.: Rush: nunca diga nunca, a volta da banda canadense

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Desde que comecei a usar a internet, passei a receber regularmente mensagens de autoajuda apontando para a direção onde está a esperança. Uma dessas mensagens dizia assim: "Nunca diga nunca. O impossível não existe para quem acredita que o sol vai nascer no novo dia". Claro que foi impossível não deixar de lembrar dessa mensagem quando soube da surpreendente volta da banda canadense Rush, que havia interrompido sua atividade desde o falecimento do baterista Neil Peart em 2020. 

Os dois integrantes remanescentes, Geddy Lee (baixo e vocal) e Alex Lifeson (guitarra) postaram um vídeo confirmando a realização de uma turnê em 2026, intitulada apropriadamente "Fifity Something", ou seja, "50 Anos e Algo a Mais". Para a vaga de Peart foi selecionada a excelente baterista alemã Annika Nilles, que havia tocado com o icônico guitarrista Jeff Beck. A notícia pegou todos os fãs de surpresa. Parte deles demonstrou uma certa desaprovação da volta sem Peart, como se isso (a turnê) fosse ofender a memória do grande músico que ele foi.

Como um admirador da banda desde os tempos de adolescente, meu raciocínio é diferente. Claro que há sempre a questão monetária - afinal a banda movimenta uma numerosa equipe de funcionários quando está na estrada. Mas acho que o que pesou mais foi o fato de os membros sobreviventes estarem musicalmente ativos. Geddy Lee admitiu no vídeo que sentia falta das turnês e da recepção do público.

Eu tenho certeza que serão shows respeitosos com a memória de Neil Peart. A própria família dele emitiu uma nota aprovando a iniciativa de Lee e Lifeson. Creio que nesse momento o que interessa é homenagear Peart como ele merece: com a boa música do Rush. Acho muito prematuro acreditar que Lee e Lifeson vão produzir algo novo com a Annika Nilles. Ainda é muito cedo para se tirar conclusões. Porém, não devemos esquecer daquela frase que citei no início do texto: "nunca diga nunca".

"Closer to The Heart"

"Tom Saywer"

"Big Money"

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.: Crítica musical: Kiko Horta estreia em disco com "Sanfona Carioca"

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Celso Filho

O músico José Maurício Horta, conhecido pelo nome artístico Kiko Horta, está divulgando o seu primeiro álbum solo, intitulado "Sanfona Carioca" (Selo Mestre Sala). Um trabalho resultante de uma extensa atividade musical em vários setores da cultura carioca. Kiko Horta é um dos músicos fundadores do Cordão do Boitatá, responsável por várias atividades culturais como o Baile Multicultural, realizado há 19 anos nos domingos de Carnaval, na Praça XV, no Rio de Janeiro.

Ele acumula uma prestigiosa atuação como músico e arranjador de estúdio junto a nomes como Martinho da Vila, Edu Lobo, Dona Ivone Lara, Áurea Martins, Nelson Sargento, Xangô da Mangueira, Chico Buarque, Gilberto Gil, Francis Hime, Baco Exu do Blues, Pretinho da Serrinha, Teresa Cristina, Rita Benneditto, Mauro Senise, Wagner Tiso, Cristóvão Bastos, Mart’nália, Mauricio Carrilho e Luciana Rabello, entre outros artistas. É parceiro de nomes como Hermínio Bello de Carvalho, Vidal Assis, Lazir Sinval e Marquinhos de Oswaldo Cruz.

O disco soa como uma síntese das múltiplas atividades musicais de Kiko Horta. Traz uma mistura irresistível de samba, bossa-nova, jongo, gafieira, choro, forró, jazz, presentes na sua formação musical. Com uma base segura garantida pelas atuações de Ivan Machado (baixo), Marcus Suzano (percussão) e Filipe Lima (violão sete cordas), Kiko Horta divide os improvisos com o virtuoso bandolim de Luís Barcelos. E o resultado ficou acima da média para quem curte um som instrumental.

Além das belas autorais “Recomeço” e “Forró Transcendental”, Kiko Horta, ao lado de Luís Filipe de Lima (ambos produtores do álbum), escolheram para o repertório autores que espelham uma certa carioquice em suas temáticas. Casos de “Deixa o Breque pra Mim” (Altamiro Carrilho), “Catita” (K- Ximbinho), “Chorinho de Gafieira” (Astor Silva), “Comigo é assim” (Zé Menezes), “Chorinho pro Miudinho” (Dominguinhos), “Dino Pintando o Sete cordas” (Sivuca), “Meu Lugar” (Arlindo Cruz e Mauro Diniz), “Um Tom para Jobim” (Sivuca e Oswaldinho).

"Comigo É Assim"

"Chorinho de Gafieira"

"Um Tom Pra Jobim"

 

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.: Crítica musical: Delirio Cabana é 100 por cento Amazonas

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Laryssa Gaynett

O Delírio Cabana fez da paixão comum pela música popular brasileira um terreno fértil para germinar novas composições com ritmos tradicionais da Amazônia, como gambá, cumbia, carimbó, boi-bumbá, carimbó e beiradão. A mescla mostrou um resultado aurpreendente

“Tempero” marca a estreia da banda formada pelos amazonenses Bruno Mattos, Gabriella Dias, Luli Braga e Nando Montenegro, nascida em 2023, durante uma viagem de Manaus à vila de Alter do Chão, em Santarém no Pará. Foram duas semanas de convivência e criação à beira do Tapajós, uma experiência que selou a vontade de construir uma história coletiva a partir da paixão pela cultura amazônica.

Composição de Nando Montenegro, “Tempero” junta a musicalidade da Região Norte às demais influências da MPB contemporânea, do pop e da música latina. O arranjo é de Bruno Mattos e a produção musical é dividida entre ele e Lucas Cajuhy, que também assina engenharia de gravação, mixagem e masterização.

A canção conta com percussões de Tércio Macambira, mauesense que criou a pulsação que sustenta a canção marcada por células rítmicas de gambá, boi-bumbá, maracatu e carimbó. Os sopros ganham corpo com Marcelo Martins (trompete), Francirbone (trombone) e Crhistofer Santos (saxofone), enquanto Bruno Mattos gravou as linhas de baixo, violão e guitarra. O resultado é um single coletivo, com vozes muito bem divididas entre Nando, Luli, Bruno e Gabriella, que se complementam em timbres e texturas.

