.: Crítica musical: Mauro Marcondes canta o tempo e o amor

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Quinto álbum da carreira do cantor e compositor Mauro Marcondes, “O Tempo e o Amor” foi concebido para cantar o amor. Cada composição de Marcondes e de seus parceiros fala do amor em diferentes tempos. Falam de desejo, paixão, saudade, traição, contradição, carinho, atração pelo desconhecido, pela natureza entre outros temas.

Mauro compõe desde muito jovem influenciado pelos compositores da bossa-nova e pela música de Milton Nascimento, Edu Lobo, Chico Buarque, Dori Caymmi e  de tantos outros mestres da canção nacional. Aos 17 anos participou do IV Festival Universitário da extinta TV TUPI e foi construindo uma carreira de compositor, conciliando-a com a do profissional da área de desenvolvimento econômico, trabalhando no Banco Nacional de Desenvolvimento (BNDES).

Para o disco foram selecionadas 15 músicas autorais, buscando retratar a diversidade da música brasileira. São canções, bossas, baladas, sambas, choros, valsas, boleros, entre outros estilos. Todas contam com arranjos do maestro Leandro Braga. E traz as participações especiais dos cantores Áurea Martins (na faixa “Bolero da Solidão”) e João Cavalcanti (na faixa “O que já foi não é”) e, nos vocais, as cantoras Masé Sant’Anna e Soraya Nunes (nas faixas “Depois” e “Cantar sem fim”).

Gravado, mixado e masterizado por João Ferraz, no Lontra Music, entre maio e setembro de 2025, o álbum tem projeto gráfico de Gabriel Caymmi, com base nas obras da artista plástica Patricia Secco, foto da capa do Ari Kaye e fotos das demais obras de arte do Ale Teixeira. As fotos e filmagens no estúdio ficaram por conta de Felipe Câmara e Breno Ramoa. “O Tempo e o Amor” tem produção geral de Mauro Marcondes, coprodução de Paulo César Feital, produção executiva de Naomi Kumamoto e direção musical e arranjos de Leandro Braga.

"Depois"

"Feliz em Ter Você"

"Cantar Sem Fim"

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.: Crítica musical: Lô Borges... E o sol levou o trem azul

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

O Clube da Esquina perdeu um de seus fundadores esta semana. Com o falecimento de Lô Borges, encerra-se um dos capítulos mais importantes de nossa MPB. Lô tinha 73 anos e estava incrivelmente produtivo. Seja como artista solo, seja em trabalhos de parcerias com outros músicos, como Samuel Rosa e Tom Zé, só pra citar dois exemplos. Mas foi ao lado de Milton Nascimento que ele atingiu o topo da montanha ao gravar um dos álbuns mais influentes de nossa MPB em1972. O Clube da Esquina fez história pela força das canções e pelas vozes de Lô e Milton.

A sonoridade do trabalho de Lô no início dos anos 70 mesclava várias influências das coisas que ele ouvia naquela época. De Hendrix aos Beatles, ele conseguia unir tudo em sua música. São dessa época os seus primeiros discos em carreira solo: o "Lô Borges" (1972), conhecido como o disco do tênis, e "Via Láctea", que tem a célebre gravação da bela "Clube da Esquina nº 2", com a participação no vocal de Solange Borges.

Se por um lado os trabalhos mais recentes dele não tiveram o mesmo brilho dessa fase inicial,  por outro ele teve o mérito de se manter na ativa, lançando material inédito com frequência, ao invés de se acomodar nos antigos hits. Seu trabalho mais recente é o álbum "Chão de Giz", gravado em parceria com Zeca Baleiro. Certamente sua obra deixará uma marca na nossa MPB. Um selo de qualidade referendado até por Tom Jobim, que não só admirava a turma do Clube da Esquina como chegou a regravar Trem Azul do Lô nos anos 90.

"Trem Azul"

"Paisagem na Janela"

"Sonho Real"

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.: “Uma Vida pelo Samba”: livro e álbum digital resgatam obra de Beth Carvalho

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Artista da maior importância da nossa MPB, Beth Carvalho teve resgatada a sua importante trajetória por intermédio do livro “Uma Vida pelo Samba”, escrito pelo jornalista e pesquisador Rodrigo Faour. O trabalho, que complementa o álbum digital "Samba  Book", mostra toda a discografia da cantora e ressalta a essência de seu trabalho como descobridora de talentos e sua forte conexão com o gosto popular.

O álbum digital "Samba Book Beth Carvalho" (Musickeria) conta com 26 faixas com canções interpretadas por vários nomes da música. As cinco primeiras edições homenagearam João Nogueira, Martinho da Vila, Zeca Pagodinho, Dona Ivone Lara e Jorge Aragão, reunindo elencos estelares, em gravações exclusivas.

A sexta edição, em tributo a Beth Carvalho, inclui um caderno de partituras, com transcrição dos arranjos originais dos sambas; ambiente na web, com portal e redes sociais, além do livro “Uma Vida pelo Samba”, escrito pelo jornalista e pesquisador Rodrigo Faour. O livro cataloga os álbuns de carreira e as participações de Beth em discos de outros artistas, compactos e projetos especiais, desde sua estreia em 1965.

