.: Teatro: “Prova de Vida” celebra carreira de Miriam Mehler com humor e coração

Comédia de Gustavo Pinheiro coloca uma aposentada de 90 anos diante de um funcionário de banco e reúne a veterana atriz a Rafael Primot sob direção de Marco Antônio Pâmio. Foto: Kim Leekyung

Uma senhora de 90 anos precisa provar que está viva para voltar a receber a aposentadoria. Do outro lado do balcão, um funcionário de banco desmotivado, preso a uma rotina burocrática e a um sonho profissional que ficou pelo caminho. É desse encontro, tão absurdo quanto familiar, que nasce “Prova de Vida”, comédia inédita de Gustavo Pinheiro escrita especialmente para Miriam Mehler e Rafael Primot. Dirigida por Marco Antônio Pâmio, a peça chega ao palco do Teatro TUCA como uma das comemorações pelos 70 anos de carreira de Miriam Mehler, atriz que atravessou diferentes momentos do teatro brasileiro e participou de montagens que entraram para a história dos palcos, entre elas “Eles Não Usam Black-tie”, “Panorama Visto da Ponte”, “As Bruxas de Salém”, “Pequenos Burgueses” e “Andorra”.

Formada pela Escola de Arte Dramática (EAD) em 1957, Miriam Mehler construiu sua trajetória em companhias fundamentais para o teatro brasileiro, como o TBC, o Teatro Oficina e o Teatro de Arena. Ao longo dessas sete décadas, trabalhou com diretores como Flavio Rangel, José Celso Martinez Corrêa, Antunes Filho, Gabriel Villela e Renato Borghi, além de receber prêmios como APCA, Shell, APTR e Bibi Ferreira. Em “Prova de Vida”, ela interpreta Vera Lúcia, aposentada que decide resolver pessoalmente o problema depois de ter o benefício suspenso por não realizar a prova exigida pelo banco. O que poderia ser apenas mais uma peregrinação burocrática ganha outros contornos quando ela encontra Miguel, personagem de Rafael Primot.

A dupla reúne duas gerações de intérpretes e também retoma a parceria iniciada em “A Herança”, montagem que reuniu Miriam Mehler, Primot e Pâmio. Foi justamente Primot quem procurou Gustavo Pinheiro em busca de um texto que pudesse dividir com a atriz. “A Miriam é um tesouro vivo do teatro brasileiro e dividir o palco com ela é sempre uma aula. Quando o Gustavo trouxe o texto, vi ali a chance de repetir a cumplicidade que criamos em A Herança, mas com uma história completamente nova, tocante e engraçada ao mesmo tempo. Fazer parte das comemorações dos 70 anos de carreira dela é uma honra que carrego com muito carinho”, afirma Primot.

Indicado aos prêmios Shell, Bibi Ferreira e APTR, Primot também recebeu indicações ao APCA nos dois últimos anos: em 2025, como ator, e em 2026, como autor. Já dividiu o palco com Bibi Ferreira, Débora Falabella e Marjorie Estiano e trabalhou sob a direção de Jô Soares, Monique Gardenberg, Zé Celso e Zé Henrique de Paula, entre outros. Para Miriam Mehler, a celebração de sete décadas de carreira ganha um sabor especial justamente por meio de uma personagem que lida com questões bastante presentes no cotidiano de pessoas idosas.

“Setenta anos de carreira parecem muitos, mas cada peça nova me faz sentir como se fosse a primeira vez. Vera Lúcia é uma personagem que me emociona porque fala de algo que todos nós vivemos, o mundo se moderniza e esquece de incluir as pessoas idosas neste avanço, muitas vezes. Trabalhar de novo com o Rafael, com Pâmio e com essa equipe é um presente. O texto de Gustavo é encantador. Assistam Prova de Vida e se identifiquem!”, Miriam Mehler. A tecnologia está no centro da questão levantada por Gustavo Pinheiro. Para o autor, a modernização de serviços básicos pode acabar criando novas barreiras para quem não cresceu cercado por ferramentas digitais. Resolver questões cotidianas passou a exigir celular, aplicativos e plataformas que nem sempre são simples para todos.

“Quis escrever sobre o avanço da tecnologia que vai colocando os idosos cada vez mais à margem da sociedade. Hoje em dia é preciso saber mexer em celular para tudo: comprar um ingresso de cinema, tirar um documento, entrar no Gov.br, uma exigência dura para uma geração que não é nativa digital como os mais novos. Tudo isso de encontro ao absurdo da burocracia brasileira é muito forte, mas ao mesmo tempo muito divertido”, explica Pinheiro. O autor de “Dois de Nós”, com Antônio Fagundes e Christiane Torloni, “A Lista”, com Lilia Cabral, e “A Tropa”, com Otavio Augusto, coloca os personagens diante de uma situação aparentemente banal que acaba abrindo espaço para conversas sobre escolhas, autonomia, frustrações e desejos que ainda podem ser realizados.

Pâmio, que já havia trabalhado com os dois atores em “A Herança”, destaca a combinação entre os intérpretes e o texto. “Miriam Mehler e Rafael Primot, representantes de duas gerações de nossos melhores intérpretes, reunidos nesse texto bem-humorado e profundamente humano de Gustavo Pinheiro, fazem 'Prova de Vida     ir muito além do termo técnico que seu título carrega. Pois, mais do que uma prova, esta peça fala da chama da vida: da importância de sorvermos cada gota dela, de nunca abandonarmos nossos sonhos em nome de uma estabilidade ilusória e, acima de tudo, acharmos sentido e prazer em nossa jornada no mundo”.

Em cena, o encontro inicialmente marcado pela impaciência e pela desconfiança vai ganhando outras camadas. Entre procedimentos burocráticos e situações absurdas, Vera Lúcia e Miguel encontram espaço para falar sobre o que fizeram com as próprias vidas e sobre aquilo que ainda desejam fazer. A temporada de “Prova de Vida” segue até 13 de dezembro no Teatro TUCA, em Perdizes, com sessões às sextas e sábados, às 20h30, e aos domingos, às 17h00.

Ficha técnica
"Prova de Vida"
Texto: Gustavo Pinheiro
Direção: Marco Antônio Pâmio
Elenco: Miriam Mehler e Rafael Primot
Figurinos: Fábio Namatame
Cenários: Marco Lima
Desenho de luz: Sarah Salgado
Trilha Sonora: Chico Beltrão
Produção: Fábio Câmara
Produção executiva: Enkapothado Produções Artísticas
Assistentes de produção: Rodrigo Frampton e Franz Keppler
Assessoria de imprensa: Pombo Correio
Fotos: Kim Leekyung
Arte gráfica: Haroldo Miklos

Serviço
"Prova de Vida"
Local: Teatro TUCA – 672 lugares
Endereço: Rua Monte Alegre, 1024, Perdizes / São Paulo
Temporada: 7 de novembro a 13 de dezembro de 2026
Sessões: sextas e sábados, às 20h30; domingos, às 17h00
Ingressos: sextas, sábados e domingos – R$ 140,00 (inteira) / R$ 70,00 (meia-entrada)

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.: “Alma” reúne cinco mulheres e encerra trilogia foto-literária de Nana Moraes

Livro da Cobogó aproxima fotografia, relatos e memória para contar histórias de mulheres que vivem na rua e atuam na luta por moradia, políticas públicas e respeito

Cinco mulheres, cinco trajetórias e uma história que começou muito antes do encontro com a câmera. “Alma”, novo livro de Nana Moraes, reúne Girlene de Jesus Almeida, Maria Madalena Pereira de Souza, Mônica Ramos, Márcia Aparecida Bayma Silva e Sheila de Jesus Santana em um trabalho que aproxima fotografia, memória e relatos em primeira pessoa. As cinco vivem ou viveram a experiência da rua e atuam em movimentos sociais de Salvador, onde participam de lutas por moradia, políticas públicas e reconhecimento. Entre 2023 e 2024, Nana Moraes foi ao encontro delas. O resultado chega às livrarias pela Cobogó em 18 de novembro e combina retratos, textos, colagens e composições gráficas.