Os figurinos e acessórios utilizados pelos integrantes vêm da marca Yanciã Amazônia, curadora de peças confeccionadas por artesãos do Amazonas, que prioriza a matéria-prima natural oriunda do bioma da região e materiais de reaproveitamento. Além disso, a marca autoral amazonense Glitch confecciona alguns dos figurinos idealizados por Hendryl Nogueira, que também assina a maquiagem do quarteto. A produção traz uma ficha técnica 100% amazonense, reforçando o potencial criativo inesgotável da cena musical do Amazonas.

"Tempero"

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.: Crítica musical: Muñoz, a volta do psych rock

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Muñoz é um duo de heavy blues formado pelos irmãos Mauro e Samuel Fontoura. Naturais de Mineiros, município de Goiás, eles formaram a banda em Uberlândia, em Minas Gerais no ano de 2012. E se destacaram com o EP "Muñoz" em 2013 e o álbum "Nebula" em 2014, produzidos por Rafael Vaz no Caverna Estúdio. O seu mais recente lançamento é o CD "Twins", que reforça a sonoridade do duo no estilo psych rock.

A proposta de "Twins" foi produzir um trabalho que representasse com sinceridade a alma da banda: um duo barulhento, visceral e honesto. As letras, seguem uma linha surrealista, introspectiva e sarcástica, dentro do universo do psych rock, abordando temas como ego, solidão, tempo, sonho e loucura. No entanto, o foco do álbum não está nas palavras em si, mas na experiência sonora como um todo, onde voz, ruído e ambiência ocupam o mesmo espaço narrativo.

A capa do disco reforça o caráter íntimo e simbólico do projeto: uma fotografia dos irmãos ainda crianças, nos anos 90. A imagem remete à infância e à conexão fraterna que se traduz também na música - ora nostálgica, ora explosiva. Algumas faixas trazem uma pegada mais garageira, com espírito frenético, que remete à energia do garage rock como expressão juvenil. Se você curte ouvir bandas do segmento indie rock certamente irá se identificar com a sonoridade do Muñoz. Que está distante do som que você ouve nas rádios. E isso já serve como motivo para você conferir o trabalho desse interessante duo.

"Inner Voice"

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.: Jair Oliveira e Luciana Mello revivem "Dois na Bossa"

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação.

A ideia partiu de Jair Oliveira (Jairzinho): resgatar a memória e celebrar os 60 anos de “Dois na Bossa”, primeiro álbum ao vivo de Jair Rodrigues, Elis Regina e o Jongo Trio, lançado em 1965 e que ultrapassou a marca de 500 mil cópias, um feito inédito na música brasileira até então. Para marcar a data simbólica, Jair subiu ao palco ao lado da irmã, Luciana Mello, em uma noite que reafirmou a vitalidade de um legado que atravessa gerações.

O espetáculo aconteceu no dia 13, no Amaturo Theater, parte do Broward Center for the Performing Arts, em Fort Lauderdale - um dos principais espaços culturais da Flórida, nos Estados Unidos. Os ingressos foram esgotados, evidenciando não apenas a potência de Jair e Elis, mas também o carisma e a solidez artística de Jairzinho e Luciana, que conquistam reconhecimento do público internacional como continuadores e inovadores da tradição musical brasileira. 

O repertório inclui clássicos como "Disparada", "Como Nossos Pais", "Canto de Ossanha", "Arrastão", "Águas de Março" e "Upa, Neguinho", além de medleys que revisitam sambas e canções da bossa nova. O show teve ainda participações de Boca Melodia e da filha de Jair, Isabela Oliveira. “Fiquei ainda mais feliz por ter idealizado este show. ‘Dois na Bossa’ foi um marco na música brasileira e um grande momento na carreira do meu pai e de Elis Regina. Minha intenção sempre foi prestar essa homenagem e reviver toda a emoção que o álbum carrega. Estar fora do país, com ingressos esgotados em um teatro de tanta relevância, e dividir o palco com a minha irmã Luciana torna esse momento ainda mais especial”, afirma Jair Oliveira.

E completa: “De alguma forma, o Jairzão estará com a gente neste show, como se também dividisse o palco conosco - e isso nos emociona profundamente. Queremos que essa homenagem não se restrinja aos Estados Unidos: a ideia é levá-la ao Brasil em 2026, para que o público brasileiro também possa viver de perto essa celebração tão especial da nossa música”. A direção musical é de Jair Oliveira, acompanhado por Cássio Coutinho (teclados), Wesley Cosvosk (bateria) e Kai Sanchez (baixo).

"Medley Dois na Bossa"

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.: Entrevista com Claudette Soares: "De Tanto Amor" na música

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Murilo Alvesso.

Claudette Soares pertence a uma categoria rara de intérprete de nossa MPB. Capaz de reviver canções consagradas com sua interpretação suave e singular. Mesmo tendo surgido em um período fértil, com outras grandes cantoras, ela sempre conquistou o seu espaço com garra e perseverança. E continua na ativa: seu mais recente lançamento foi um disco com canções de Chico Buarque. Em entrevista para o Resenhando, ela conta como foi seu início na música e revela quem foram seus ídolos. “Sou muito grata a Deus pelo dom de cantar”.

Resenhando.com - Você surgiu em um período com outras grandes cantoras. Na sua opinião, o que havia no País para revelar tantas intérpretes talentosas ao mesmo tempo?
Claudette Soares - Era um momento de glamour, de grandes talentos e de estrelas maiores. Como dizia Elis Regina, cada cantora tinha um estilo e uma voz que você identificava na primeira frase musical. Era um momento muito lindo, muito grandioso e graças a Deus eu comecei nessa fase. E com as estrelas sempre respeitando as novas cantoras que surgiam . Eram realmente amigas mesmo.

Resenhando.com - No início quem eram os seus ídolos na música?
Claudette Soares - Bom, eu sempre gostei de música americana, jazz. Apesar de não ser uma cantora desse estilo. Eu adorava Judy Garland, Frank Sinatra. Nos Brasil, eu tinha como ídolo a grande musa da Bossa Nova, Sylvinha Telles, a primeira cantora moderna do Brasil. Ela foi uma das maiores amigas da minha vida. Eu também gostava muito da Dalva de Oliveira, maravilhosa e da Nora Ney, com aquela voz rouca e sensual. Eu queria ser igual a ela, ter aquela voz.