Faour conta que a fase inicial da carreira de Beth foi o trecho que rendeu um trabalho maior de pesquisa. “Eu acompanhei a trajetória dela desde os primeiros discos de samba. Mas ela já vinha atuando na música antes, nos anos 60, mais envolvida com o pessoal da Bossa Nova e dos festivais”. Faour lembrou a canção Andança, que Beth Carvalho defendeu com o grupo Golden Boys no Festival Internacional da Canção de 1968 e ficou em terceiro lugar. A composição de Edmundo Souto, Paulinho Tapajós e Danilo Caymmi se tornou um clássico da nossa MPB. “Ela tinha uma personalidade forte. Era uma artista que sabia o que queria e estava sempre conectada com o gosto do público. Prova disso são os seus grandes sucessos”. Compre o livro "Uma Vida pelo Samba", de Rodrigo Faour, neste link.

"Coisinha do Pai"

"Saco de Feijão"

"Firme e Forte"

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.: "Corona Luau MTV" homenageia Cássia Eller reunindo Nando Reis e convidados

Depois do sucesso do ano passado, o "Corona Luau MTV" confirma sua realização em 2025. E se o retorno do programa icônico matou a saudade do clima de música e de verão que marcou os anos 2000, desta vez ele promete resgatar ainda mais emoções com um tributo à artista que protagonizou uma das edições mais lembradas da história: Cássia Eller.

O projeto deste ano vai reunir grandes amigos, parceiros musicais e artistas que têm Cássia como inspiração e referência. Nando Reis, autor de muitos dos maiores sucessos da cantora, e Lan Lan, percussionista que a acompanhou por anos nos palcos, são presença confirmada na tour, que também contará com convidados especiais para completar o time que celebra a história dessa grande artista que marcou gerações e que repercute ainda hoje. O "Corona Luau MTV" é uma iniciativa da cerveja Corona em parceria com a Paramount, a Skydance Corporation, e realização da 30e, maior companhia brasileira de entretenimento ao vivo.

Pela primeira vez o projeto terá seu lançamento em formato de turnê, com quatro shows espalhados pelo país: no dia 30 de novembro, no Pontão do Lago, em Brasília; 5 de dezembro, na Praia do Rosa, em Santa Catarina; 14 de dezembro, no Museu do Amanhã, no Rio de Janeiro e, por fim, no dia 21 de dezembro, no Parque Ibirapuera, em São Paulo. Os ingressos para essas apresentações estarão disponíveis a partir de 28 de outubro, às 12h00, pelo site da Eventim (acesse aqui).

Além da tour, um episódio especial do "Corona Luau MTV" será gravado em outubro, em Maresias, litoral norte de São Paulo. A exibição acontecerá após o encerramento da turnê na Pluto TV, pelo canal MTV Pluto TV, e nos canais oficiais do YouTube da MTV Brasil e da Corona. E para completar a homenagem, Sarah Oliveira, que apresentou a edição de 2002 em que Cássia foi a atração musical, estará de volta ao comando do programa. “É uma honra pra mim apresentar essa homenagem à Cássia Eller anos depois. É tudo muito simbólico pra mim. O Luau que fizemos (eu, ela e Nando) é um dos momentos mais importantes da minha carreira e da minha vida. Acompanhar o furacão Cássia Eller foi realmente um privilégio que guardo na minha memória afetiva. As coisas lindas realmente são mais lindas porque ela esteve e está”, comenta Sarah.

O tributo marca a edição especial que celebra os 100 anos de Corona, cerveja premium da Ambev e eleita a mais valiosa do mundo por dois anos consecutivos. Para celebrar seu centenário, a marca preparou uma série de ações especiais para proporcionar momentos inesquecíveis para o público ao longo do ano."Para nós, cerveja é muito mais do que uma bebida: ela faz parte da nossa cultura. É o brinde à conexão entre pessoas e aos momentos icônicos. Por isso é muito forte e significativa a ideia de celebrar um momento especial do Luau, que entrou para a história da música brasileira. Estamos muito felizes com a evolução do projeto para uma turnê, o que nos permite levar essa experiência para mais perto do público e convidar mais pessoas a se desconectarem da rotina e se conectarem com a música, as boas lembranças e os encontros”, afirma a diretora de marketing de Corona, Gabriela Gallo.

“Cássia teve participação fundamental na minha vida”
Falar de Cássia Eller e não lembrar da relação entre ela e Nando Reis é quase impossível. Essa união foi marcada por uma conexão artística profunda e uma amizade que ultrapassou os palcos. Juntos, os dois criaram momentos memoráveis na música brasileira, incluindo a icônica participação no "Luau MTV", exibido em 2002, que eternizou interpretações emocionantes de “Relicário” e “O Segundo Sol”. A parceria rendeu grandes sucessos e revelou uma sintonia rara entre compositor e intérprete.

 Em entrevista recente, Nando relembrou sua parceria com a amiga e cantora. “Foi uma relação muito intensa, prazerosa, produtiva e surpreendente, porque Cássia era uma pessoa tímida e eu também. A gente tinha muitas características semelhantes e essa retração social foi um dos elementos que nos aproximou. Vimos que ficávamos bem um com o outro e tinha essa relação apaixonada com a música, que era o nosso assunto central e principal”. Sobre a edição do Corona Luau MTV 2025, o artista declara: “Cássia teve participação fundamental na minha vida. Juntos fizemos discos magníficos. Ela me convidou para participar do Luau MTV que gravou. Agora eu a homenagearei neste especial”.