As imagens dividem espaço com as vozes das personagens. Suas conquistas, frustrações, segredos e projetos de futuro aparecem nos relatos e ajudam a construir um livro que convida o leitor a olhar para essas mulheres para além das marcas sociais normalmente associadas a quem vive nas ruas. “Alma” encerra a trilogia foto-literária “DesAmadas”, iniciada por “Andorinhas”, publicado em 2011, e seguida por “Ausência”, de 2022. São quinze anos de um projeto dedicado a mulheres submetidas a diferentes formas de estigma e discriminação. Com texto de Leda Maria Martins, o terceiro volume retoma uma questão que atravessa a trajetória da fotógrafa: o que acontece quando pessoas tratadas como invisíveis passam a ocupar o centro da narrativa?

O livro também confronta a ideia de que viver na rua seria simplesmente uma escolha individual. As cinco mulheres aparecem como sujeitos de suas próprias histórias, envolvidas em movimentos coletivos e na construção de possibilidades concretas para suas vidas. A presença da fotografia, nesse percurso, ganha uma função que ultrapassa o registro. Nana Moraes aproxima rostos, gestos e palavras, deixando que memória e imaginação convivam nas páginas. O trabalho gráfico cria uma espécie de território comum para essas diferentes vozes, enquanto os relatos dão outra dimensão aos retratos.

A trilogia “DesAmadas” nasceu de uma pesquisa continuada sobre mulheres que costumam ser vistas por meio de rótulos antes de serem reconhecidas em sua humanidade. “Alma” chega ao fim desse percurso com cinco personagens que reivindicam espaço para falar de si, lembrar o passado e imaginar o futuro.

Sobre a autora
Nana Moraes nasceu em 1963, no Rio de Janeiro, e é formada em Jornalismo pela PUC de São Paulo. Desde 1989, atua nos mercados editorial, cultural e publicitário e coordena o Retrato Espaço Cultural. Foi seis vezes vencedora do Prêmio Abril de Jornalismo e recebeu, em 2007 e 2011, o prêmio de Destaque Profissional/Fotografia da Associação Brasileira de Propaganda. Além de “Andorinhas” e “Ausência”, seus trabalhos foram apresentados em espaços como o Espaço Tom Jobim, no Jardim Botânico do Rio de Janeiro, o Centro Cultural Correios, durante o FotoRio, a Casa da Cultura de Paraty e a Fundação Oswaldo Cruz. Por “Ausência”, recebeu, em 2019, a Medalha Jorge Careli de Direitos Humanos, do Sindicato dos Trabalhadores da Fiocruz. Em 2024, realizou a exposição “Teatro”, com curadoria de Marcio Abreu, no Retrato Espaço Cultural.

Ficha técnica
“Alma”
Autora: Nana Moraes
Texto complementar/posfácio: Leda Maria Martins
Texto de orelha: Isabella Rosado Nunes
Capa: Nana Moraes e Ana Dias
Projeto gráfico: Ana Dias
Número de páginas: 176
Formato: 17 x 23 cm
Encadernação: brochura
ISBN: 978-65-5691-214-1
Editora: Cobogó
Ano: 2026

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.: “Aula Vaga - Teoremas do Impossível” leva o adoecimento docente ao palco

Grupo Pandora de Teatro transforma relatos de professores da rede pública em espetáculo que mistura teatro documental, audiovisual e poesia. Foto: Pedro Daniel

Uma sala de aula pode ser lugar de aprendizado, encontro e descoberta. Também pode concentrar burocracia, exaustão, cobranças e uma rotina capaz de adoecer quem está diante do quadro. É a partir dessa contradição que o Grupo Pandora de Teatro apresenta “Aula Vaga - Teoremas do Impossível”, nos dias 13, 14 e 15 de novembro, no Teatro Arthur Azevedo, em São Paulo. Criado a partir de relatos reais de professoras e professores da rede pública, o espetáculo aproxima teatro documental, audiovisual e poesia para investigar o desgaste dos profissionais da educação e as dificuldades enfrentadas pela escola pública brasileira. A temporada tem entrada gratuita.

Em cena, duas professoras e um professor têm suas trajetórias reunidas em um mosaico de memórias, cansaço e resistência. A montagem parte de situações concretas do cotidiano escolar e as desloca para uma atmosfera de realismo fantástico, na qual realidade e delírio passam a dividir o mesmo espaço. O texto e a direção são de Lucas Vitorino, que desenvolveu a criação a partir de entrevistas, oficinas teatrais em escolas públicas e encontros com trabalhadores da educação. O processo incluiu uma oficina de criação de três meses na sede do Grupo Pandora, em Perus. Relatos registrados em áudio e vídeo durante a pesquisa serviram de material para a construção dramatúrgica.

A pesquisa também encontra respaldo em números que ajudam a dimensionar o problema. Segundo levantamento do Centro do Professorado Paulista (CPP), baseado em dados da Diretoria de Perícias Médicas do Estado (DPME), entre janeiro e setembro de 2025 foram registradas 25.699 licenças médicas de professores da rede estadual paulista por transtornos mentais e comportamentais. Os afastamentos representaram 911.634 dias longe das salas de aula. “Aula Vaga” leva essa realidade para uma cena que combina diferentes linguagens. Câmeras acompanham os atores e produzem imagens em tempo real, enquanto projeções e registros documentais ampliam a presença dos educadores que participaram da pesquisa. A sala de aula aparece reorganizada no palco, com lousa, carteiras e outros elementos retirados de seu uso habitual.

A trilha sonora aproxima trap e música eletrônica do universo escolar, criando uma ponte entre gerações e ajudando a deslocar a experiência cotidiana para uma linguagem cênica contemporânea. “A nossa vontade é falar com os professores que existe um grupo de teatro olhando para essa dor, para essa ferida, para essa luta. É uma peça política, mas profundamente poética”, afirma Lucas Vitorino. Contemplado pela 45ª edição do Programa Municipal de Fomento ao Teatro para a Cidade de São Paulo, “Aula Vaga – Teoremas do Impossível” coloca a crise da educação em primeiro plano sem deixar de olhar para quem continua trabalhando dentro dela. O resultado é uma peça sobre profissionais que lidam diariamente com situações que parecem impossíveis - e ainda assim precisam voltar para a sala de aula no dia seguinte.

Ficha técnica

"Aula Vaga - Teoremas do Impossível"

Criação: Grupo Pandora de Teatro

Texto e direção: Lucas Vitorino

Elenco: Rodolfo Vetore, Thais Kaori e Thalita Duarte

Vídeo e edição: Filipe Dias

Cenografia: Thalita Duarte

Figurino: Claudia Schapira

Adereços: Thais Kaori

Desenho de luz: Elves Ferreira e Kauã Vitorino

Preparação corporal: Rodolfo Vetore

Workshops: Marcelo Soler, Tânia Faria e Heloísa de Lima

Cenotecnia: Duarte Serralheria

Máscaras de papel machê: Daniel Normal

Costureira: Cleuza Amaro da Silva Barbosa

Operação de vídeo: Lucas Vitorino

Operação de som: Mateus Ramon

Técnica e operação de luz: Kauã Vitorino

Assistência de produção: Camila Oliveira

Foto e design gráfico: Pedro Daniel

Produção administrativa: Junior Cecon

Produção: Thalita Duarte

Serviço

“Aula Vaga - Teoremas do Impossível”

Local: Teatro Arthur Azevedo – Avenida Paes de Barros, 955, Alto da Mooca, São Paulo

Datas: 13, 14 e 15 de novembro de 2026

Horários: sexta e sábado, às 20h; domingo, às 19h

Duração: 70 minutos

Classificação indicativa: 10 anos

Ingressos: gratuitos. Retirada na bilheteria uma hora antes do início da apresentação, sujeita à disponibilidade.

Atenção: o espetáculo utiliza efeitos de luzes estroboscópicas e flashes luminosos.