Resenhando.com - Você participou de festivais nos anos 60. Na sua opinião, hoje em dia esses festivais seriam positivos para revelar novos talentos?
Claudette Soares -  Bom, eu acho que os festivais hoje não seriam como foram nos anos 60. A criatividade anda meio em baixa. Mas é claro que há exceções. Eu acho que a música brasileira moderna, criativa, não está tendo muito espaço. Musicalmente falando, os festivais hoje não teriam  a grandiosidade e a musicalidade que tiveram nos anos 60.

Resenhando.com - Você gravou dois discos antológicos com o Dick Farney. Já pensou em realizar algo em parceria com outros nomes da música?
Claudette Soares - Olha, não pensei não em fazer uma parceria por enquanto. Minha parceria com o Dick Farney foi perfeita e me deu muito prestígio na música. O Dick Farney sabia, porque eu falava isso pra ele. Sou muito grata ao Dick por ele ter me escolhido para esse trabalho, que realmente se tornou antológico.

Resenhando.com - O seu maior sucesso foi o disco "De Tanto Amor", com a música de Roberto Carlos. Você chegou a gravar outras músicas dele?
Claudette Soares - Na verdade, eu já tinha gravado dele a "Como É Grande o Meu Amor por Você", com arranjo maravilhoso do Cesar Camargo Mariano.Foi em 1967, em pleno auge da Bossa-nova, eu ousei cantar algo que vinha da Jovem Guarda. O Roberto gostou tanto que falou que iria fazer uma música para mim. E acabou fazendo duas: "De Tanto Amor" e "Você", ambas lindas em parceria com o Erasmo Carlos.

Resenhando.com - Seu disco mais recente foi dedicado a obra de Chico Buarque. Foi difícil escolher o repertório?
Claudette Soares -  Não foi difícil não escolher um repertório do Chico Buarque. Ele é incrível, um dos maiores desse mundo. Tenho verdadeira paixão por ele. A ideia era reviver canções dos anos 60 e 70 que não tinham sido regravadas, mescladas com outras da produção mais recente dele. E ele não só liberou as gravações como ainda participa cantando comigo em uma das faixas. Foi uma emoção enorme para mim.

Resenhando.com - Qual o segredo para manter essa sua extraordinária longevidade na música?
Claudette Soares - Sou muito grata a Deus pelo dom de cantar. Canto desde os dez anos de idade. Desde essa época eu só queria cantar. Graças a Deus eu sou muito disciplinada. Eu não grito, não tomo gelado. Conheço muitos cantores que tomam gelado e cantam acima de seu tom. Nada contra quem faz isso. Mas eu procuro me preservar.

"Cade Você"

"Carolina"

"De Tanto Amor"

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.: Oportunidade na música: curso de violão erudito em São Vicente

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Uma boa notícia para quem deseja obter conhecimentos sobre violão erudito. O Instituto Histórico e Geográfico de São Vicente estabeleceu uma parceria com o maestro João Argollo para oferecer um curso introdutório sobre o violão, sob a perspectiva da música erudita

Segundo o maestro João Argolo, o curso tem uma duração de um mês com quatro aulas, nas quais os alunos terão informações sobre a evolução do instrumento. O custo da matrícula será de R$190,00 e visa atender tanto o aluno iniciante como os que já praticam o violão erudito.

Natural de Aracaju. Argolo  iniciou seus estudos de violão com seu pai, João Pires Argolo. Teve como mestres Alvino Argolo (Brasil), Amilcar Rodrigues Inda (Uruguai) e Jodacil Damaceno (Rio de Janeiro). Estudou harmonia com Armando Quezada (México), Laura Maria Abrahão (São Paulo) e análise fraseológica com Marcelo de Camargo Fernandes (São Paulo). Graduou-se pela Faculdade Paulista de Arte (FAP-Arte), na classe do violonista e professor Pedro Cameron além de participar de cursos de aperfeiçoamento com mestres como Henrique Pìnto (SP) e Eduardo Castañera. Fez-se apresentar no III Festival Internacional de Granada Espanha, com Eliot Fisk  e foi solista na abertura da masterclasse de Manuel Barrueco no Festival Internacional de Córdoba Espanha.

Em seu primeiro CD, João Argolo e Convidados , contou com a participação do Quarteto Origens, formado por seu irmão Alvino Argolo, José Ricardo e Eduardo Castañera. Lecionou na Universidade de Três Corações (UNINCOR). Atuou como dirigente do corpo docente do Conservatório Municipal de Artes de Guarulhos e coordenador musical do Grupo Origens. As inscrições para o curso são feitas na sede do Instituto Histórico e Geográfico de São Vicente, que fica na Rua Frei Gaspar, no Centro de São Vicente. O telefone é (0xx13) 3469-3520.

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.: Música brasileira em luto: Hermeto Paschoal, a humildade do bruxo

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Impossível dimensionar o que representa a perda de um músico como Hermeto Paschoal, cujo falecimento se deu no último final de semana. Reconhecido em seu meio como um dos maiores instrumentistas do Brasil, ele tinha não só o reconhecimento da crítica especializada como conseguia sempre atrair um numer1oso público, onde quer que se apresentasse com sua competente banda de apoio.

Mas engana-se quem pensa que toda essa idolatria mexeu com a personalidade do bruxo (como era apelidado pelos amigos músicos). Eu mesmo testemunhei um episódio que demonstrou o caráter e a incrível humildade dele. O fato aconteceu na segunda metade dos anos 90, quando eu trabalhava em Itanhaém cobrindo a região do Litoral Sul. Um dia eu entrevistei o músico Itiberê Zwarg (cuja família morava na cidade), que faz parte da banda que acompanhou Hermeto até o final. Ele tinha sido destaque em uma publicação do exterior. Durante essa conversa, perguntei sobre como era a convivência com o Hermeto dentro e fora dos palcos. A resposta foi direta e objetiva: a mais normal possível.

Perguntei se ele achava difícil conseguir uma entrevista por telefone com o Hermeto. E para minha completa surpresa, ele me deu o telefone da casa do célebre músico, que morava no Rio de Janeiro. “Pode ligar e combinar uma data com ele”. No dia seguinte, fiz o que ele me pediu. Liguei para falar com ele e ver uma data para poder fazer a entrevista. O próprio Hermeto atendeu a ligação e disse o seguinte: “Pode perguntar, meu filho, que respondo agora”.