Musicais icônicos na Pluto TV
Fãs de todo o país poderão viver esse encontro por meio da exibição na Pluto TV, uma das principais plataformas FAST (Free Ad-Supported Television), que se compromete a oferecer uma ampla variedade de conteúdos para todos os públicos. Por meio de marcas como a MTV, a Pluto TV amplia o alcance do portfólio de entretenimento da Paramount, oferecendo acesso gratuito aos conteúdos musicais mais icônicos, shows e momentos marcantes da cultura pop em toda a América Latina, como o Corona Luau MTV.

Serviço
Realização: Corona, Paramount e 30e

Brasília
Data: 30 de novembro de 2025 (domingo)
Local: Pontão do Lago
Endereço: SHIS Ql 10, Lote 1/30, Lago Sul, Brasília
Horário de abertura da casa: 15h00
Classificação etária: maiores de 18 anos
Ingressos: pista: 175,00 (meia-entrada legal) | 210,00 (meia-entrada social) | 350,00 (inteira)
Início das vendas: 28 de outubro, 12h00
Vendas on-line em: eventim.com.br/
Bilheteria oficial: em breve

Santa Catarina
Data: 5 de dezembro de 2025 (sexta)
Local: Tantrarosa
Endereço: GRP-471, 4373, Praia do Rosa, Santa Catarina
Horário de abertura da casa: 17h00
Classificação etária: maiores de 18 anos
Ingressos: pista: 175,00 (meia-entrada legal) | 210,00 (meia-entrada social) | 350,00 (inteira)
Início das vendas: 28 de outubro, 12h00
Vendas on-line em: eventim.com.br/
Bilheteria oficial: em breve

Rio de Janeiro
Data: 14 de dezembro de 2025 (domingo)
Local: Museu do Amanhã
Endereço: Praça Mauá, 1, Centro, Rio de Janeiro
Horário de abertura da casa: 15h00
Classificação etária: maiores de 18 anos
Ingressos: pista: 175,00 (meia-entrada legal) | 210,00 (meia-entrada social) | 350,00 (inteira)
Início das vendas: 28 de outubro, 12h00
Vendas on-line em: eventim.com.br/
Bilheteria oficial:
Estádio Nilton Santos - Engenhão - Bilheteria Norte - Rua das Oficinas, s/n - Engenho de Dentro, Rio de Janeiro
Funcionamento: terça a sábado, das 10h00 às 17h00. Fechado em feriados, emenda de feriados, dias de jogos ou em dias de eventos de outras empresas.

São Paulo
Data: 21 de dezembro de 2025 (domingo)
Local: Plateia Externa do Auditório Ibirapuera
Endereço: Av. Pedro Álvares Cabral, s/n - Portão 10 - Parque Ibirapuera, São Paulo
Horário de Abertura da casa: 15h00
Classificação etária: maiores de 18 anos
Ingressos: pista: 175,00 (meia-entrada legal) | 210,00 (meia-entrada social) | 350,00 (inteira)
Início das vendas: 28 de outubro, 12h00
Vendas on-line em: eventim.com.br/
Bilheteria oficial: Allianz Parque - Bilheteria A - Rua Palestra Itália, 200 – Portão A – Perdizes - São Paulo
Funcionamento: terça a sábado das 10h00 às 17h00 | *Não há funcionamento em feriados, emenda de feriados, dias de jogos/eventos

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.: Shakira revisita clássicos em novo episódio do "Spotify Anniversaries"

O episódio traz uma performance poderosa de “La Pared” com uma orquestra de 14 músicos, além da participação de Ed Sheeran e Beéle

Comemorando 30 anos de "Pies Descalzos" e 20 anos de "Oral Fixation" (Vol. 1 & 2), a cantora e compositora Shakira revisita os álbuns que marcaram sua carreira e inspiraram gerações em um novo episódio de Spotify Anniversaries, já disponível na plataforma. No especial, Shakira reflete sobre o processo de criação dos dois discos e apresenta novas versões de algumas de suas faixas mais queridas, como "Pies Descalzos, Sueños Blancos", "La Pared", "Antología", "Día de Enero", e"Hips Don’t Lie".

O episódio traz uma performance poderosa de “La Pared” com uma orquestra de 14 músicos, além da participação de Ed Sheeran e  Beéle em “Hips Don’t Lie”. Shakira também bate um papo com Ed Sheeran sobre como essa colaboração inesperada aconteceu. "Spotify Anniversaries" é uma série que celebra álbuns icônicos e os artistas por trás deles, com histórias, reflexões e performances exclusivas. As novas versões estão disponíveis apenas no Spotify, em EPs especiais. Juntos, os dois álbuns já ultrapassaram 6,1 bilhões de streams globais e continuam conectando diferentes gerações - com a Gen Z responsável por mais da metade dos streams de "Oral Fixation" atualmente.

