra para a nossa música popular.

Desde 1975, o ano do disco e show com Maria Bethânia, o compositor não dividia um projeto com uma intérprete. E por sua vez, Monica Salmaso já tinha uma forte identificação com o universo musical de Chico Buarque, pois gravou um disco em 2007 com o grupo Pau Brasil inteiramente dedicado a sua obra.

A direção musical, arranjos e regência ficaram por conta do experiente Luiz Cláudio Ramos. E a banda contou com João Rebouças (Piano e cavaquinho), Jorge Helder (Baixo, violão e bandolim), Jurim Moreira (Bateria), Chico Batera (Percussão), Bia Paes Leme (teclado e vocais) e Marcelo Bernardes (sopros).

O disco começa com Monica Salmaso interpretando com sua habitual maestria canções como Bom Tempo, Passaredo e Mar e Lua. Chico dá o ar da graça na biográfica Velho Francisco. A partir daí o que se ouve é uma sucessão de canções marcantes de sua obra, cantadas em uníssono pelo público presente.

Chico homenageia Gal Costa (1945-2022), evocada em Mil Perdões, e Miúcha (1937-2018), com Maninha, o mergulho ficcional do cantor na infância com a irmã. Também  recria canções do disco de 1987 (As Minhas Meninas e Bancarrota Blues) e do album Paratodos (Choro Bandido, Biscate e Futuros Amantes). A inclusão de O Meu Guri (do álbum Almanaque de 1981) surpreendeu e emocionou o público presente no show.

No final, as 31 faixas de Que tal um Samba? mostram um Chico Buarque revigorado, recriando canções que se mostram atemporais. Um perfeito retrato da nossa vida cotidiana.


O Meu Guri


Bom Tempo


Que Tal Um Samba


sexta-feira, 24 de novembro de 2023

.: Crítica musical: Edu Lobo completa 80 anos em grande estilo


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

Edu Lobo chega aos 80 anos em plena atividade musical. Lançou um disco com participações de quatro intérpretes e um time de feras acompanhando. O repertório conta com canções autorais menos conhecidas, que soam como pérolas musicais para o ouvinte. No time de cantores figuram Monica Salmaso, Vanessa Moreno, Zé Renato e Ayrton Montarroyos.

Uma mescla bem interessante de novos nomes com outros com mais tempo de estrada na música. Entre os instrumentistas estão Kiko Horta (criador do Cordão do Boitatá) e o violão de oito cordas de Paulo Aragão (do Quarteto Maogani), além do naipe de sopros de Carlos Malta e Mauro Senise. Na seção rítmica está o trio que acompanha Edu há décadas: Cristóvão Bastos (além de pianista, arranjador e diretor musical), Jorge Helder (contrabaixo) e Jurim Moreira (bateria), acrescido da percussão de Marcelo Costa.

O disco tem 24 canções, sendo Beatriz talvez a faixa mais conhecida, composta originalmente para "O Grande Circo Místico" em parceria com Chico Buarque. Edu Lobo interpreta a bela composição em dueto com Monica Salmaso. A faixa de abertura é a instrumental "Casa Forte", que mostra suas raízes com Pernambuco. E é na redescoberta das demais composições que reside a beleza da obra de Edu Lobo. Seja na malemolência do samba "Nego Maluco" (cantado por Zé Renato), ou no xote com toques de baião da "Dança do Corrupião" (cantada por Edu e por Vanessa Moreno).

Edu Lobo redescobre da peça "Cambaio" a bela canção "A Moça do Sonho" (cantada por Ayrton Montarroyos). E ele mesmo interpreta magistralmente Bancarrota Blues, que tinha sido gravada originalmente por Chico Buarque nos anos 80. Se você esperava ouvir os antigos hits de Edu Lobo, como "Ponteio", "Upa Neguinho" ou "Lero-Lero", talvez fique desapontado. Mas isso muda logo ao ouvir as ótimas canções desse disco. Um trabalho de extremo bom gosto que prova que a sua obra resistiu ao teste do tempo.

A voz de Edu Lobo está firme e impecável, assim como a direção musical de Cristóvão Bastos. Na verdade, com uma produção desse nível, dificilmente o resultado seria negativo. "Edu Lobo 80" é um daqueles discos para se ter em sua discoteca particular e ser degustado com audições sem a menor pressa.