Claro que aproveitei a ocasião e perguntei coisas sobre seu lançamento na época e relembrei sua antológica passagem pelo Festival de Montreux, na Suíça em 1979, que rendeu uma jam session histórica com a Elis Regina. O Bruxo ao piano e a eterna Pimentinha no vocal.

“Ela (Elis) estava um pouco nervosa, porque subimos ao palco sem um ensaio. Foi tudo no improviso mesmo. Mas logo depois ela se sentiu segura e mostrou a grande intérprete que sempre foi”, disse Hermeto. Quando já tinha feito as perguntas, ouvi um piano no fundo da conversa e perguntei se ele estava ouvindo algo. Na verdade, era ele mesmo que estava tocando um piano elétrico e trabalhando em uma composição. Pedi desculpas pelo incômodo involuntário. E nunca esqueci da resposta dele: “Ih rapaz, deixa disso. A conversa foi muito boa. E deixa te mostrar o que fiz agora”. Ouvi o trecho de uma bela música instrumental, ao telefone. E depois pensei: quando é que eu imaginaria que isso seria possível?

A principal imagem que o Hermeto me passou naquele dia foi a de um homem extremamente humilde e simples. Exatamente como o Itiberê tinha descrito. Certamente a música brasileira sentirá a falta dos hermetismos pascoais, em que pese que sua obra permanecerá sempre como uma referência para as demais gerações de músicos.

"Papagaio Alegre"

 "Amor Paz e Esperança"

 "Asa Branca"

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.: Crítica musical: Graziela Medori revela as canções de Valéria Velho

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Fotos: divulgação

A cantora Graziela Medori está divulgando seu novo álbum: "Revela", dedicado inteiramente às músicas da compositora Valeria Velho, que agora ganha maior visibilidade em um projeto que traduz sua obra em linguagem acessível, contemporânea e cheia de identidade. As canções falam de amor, de encontros, dos afetos, das buscas e das escolhas, sempre com uma delicadeza que não abre mão da força e da personalidade.

Valeria Velho, nascida em Adamantina, interior de São Paulo, compõe desde os 13 anos de idade. Adquiriu seu primeiro violão com suas próprias economias e ainda muito jovem participou de festivais, ganhando alguns deles. Foi exercer sua profissão na área jurídica, dando uma pausa em seus sonhos. Há 12 anos, após se aposentar retornou as atividades junto a música e tem canções registradas por intérpretes como Renato Teixeira, Blubell, Marcio Lugó, e Hugo Rafael entre outros.

Na voz de Graziela Medori, esse repertório ganha vida com leveza, precisão e emoção. “Cantar Valeria é um privilégio. Suas músicas me tocam profundamente e acredito que vão tocar quem ouvir. São canções falam de nós, do nosso tempo, das nossas dores e alegrias, de forma sensível e sofisticada”, declarou a cantora.

Depois de seis álbuns lançados, Graziela ressurge dando espaço dentro da sua discografia, com uma linguagem mais pop e inédita. O álbum passeia por baladas, canções interessantes e faixas que flertam com o pop, sempre mantendo o DNA da MPB como fio condutor.

A produção musical é assinada por João Oliveira, multi-instrumentista, compositor, produtor e arranjador, que entrega uma sonoridade radiofônica e contemporânea, aproximando a obra tanto de ouvintes habituais da MPB quanto de quem busca novas vozes na música brasileira atual.

A faixa título - "Revela" - tem qualidade suficiente para entrar em qualquer trilha de novela da Rede Globo. E o arranjo da faixa "Dádivas" parece ter sido inspirado na clássica "Ilegal Imoral ou Engorda" de Roberto Carlos. Mas sem soar como cópia. Já escrevo há algum tempo sobre a Graziela, que por sinal é filha da cantora Claudya e do músico Chico Medori. É sempre um prazer enorme ouvi-la cada vez mais madura e ciente do que quer como artista na música.

O disco "Revela" chega às plataformas digitais pela produtora e gravadora Kuarup e marca não apenas um novo capítulo na trajetória de Graziela Medori, como também amplia o alcance da obra de Valeria Velho, apresentando-a a novos públicos, reforçando a importância de se dar vez e voz a talentos femininos, mostrando que nunca é tarde para viver os próprios sonhos.

"Hilário"

"Dádivas"

"Revela"

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.: Rick Davies, da banda Supertramp: o sonho acabou

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Com o falecimento do músico britânico Rick Davies aos 81 anos, depois de uma luta contra uma doença grave (Mieloma Múltiplo) nos últimos anos, encerram-se as chances de uma eventual reunião da formação clássica da banda Supertramp. O Supertramp preferiu não seguir a regra das demais bandas antigas, que buscam reagrupar seus antigos membros e reviver hits que marcaram uma época. Após a saída de Roger Hodgson, em 1983, a banda se manteve ativa com Davies na liderança do vocal e das composições. Entretanto, sem conseguir alcançar o brilho e a popularidade dos anos 70 e 80.

Rick Davies sempre foi uma das forças criativas do Supertramp. Em que pese o sucesso que as canções de Hodgson alcançavam, as de Davies sempre serviam como um contraponto. Ou melhor, um complemento perfeito para o som desenvolvido naquela época pelo grupo.

Como alguns exemplos poderia citar canções como Bloody Well Right, From Now On (esta uma de minhas preferidas dele), Goodbye Stranger, Crime Of the Century, entre tantas outras. Ele também tinha um talento nato para compor hits radiofônicos como a balada retrô My Kind Of Lady, que estourou junto com It´s Raining Again, de Roger Hodgson.

Uma pena que ambas as partes não entraram em um acordo amigável para aparar as arestas do passado e voltar a tocar juntos no palco. Porque tanto Hodgson como Davies estavam em plena atividade musical e seria muito interessante acender aquela velha chama musical.

Davies havia anunciado em 2015que iria se retirar para tratar da doença, interrompendo as atividades da banda desde então.

Como consolo para os fãs, fica a obra da banda que permanece como uma referência em termos de um rock que transitava entre o pop e o estilo mais progressivo. Todas essas canções certamente não soam datadas e se mantém atuais nos dias de hoje.