Faixas mais ouvidas de cada álbum:

"Oral Fixation"
"Hips Don’t Lie" (feat. Wyclef Jean)
"La Tortura" (feat. Alejandro Sanz)
"Día de Enero"
"Las de la Intuición"
"No" (feat. Gustavo Cerati)

 
"Pies Descalzos"
"Antología"
"Estoy Aquí"
"Pies Descalzos, Sueños Blancos"
"¿Dónde Estás Corazón?"
"Un Poco de Amor"

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.: Rush: nunca diga nunca, a volta da banda canadense

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Desde que comecei a usar a internet, passei a receber regularmente mensagens de autoajuda apontando para a direção onde está a esperança. Uma dessas mensagens dizia assim: "Nunca diga nunca. O impossível não existe para quem acredita que o sol vai nascer no novo dia". Claro que foi impossível não deixar de lembrar dessa mensagem quando soube da surpreendente volta da banda canadense Rush, que havia interrompido sua atividade desde o falecimento do baterista Neil Peart em 2020. 

Os dois integrantes remanescentes, Geddy Lee (baixo e vocal) e Alex Lifeson (guitarra) postaram um vídeo confirmando a realização de uma turnê em 2026, intitulada apropriadamente "Fifity Something", ou seja, "50 Anos e Algo a Mais". Para a vaga de Peart foi selecionada a excelente baterista alemã Annika Nilles, que havia tocado com o icônico guitarrista Jeff Beck. A notícia pegou todos os fãs de surpresa. Parte deles demonstrou uma certa desaprovação da volta sem Peart, como se isso (a turnê) fosse ofender a memória do grande músico que ele foi.

Como um admirador da banda desde os tempos de adolescente, meu raciocínio é diferente. Claro que há sempre a questão monetária - afinal a banda movimenta uma numerosa equipe de funcionários quando está na estrada. Mas acho que o que pesou mais foi o fato de os membros sobreviventes estarem musicalmente ativos. Geddy Lee admitiu no vídeo que sentia falta das turnês e da recepção do público.

Eu tenho certeza que serão shows respeitosos com a memória de Neil Peart. A própria família dele emitiu uma nota aprovando a iniciativa de Lee e Lifeson. Creio que nesse momento o que interessa é homenagear Peart como ele merece: com a boa música do Rush. Acho muito prematuro acreditar que Lee e Lifeson vão produzir algo novo com a Annika Nilles. Ainda é muito cedo para se tirar conclusões. Porém, não devemos esquecer daquela frase que citei no início do texto: "nunca diga nunca".

"Closer to The Heart"

"Tom Saywer"

"Big Money"

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.: Miley Cyrus grava nova música para "Avatar: Fire and Ash"

"Dream as One" fará parte da trilha sonora original do filme, que estreia nos cinemas em 19 de dezembro

A artista pop vencedora do Grammy Miley Cyrus gravou uma nova música para “Avatar: Fire and Ash”, o terceiro filme da franquia de enorme sucesso “Avatar”, criada pelo cineasta vencedor do Oscar James Cameron. “Dream as One”, interpretada por Miley Cyrus, com música e letra de Cyrus, Andrew Wyatt, Mark Ronson e Simon Franglen, será apresentada nos créditos finais e fará parte da trilha sonora original do filme. “Avatar: Fire and Ash” estreia exclusivamente nos cinemas de todo o mundo em IMAX 3D, Dolby Cinema 3D, RealD 3D, Cinemark XD, 4DX, ScreenX e outras telas premium em 19 de dezembro de 2025.

A trilha sonora original de “Avatar: Fire and Ash”, com composição de Simon Franglen — vencedor do Grammy de “Gravação do Ano” em 1997 por “My Heart Will Go On”, de Titanic — será lançada em 12 de dezembro. O single “Dream as One”, pela Sony Music, será lançado em 14 de novembro.

Em “Avatar: Fire and Ash”, James Cameron leva o público de volta a Pandora em uma nova e imersiva aventura com Jake Sully (Sam Worthington), um ex-fuzileiro naval que se tornou líder Na’vi, a guerreira Na’vi Neytiri (Zoe Saldaña) e a família Sully. O filme, com roteiro de James Cameron, Rick Jaffa e Amanda Silver, e história de Cameron, Jaffa, Silver, Josh Friedman e Shane Salerno, também conta com Sigourney Weaver, Stephen Lang, Oona Chaplin, Cliff Curtis, Joel David Moore, CCH Pounder, Edie Falco, David Thewlis, Jemaine Clement, Giovanni Ribisi, Britain Dalton, Jamie Flatters, Trinity Jo-Li Bliss, Jack Champion, Brendan Cowell, Bailey Bass, Filip Geljo, Duane Evans Jr. e Kate Winslet no elenco.

Trailer de “Avatar: Fire and Ash”

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.: Crítica musical: Kiko Horta estreia em disco com "Sanfona Carioca"

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Celso Filho

O músico José Maurício Horta, conhecido pelo nome artístico Kiko Horta, está divulgando o seu primeiro álbum solo, intitulado "Sanfona Carioca" (Selo Mestre Sala). Um trabalho resultante de uma extensa atividade musical em vários setores da cultura carioca. Kiko Horta é um dos músicos fundadores do Cordão do Boitatá, responsável por várias atividades culturais como o Baile Multicultural, realizado há 19 anos nos domingos de Carnaval, na Praça XV, no Rio de Janeiro.