"Beatriz"

"Casa Forte"

"Gingado Dobrado"

sábado, 18 de novembro de 2023

.: Domingando mantém a tradição do choro com tempero nordestino

Quarteto Domingando e Ferragutti. Foto: Gláucia Chiva


Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

O Quarteto Domingando vem divulgando o show De Choro a Choro, um espetáculo instrumental concebido em homenagem a dois importantes músicos do choro, referências em seus respectivos instrumentos: Charles da Flauta (premiado flautista, reverenciado mundialmente como um gênio de seu instrumento) e Toninho Ferragutti (acordeonista, compositor e arranjador, reconhecido como um dos mais inventivos e talentosos instrumentistas de sua geração). E o trabalho do grupo vem chamando a atenção do público que curte a boa música instrumental. O nome do quarteto é uma homenagem a um ícone da música: Dominguinhos. Em entrevista para o Resenhando, Cicinho Silva conta como foi conceito para a formação do grupo e revela que eles já estão produzindo material autoral. “Queremos manter viva a tradição do choro”.


Resenhando – Como foi seu início na música?

Cicinho Silva – Venho de uma família de músicos. Meu pai foi um divulgador do forró em São Paulo. Comecei aprendendo cedo, aos 15 anos, no acordeon. Depois estudei em conservatórios, para aperfeiçoar e aprender novas técnicas. Fui aluno do Oswaldinho do Acordeon e do Toninho Ferragutti, dois mestres do instrumento, que foram muito importantes nessa minha formação.


Resenhando – Ouvindo as canções, notamos que vocês mostram um som do choro próximo de outros ritmos tradicionais, como o xote e o forró. Houve essa intenção?

Cicinho Silva – Primeiro é preciso lembrar que o nome do grupo se originou de uma homenagem ao grande Dominguinhos, um mestre de nossa música popular, que tinha raízes fortes com os ritmos do Nordeste. E a nossa proposta consiste mesmo em mostrar a influência do choro no forro. Jackson do Pandeiro e Luiz Gonzaga utilizavam conjuntos regionais como acompanhamento em suas apresentações. Então essa identificação com os ritmos tradicionais é natural. Utilizamos o acordeon, o instrumento mais característico do forró. São ritmos que se integram, no final das contas. O público tem respondido positivamente ao nosso trabalho.


Resenhando – Qual é a formação atual do Quarteto?

Cicinho Silva – O Quarteto conta  com Cicinho Silva (acordeon e direção musical), Edmilson Capelupi (violão de 7 cordas), Alex Cavaco (cavaquinho) e Lucas Brogiolo (percussão), além do músico convidado Diego Lisboa (flauta) - e o homenageado Toninho Ferragutti (acordeon) que tem participação especial nas apresentações.


Resenhando – Como você avalia o panorama da música instrumental no Brasil?

Cicinho Silva – Essa é uma pergunta interessante. A mídia de uma forma geral não dá muito espaço para a música instrumental. Mas o que noto nas nossas apresentações é que o público gosta do trabalho. Acho que o fato de nós tocarmos ritmos tradicionais, que fazem parte de nossa autêntica música popular, acaba mexendo com a memória afetiva de quem ouve. O que percebo é que o público gosta e se mostra presente nas apresentações. Hoje temos um grande número de músicos talentosos de várias gerações, que buscam seu espaço na música.


Resenhando – Como vocês estão trabalhando para divulgar o projeto?

Cicinho Silva - Esse projeto é uma realização do Quarteto Domingando, da Associação Construindo Consciência (ACC), da produtora cultural Elielma Carvalho. Foi viabilizado com o apoio do 6º Edital de Apoio à Música para a Cidade de São Paulo, da Secretaria Municipal de Cultura da Capital. Fizemos uma apresentação na Escola de Música Tom Jobim no dia 7 de novembro, na Capital Paulista. E estamos programando novas apresentações em breve.