"From Now On"

"My Kind Of Lady"

"Bloody Well Right"

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.: Ricardo Vilas & Banda Maravilha chega nas plataformas digitais

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Ricardo Vilas está divulgando seu novo projeto, o disco “Ricardo Vilas & Banda Maravilha”, que está disponível em todas as plataformas digitais, com distribuição da Conexão África Produções. Um trabalho que reforça a ligação do músico com a cultura de origem africana, que sempre se mostrou presente em sua obra autoral. O projeto da parceria nasceu a partir de um vínculo criado em 2012, quando Ricardo conheceu os músicos da Banda Maravilha durante sua pesquisa de doutorado sobre a circulação da música popular entre Brasil e Angola.

“Angola, para nós brasileiros, é a África mais próxima. Essa conexão sempre me interessou e me atraiu, a ponto de dedicar minha pesquisa acadêmica ao estudo da Música Popular Angolana e de seus pontos de encontro com a música brasileira”, explica  Ricardo. O álbum reúne 12 faixas, entre composições inéditas e autorais; e conta com participações especiais de Dionísio Rocha, Filipe Zau, Nilze Carvalho e Hudson Santos, que contribuíram para um resultado positivo, um verdadeiro diálogo musical entre Angola e Brasil.

O projeto busca ampliar o conhecimento das culturas africanas no Brasil, especialmente no campo da Música Popular Brasileira, além de fortalecer os laços com o continente africano, de onde vem boa parte da nossa população. Ao mesmo tempo, pretende mostrar à população africana o quanto a sua presença cultural é valorizada e bem-vinda. “Agora que o projeto está ganhando as ruas, fico muito feliz de ver que conseguimos realizar um verdadeiro encontro musical entre Angola e Brasil. Mostramos tudo o que compartilhamos, em termos musicais, e também as particularidades que nos diferenciam, mas que dialogam de forma harmoniosa”, concluiu Ricardo Vilas

"Atlântica Mulata"

"Voando pra Luanda"

"Nosso Canto"

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.: Entrevista com Wilson Simoninha: ele respira música, por Luiz Gomes Otero

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

A frase do título está correta, pois Wilson Simoninha, filho de um dos maiores cantores que o país produziu (Wilson Simonal), parece mesmo respirar música. Ele não só atua cantando e tocando suas composições, como ainda trabalha na produção musical de programas da TV, como o "Domingão com Huck" e "Viver Sertanejo" com o cantor Daniel, só pra citar dois exemplos.

Mas como a música não pode parar, Simoninha já está preparando um novo álbum de canções inéditas, que deve marcar um ponto de virada na sua carreira. E continua desenvolvendo vários projetos em paralelo com outros nomes conhecidos, como Xande de Pilares. Em entrevista para o portal Resenhando.com, ele conta como desenvolveu sua carreira em paralelo com a atividade de produtor. “Esse trânsito entre palco, estúdio e audiovisual mantém meu trabalho em movimento e me inspira a explorar diferentes formas de levar música ao público”.

Resenhando.com - Como foi seu início na música? Com quem você tocou antes da carreira solo?Wilson Simoninha - Meu início na música foi bastante natural. Autoditdata, ouvindo as coisas que aconteciam na minha casa. Mais tarde estudei na fanfarra da minha escola e depois estudei piano com vários maestros. Ainda adolescente formei várias bandas com o sobrinho do Jorge Benjor e com o João Marcelo Boscoli

Resenhando.com - Seu pai certamente foi uma fonte de inspiração sua como intérprete. Além dele, quais foram suas referências?
Wilson Simoninha - Sim, meu pai é considerado um dos maiores cantores da história da música brasileira, então não tem como ser diferente. Mas obviamente outros artistas me inspiraram também, como Jorge Benjor, Tim Maia, João Gilberto. Entre os brasileiros a lista é gigante. E entre os internacionais posso citar Stevie Wonder,  Michael Jackson e principalmente Marvin Gaye. A soul music foi uma forte influência na minha caminhada na música.

Resenhando.com - Sua discografia tem ótimos momentos nas músicas autorais. Você gosta de compor sozinho ou também faz parcerias?
Wilson Simoninha - Eu não tenho preferência entre compor sozinho ou em parceria. Tenho ótimos parceiros, como Bernardo Vilhena, Carlos Rennó, Marcelo de Luca entre outros. Tem uma parceria nova com o Xande de Pilares. Mas também gosto de compor sozinho. O importante a colocar a sua inspiração para fora.

Resenhando.com - Você atua também como produtor. Você continua nessa atividade em paralelo com a música?
Wilson Simoninha - Sigo atuando como produtor e diretor musical em paralelo à minha carreira como músico. Essa é uma dimensão fundamental do meu trabalho. Desde 2001, estou à frente da S de Samba, produtora que fundei com Jair Oliveira, onde criamos trilhas publicitárias premiadas e desenvolvemos projetos musicais para marcas, cinema e televisão. Na TV Globo, assino a direção musical do Domingão desde 2016, passando pelas fases com Faustão e agora com Luciano Huck. E também, com a mesma intensidade e carinho, faço a direção musical do programa Viver Sertanejo, apresentado pelo cantor Daniel. Além disso, produzi as duas edições do especial Falas Negras e, mais recentemente, a inédita atração Pagode 90. Fui ainda responsável pela produção artística do documentário Chic Show (Globoplay). Esse trânsito entre palco, estúdio e audiovisual mantém meu trabalho em movimento e me inspira a explorar diferentes formas de levar música ao público

Resenhando.com - Fale sobre seus planos atuais na música. Você pretende gravar um novo álbum?
Wilson Simoninha - Sim, estou preparando um novo álbum de inéditas, que deve marcar mais um capítulo importante da minha trajetória. Depois de tantos projetos como diretor musical, produtor e intérprete, senti que era o momento de voltar ao estúdio para trazer novas canções e ideias. Tenho buscado arranjos que dialoguem com a minha história, mas também apontem para o futuro sempre guiado pela reinvenção, pelo talento das parcerias e pela alegria que a música me proporciona. É um trabalho que está sendo construído com muito carinho e que espero compartilhar em breve com o público.

"Sa Marina"

"Flor do Futuro"

"Mais Um Lamento"

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.: Crítica literária: Luna Vitrolira, poetisa e performer, de Recife para o mundo

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. 

A poetisa e performer pernambucana Luna Vitrolira desembarca em São Paulo com uma agenda intensa de apresentações, mesas de conversa e oficinas que antecipam sua primeira tour literária na Europa, programada para setembro e outubro, com passagens por Portugal, França, Inglaterra, Alemanha e Espanha.