Ele acumula uma prestigiosa atuação como músico e arranjador de estúdio junto a nomes como Martinho da Vila, Edu Lobo, Dona Ivone Lara, Áurea Martins, Nelson Sargento, Xangô da Mangueira, Chico Buarque, Gilberto Gil, Francis Hime, Baco Exu do Blues, Pretinho da Serrinha, Teresa Cristina, Rita Benneditto, Mauro Senise, Wagner Tiso, Cristóvão Bastos, Mart’nália, Mauricio Carrilho e Luciana Rabello, entre outros artistas. É parceiro de nomes como Hermínio Bello de Carvalho, Vidal Assis, Lazir Sinval e Marquinhos de Oswaldo Cruz.

O disco soa como uma síntese das múltiplas atividades musicais de Kiko Horta. Traz uma mistura irresistível de samba, bossa-nova, jongo, gafieira, choro, forró, jazz, presentes na sua formação musical. Com uma base segura garantida pelas atuações de Ivan Machado (baixo), Marcus Suzano (percussão) e Filipe Lima (violão sete cordas), Kiko Horta divide os improvisos com o virtuoso bandolim de Luís Barcelos. E o resultado ficou acima da média para quem curte um som instrumental.

Além das belas autorais “Recomeço” e “Forró Transcendental”, Kiko Horta, ao lado de Luís Filipe de Lima (ambos produtores do álbum), escolheram para o repertório autores que espelham uma certa carioquice em suas temáticas. Casos de “Deixa o Breque pra Mim” (Altamiro Carrilho), “Catita” (K- Ximbinho), “Chorinho de Gafieira” (Astor Silva), “Comigo é assim” (Zé Menezes), “Chorinho pro Miudinho” (Dominguinhos), “Dino Pintando o Sete cordas” (Sivuca), “Meu Lugar” (Arlindo Cruz e Mauro Diniz), “Um Tom para Jobim” (Sivuca e Oswaldinho).

"Comigo É Assim"

"Chorinho de Gafieira"

"Um Tom Pra Jobim"

 

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.: Crítica musical: Delirio Cabana é 100 por cento Amazonas

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Laryssa Gaynett

O Delírio Cabana fez da paixão comum pela música popular brasileira um terreno fértil para germinar novas composições com ritmos tradicionais da Amazônia, como gambá, cumbia, carimbó, boi-bumbá, carimbó e beiradão. A mescla mostrou um resultado aurpreendente

“Tempero” marca a estreia da banda formada pelos amazonenses Bruno Mattos, Gabriella Dias, Luli Braga e Nando Montenegro, nascida em 2023, durante uma viagem de Manaus à vila de Alter do Chão, em Santarém no Pará. Foram duas semanas de convivência e criação à beira do Tapajós, uma experiência que selou a vontade de construir uma história coletiva a partir da paixão pela cultura amazônica.

Composição de Nando Montenegro, “Tempero” junta a musicalidade da Região Norte às demais influências da MPB contemporânea, do pop e da música latina. O arranjo é de Bruno Mattos e a produção musical é dividida entre ele e Lucas Cajuhy, que também assina engenharia de gravação, mixagem e masterização.

A canção conta com percussões de Tércio Macambira, mauesense que criou a pulsação que sustenta a canção marcada por células rítmicas de gambá, boi-bumbá, maracatu e carimbó. Os sopros ganham corpo com Marcelo Martins (trompete), Francirbone (trombone) e Crhistofer Santos (saxofone), enquanto Bruno Mattos gravou as linhas de baixo, violão e guitarra. O resultado é um single coletivo, com vozes muito bem divididas entre Nando, Luli, Bruno e Gabriella, que se complementam em timbres e texturas.

Os figurinos e acessórios utilizados pelos integrantes vêm da marca Yanciã Amazônia, curadora de peças confeccionadas por artesãos do Amazonas, que prioriza a matéria-prima natural oriunda do bioma da região e materiais de reaproveitamento. Além disso, a marca autoral amazonense Glitch confecciona alguns dos figurinos idealizados por Hendryl Nogueira, que também assina a maquiagem do quarteto. A produção traz uma ficha técnica 100% amazonense, reforçando o potencial criativo inesgotável da cena musical do Amazonas.

"Tempero"

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.: Crítica musical: Muñoz, a volta do psych rock

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Muñoz é um duo de heavy blues formado pelos irmãos Mauro e Samuel Fontoura. Naturais de Mineiros, município de Goiás, eles formaram a banda em Uberlândia, em Minas Gerais no ano de 2012. E se destacaram com o EP "Muñoz" em 2013 e o álbum "Nebula" em 2014, produzidos por Rafael Vaz no Caverna Estúdio. O seu mais recente lançamento é o CD "Twins", que reforça a sonoridade do duo no estilo psych rock.