Papo de Sanfoneiro


Ferragutiando


A Gente vê Depois



sexta-feira, 10 de novembro de 2023

.: "Now and Then": novo single dos Beatles emociona os fãs


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

Um dos versos da canção "Clube da Esquina 2", de Milton Nascimento, Lo Borges e Marcio Borges, afirma que os sonhos não envelhecem. E a máxima faz ainda mais sentido quando constatamos que os Beatles estão de volta. Com o lançamento do single "Now and Then", uma canção de John Lennon gravada originalmente em uma fita cassete nos anos 70 e que recebeu o acabamento dos dois integrantes remanescentes (Paul McCartney e Ringo Starr), além de intervenções de guitarra deixadas por George Harrison nos anos 90.

A história da canção remonta a época do lançamento das coletâneas "Anthology", em 1995, que incluíram outras duas canções de Lennon acabadas pelos três integrantes (George faleceu em 2001). As três canções constavam na fita dada por Yoko Ono para Paul McCartney. "Free As a Bird" e "Real Love" foram incluídas nas coletâneas denominadas "Anthology". E "Now and Then" acabou deixada de lado, pelo fato da gravação não ter ficado tecnicamente boa pelos músicos.

Porém, com o avanço dos recursos técnicos, foi possível melhorar a qualidade da gravação da voz de John. E novamente surgiu a possibilidade de lança-la, com o material que George já tinha feito em 1995, além do acabamento feito recentemente por Paul e Ringo. Ou seja: genuinamente é uma canção onde os quatro integrantes originais (John, Paul, Ringo e George) participam.

O lançamento em formato single com a versão remasterizada de "Love Me Do", o primeiro hit da banda, provocou uma catarse entre os fãs da pelo mundo. Seriam esses ecos da Beatlemania? Talvez sejam. O fato é que nesse mundo globalizado, interligado por diversas redes sociais, ficou muito mais fácil para os fãs se conectarem para comentar sobre a novidade relacionada com o grupo. Até o ex-íntegrante da banda Oasis, Liam Gallagher, teceu comentários elogiosos sobre o single.

Ouvi mais de uma vez a gravação. E é realmente emocionante ouvir a voz de John misturada com os vocais dos demais integrantes. Senti a mesma coisa quando ouvi Free as a Bird pela primeira vez. "Now and Then" é uma balada típica de John Lennon dos anos 70. Se você ouvir seus discos solo, constatará outras canções com um tom melancólico e triste, no mesmo estilo deste single.

A questão é que a inclusão de Paul, George e Ringo na gravação fez com que a despretensiosa fita demo caseira se potencializasse, ampliando o seu raio de alcance e atingindo em cheio os corações de milhares de fãs espalhados pelo mundo. "Now and Then" coincide com o relançamento de duas coletâneas lançadas originalmente nos anos 70. Chamadas de "Red and Blue", as duas foram ampliadas com a inclusão de mais faixas dos Beatles.

Se estivesse vivo, talvez John Lennon até gostasse do single e da sua repercussão, 53 anos depois do anúncio do fim da banda. Mas creio que também estaria triste ao ver que estão ocorrendo guerra entre Russia e Ucrânia e, mais recentemente, o conflito entre Israel e os grupos palestinos. Creio que ele retomaria a sua campanha pacifista “War is Over – If You Want It” ("A Guerra termina – se você quiser"). Outro trecho do "Clube da Esquina 2", cita que “basta contar compasso e consigo, pois de tudo se faz canção”. O resultado final de Now and Then é a prova definitiva disso, com certeza.


"Now and Then" - The Beatles

Trailer sobre "Now and Then"


sexta-feira, 3 de novembro de 2023

.: Entrevista: Marcelo Costa celebra a MPB em disco com convidados


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

Considerado um dos percussionistas mais requisitados da MPB, Marcelo Costa conseguiu reunir um time de intérpretes para produzir o seu Volume 2, um projeto no qual atua como diretor artístico e recria canções que marcaram a sua trajetória na música. Para viabilizar esse projeto, ele contou com nomes como Maria Bethânia, Ney Matogrosso, Jussara Silveira, Marisa Monte, Teresa Cristina e Martinália, entre outros. Em entrevista para o Resenhando.com, Marcelo explica que cada convidado tem uma passagem profissional com ele na música e que o repertório tem uma característica atemporal. “Esse projeto é uma celebração para nossa MPB”.