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.: “OSMO”, de Hilda Hilst: violência e desejo em três apresentações em SP

Montagem dirigida por Suzan Damasceno e protagonizada por Donizeti Mazonas leva ao Teatro de Arena Eugênio Kusnet um personagem que mistura pretensões literárias, desejo e assassinato. foto: divulgação

Um homem escreve a própria história enquanto alimenta uma rotina de sedução e assassinato. Entre a literatura e o horror, Osmo tenta encontrar algum sentido para a vida, a morte e a transcendência. É desse território incômodo, radicalmente hilstiano, que parte “OSMO”, espetáculo inspirado na obra de Hilda Hilst, que faz três apresentações no Teatro de Arena Eugênio Kusnet, em São Paulo, nos dias 13, 14 e 15 de novembro.

Com direção e trilha de Suzan Damasceno, concepção, cenografia e interpretação de Donizeti Mazonas, a montagem retoma um trabalho que estreou em 2014, no Sesc Belenzinho, e que já passou por diferentes temporadas e espaços, incluindo a 10ª edição do CASA – Latin American Theatre Festival, em Londres.

Em cena, o corpo do ator se torna espaço de tensão para uma narrativa construída pela palavra. Osmo é um serial killer com pretensões literárias que está escrevendo a própria história quando recebe um telefonema convidando-o para dançar. O convite aparentemente banal dá início a um ritual perverso: sair com uma mulher, seduzi-la e assassiná-la.

A partir daí, o personagem constrói uma narrativa fragmentada, em que pensamento, desejo e ação se confundem. A busca por compreender a existência convive com a incapacidade de estabelecer qualquer limite ético para os próprios atos. A adaptação assinada por Donizeti Mazonas e Suzan Damasceno parte da escrita de Hilda Hilst para colocar em cena questões que permanecem brutalmente atuais. Erotismo, metafísica e violência aparecem em confronto com a realidade do feminicídio, enquanto a trajetória de Osmo expõe uma lógica de dominação que transforma mulheres em objetos de seu desejo e de sua fantasia.

A encenação evita tratar a violência do protagonista como uma aventura psicológica isolada. O espetáculo encara o personagem e suas contradições, colocando em tensão a dimensão estética da literatura e a responsabilidade ética diante da brutalidade que ela representa. O resultado é um monólogo de 70 minutos em que a palavra conduz o espectador por um território desconfortável, entre a elaboração literária de um assassino e as consequências concretas de seus atos. A produção é realizada pela Tatau Filmes e pelo Núcleo EntreTanto.

Donizeti Mazonas é ator, diretor, criador e produtor cultural. Formado pela Unicamp, atua em São Paulo desde 1995 e integrou o Centro de Pesquisa Teatral (CPT), coordenado por Antunes Filho. Em 2003, fundou a Companhia da Mentira e, em 2019, criou com Gilda Nomacce a produtora Tatau Filmes. A pesquisa artística dele mantém uma relação particularmente intensa com a literatura de Hilda Hilst. Entre os trabalhos desenvolvidos a partir da obra da escritora estão “A Obscena Senhora D” (2008), “Rútilo Nada” (2010), “Onde os Começos?” (2010), “OSMO” (2014), “Floema” (2016) e “RÚTILOS” (2025). O próprio percurso de “OSMO” inclui temporadas anteriores e a participação no CASA – Latin American Theatre Festival, em Londres.

Ficha técnica

"OSMO"

Texto: Hilda Hilst

Adaptação: Donizeti Mazonas e Suzan Damasceno

Direção e trilha: Suzan Damasceno

Concepção, cenografia e interpretação: Donizeti Mazonas

Participação especial: Erica Knapp

Iluminação: Hernandes de Oliveira

Fotos: Keny Andrade

Realização: Tatau Filmes e Núcleo EntreTanto

Serviço

“OSMO”

Local: Teatro de Arena Eugênio Kusnet – Rua Doutor Teodoro Baima, 94, São Paulo

Datas: 13, 14 e 15 de novembro de 2026

Horários: sexta e sábado, às 20h; domingo, às 19h

Duração: 70 minutos

Classificação: 18 anos

Ingressos: R$ 60,00 (inteira) e R$ 30,00 (meia), à venda pela Sympla e na bilheteria do teatro, uma hora antes das sessões.

Instagram: @nucleoentretanto

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.: “Comunidade” no teatro questiona quem paga o preço pelo coletivo

Cia. Perversos Polimorfos revisita “A Sagração da Primavera” para investigar sacrifício, controle e outras formas de convivência. Foto: Fabio Furtado

Quem decide quem deve ser sacrificado para que um grupo sobreviva? E por que, tantas vezes, o corpo escolhido para pagar essa conta é o de uma mulher? Essas perguntas movem “Comunidade”, espetáculo da Cia. Perversos Polimorfos que retorna aos palcos paulistanos em novembro, com duas temporadas gratuitas: de 13 a 15, no Teatro Cacilda Becker, e de 20 a 22, no Teatro Paulo Eiró. Inspirada em “A Sagração da Primavera”, composição de Igor Stravinsky com coreografia de Vaslav Nijinsky apresentada originalmente em 1913, a montagem desloca o conhecido ritual da jovem escolhida para o sacrifício para discutir as engrenagens sociais que ainda definem quem pode ser excluído, controlado ou eliminado em nome de uma suposta ordem coletiva.

Com concepção, dramaturgia e direção geral de Ricardo Gali, “Comunidade” olha para a lógica patriarcal presente no mito e procura outro caminho: pensar o coletivo como espaço de acolhimento, resistência e convivência entre diferenças. A pergunta deixa de ser apenas quem será sacrificado e passa a incluir o que uma comunidade poderia construir caso recusasse a necessidade de escolher uma vítima. A criação começou em 2021, a partir de uma pesquisa sobre diferentes montagens de “A Sagração da Primavera” e sobre a composição de Stravinsky. O estudo das duas partes da obra original, “A Adoração da Terra” e “O Sacrifício”, levou a companhia a organizar a montagem em três movimentos: “A Festa”, “O Silêncio” e “O Espanto da Morte”.

O processo de criação também incorporou conversas com artistas, pesquisadores e pensadores de diferentes áreas. Alejandro Ahmed, Ana Teixeira, Eduardo Guimarães, Gal Martins, Rosângela Alves, Sérgio Oliveira, Sylviane Guilherme, Christian Dunker, Suely Rolnik, Dimitra Vulcana, Marina Guzzo e Carolina Bianchi participaram dos encontros que alimentaram a pesquisa, incluindo reflexões sobre os impactos da pandemia de Covid-19 na criação artística.

Em cena, a ideia de comunidade passa pela possibilidade de construir relações baseadas no cuidado e na solidariedade. O ritual de morte que está na origem de “A Sagração da Primavera” ganha outra leitura: em vez de aceitar a escolha de uma vítima em nome do grupo, a montagem pergunta se seria possível dividir a experiência, brincar, festejar e afirmar a vida diante da própria finitude.

A trajetória de “Comunidade” está ligada às comemorações dos 15 anos da Cia. Perversos Polimorfos. Fundada em 2009 e dirigida por Ricardo Gali, a companhia desenvolve uma pesquisa transdisciplinar e processos colaborativos de criação, com atenção à singularidade de seus intérpretes. O grupo reúne 13 espetáculos e três filmes em seu repertório e já apresentou trabalhos no Brasil e em países como Alemanha, Colômbia e França.

Entre as criações da companhia estão “Ânsia”, indicado ao Prêmio Bravo!, “Shine”, indicado ao Prêmio APCA, “O Homem sem um Nome” e “Comunidade”. O grupo também criou o Festival Ensaios Perversos e recebeu o Prêmio Denilto Gomes em diferentes edições. Com 50 minutos de duração e classificação indicativa de 14 anos, “Comunidade” terá entrada gratuita nas duas temporadas. A sessão de 22 de novembro, no Teatro Paulo Eiró, contará com audiodescrição realizada pela AD Adamy.