A proposta de "Twins" foi produzir um trabalho que representasse com sinceridade a alma da banda: um duo barulhento, visceral e honesto. As letras, seguem uma linha surrealista, introspectiva e sarcástica, dentro do universo do psych rock, abordando temas como ego, solidão, tempo, sonho e loucura. No entanto, o foco do álbum não está nas palavras em si, mas na experiência sonora como um todo, onde voz, ruído e ambiência ocupam o mesmo espaço narrativo.

A capa do disco reforça o caráter íntimo e simbólico do projeto: uma fotografia dos irmãos ainda crianças, nos anos 90. A imagem remete à infância e à conexão fraterna que se traduz também na música - ora nostálgica, ora explosiva. Algumas faixas trazem uma pegada mais garageira, com espírito frenético, que remete à energia do garage rock como expressão juvenil. Se você curte ouvir bandas do segmento indie rock certamente irá se identificar com a sonoridade do Muñoz. Que está distante do som que você ouve nas rádios. E isso já serve como motivo para você conferir o trabalho desse interessante duo.

"Inner Voice"

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.: Jair Oliveira e Luciana Mello revivem "Dois na Bossa"

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação.

A ideia partiu de Jair Oliveira (Jairzinho): resgatar a memória e celebrar os 60 anos de “Dois na Bossa”, primeiro álbum ao vivo de Jair Rodrigues, Elis Regina e o Jongo Trio, lançado em 1965 e que ultrapassou a marca de 500 mil cópias, um feito inédito na música brasileira até então. Para marcar a data simbólica, Jair subiu ao palco ao lado da irmã, Luciana Mello, em uma noite que reafirmou a vitalidade de um legado que atravessa gerações.

O espetáculo aconteceu no dia 13, no Amaturo Theater, parte do Broward Center for the Performing Arts, em Fort Lauderdale - um dos principais espaços culturais da Flórida, nos Estados Unidos. Os ingressos foram esgotados, evidenciando não apenas a potência de Jair e Elis, mas também o carisma e a solidez artística de Jairzinho e Luciana, que conquistam reconhecimento do público internacional como continuadores e inovadores da tradição musical brasileira. 

O repertório inclui clássicos como "Disparada", "Como Nossos Pais", "Canto de Ossanha", "Arrastão", "Águas de Março" e "Upa, Neguinho", além de medleys que revisitam sambas e canções da bossa nova. O show teve ainda participações de Boca Melodia e da filha de Jair, Isabela Oliveira. “Fiquei ainda mais feliz por ter idealizado este show. ‘Dois na Bossa’ foi um marco na música brasileira e um grande momento na carreira do meu pai e de Elis Regina. Minha intenção sempre foi prestar essa homenagem e reviver toda a emoção que o álbum carrega. Estar fora do país, com ingressos esgotados em um teatro de tanta relevância, e dividir o palco com a minha irmã Luciana torna esse momento ainda mais especial”, afirma Jair Oliveira.

E completa: “De alguma forma, o Jairzão estará com a gente neste show, como se também dividisse o palco conosco - e isso nos emociona profundamente. Queremos que essa homenagem não se restrinja aos Estados Unidos: a ideia é levá-la ao Brasil em 2026, para que o público brasileiro também possa viver de perto essa celebração tão especial da nossa música”. A direção musical é de Jair Oliveira, acompanhado por Cássio Coutinho (teclados), Wesley Cosvosk (bateria) e Kai Sanchez (baixo).

"Medley Dois na Bossa"

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.: Entrevista com Claudette Soares: "De Tanto Amor" na música

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: Murilo Alvesso.

Claudette Soares pertence a uma categoria rara de intérprete de nossa MPB. Capaz de reviver canções consagradas com sua interpretação suave e singular. Mesmo tendo surgido em um período fértil, com outras grandes cantoras, ela sempre conquistou o seu espaço com garra e perseverança. E continua na ativa: seu mais recente lançamento foi um disco com canções de Chico Buarque. Em entrevista para o Resenhando, ela conta como foi seu início na música e revela quem foram seus ídolos. “Sou muito grata a Deus pelo dom de cantar”.

Resenhando.com - Você surgiu em um período com outras grandes cantoras. Na sua opinião, o que havia no País para revelar tantas intérpretes talentosas ao mesmo tempo?
Claudette Soares - Era um momento de glamour, de grandes talentos e de estrelas maiores. Como dizia Elis Regina, cada cantora tinha um estilo e uma voz que você identificava na primeira frase musical. Era um momento muito lindo, muito grandioso e graças a Deus eu comecei nessa fase. E com as estrelas sempre respeitando as novas cantoras que surgiam . Eram realmente amigas mesmo.

Resenhando.com - No início quem eram os seus ídolos na música?
Claudette Soares - Bom, eu sempre gostei de música americana, jazz. Apesar de não ser uma cantora desse estilo. Eu adorava Judy Garland, Frank Sinatra. Nos Brasil, eu tinha como ídolo a grande musa da Bossa Nova, Sylvinha Telles, a primeira cantora moderna do Brasil. Ela foi uma das maiores amigas da minha vida. Eu também gostava muito da Dalva de Oliveira, maravilhosa e da Nora Ney, com aquela voz rouca e sensual. Eu queria ser igual a ela, ter aquela voz.