Resenhando.com - Como foi seu início na música?
Marcelo Costa -
 Eu comecei nos anos 70, com o grupo A Barca do Sol. Tinha apenas 14 anos naquela ocasião. Logo em seguida, participei da gravação do primeiro disco do grupo Boca Livre, que acabou alcançando ótimos índices de vendagens. Em 1984 fui convidado para participar da Banda Nova do Caetano Veloso, que gravou o álbum Velô. Essa participação acabou me projetando no meio musical ainda mais e desde então tenho sido requisitado e trabalhado com vários nomes.


Resenhando.com - Como foi possível reunir esse grupo de intérpretes nesse trabalho?
Marcelo Costa - 
Não foi difícil porque tenho uma história com cada um dos convidados. Todos entenderam o conceito artístico do projeto e colaboraram da melhor forma possível. Então, a questão foi apenas conciliar datas para poder agendar a gravação. Esse projeto tem um caráter atemporal, com composições de vários nomes consagrados, como Lupicínio Rodrigues e Vinícius de Morais. Não sou compositor, portanto pude me concentrar na escolha do repertório e na produção. Foi muito legal foi ver a colaboração dessas pessoas que sempre admirei e continuo admirando na música.

Resenhando.com - Você citou o Caetanos Veloso, mas tem trabalhado bastante com a Maria Bethânia. Como tem sido essa parceria com ela?
Marcelo Costa - 
Se por um lado trabalhar com o Caetano Veloso ajudou a abrir portas, trabalhar com a Bethânia foi uma benção. Comecei a trabalhar com ela a partir de 1999. Como intérprete, nem preciso falar muito; considero ela uma das maiores vozes de sua época, capaz de transmitir uma emoção incrível em suas interpretações. Nesse Volume 2 ela canta a canção intitulada Número Um, parceria de Benedito Lacerda e Mario Lago. E para minha surpresa, a Bethânia disse que já conhecia porque a mãe dela cantava essa canção durante a infância dela. E ela cantou divinamente, como sempre.

Resenhando.com - Nesse Volume 2 você participa cantando uma das faixas. Como foi essa experiência?
Marcelo Costa - 
Foi algo que se encaixou no conceito do disco. Mas não tenho pretensão de virar um intérprete. Continuo tendo a mesma pretensão de ser um músico que acompanha o intérprete.


Resenhando.com - Como está sendo feita a divulgação desse trabalho.
Marcelo Costa -
A Gravadora Biscoito Fino já disponibilizou o disco nas plataformas de streaming. No futuro quero levar esse trabalho para o palco.

 "Número Um" (Maria Bethânia)

"Deixei Recado" (Roberta Sá)

"Mulher Sem Razão" (Ney Matogrosso)

sábado, 28 de outubro de 2023

.: "Hackney Diamonds": os Rolling Stones desafiam o tempo


Por
 Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

Ninguém poderia imaginar que estaríamos em pleno 2023 ouvindo uma canção nova dos Rolling Stones. Mas foi justamente o que aconteceu com o lançamento mundial do álbum "Hackney Diamonds", recheado de participações especiais e uma vitalidade musical de dar inveja a qualquer fã ou um simples admirador do grupo.

A banda se resume hoje a três integrantes: Mick Jagger, Keith Richards e Ron Wood. O falecido baterista Charlie Watts chegou a gravar quatro faixas do disco, sendo que nas demais as baquetas são tocadas por Steve Jordan.

Entre as participações especiais estão Elton John que toca teclados nas faixas "Get Close" e "Live By The Sword", sendo que nesta segunda há também a presença de Bill Wyman, ex-baixista da formação original dos Stones. Destaque também para Stevie Wonder (no piano) e Lady Gaga (vocal)  na canção gospel "Sweet Sound Of Heaven".

Mas a colaboração que chamou mais a atenção foi a de Paul McCartney, ex-Beatle, que toca baixo na divertida faixa "Bite My Head Off", um rock´n roll bem ao estilo dos anos 60. Isso meio que fecha um ciclo. Beatles e Stones efetivamente juntos em uma faixa era algo que poucos poderiam apostar que aconteceria, apesar de não ser bem uma novidade.