Ficha técnica

"A Sagração da Primavera"
Concepção, dramaturgia e direção geral: Ricardo Gali

Performers: Arthur Sebbast, Carolina Canteli, Danielli Mendes, Felipe Teixeira, Gustavo Cabral, Maria Emilia Gomes, Mariana Molinos e Maurício Alves

Provocação artística: Carolina Splendore

Colaboração: Ana Teixeira, Renan Marcondes e Judson Cabral

Entrevistas – Conversas sem fim: Alejandro Ahmed, Ana Teixeira, Eduardo Guimarães, Gal Martins, Rosângela Alves, Sérgio Oliveira, Sylviane Guilherme, Christian Dunker, Suely Rolnik, Dimitra Vulcana, Marina Guzzo e Carolina Bianchi

Assistência de direção: Marcela Reichelt e Isis Andreatta

Assistência de produção: Isis Andreatta

Trilha sonora: Lourenço Rebetez

Design de luz: Jo Rios

Design gráfico: Dot Carolino

Figurino: Ricardo Gali

Direção de produção: Zé Renato – CAIS Produção

Registros audiovisuais (2024): Osmar Zampieri

Registros fotográficos e audiovisuais (2026): Fábio Furtado e Pedro Balmant

Assessoria de imprensa: Elaine Calux

Audiodescrição: AD Adamy

Realização: projeto contemplado pela 39ª edição do Programa Municipal de Fomento à Dança para a Cidade de São Paulo – Secretaria Municipal de Cultura.

Serviço

“Comunidade” – Cia. Perversos Polimorfos

Teatro Cacilda Becker

Rua Tito, 295 – Lapa, São Paulo

13, 14 e 15 de novembro de 2026

Sexta e sábado, às 20h; domingo, às 19h

Telefone: (11) 3864-4513

Teatro Paulo Eiró

Avenida Adolfo Pinheiro, 765 – Santo Amaro, São Paulo

20, 21 e 22 de novembro de 2026

Sexta e sábado, às 20h; domingo, às 19h

Telefone: (11) 5546-0449

Duração: 50 minutos

Classificação: 14 anos

Acessibilidade: sim

Audiodescrição: 22 de novembro, no Teatro Paulo Eiró, por AD Adamy

Ingressos: gratuitos. Retirada na bilheteria uma hora antes de cada apresentação, sujeita à disponibilidade. Também é possível reservar antecipadamente pela Sympla.

Instagram: @ciaperversospolimorfos

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.: “Elena do Gueto” resgata mulher que enfrentou fascismo e quis salvar judeus

Drama histórico dirigido por Stefano Casertano acompanha a trajetória real de Elena Di Porto, interpretada por Micaela Ramazzotti, mulher rebelde que foi desacreditada quando tentou alertar a população sobre o cerco nazista

Roma, 1938. O fascismo já faz parte da rotina, mas a violência ainda vai ganhar contornos muito mais brutais. É nesse período que começa a trajetória de Elena Di Porto, personagem real que inspira “Elena do Gueto”. Primeiro longa-metragem de Stefano Casertano, com Micaela Ramazzotti no papel principal, o filme percorre cinco anos da história italiana até chegar à ocupação nazista e ao dramático episódio do rastreamento do gueto de Roma, em 16 de outubro de 1943. O público pode assistir gratuitamente no streaming Belas Artes À La Carte, dentro da programação do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil, e em sessões em cinemas espalhados pelo Brasil.

Elena era uma mulher difícil de enquadrar nos padrões da época. Separada do marido, usava calças, fumava, bebia, jogava bilhar e praticava boxe. No bairro, ganhou o apelido de “Elena, a louca”, uma etiqueta conveniente para quem preferia desconsiderar uma mulher que não se comportava de acordo com o que esperavam dela. Quando os nazistas passaram a ocupar Roma, ela se aproximou da resistência e conseguiu informações sobre a operação que seria realizada contra os judeus do gueto.

O problema é que Elena sabia o que estava acontecendo antes de muita gente e tentou avisar seus vizinhos. Pouco antes do cerco de 16 de outubro, correu pelas ruas do gueto gritando para que todos fugissem. A informação, porém, encontrou uma barreira cruel: quem a conhecia já havia decidido que ela era “a matta”, a maluca. A história real ganha no filme uma dimensão especialmente incômoda porque a mulher que todos julgavam exagerada estava, afinal, enxergando o perigo com bastante clareza.

Micaela Ramazzotti assume Elena com uma personagem distante daquela imagem de mulher frágil que marcou parte de sua filmografia. Em entrevista à ANSA antes da estreia, a atriz afirmou ter se apaixonado pela figura de Elena e destacou a liberdade de uma mulher que cuidava da família, dos amigos e de outras pessoas do gueto enquanto enfrentava as convenções sociais de seu tempo. Para interpretar a personagem, Ramazzotti também trabalhou o giudaico-romanesco, dialeto associado à comunidade judaica de Roma.

O diretor Stefano Casertano também encontrou uma particularidade histórica que ajudou a aproximá-lo da personagem: Elena Di Porto está entre os poucos nomes femininos inscritos na placa que homenageia os partigiani judeus romanos na fachada da Sinagoga de Roma. A escolha diz bastante sobre a dimensão da personagem, cuja história permaneceu durante muito tempo restrita à memória de quem conhecia o cotidiano do antigo gueto.

Casertano assina o roteiro ao lado de Francesca Della Ragione e Alessandra Kre. O elenco reúne ainda Valerio Aprea, Giulia Bevilacqua e Caterina De Angelis, além de Marcello Maietta, Giovanni Calcagno, Gabriele Cirilli e Claudia Della Seta. A produção é da Titanus Production e Masi Film, com Rai Cinema, M74, Sound Art 23 e Titanus S.p.A.

“Elena do Gueto” estreou na 20ª Festa do Cinema de Roma, em outubro de 2025, na seção Grand Public. A produção chegou aos cinemas italianos em janeiro de 2026 e recebeu atenção da imprensa especializada pela recuperação de uma personagem histórica pouco conhecida fora de Roma. A crítica da Cineuropa classificou Elena como uma figura de resistência, feminista avant la lettre e vítima da descrença de quem a considerava simplesmente “a matta”.

No Brasil, o filme integra a programação contemporânea do 21º Festival de Cinema Italiano, que reúne produções recentes da cinematografia italiana em salas de cinema e também no streaming. Pelo Belas Artes À La Carte, “Elena do Gueto” pode ser assistido gratuitamente entre 5 de novembro e 1º de dezembro de 2026. Na página do filme, basta selecionar a opção “Assistir Filme”; para quem prefere a televisão, o aplicativo da plataforma está disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

A história de Elena Di Porto tem uma ironia amarga: em um período no qual a perseguição política e racial se tornava cada vez mais evidente, foi preciso primeiro desacreditar a mulher que percebeu o perigo. “Elena do Gueto” recupera essa trajetória sem tirar dela a contradição que torna a personagem tão interessante. Elena queria ser ouvida porque sabia o que estava por vir. Quando finalmente ficou claro que ela tinha razão, o tempo já havia acabado.