Resenhando.com - Você participou de festivais nos anos 60. Na sua opinião, hoje em dia esses festivais seriam positivos para revelar novos talentos?
Claudette Soares -  Bom, eu acho que os festivais hoje não seriam como foram nos anos 60. A criatividade anda meio em baixa. Mas é claro que há exceções. Eu acho que a música brasileira moderna, criativa, não está tendo muito espaço. Musicalmente falando, os festivais hoje não teriam  a grandiosidade e a musicalidade que tiveram nos anos 60.

Resenhando.com - Você gravou dois discos antológicos com o Dick Farney. Já pensou em realizar algo em parceria com outros nomes da música?
Claudette Soares - Olha, não pensei não em fazer uma parceria por enquanto. Minha parceria com o Dick Farney foi perfeita e me deu muito prestígio na música. O Dick Farney sabia, porque eu falava isso pra ele. Sou muito grata ao Dick por ele ter me escolhido para esse trabalho, que realmente se tornou antológico.

Resenhando.com - O seu maior sucesso foi o disco "De Tanto Amor", com a música de Roberto Carlos. Você chegou a gravar outras músicas dele?
Claudette Soares - Na verdade, eu já tinha gravado dele a "Como É Grande o Meu Amor por Você", com arranjo maravilhoso do Cesar Camargo Mariano.Foi em 1967, em pleno auge da Bossa-nova, eu ousei cantar algo que vinha da Jovem Guarda. O Roberto gostou tanto que falou que iria fazer uma música para mim. E acabou fazendo duas: "De Tanto Amor" e "Você", ambas lindas em parceria com o Erasmo Carlos.

Resenhando.com - Seu disco mais recente foi dedicado a obra de Chico Buarque. Foi difícil escolher o repertório?
Claudette Soares -  Não foi difícil não escolher um repertório do Chico Buarque. Ele é incrível, um dos maiores desse mundo. Tenho verdadeira paixão por ele. A ideia era reviver canções dos anos 60 e 70 que não tinham sido regravadas, mescladas com outras da produção mais recente dele. E ele não só liberou as gravações como ainda participa cantando comigo em uma das faixas. Foi uma emoção enorme para mim.

Resenhando.com - Qual o segredo para manter essa sua extraordinária longevidade na música?
Claudette Soares - Sou muito grata a Deus pelo dom de cantar. Canto desde os dez anos de idade. Desde essa época eu só queria cantar. Graças a Deus eu sou muito disciplinada. Eu não grito, não tomo gelado. Conheço muitos cantores que tomam gelado e cantam acima de seu tom. Nada contra quem faz isso. Mas eu procuro me preservar.

"Cade Você"

"Carolina"

"De Tanto Amor"

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.: Oportunidade na música: curso de violão erudito em São Vicente

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Uma boa notícia para quem deseja obter conhecimentos sobre violão erudito. O Instituto Histórico e Geográfico de São Vicente estabeleceu uma parceria com o maestro João Argollo para oferecer um curso introdutório sobre o violão, sob a perspectiva da música erudita

Segundo o maestro João Argolo, o curso tem uma duração de um mês com quatro aulas, nas quais os alunos terão informações sobre a evolução do instrumento. O custo da matrícula será de R$190,00 e visa atender tanto o aluno iniciante como os que já praticam o violão erudito.

Natural de Aracaju. Argolo  iniciou seus estudos de violão com seu pai, João Pires Argolo. Teve como mestres Alvino Argolo (Brasil), Amilcar Rodrigues Inda (Uruguai) e Jodacil Damaceno (Rio de Janeiro). Estudou harmonia com Armando Quezada (México), Laura Maria Abrahão (São Paulo) e análise fraseológica com Marcelo de Camargo Fernandes (São Paulo). Graduou-se pela Faculdade Paulista de Arte (FAP-Arte), na classe do violonista e professor Pedro Cameron além de participar de cursos de aperfeiçoamento com mestres como Henrique Pìnto (SP) e Eduardo Castañera. Fez-se apresentar no III Festival Internacional de Granada Espanha, com Eliot Fisk  e foi solista na abertura da masterclasse de Manuel Barrueco no Festival Internacional de Córdoba Espanha.

Em seu primeiro CD, João Argolo e Convidados , contou com a participação do Quarteto Origens, formado por seu irmão Alvino Argolo, José Ricardo e Eduardo Castañera. Lecionou na Universidade de Três Corações (UNINCOR). Atuou como dirigente do corpo docente do Conservatório Municipal de Artes de Guarulhos e coordenador musical do Grupo Origens. As inscrições para o curso são feitas na sede do Instituto Histórico e Geográfico de São Vicente, que fica na Rua Frei Gaspar, no Centro de São Vicente. O telefone é (0xx13) 3469-3520.

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.: "Estrela da Casa": Brenno Casagrande faz da emoção uma marca registrada

Brenno Casagrande marcou o "Estrela da Casa" e já prepara novos voos na música. Foto: Globo/ Gabriel Vaguel

O baiano Brenno Casagrande conquistou o público do "Estrela da Casa" com voz doce, carisma e forte presença de palco, marcada pela herança musical que carrega do pai, também cantor. Durante sua trajetória no talent show, emocionou com interpretações cheias de verdade, criou laços fortes com os colegas de confinamento e surpreendeu ao se arriscar até na dança - momento em que recebeu, em tom carinhoso, o apelido de “novo Léo Santana”. 