Nos anos 60, Jagger participou do coro de "All You Need Is Love" dos Beatles, enquanto que John LennonPaul McCartney fazem vocais na canção "We Love You" dos Rolling Stones, gravada  também naquela época. E um os primeiros hits dos Stones foi composto por Lennon e McCartney ("I Wanna Be Your Man").

Na audição de Angry, o primeiro single do álbum, você percebe que eles tentaram buscar aquela sonoridade de discos clássicos, como "Tatoo You" e "Exile From Main Street".  É fato que eles não conseguiriam repetir o mesmo efeito. Mas só por fazer algo novo podemos considerar relevante a iniciativa. O núcleo criativo segue na mão da dupla Jagger-Richards, mas claro que sem o brilho de outrora. E é preciso entender que lançar material inédito exige esperar para ver se o mesmo passa no teste do tempo.

Se você deixar de lado as inevitáveis comparações e ouvir o disco despretensiosamente, pode até curtir, pois Jagger segue cantando como se tivesse 20 anos. E Keith Richards continua sendo um mestre indiscutível dos riffs. Há até momentos de clímax na faixa "Sweet Sound Of Heaven", no dueto de Jagger com Lady Gaga. E essa faixa lembra um pouco "Fool to Cry", do disco "Black And Blue", mas longe de ser repetitiva. Também gostei das faixas "Get Close" e "Driving Me Too Hard", ambas com ecos do passado nos arranjos e na produção. No geral, o disco soa um pouco saudosista, sem dúvida. Mas quem se importa com isso? É somente rock´´n roll e eu gosto. Vale muito a audição. Compre o álbum "Hackney Diamonds" neste link.

"Angry"

"Sweet Sound Of Heaven"

"Bite My Head Off"

sexta-feira, 20 de outubro de 2023

.: O "Presente & Cotidiano" de Cristina Guimarães por Luiz Gomes Otero

Foto: Gal Oppido 

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.


A paulistana Cristina Guimarães está divulgando o show "Presente & Cotidiano" com repertório em homenagem ao cantor e compositor Luiz Melodia (1951-2017). O show é um trabalho de releituras pautado pela originalidade, trazendo arranjos que apresentam obras de Luiz Melodia pela interpretação de Cristina Guimarães.

A banda que acompanha a cantora é formada pelos músicos André Bedurê (violão, baixo e direção musical), Rovilson Pascoal (guitarra) e Gustavo Souza (bateria), além da participação de Bianca Godoi como técnica de som e violonista em uma das canções. 

São composições imortalizadas e outras menos conhecidas, porém de extrema beleza e que traduzem bem a sensibilidade do poeta. "Luiz Melodia é um artista que me toca e encanta por vários motivos, desde a sua melodia, sempre moderna e desafiadora, além de bastante elaborada, até as canções que trazem poesias lindas com versos surpreendentes e que, muitas vezes, só depois de algum tempo cantando você se dá conta do que ele realmente fala. Para uma cantora isso já é um desafio incrível”, comenta Cristina Guimarães.

O programa do show traz “O Sangue Não Nega” (Luiz Melodia e Ricardo Augusto), “Começar pelo Recomeço” (Luiz Melodia e Torquato Neto), “Congénito” (Luiz Melodia), “Presente Cotidiano” (Luiz Melodia), “Magrelinha” (Luiz Melodia), “Estácio, Eu e Você” (Luiz Melodia) e “O Caderninho” (Olmir Stocker), entre outras.

Cristina Guimarães lançou, recentemente, seu primeiro EP, Em Canto, um trabalho de voz e piano formado por composições que a apresentam como uma intérprete singular, de timbre aveludado, que imprime sua identidade à música popular brasileira. Em Canto é formado pelas faixas “Caso Você Case” (Vital Farias), “Nunca” (Lupicínio Rodrigues), “Dindi” (Tom Jobim e Aloysio de Oliveira) e “Tempo Velho” (Douglas Germano), sendo que essas duas últimas foram lançadas também em formato single.