Serviço

“Baracoa” integra o 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente no Belas Artes À La Carte durante o período do evento. Na página do filme, basta clicar em "Assistir Filme". O acesso permanece disponível de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026, inclusive para não assinantes. Para assistir pela televisão, é possível utilizar o aplicativo Belas Artes À La Carte disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

Ficha técnica

“Elena do Gueto” | “Elena del Ghetto” (título original)
Gênero: drama, histórico. Duração: 98 minutos. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 2025. Data de lançamento no Brasil: 5 de novembro de 2026, no Festival de Cinema Italiano; lançamento comercial italiano: 29 de janeiro de 2026. Idioma: italiano. Direção: Stefano Casertano. Roteiro: Stefano Casertano, Francesca Della Ragione e Alessandra Kre. Elenco: Micaela Ramazzotti, Valerio Aprea, Giulia Bevilacqua, Caterina De Angelis, Marcello Maietta, Giovanni Calcagno, Gabriele Cirilli, Claudia Della Seta e Florence Nicolas. Distribuição no Brasil: 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil / streaming Belas Artes À La Carte. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

Assine o Belas Artes À La Carte, o streaming para quem ama cinema de verdade

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.: Mariana Enriquez percorre cemitérios e transforma morte em matéria literária

Mariana Enriquez reúne viagens, histórias e memórias em uma obra de não ficção que explora cemitérios famosos, esquecidos e assombrados pelo mundo

Cemitérios podem guardar histórias tão interessantes quanto os nomes inscritos em suas lápides. Para Mariana Enriquez, eles também são lugares privilegiados para observar como diferentes culturas lidam com a morte, a memória e aquilo que permanece depois que alguém parte. Em “Alguém Caminha sobre o Seu Túmulo”, a escritora argentina transforma sua antiga fascinação por necrópoles em uma coleção de relatos de viagem, investigação e memória.

Publicado originalmente em 2014 e relançado em edição ampliada em 2021, o livro chega às livrarias brasileiras em setembro pela Intrínseca. Ao longo de 376 páginas, Enriquez percorre cemitérios das Américas do Sul e do Norte, da Europa e da Austrália, passando por locais conhecidos, como Montparnasse, em Paris, e Highgate, em Londres, e também por espaços mais remotos, deteriorados e pouco conhecidos.

A autora visita túmulos de personalidades como Elvis Presley, em Memphis, e Karl Marx, em Londres, mas sua atenção não se limita aos mortos famosos. Epitáfios extravagantes, esculturas melancólicas, anjos sensuais, criptas góticas, catacumbas, esqueletos, histórias de vampiros e fantasmas entram no mesmo roteiro, ao lado de manifestações do vodu em Nova Orleans e de antigas lendas que continuam circulando entre os vivos.

A jornalista que existe em Enriquez também assume papel importante na construção dos textos. Coveiros, guardas, visitantes, historiadores e moradores aparecem como personagens dessas andanças e ajudam a ampliar o olhar sobre cada lugar. Seus depoimentos se misturam a lendas urbanas, biografias, acontecimentos históricos e lembranças coletivas.

A relação da escritora com os cemitérios vem de muito tempo. Desde jovem, ela cultiva uma fascinação pelo universo funerário e por sua estética peculiar. Em “Alguém Caminha sobre o Seu Túmulo”, essa obsessão ganha forma em ensaios literários que passeiam entre lápides, esculturas e histórias de mortos célebres ou anônimos. Em determinado momento, Enriquez escreve que “morrer parece muito mais interessante do que estar vivo”. A frase combina bem com uma autora que encontrou nas necrópoles um cenário fértil para investigar os vivos.

As viagens também servem para observar como arquitetura, religião, arte e memória se relacionam com diferentes maneiras de compreender a morte. Cada cemitério carrega suas próprias regras, personagens e fantasmas - alguns concretos, outros alimentados pela imaginação. Ao juntar experiências pessoais, pesquisa histórica, relatos de viagem e observações sobre arquitetura e cultura, Mariana Enriquez constrói uma obra de não ficção que preserva o gosto pelo estranho presente em sua ficção. O resultado interessa tanto a quem acompanha seus romances e contos quanto a leitores dispostos a descobrir que, entre uma lápide e outra, existe bastante coisa para contar.

Sobre Mariana Enriquez
Mariana Enriquez nasceu em Buenos Aires, em 1973. Escritora, jornalista e professora, publicou romances, relatos de viagens e biografias. Pela Intrínseca, lançou as coletâneas de contos “As Coisas que Perdemos no Fogo”, “Os Perigos de Fumar na Cama” e “Um Lugar Ensolarado para Gente Dombria”, além dos romances “Este é o Mar” e “Nossa Parte de Noite”, vencedor do Prêmio Herralde de Novela de 2019, na Espanha.

Ficha técnica
“Alguém Caminha sobre o Seu Túmulo”
Autora: Mariana Enriquez
Editora: Intrínseca
Tradução: Elisa Menezes
Páginas: 376
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.: Livro “Uma Vaca a Arrotar Metano”, de Gabriela Relvas, é lançado no Brasil

Romance de Gabriela Relvas mistura tragicomédia, desejo, superstição e absurdo ao acompanhar quatro dias de uma protagonista tentando escapar da própria cabeça

Quatro dias de férias. Uma ilha nos Açores. Oito homens - e meio - na bagagem afetiva. E uma cabeça incapaz de tirar folga. É com essa combinação pouco convencional que a escritora, roteirista, atriz e apresentadora portuguesa Gabriela Relvas conduz “Uma Vaca a Arrotar Metano”, romance que chega ao Brasil pelo selo Tapioca Literária, do Grupo Pioneira Editorial. No livro, a protagonista Antónia escolhe a ilha de São Miguel para passar alguns dias longe da rotina acelerada e, de quebra, tentar se livrar dos homens que ocupam sua vida amorosa. O plano parecia razoável. Só não contava com um detalhe bastante inconveniente: mesmo longe de tudo e de todos, Antónia continua acompanhada pela própria cabeça.

A viagem ganha contornos ainda mais estranhos quando ela conhece Maria de Jesus, contratada para lhe fazer companhia durante a temporada. Versada em artes ocultas, a nova amiga coloca mais um ingrediente nessa já peculiar receita. Superstição, memória, desejo e imaginação começam a se embaralhar, deixando a fronteira entre aquilo que acontece e aquilo que Antónia inventa cada vez mais difícil de localizar.

Apresentado como uma tragicomédia, “Uma Vaca a Arrotar Metano” aposta em humor ácido, erotismo, absurdo e inquietação existencial. Gabriela Relvas acompanha os pensamentos da protagonista em ritmo acelerado, transformando situações corriqueiras em episódios desconcertantes e, muitas vezes, hilários. Por trás da irreverência, aparecem questões relacionadas à solidão, ao desejo, à criação artística, à memória e às contradições da experiência humana. A autora não economiza na língua afiada nem na disposição para colocar sua personagem diante de situações capazes de provocar tanto uma risada quanto algum desconforto.

Antónia, aliás, não faz questão de esconder o que pensa. Em determinado momento, resume sua relação com o mundo de maneira bastante pouco diplomática: “Tudo me parece um cagalhão”. Mais adiante, encontra uma definição ainda mais apropriada para si mesma: “Eu estou toda poluída, sim, sou uma vaca a arrotar metano”. O resultado é uma narrativa de humor corrosivo e imaginação desmedida, acompanhando uma mulher que viaja para se afastar da própria vida e descobre, no caminho, que levar a si mesma na bagagem pode ser o maior dos problemas.

Sobre Gabriela Relvas

Nascida no Porto, em 1983, Gabriela Relvas atua como escritora, roteirista, atriz e apresentadora. Ao longo da carreira, participou de musicais, peças de teatro, séries, telefilmes, novelas e produções cinematográficas. Na televisão, apresentou programas dedicados a temas como economia, energia, sustentabilidade, saúde, entretenimento e cultura em veículos como RTP, SIC, TVI, Record TV, EDP on TV e Porto Canal.

É coautora do podcast “A Língua Descalça” e integra, desde 2023, o Clube das Mulheres Escritoras. Entre seus livros publicados estão “A Ilha da Formiga”, “Gula de Uma Rapariga Esquelética de Amor”, “Uma Vaca a Arrotar Metano”, “A Confissão da Defunta” e “Cai Neve no Diabo”, seu romance mais recente.