A programação em São Paulo destaca a força da poesia nordestina e feminina contemporânea. No dia 9 de setembro, Luna divide a mesa “Entrelinhas Pernambucanas” com as poetisas Cida Pedrosa e Dayane Rocha, no Sesc CPF, abordando as ancestralidades, resistências e a potência da poesia produzida no Nordeste. No dia 10 de setembro, no Sesc 24 de Maio, apresenta o espetáculo “Em Nome da Liberdade”, em que entrelaça poesia falada, música e performance corporal para revisitar memórias de resistência da população negra.

No Sesc Taubaté, em 11 de setembro, repete a mesa “Entrelinhas Pernambucanas”. Já no Sesc Vila Mariana, conduz no próximo dia 13, uma oficina de criação poética e performance, seguida de apresentação pública gratuita dia 14 de setembro, às 15h00, na Praça de Eventos da unidade.

Após os compromissos em São Paulo, Luna segue para Juazeiro do Norte (12 de setembro, Balada Literária do Cariri) e Niterói (17 a 20 de setembro, com o grupo Mulheres de Repente no edital Pulsar). Logo depois, embarca para Lisboa, onde lança o livro “Memória Tem Águas Espessas” (23 de setembro, Livraria Travessa – Galeria Verso) e abre o Festival de Poesia de Lisboa (25 de setembro). A turnê inclui ainda apresentações no Festival Middle Ground, em Berlim, e no Festival FÓLIO, em Óbidos.

Luna Vitrolira é uma multiartista de destaque, sendo poetisa, cantora, compositora, pesquisadora e palestrante. Com uma trajetória marcada pela oralidade e pela poética das vozes, ela já se apresentou em eventos como a Flip e a Bienal do Livro de Pernambuco. Além de sua carreira artística, Luna é uma voz ativa em projetos de inclusão social e equidade de gênero, e atua em programas voltados para as juventudes periféricas.

Natural de Recife, iniciou sua trajetória artística aos 15 anos na cena da poesia falada, no sertão do Pajeú. Para Luna, a poesia é uma forma de existir, conectando-a ao mundo e à espiritualidade. Sua obra reflete processos de autorreconhecimento e de cura, marcados por sua busca por suas raízes ancestrais. "Memória tem Águas Espessas", nasce dessa imersão na memória canavieira da Zona da Mata de Pernambuco, abordando temas como ancestralidade, perdão e identidade, influenciado por escritoras negras como Conceição Evaristo e Grada Kilomba.

Luna estreou na literatura com "Aquenda - O amor Às Vezes É Isso", finalista do Prêmio Jabuti em 2019, transformado em um projeto transmídia. Além da poesia, ela é idealizadora do projeto "Mulheres de Repente" e jurada de prêmios literários como o Jabuti e o Oceanos. Luna também se destaca como CMO da 99Jobs, atuando em projetos que promovem equidade de gênero e combate ao racismo, voltados para a juventude periférica e instituições educacionais.

"Eu Acredito no Amor"

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.: Thomas Malherbe lança seu primeiro álbum autoral, “Garoto Tímido”

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto:divulgação

O cantor e compositor Thomas Malherbe está lançando neste mês o seu primeiro álbum, “Garoto Tímido”, nas principais plataformas digitais. O trabalho reúne oito faixas autorais e inéditas, marcando o início oficial de sua trajetória na música. Nascido em Paris, filho de mãe francesa e pai brasileiro, Thomas cresceu em um ambiente musical intenso, influenciado pelo pai, o músico, compositor e arranjador Ricardo Vilas. Desde cedo, trocou o pátio da escola pelos livros e pelos instrumentos, desenvolvendo sua veia de compositor introspectivo e inspirado.

Longe dos pátios escolares e das partidas de futebol, o ‘garoto tímido’, mergulhava em livros e sons. As leituras da adolescência deixaram marcas profundas em suas composições, que revelam sensibilidade e maturidade artística. Desde cedo, também encontrou amigos com quem compartilhava acordes no violão, baixo e guitarra, cultivando a base de sua linguagem musical.

Thomas compôs um repertório autoral que deu um resultado na gravação de seu primeiro álbum. Em “Garoto Tímido”, o artista revela-se um cantor comunicativo e caloroso, ao mesmo tempo sensível e inspirado ao interpretar suas próprias canções. Entre suas referências, Thomas cita Renato Russo da Legião Urbana e rock internacional capitaneado pelos Beatles, principalmente. "Estou muito animado com este primeiro álbum da minha carreira. É um projeto no qual venho trabalhando há muito tempo e me sinto realizado de poder apresentá-lo. Espero que gostem!", diz Thomas.

Com produção musical e arranjos de Rodrigo Campello, que trabalhou com diversos artistas renomados como João Bosco, Moraes Moreira, Marisa Monte, Lenine, Caetano Veloso, Gilberto Gil e outros. Músicos de peso, como Lancaster Lopes, no baixo, que também tocou e gravou com diversos artistas e bandas, assim como Marcelo Vig, que toca bateria nesse álbum.

"Garoto Tímido" - Thomas Malherbe

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.: Crítica musical: "Help", há 60 anos, a perda da inocência dos Beatles

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto:divulgação

Há 60 anos, os Beatles lançavam a trilha de seu segundo filme, "Help". O disco simbolizou uma mudança de postura na produção musical, com composições que exploravam mais os recursos do estúdio. Ainda que os hits que marcaram a beatlemania ainda estivessem presentes no repertório, era possível notar uma postura diferente dos Fab Four.

Em relação a trilha do primeiro filme, o "A Hard Day's Night" (que no Brasil se chamou "Os Reis do Ie-Ie-Ie"), e ao álbum "Beatles For Sale", os Fab Four estavam dando um passo adiante. A começar pela faixa título, considerada uma obra prima do período da beatlemania, com backing vocals colocados de forma genial em cima de um arranjo igualmente excelente.

John Lennon revelaria anos mais tarde que esse período da banda foi um dos mais difíceis para ele, em função da superexposição na mídia da época. E que a música era realmente um pedido de ajuda que ele procurou expor. Isso inclusive pode ser facilmente notado na letra: “When I was younger, so much younger than today/ I never needed anybody's help in any way/ But now these days are gone, I'm not so self assured/ Help me if you can, I'm feeling down”. ("Quando eu era jovem, muito mais jovem que hoje/Nunca precisei da ajuda de ninguém em nenhum sentido/Mas agora estes dias se foram, não sou seguro de mim mesmo/Agora descobri que mudei de ideia e abri as portas/Ajude-me se você puder, estou triste").