Filha de pianista, Cristina descobriu o amor pelo canto na juventude. Estudou canto; formou-se em Psicologia na Universidade São Francisco, em Itatiba, SP; cursou Psicanálise na Escola de Psicanálise de Campinas e segue em formação no Instituto Vox de Pesquisa em Psicanálise, em São Paulo, cidade onde mantém trabalho em consultório. Paralelamente, seguiu cantando. Em Campinas, foi a voz de grupos que se apresentavam na cidade, atuando ao lado de instrumentistas como o pianista Bebeto von Buettner, o baterista Ramo Montagner e, no Trio Azeviche, com o guitarrista Bruno Mangueira e o baixista Marcos Souza. Em 2019, a pianista e cantora Cida Moreira, com quem fazia aulas de canto, incentivou-a assumir definitivamente sua relação com a música. Foi quando decidiu investir em um trabalho próprio de intérprete, gravar alguns singles e, finalmente, lançar seu primeiro EP.


Presente Cotidiano


O Sangue não nega



sábado, 14 de outubro de 2023

.: Entrevista: Bernardo Lobo traz "Bons Ventos" para a MPB


Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

O cantor e compositor Bernardo Lobo, filho do consagrado músico Edu Lobo, lançou o CD "Bons Ventos", oitavo de sua discografia. Gravado em Lisboa, o álbum que leva o nome de uma canção inédita do artista carioca no título, marca os 30 anos de sua carreira. O produtor foi Marcelo Camelo, que participou da seleção do repertório e toca quase todos os instrumentos no álbum: guitarra, piano, baixo, bateria e percussão.Em entrevista para o Resenhando.com, Bernardo Lobo conta como foi o conceito de produção do disco, relembra passagens marcantes de sua carreira e explica como está sendo feita a divulgação desse novo trabalho. “A música é uma parte importante da minha vida”.


Resenhando.com - Como foi seu início na música?
Bernardo Lobo - A música sempre esteve presente em mim. Meu pai tocava as fitas e eu cantava. Mais tarde participei de dois discos dele: o "Jogos de Dança" e o "Grande Circo Místico", no qual participei do coro infantil. Na adolescência gostava de rock, reggae. E um pouco mais tarde comecei a fazer teatro. E foi o teatro que me trouxe de volta a música brasileira. Caetano. Gilberto Gil, Jorge Benjor, Djavan,  Edu (Lobo). Eu me apaixonei por esses mestres. Em uma turnê do meu pai, ele me levou junto como roadie e decidi que queria ser músico. Passei a fazer aulas de violão com a minha mãe e no segundo mês de aula eu já estava fazendo música. Logo depois fiz minha primeira gravação profissional no songbook do meu pai, editado pelo Almir Chediak. Daí em diante passei a fazer shows e não parei mais. Tive projetos com Chico Buarque, Paulinho Moska e quando me vi já estava totalmente envolvido com a música. Em 1998, fiz minha primeira fita demo com as minhas canções. E no ano 2000 lancei meu primeiro disco autoral


Resenhando.com - Quais são as suas principais influências musicais?
Bernardo Lobo - Inicialmente Caetano Veloso. Mais tarde Chico Buarque, Djavan e Milton Nascimento, Gilberto Gil, João Bosco, Ivan Lins, Dori Caymmi. Essas são minhas principais influências da formação musical.


Resenhando.com - Fale sobre a produção do novo disco.
Bernardo Lobo - Tive a ideia de chamar o Marcelo Camelo. E aí passamos a conceituar o que seria o disco. Ele escolheu oito músicas e a lista acabou ficando igual a minha. Queria um disco com as canções mais comunicativas. E acho que conseguimos atingir o nosso objetivo


Resenhando.com - Na sua discografia consta um disco com canções de Marcos Valle.  Como foi essa experiência?
Bernardo Lobo - Foi ótimo. Foi muito importante. Naquela época estava sem fazer nada. E um produtor de São Paulo me procurou depois de uma apresentação, me convidando para gravar esse disco. Quando estava gravando, me mudei para Portugal. E o Marcos Valle apareceu por lá. Desse contato resultou em uma parceria que fizemos e ainda faríamos outra canção. As duas por final para meus filhos. Não estava no script virar parceiro do Marcos, mas acabou acontecendo e foi algo incrível. Uma experiência gratificante da qual me orgulho muito.