Ficha técnica

“Uma Vaca a Arrotar Metano”

Autora: Gabriela Relvas

Editora: Tapioca Literária

Edição brasileira: 1ª edição, 2026

Gênero: ficção / romance

Páginas: 174

ISBN: 978-65-6044-138-5

Encadernação: brochura

Dimensões: 16 x 23 cm

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.: “Ordinary Days” estreia em SP e cruza quatro vidas na rotina de Nova York

Musical Off-Broadway de Adam Gwon ganha sua primeira montagem paulistana sob direção de Glaucia da Fonseca e direção musical de Laura Loup

Dez anos depois de chegar aos palcos brasileiros, no Rio de Janeiro, “Ordinary Days” finalmente desembarca em São Paulo. O musical Off-Broadway escrito pelo compositor norte-americano Adam Gwon estreia nesta segunda-feira, 9 de novembro, no Teatro Ruth Escobar, onde segue até 15 de dezembro, com sessões às segundas e terças-feiras, às 20h00, além de apresentações adicionais nos dias 12, 21 e 28 de novembro e 3 de dezembro. Com direção de Glaucia da Fonseca, direção musical de Laura Loup e realização da COALVE Produções, a história acompanha quatro jovens que têm suas trajetórias cruzadas de maneira inesperada em Nova York. Em meio à rotina acelerada da metrópole, relacionamentos, perdas, encontros e expectativas colocam os personagens diante de questões bastante familiares para quem vive em uma cidade grande.

No elenco estão Camila Vergasta, Éri Correia, Gabriel Alvim e Mau Alves, nos papéis de Deb, Claire, Warren e Jason, respectivamente. Ma Ikeda, Bruna Guimarães, Thiago Gonçalves, Nestor Fonseca e Bernardo Rasador integram a equipe de swings, profissionais que assumem os personagens ao longo da temporada quando necessário. A trama parte de duas histórias que caminham em paralelo. Jason e Claire enfrentam uma nova etapa do relacionamento quando ele se muda para o apartamento dela, trazendo à tona expectativas e inseguranças sobre a vida a dois. Já Deb, estudante universitária, perde o caderno em que guarda as anotações de sua tese. Warren encontra o objeto e decide devolvê-lo. O encontro dá origem a uma amizade capaz de mudar a forma como os dois observam a própria vida.

Com texto, músicas e letras de Gwon, “Ordinary Days” utiliza as canções para conduzir a narrativa e revelar desejos, conflitos e inseguranças. O espetáculo alterna humor e situações de maior carga emocional ao acompanhar acontecimentos aparentemente banais que acabam interferindo no percurso dos personagens. Embora ambientada em Nova York, a história encontra uma aproximação evidente com São Paulo. Afinal, em uma metrópole onde milhões de pessoas dividem os mesmos espaços diariamente, encontros fortuitos, amizades inesperadas e pequenas decisões podem alterar uma rotina inteira.

A montagem paulistana reúne ainda assistência de direção de Larissa Garcia, preparação vocal de Pedro Coppeti, versões brasileiras de Caio Loki e do elenco, figurinos e visagismo de Luan Carvalho, adaptação cenográfica de Rodrigo Gomes, iluminação de Luiz Fernando Vaz Jr. e desenho e operação de som de Mattheus Silva.

A passagem de “Ordinary Days” pelo Brasil começou em agosto de 2016, quando o musical foi apresentado no Teatro Serrador, no Rio de Janeiro. A primeira montagem brasileira teve direção de Reiner Tenente e direção musical de Marcelo Farias, com elenco formado por Hugo Bonemer, Gabi Porto, Caio Loki e Mau Alves, entre outros artistas que se revezavam nos papéis principais. Agora, Mau Alves retorna à obra na montagem paulistana, que também estabelece uma conexão direta com aquela primeira produção brasileira.

“Ordinary Days” começou a ser desenvolvido pelo New York Theatre Barn e teve sua estreia mundial em 2008, no Pennsylvania Centre Stage, nos Estados Unidos. No mesmo ano, participou do Festival of New Musicals da National Alliance for Musical Theatre e ganhou sua primeira produção europeia no Finborough Theatre, em Londres. Em outubro de 2009, a obra chegou ao circuito Off-Broadway de Nova York em uma montagem da Roundabout Theatre Company. Dois anos depois, em 2011, o musical teve temporada no Trafalgar Studios, no West End londrino.

Desde então, “Ordinary Days” ganhou montagens em países como Austrália, Coreia do Sul, Argentina e Brasil. Entre os reconhecimentos ligados à obra está a indicação ao Drama League Award de Destaque em Remontagem de Musical, em 2019, pela produção da Keen Company, apresentada em Nova York no ano anterior. Uma montagem britânica recebeu o Kensington Eddies Award em 2017, depois de passar pelo Festival Fringe de Edimburgo, onde também esteve entre as selecionadas ao prêmio de Melhor Musical do Musical Theatre Review. Adam Gwon recebeu, entre outras distinções, o Fred Ebb Award e o Kleban Award por seu trabalho no teatro musical.

A temporada de “Ordinary Days” também inaugura as atividades da COALVE Produções, produtora independente recém-criada em São Paulo. A empresa pretende desenvolver espetáculos de teatro musical voltados a diferentes perspectivas e experiências, com incentivo à presença feminina em posições de liderança e à ampliação de oportunidades para artistas e profissionais com representatividade racial e LGBTQIA+. A escolha de “Ordinary Days” para a estreia da produtora segue essa proposta ao apostar em uma obra contemporânea que coloca música e interpretação a serviço de histórias reconhecíveis na vida cotidiana.

A temporada no Teatro Ruth Escobar segue até 15 de dezembro, com sessões às segundas e terças-feiras, às 20h, além de apresentações adicionais nos dias 12, 21 e 28 de novembro e 3 de dezembro. Os ingressos custam entre R$ 30 e R$ 120, de acordo com setor e modalidade, e estão disponíveis pela Ticketmaster e na bilheteria do teatro.

Ficha técnica
"Ordinary Days"
Direção: Glaucia da Fonseca. Direção Musical: Laura Loup. Assistente de Direção: Larissa Garcia. Preparação vocal: Pedro Coppeti. Versões: Caio Loki e elenco. Fonoaudióloga: Noemi de Oliveira. Design de Luz: Luiz Fernando Vaz Jr. Desenho e operação de som: Mattheus Silva. Visagismo e Figurino: Luan Carvalho. Adaptação cenográfica: Rodrigo Gomes. Assessoria de imprensa: GPress Comunicação. Realização: COALVE Produções. Produtores: Camila Vergasta, Éri Correia e Gabriel Alvim. Produção Associada: Amanda Lemos e Rodrigo Marques. Direção de Palco: Beatriz Bortoletto. Assistentes de Produção: Valentina Rosa, Amanda Bonato e Noemi de Oliveira. Artes: Mau Alves. Patrocínio: Frevo. Apoio: CO.ART, Cinzia Álvarez, Cerejeira Produções e Casa de Artes Operária

Serviço
“Ordinary Days”
Local: Teatro Ruth Escobar – Sala Gil Vicente. Endereço: Rua dos Ingleses, 209, Morro dos Ingleses, São Paulo/SP. Temporada: 9 de novembro a 15 de dezembro de 2026. Sessões: segundas e terças-feiras, às 20h00. Apresentações adicionais: 12, 21 e 28 de novembro e 3 de dezembro. Ingressos: De R$ 30,00 a R$ 120,00, conforme setor e modalidade. Vendas: Ticketmaster e bilheteria do teatro. Duração: 90 minutos. Classificação indicativa: 14 anos.

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.: “Baracoa” leva Giancarlo Giannini para Cuba de afetos, conflitos e revoluções

Em sua estreia na direção de um longa-metragem, Luis Ernesto Doñas acompanha a viagem de um homem e do médico de seu pai por uma Cuba marcada por diferenças familiares, políticas e afetivas

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

A morte de Felipe, um revolucionário italiano que escolheu Cuba como pátria, coloca o filho Pepe diante de uma viagem que ele provavelmente preferiria evitar. Ao lado do médico Jimmi, ele parte rumo à remota Baracoa, no extremo leste da ilha, numa jornada que mistura memória, conflitos familiares, identidade e encontros inesperados. Esse é o ponto de partida de “Baracoa”, drama dirigido pelo cubano Luis Ernesto Doñas, em cartaz gratuitamente no streaming Belas Artes À La Carte, dentro da programação do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil, e em sessões em cinemas espalhados pelo Brasil.