Outro momento brilhante desse álbum foi a balada "You've Got To Hide Your Love Away", também composta por John Lennon que foi inspirada no estilo de Bob Dylan. . Foi esse período que os Beatles conheceram Dylan pessoalmente. Eles se conheceram em 1964 e, desde então, desenvolveram uma relação de admiração mútua e colaboração, com trocas criativas e influências mútuas, apesar de algumas tensões ocasionais. 

O disco segue com momentos de protagonismo de Paul McCartney nas faixas "The Night Bewfore" e "Another Girl". Lennon volta a solar o vocal nas faixas "You´re Going To Lose That Girl" e na incrível "Ticket To Ride", com um memorável trabalho de Ringo Starr na bateria. As demais faixas contam com duas ótimas composições de George Harrison ("I Need You e You Like Me Too Much") e dois covers, sendo um deles cantado por Ringo (a canção folk "Act Naturally") e o rock´n roll raiz de "Dizzy Miss Lizzy" (de Larry Williams) cantado por John Lennon.

Não poderia deixar de citar a balada "Yesterday", que foi gravada por Paul McCartney acompanhado por um quarteto de cordas, o que era uma novidade para o grupo na época. Essa canção se tornaria uma das mais regravadas do repertório dos Beatles nos anos seguintes. As faixas "It´s Only Love", "I´ve Just Seen" a "Face e Tell Me What You See" complementam o disco mantendo aceso o clima da Beatlemania na sonoridade da banda.

A trilha de "Help" simboliza o início de mudança de paradigma musical. Eles passariam a utilizar mais os recursos que tinham no estúdio de gravação na época, ampliando os horizontes da música e se consolidando como uma das referências da história do rock.

"Help"

"You´ve Got To Hide Your Love Away"

"I Need You"

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.:"Todas Elas": Vanessa da Mata lança versão deluxe do novo álbum

Vanessa da Mata lançou a versão deluxe do álbum “Todas Elas”. O álbum conta com uma gravação da mato-grossense para o clássico “Nada Mais”, música lançada em 1984 na voz de Gal Costa para o álbum “Profana”, que é uma versão brasileira da balada “Lately” de Stevie Wonder, de 1980. A versão em português é de Ronaldo Bastos.

Viralizou nas redes sociais um vídeo de Vanessa da Mata interpretando a música durante os bastidores da gravação do programa “Altas Horas”. Na época, o vídeo recebeu inúmeros compartilhamentos e muitos elogios para Vanessa. A cantora e compositora explica o porquê da escolha de “Nada Mais” para a versão de luxe de “Todas Elas”.

“Gal Costa sempre foi uma referência de uma das vozes mais lindas do mundo para mim, atitude feminina, coragem. Acho que qualquer homenagem a Gal Costa e de suas contemporâneas só reacendem uma tradição de qualidade da música brasileira que nos sustenta em uma admiração mundial até hoje! Isso deve sempre ser recuperado, relembrado na nossa mais sociológica pulsão cumulativa de troca entre gerações e seus representantes e admissão de quem somos nos pontos mais grandiosos”, afirmou Vanessa da Mata.

O disco apresenta 11 músicas autorais com participação de João Gomes, Robert Glasper e Jota.pê, nas faixas Demorou e Um Passeio Com Robert Glasper Pelo Brasil e Troco Tudo. Assim como no trabalho anterior, Vanessa da Mata assina a produção musical do álbum "Todas Elas". Os arranjos têm criação coletiva, envolvendo a banda formada por músicos como Marcelo Costa (bateria), Maurício Pacheco (violão e guitarra) e Rafael Rocha (trombone), entre outros instrumentistas. Gravado e mixado no estúdio Visom Digital, na cidade do Rio de Janeiro.

A sonoridade oscila entre o som mais dançante de faixas como "Maria Sem Vergonha" e "É Por Isso Que Eu Danço", com momentos mais suaves e introspectivos, como as ótimas faixas "Esperança" e "Troco Tudo". Trata-se de um trabalho onde Vanessa está bem à vontade interpretando suas canções acompanhada de um time experiente de músicos.

"Maria Serm Vergonha"

"Esperança"

"Nada Mais"

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: Crítica musical: Vannick Belchior, um novo talento que surge

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto:divulgação

Santos terá a oportunidade de conhecer um pouco da obra de Vannick Belchior, filha do consagrado cantor e compositor Antonio Carlos Belchior.  Ela irá se apresentar no dia 14 de agosto a partir das 20h00 no Quintal da Veia (Rua Julio Conceição, 263 - Vila Mathias), trazendo o seu "Concerto a Palo Seco", com foco na rica obra autoral de Belchior.

Uma curiosidade: até 2020, Vannick Belchior estava muito certa de que seguiria o caminho do Direito e que cantar seria só um sonho de criança. Mas, faltando poucos meses para o mundo ganhar uma nova advogada, ela encontrou o músico Tarcísio Sardinha, velho amigo de seu pai e um dos mais experientes e admirados da cena cearense, que a convida para fazer um show. Foi o que bastou para mostrar o caminho da música para ela, que dois anos mais tarde lançaria o seu primeiro EP. Apresentações na televisão em programas como o "Altas Horas" do Serginho Groisman, serviram para mostrar que a cantora Vannick estava na área.

Nesse "Concerto a Palo Seco", Vannick traz um show mais acústico com releituras de composições consagradas, mescladas com outras canções menos conhecidas do grande público. Dessa forma ela inclui joias como "De Primeira Grandeza", que se mesclam com os conhecidos hits belchiorianos, como "Medo de Avião", "Paralelas" e "Divina Comédia Humana", entre outros. Direção musical e violões: Lu D'Sosa.