Resenhando.com - Como é trabalhar com o Marcelo Camelo na produção?
Bernardo Lobo - Foi fácil demais. O Marcelo Camelo foi um gigante. Tocou vários instrumentos e me obrigou a tocar violão em todas as músicas, coisa que eu nem queria. Tinha intenção de trazer um violonista, mas ele (Camelo) disse que queria eu no violão. Acabei inclusive participando dos arranjos que partiam mesmo do meu violão. Foram dois meses de gravação sem uma única discussão.

Resenhando.com - Há planos para shows no Brasil para divulgar o álbum?
Bernardo Lobo - Sim. Devo me apresentar no Brasil em 2024, logo depois do carnaval. Tenho planos de shows em algumas capitais. Rio e São Paulo, com certeza estarão no roteiro.


"Bons Ventos"

"Na Palma da Mão"

"Arrebentação"

sábado, 7 de outubro de 2023

.: Entrevista com Jurema Otaviano: vozes de Minas que cantam e encantam


Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural.

Fundado há mais de 20 anos em Guaxupé, no Sul de Minas, o grupo vocal A Quatro Vozes segue realizando um trabalho íntegro resgatando composições do nosso cancioneiro e produzindo material autoral. Um dos mais recentes é o show com repertório que celebra os 50 anos do LP "Clube da Esquina", que vem sendo apresentado na série Sotaques do Brasil.

Atualmente o grupo atua como trio formado pelas irmãs Dora Otaviano, Jurema Otaviano e Jussara Otaviano, que cantam acompanhadas pelos violões de Brau Mendonça e Marquinho Mendonça. Em entrevista para o Resenhando, Jurema Otaviano conta como se deu a formação do grupo e revela suas principais influências musicais. “Cantar em harmonia é uma experiência incrível que te renova como interprete”.


Resenhando – Como foi o seu início na música?
Jurema Otaviano –
Minhas primeiras lembranças remontam lá no Sul de Minas, ouvindo a Radio Clube de Guaxupé. Tinha uma programação com música instrumental durante o dia. E ouvíamos muitos discos de cantores e grupos vocais. Desde Trio Irakitan até o Boca Livre. Notei que o Brasil tinha uma tradição forte com grupos vocais na MPB. Isso serviu como estímulo para fundar o A Quatro Vozes.


Resenhando – Como foi a formação do grupo?
Jurema Otaviano –
A origem dele começa na família. Nossa mãe gostava muito de cantar, o que fez com que a gente também pegasse o gosto pela coisa. O fato é que houve uma identificação com nossas ideias sobre música. Começamos em 1994 e desde então continuamos juntas.


Resenhando – Mas nos últimos tempos a formação, que originalmente era quarteto, se tornou um trio. Como foi essa transição?
Jurema Otaviano –
Foi um desafio e tanto. As harmonizações com quatro vozes têm um tipo de nuance diferente do trio. Por outro lado, estamos descobrindo outras ideias de arranjos. Tudo tem sido um aprendizado diário extremamente proveitoso.


Resenhando – Como foi resgatar canções do Clube da Esquina?
Jurema Otaviano –
Essa era uma ideia antiga nossa. Somos todas fãs de Milton Nascimento e de toda a turma do Clube da Esquina. São canções atemporais que ainda nos emocionam. Foi uma honra poder cantá-las, porque o álbum completou 50 anos e o Milton chegou aos 80 anos.


Resenhando – Vocês produzem material autoral?
Jurema Otaviano –
Nós também temos composições próprias. Nossa produção tem sambas, baladas e outros estilos mais próximos do folclore. Tudo fruto de nossa formação musical.


Resenhando – Como estão programando novas apresentações?
Jurema Otaviano –
Nesta sexta, dia 6 de outubro, nós nos apresentamos em Guararema na Estação Literária. Vamos continuar nos apresentando dentro da caravana Sotaques do Brasil. E continuamos levando nossa música para todos. Porque como diz aquela canção do Milton Nascimento: Todo artista tem que ir onde o povo está.


"Pantanal"

"Bola de Meia Bola de Gude"

"Conto de Areia"
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