Produção ítalo-cubana, o filme tem Giancarlo Giannini no papel de Felipe. O ator italiano, conhecido por uma carreira que inclui trabalhos com Lina Wertmüller e outros nomes importantes do cinema europeu, interpreta um homem ligado à antiga esquerda revolucionária e às memórias de uma Cuba que mudou profundamente ao longo das décadas. A relação com Pepe, interpretado por Carlos Luis González, está longe de ser tranquila: o filho deseja uma vida distante daquela herança política e sonha em partir para o Canadá.

Jimmi, vivido por Yadier Fernández, entra nessa equação como médico de Felipe e personagem que guarda uma vida noturna bastante diferente daquela que Pepe imagina. À noite, ele se apresenta como Estrellita, uma drag queen. A descoberta provoca o filho e acrescenta ao roteiro uma camada de confronto entre aparências, preconceitos e as diferentes maneiras de cada personagem lidar com a própria identidade.

A viagem até Baracoa acontece depois da morte de Felipe e desloca a narrativa de Havana para uma Cuba menos conhecida pelo cinema turístico. A estrada, as paisagens e os encontros pelo caminho ganham espaço enquanto Pepe e Jimmi precisam conviver com aquilo que Felipe deixou para trás. Segundo o Programa Ibermedia, responsável pelo apoio ao projeto, o roteiro é assinado pelo próprio Doñas, que também participa da produção por meio de uma equipe formada entre Cuba e Itália.

A primeira exibição internacional ocorreu no Taormina Film Fest, na Itália, em 2026. Na ocasião, Giannini recebeu o prêmio de trajetória do festival, aos 83 anos, e apresentou o filme como parte de uma programação que também celebrou sua extensa carreira. A participação em Taormina marcou a estreia mundial da produção.

Antes de chegar ao streaming brasileiro, “Baracoa” também passou pelo Festival Internacional do Novo Cinema Latino-Americano de Havana, em 2025. A produção integrou a competição de óperas-primas, ao lado de filmes de diferentes países da América Latina. No Brasil, o filme integra a seleção contemporânea do 21º Festival de Cinema Italiano, que reúne 24 títulos, entre produções inéditas e clássicos. A edição de 2026 disponibiliza parte da programação gratuitamente pela internet, por meio do Belas Artes à La Carte, além das sessões presenciais em diversas cidades.

O curioso em “Baracoa” é uma combinação de elementos que poderiam facilmente descambar para uma aventura convencional de estrada. Doñas prefere acompanhar o desconforto dos personagens e deixar que a viagem revele aquilo que Felipe, Pepe e Jimmi carregam. No centro dessa história está Giannini, que empresta ao velho revolucionário uma presença capaz de carregar tanto a dimensão política do personagem quanto suas fragilidades particulares.

A paisagem cubana, fotografada por Lorenzo Casadio Vannucci, ajuda a conduzir esse percurso, enquanto a trilha sonora de Bárbara Llanes acompanha a movimentação dos personagens. O resultado é um drama sobre família, memória e identidade que coloca Cuba e Itália em conversa e encontra na viagem uma maneira bastante particular de falar sobre aquilo que permanece depois que uma geração desaparece.

Para quem gosta de cinema italiano, “Baracoa” ainda oferece um ingrediente particularmente saboroso: a presença de Giancarlo Giannini, um veterano que aparece em uma produção de estreia e cercado por um elenco cubano. É uma combinação curiosa para um filme que, a exemplo de seus personagens, também parece interessado em descobrir o que acontece quando mundos diferentes são obrigados a dividir o mesmo caminho.

Serviço

“Baracoa” integra o 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente no Belas Artes À La Carte durante o período do evento. Na página do filme, basta clicar em "Assistir Filme". O acesso permanece disponível de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026, inclusive para não assinantes. Para assistir pela televisão, é possível utilizar o aplicativo Belas Artes À La Carte disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

Ficha técnica

“Baracoa” (título original)
Gênero: drama. Duração: 107 minutos. Classificação indicativa: 18 anos. Ano de produção: 2025. Data de lançamento: 6 de dezembro de 2025, no Festival Internacional do Novo Cinema Latino-Americano de Havana; estreia internacional em 2026, no Taormina Film Fest. Programa Ibermedia. Idioma: espanhol e italiano. Direção: Luis Ernesto Doñas. Roteiro: Luis Ernesto Doñas. Elenco: Giancarlo Giannini, Carlos Luis González, Yadier Fernández, Carlos Pérez Peña, Ana Gloria Buduén e Giovanni Giusto. Distribuição no Brasil: Belas Artes à La Carte, dentro da programação do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

Assine o Belas Artes À La Carte, o streaming para quem ama cinema de verdade

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.: “A Palavra Mágica” revela as lições de escrita de Isabel Allende

Em “A Palavra Mágica: Uma Vida Escrita”, autora revisita a própria trajetória, compartilha experiências do ofício e convida leitores a descobrir os caminhos que levam uma história ao papel

Para Isabel Allende, escrever nunca se resumiu a colocar palavras no papel. Em “A Palavra Mágica: Uma Vida Escrita”, publicado pela Bertrand Brasil, a escritora revisita a própria trajetória e combina memórias, reflexões e ensinamentos sobre o ofício da literatura. O resultado é um livro que conversa tanto com quem já escreve quanto com aqueles que ainda ensaiam os primeiros passos em direção à própria história. A autora parte de experiências pessoais para falar sobre a construção de uma carreira literária marcada por deslocamentos, dúvidas, fracassos, descobertas e uma coleção de livros que conquistou leitores em diferentes partes do mundo. O percurso passa pela juventude no Chile, pelo início no jornalismo e pelo exílio na Venezuela, período em que começou a escrever o romance que mudaria sua vida. A edição brasileira tem tradução de Ivone Benedetti e texto de orelha assinado pela escritora cearense Socorro Acioli.

“A Palavra Mágica" combina memórias literárias e reflexões sobre a escrita, aproximando o leitor dos bastidores do trabalho de uma autora que construiu uma obra traduzida para dezenas de idiomas. A proposta também alcança quem deseja começar a escrever, ao apresentar experiências e caminhos que podem servir de estímulo para encontrar uma voz própria. Lançado na Espanha em abril deste ano, o livro alcançou o topo das listas de livros mais vendidos no país. A edição brasileira chega com 182 páginas e aposta na proximidade entre autora e leitor para apresentar uma espécie de caderno de memórias sobre a literatura e sobre a própria formação de uma escritora.

Entre lembranças pessoais e observações sobre a criação literária, Isabel Allende revisita momentos decisivos de sua vida e compartilha as experiências que ajudaram a formar sua maneira de escrever. Para quem pretende iniciar uma jornada literária, o livro funciona como uma conversa franca com uma autora que conhece tanto os encantos quanto as dificuldades de transformar experiências e imaginação em narrativa. Foi em uma cozinha venezuelana, tomada pela saudade do país que havia deixado para trás, que Allende datilografou as primeiras páginas de “A Casa dos Espíritos”.

Publicado em 1982, o romance se tornou um dos títulos fundamentais da literatura latino-americana e abriu caminho para uma trajetória internacional que transformaria a escritora em uma das vozes mais conhecidas da literatura contemporânea. Em “A Palavra Mágica”, essa história pessoal serve como ponto de partida para uma conversa sobre o próprio processo criativo. Allende compartilha aquilo que aprendeu ao longo de décadas diante da página em branco, sem transformar a escrita em um manual de regras. A autora olha para o próprio percurso e mostra como a literatura também pode nascer de lembranças, perdas, inquietações e da insistência em contar uma história.