Vannick pretende levar o "Concerto a Palo Seco" em outras cidades  no segundo semestre. Para 2026, ela prepara um novo projeto ainda com foco na obra de seu pai e depois pretende investir na carreira como autora, uma coisa que vem amadurecendo aos poucos. “Quando o meu pai faleceu, que eu vi outras pessoas incessantemente regravando e cantando aquela coisa toda. Eu fiquei feliz. Eu pensei: ‘cara, ele merece. Ele merece ser cantado, ele merece estar em cada esquina com alguém cantando mesmo a música dele, a obra dele. Ele merece esse reconhecimento”. Informações sobre o show da Vannick em Santos podem ser acessadas no link https://www.bilheteriaexpress.com.br/ingressos-para-um-concerto-a-palo-seco-com-vannick-belchior-quintal-da-veia-shows-444256910214118.html

"Comentário a Respeito de John"

"De Primeira Grandeza"

"Galos Noites e Quintais"

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.: "Madman" e "Príncipe das Trevas": Ozzy Osbourne, o legado permanece

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação 

É impossível dimensionar a importância de Ozzy Osbourne na história do rock, que faleceu aos 76 anos no dia 22. Ele não só ajudou a moldar as bases do que se convencionaria chamar de heavy metal, como ainda se tornou um dos vocalistas mais emblemáticos do mundo do rock.

Como integrante fundador do Black Sabbath, Ozzy ajudou a produzir discos antológicos que até hoje influenciam roqueiros iniciantes. Após sair da banda, em 1979, iniciou um bem sucedida carreira solo, que também emplacou momentos antológicos, como o seminal álbum de estreia, "Blizzard Of Ozz".

É certo que sua saída do Black Sabbath não ocorreu de forma normal. Seus excessos no uso de entorpecentes e bebida alcoólica não podiam mais ser tolerados e por isso os demais integrantes decidiram demitir Ozzy. Mesmo na carreira solo, Ozzy dava sinais de que não havia abandonado a fama de maluco. Era chamado de "Madman".

Colecionou várias lendas e fatos verídicos, como a mordida acidental em um morcego, que ele pensou ser de mentira durante um show ao vivo. Esteve em 1985 na primeira edição do Rock In Rio e contribuiu para a solidificação do estilo heavy metal. Mas é preciso ressaltar a performance dele ao vivo. Tinha um incrível poder de interpretação vocal, que justificava a sua fama de "Príncipe das Trevas".

Nos últimos anos enfrentava sérios problemas de saúde, agravados pelo mal de Parkinson. No recente concerto "Back to The Begininng", que se tornou a última performance dele ao vivo, ele se apresentou sentado em uma poltrona.

Mas engana-se quem imaginou uma performance abaixo da expectativa neste show. O "Madman" foi simplesmente magnífico na sua performance, inclusive com os integrantes originais do Black Sabbath. Se era para ser uma despedida, ela foi feita com louvor. Ozzy deixa um legado importante e insuperável para as futuras gerações de músicos e admiradores do rock em geral.

"Crazy Train"

"Mr. Crowley"

"Mama I´m Coming Home"

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.: Crítica musical: Beto Viana estreia com a "Matriz Infinita do Sonho"

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Flora Negri

"Matriz Infinita do Sonho" é o nome do disco de estreia do músico pernambucano Beto Viana. Um trabalho de camadas interessantes e aparentemente simples nas composições, que traz novo frescor para a MPB. Segundo o autor, o trabalho é sobre como todos carregamos em nós a possibilidade e a necessidade de sonhar, a capacidade de criar mundos dentro do mundo, que é o ofício do compositor e do artista em geral. "Matriz Infinita do Sonho" é um verso de Joaquim Cardozo que se encontra no seu poema "Visão do Último Trem Subindo ao Céu", a quem o disco presta homenagem.

Para lançar seu álbum de estreia, Beto abriu a gaveta onde guardava, há anos, poemas, construções melódicas e boa parte das suas inspirações. Esse material foi a matéria prima com a qual ele começou a transformar, em parceria com Negro Leo, produtor do álbum, suas construções poéticas. Da palavra sentida e escrita para a palavra cantada. As nove canções de “Matriz Infinita do Sonho” são o resultado final de um processo de criação que já duram alguns anos e que mira a visão particular e peculiar de Beto sobre o sagrado e o sensível.

“Matriz Infinita do Sonho” conta com mais de 20 profissionais da música, num trajeto que une estúdios no Rio de Janeiro, Recife e Gravatá, no Agreste pernambucano. Nomes como o Junio Barreto, que divide os vocais com Beto na música “Dandara”, além do pianista Vitor Araújo, o percussionista Gilu Amaral, o baterista Thomas Harres, Pedrinhu Junqueira e Thiago Nassif, nas guitarras, e Pedro Dantas, no baixo.

"Dandara"

"Yara do Mar"

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.: Crítica musical: Wanda Sá, 80 anos em plena bossa nova

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Wanda Sá é daqueles casos raros de amor a primeira vista. Amor esse dividido com aquele estilo musical que nasceu no Rio de Janeiro e conquistou o mundo de ponta a ponta: a bossa nova. É impossível separar Wanda Sá desse requintado estilo musical e isso é fato.

Agora que está completando 80 anos, ela decidiu comemorar em grande estilo. Um disco com oito composições inéditas, oferecidas por nomes bem conhecidos do público: Carlos Lyra, João Donato, Roberto Menescal, Cristóvão Bastos, Abel Silva, entre outros, incluindo ainda os filhos Bebel Lobo e Bernardo Lobo. Jards Macalé participa na canção "A Voz de Sal", composta por ele em parceria com Romulo Fróes.

Apesar de ser uma intérprete, Wanda Sá também se aventura na composição, ao trazer uma valsa delicada feita em parceria com o filho Bernardo Lobo, bem no espírito da bossa nova. E a amiga Joyce Moreno divide gentilmente os vocais da faixa "Se Solta Coração", outro momento sublime desse disco.

Wanda Sá conseguiu reunir o veterano Marcos Valle com Nando Reis na canção "Só Desalento". Outra parceria inédita. E faz uma delicada releitura de "There Will Never Be Another You", do repertório de Chet Baker, um dos músicos que influenciaram os pioneiros da bossa nova.

Mas para mim a faixa que definiu de vez o conceito do álbum foi “Não Pergunte Demais”, parceria de Roberto Menescal e Abel Silva, com arranjo do mestre Antonio Adolfo, que abre o disco. Wanda Sá está simplesmente magistral nessa faixa com tom saudosista típico dos anos 60.

Wanda Sá contou que está esperando o disco sair em vinil, o que ocorrerá em agosto, quando ela começa a colocar o pé na estrada para divulgar o novo trabalho. E que não demore muito, pois quem curte música de qualidade merece ouvir esse seu novo trabalho.

"Não Pergunte Demais"

"Só Desalento"

"Se Solta Coração"

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