Uma trajetória construída entre países

Isabel Allende nasceu em 1942, no Peru, passou a primeira infância no Chile e viveu em diferentes lugares durante a adolescência e a juventude. Depois do golpe militar de 1973 no Chile, exilou-se na Venezuela. Desde 1987, vive na Califórnia, nos Estados Unidos, e costuma se definir como uma “eterna estrangeira”. Antes de se dedicar à literatura, trabalhou como jornalista no Chile e na Venezuela. Em 1982, publicou “A Casa dos Espíritos”, primeiro romance dela, que alcançou repercussão internacional e deu início a uma extensa bibliografia.

Ao longo da carreira, seus livros foram traduzidos para mais de 40 idiomas e alcançaram dezenas de milhões de leitores em todo o mundo. Allende recebeu mais de 60 prêmios internacionais, entre eles o Prêmio Nacional de Literatura do Chile, em 2010, e o Prêmio Hans Christian Andersen, na Dinamarca, em 2012. Também recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, considerada a mais importante distinção civil dos Estados Unidos, e o National Book Award pelo conjunto de sua obra. No Brasil, a escritora já ultrapassou a marca de um milhão de exemplares vendidos. No mercado internacional, a obra de Allende se aproxima dos 80 milhões de exemplares comercializados.

Ficha técnica
Título: “A Palavra Mágica: Uma Vida Escrita”

Título original: “La Palabra Mágica: Una Vida Escrita”

Autora: Isabel Allende

Tradução: Ivone Benedetti

Páginas: 182

Editora: Bertrand Brasil | Grupo Editorial Record

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.: "Stromboli" leva Ingrid Bergman ao limite em clássico de Roberto Rossellini

Retrospectiva "Itália em Cena" recupera o drama que colocou Bergman diante de uma ilha vulcânica, de um casamento difícil e de uma comunidade hostil

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

O 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil recupera, na retrospectiva "Itália em Cena", um daqueles filmes que ganharam uma vida própria muito além das circunstâncias de sua produção. "Stromboli", dirigido por Roberto Rossellini e protagonizado por Ingrid Bergman, chega à plataforma de streaming Belas Artes À La Carte dentro da programação gratuita do festival, que acontece de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026. O longa-metragem pode ser assistido gratuitamente no streaming e sessões em cinemas espalhados pelo Brasil.

Lançado em 1950, o filme acompanha Karin (Ingrid Bergman), uma refugiada lituana que vive em um campo para deslocados na Itália depois da Segunda Guerra Mundial. Para deixar o local, ela aceita se casar com Antonio (Mario Vitale), um pescador italiano que conhece no campo. O casamento, porém, leva Karin para uma situação que ela não imaginava: a pequena ilha de Stromboli, marcada pela pobreza, pelas tradições rígidas da comunidade e pela presença constante do vulcão.

A promessa de uma vida melhor rapidamente perde o encanto. Karin se vê presa a uma casa simples, a um marido com quem tem dificuldades de comunicação e a uma comunidade que observa com desconfiança seus modos, suas roupas e suas tentativas de reorganizar a própria vida. O choque entre a mulher que ela era e o ambiente em que passa a viver conduz boa parte do drama.

Rossellini filma a ilha com a atenção característica do neorrealismo italiano, deixando que a paisagem tenha peso dentro da narrativa. O mar, as pedras vulcânicas, as ruas da pequena comunidade e a cratera do Stromboli não aparecem como simples decoração. O território interfere diretamente na experiência de Karin, que parece procurar uma saída enquanto descobre, pouco a pouco, que escapar de um lugar pode não resolver aquilo que a incomoda.

A sequência da pesca do atum é um dos momentos mais conhecidos da produção. Filmada com pescadores e incorporada ao cotidiano da ilha, ela reforça a dimensão documental que Rossellini imprime ao filme. A erupção do vulcão também ganha uma presença impressionante, aproximando o drama pessoal de Karin da força imprevisível da natureza.

A escolha de Ingrid Bergman acrescenta uma camada particularmente curiosa ao filme. Já uma grande estrela de Hollywood, a atriz havia escrito a Rossellini manifestando admiração por seu trabalho e interesse em atuar com ele. "Stromboli" marcou a primeira colaboração entre os dois e acabou dando início a uma relação amorosa que provocou enorme escândalo na época. A própria Criterion Collection observa que a repercussão da vida pessoal do casal chegou a obscurecer, durante anos, a importância dos filmes realizados em conjunto.

Hoje, porém, "Stromboli" pode ser revisto sem depender da fofoca que acompanhou sua produção. O BFI destaca a maneira como Rossellini utiliza o neorrealismo para retratar a vida da comunidade e, ao mesmo tempo, aborda questões como solidão, condição feminina e emancipação. A produção também teve uma trajetória complicada em suas diferentes versões. A obra recebeu cortes e alterações para a distribuição norte-americana, o que gerou conflitos entre Rossellini e a RKO. A AFI registra, inclusive, a existência de versões distintas e a disputa pelos direitos internacionais do filme.

A recepção inicial esteve longe de ser consensual. A revista Time, em 1950, considerou a produção irregular, embora tenha reconhecido a força de Bergman e destacado as cenas da erupção vulcânica e da pesca do atum. Décadas depois, o filme ganhou uma avaliação muito mais generosa e passou a ser reconhecido como uma peça importante da trajetória de Rossellini e do cinema moderno.

A presença de "Stromboli" no Festival de Cinema Italiano no Brasil ajuda a recolocar em circulação uma obra que continua provocando discussões justamente porque Karin está longe de ser uma protagonista fácil de acompanhar. Ela é vaidosa, impaciente, inconformada e, muitas vezes, desagradável. Ao mesmo tempo, está tentando sobreviver em um lugar que não escolheu e em uma relação que rapidamente se torna sufocante.

É nessa contradição que Ingrid Bergman encontra uma de suas personagens mais difíceis. Karin quer sair da ilha, mas também precisa descobrir o que fazer consigo mesma quando todas as alternativas parecem igualmente ruins. Rossellini acompanha essa crise sem transformar a personagem em uma heroína convencional. O resultado é um drama áspero, marcado pela paisagem vulcânica e por uma mulher tentando encontrar algum espaço para respirar.

Serviço
"Stromboli" integra a retrospectiva "Itália em Cena" do 21º Festival de Cinema Italiano no Brasil e pode ser assistido gratuitamente no Belas Artes À La Carte durante o período do evento. Na página do filme, basta clicar em "Assistir Filme". O acesso permanece disponível de 5 de novembro a 1º de dezembro de 2026, inclusive para não assinantes. Para assistir pela televisão, é possível utilizar o aplicativo Belas Artes À La Carte disponível nas lojas de aplicativos das Smart TVs.

Ficha técnica

"Stromboli" | "Stromboli, Terra di Dio" (título original)

Gênero: Drama. Duração: 106 minutos . Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 1950. Data de lançamento: 15 de fevereiro de 1950, nos Estados Unidos; a circulação italiana ocorreu posteriormente. Idioma: Inglês e italiano, conforme a versão; há versões com diferentes configurações de idioma e montagem. Direção: Roberto Rossellini. Roteiro: Roberto Rossellini, Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari e Felix Morlion. Elenco: Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana e Mario Sponzo. Distribuição no Brasil: Festival de Cinema Italiano no Brasil / Belas Artes À La Carte, na programação de 2026. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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A equipe do portal Resenhando.com acompanha parte da cobertura cinematográfica por meio da Belas Artes À La Carte, plataforma brasileira dedicada ao cinema de arte, clássicos e produções premiadas de diferentes países. Criado pelo grupo responsável pelo tradicional cinema Belas Artes, em São Paulo, em parceria com a Pandora Filmes, o serviço reúne um catálogo com curadoria especializada, incluindo obras raras, títulos restaurados e destaques de festivais internacionais. Para acessar o catálogo completo, conferir os lançamentos semanais e realizar a assinatura, basta acessar o site ou aplicativo da plataforma. Os planos têm valores acessíveis, com opção mensal e anual, além de locação avulsa para títulos específicos. Você pode assinar o Belas Artes À La Carte neste link.

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