Quarto eliminado da segunda temporada do programa, Brenno sai grato pela experiência e já com os olhos voltados para os próximos passos da carreira. Em entrevista, ele fala sobre as apresentações favoritas, os aprendizados que leva para a vida e os planos de lançar músicas inéditas, parcerias e até um grande audiovisual.

O que foi mais especial na sua participação no "Estrela da Casa"?
Brenno Casagrande - Foi me redescobrir como pessoa, como artista, me desbloquear para muitas coisas, como dançar. Estão me chamando de novo Léo Santana, sei que estou muito longe disso, mas estão me chamando. Eu dancei em todos os festivais. Tem pessoas na equipe que mudaram a minha vida, tanto nos ensinamentos de dança quanto de voz e carreira. Vou levar o que aprendi e seguir assistindo para aplicar essas dicas na minha trajetória, através da TV mesmo.

Qual foi sua dinâmica preferida?
Brenno Casagrande - Compor. A dinâmica do jingle é muito boa, mas a que mais me marcou foi a do "Desafio - Estrela da Casa". Na última, eu ganhei com os meninos com uma música falando sobre fé. Mas a minha música preferida do programa foi o jingle para o "Criança Esperança".

De qual apresentação sua você mais gostou?
Brenno Casagrande - A minha apresentação preferida foi a primeira, quando cantei "Vai Sacudir, Vai Abalar", música do meu pai. Eu estava muito emocionado, achei que ia chorar feito louco, mas consegui segurar a onda. Só chorei quando a apresentação acabou. Estava imune, estava leve. Foi a mais emocionante, sem dúvidas.

Quais aprendizados você está levando do "Estrela da Casa" para sua carreira?
Brenno Casagrande - Aprendi que a gente tem que manter a nossa verdade, que o carisma conta bastante, e que é importante deixar uma marca registrada nas pessoas. Acredito que deixei essa marca, porque ontem vi um vídeo de todos reunidos na sala de composição cantando a música do meu pai, me homenageando e fazendo a flecha, que é o sinal que eu criei. Fiquei muito emocionado, foi a única vez que chorei depois de sair do programa. Tive certeza de que estou na vida deles para sempre.

O que faria diferente, se tivesse a chance?
Brenno Casagrande - Talvez eu tivesse me esforçado mais para ganhar a imunidade e não ser eliminado ontem. Mas, quanto aos meus comportamentos, não me arrependo. Fui quem eu realmente sou. Já liguei para o meu irmão, para minha esposa, para minha mãe, para o meu pai... todo mundo me parabenizou pelo meu comportamento, pelas minhas falas e posturas. Então, se agradei minha família, não tenho mais o que mudar.

Na sua opinião, quem tem mais chances de sair vencedor ou vencedora? E pra quem fica sua torcida?
Brenno Casagrande - Hanii, Thainá e Juceir. São meus três favoritos. Estou torcendo igualmente para os três.

Quais são os próximos passos da sua carreira?
Brenno Casagrande - Lançar músicas. Tenho muitas em parceria com outros artistas. Quero fazer um audiovisual lindão, continuar brilhando... Meu lugar ao sol chegou, né? Então, agora é brilhar pelo Brasil afora. E para as pessoas que acompanham o programa e têm o sonho de estar aqui: não desistam. Eu fui um sonhador, sonhei muito em estar aqui, e em 2025 consegui entrar no "Estrela da Casa". Então, é sobre não desistir.

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.: Entrevista com Gabriel Smaniotto, eliminado do programa "Estrela da Casa"

Cantor viralizou na internet em 2019, quando fez uma apresentação em uma feira de sua cidade natal com apenas seus pais na plateia. Foto: Globo/ Gabriel Vaguel

Sertanejo de 29 anos, Gabriel Smaniotto deixou o "Estrela da Casa", reality show que é exibido de segunda a sábado, após a novela "Vale Tudo", e domingo, após o "Fantástico", na última quinta-feira, dia 18 de setembro. O cantor de Foz do Iguaçu, Paraná, que viralizou nas redes sociais em 2019, quando fez uma apresentação em uma feira de sua cidade natal com apenas seus pais na plateia, agora sonha em levar os aprendizados adquiridos no Centro de Treinamento para alavancar sua carreira, e tirar do papel alguns projetos que já estão ganhando forma. “Tenho bastante coisa engatilhada já, inclusive algumas músicas do meu DVD que estão para lançar ainda, que eu deixei guardadinhas. Já já vão sair, e estão incríveis”, adianta.  

O que você acha que foi mais especial na sua participação no "Estrela da Casa"?   
Gabriel Smaniotto - Eu acredito que participar da Estrela da Casa foi realmente uma provação de mim como pessoa e como artista. Foi a chance de mostrar como eu sou no dia a dia, de como eu lido com os meus problemas, com as minhas tensões em dias de apresentações e tudo mais, juntamente com o aprendizado que tive de todos os convidados e oficinas que a gente teve lá. Eu acho que foi esse conjunto completo. 

Qual foi sua dinâmica preferida?  
Gabriel Smaniotto - Eu gostava muito do Festival. Para mim, estar no palco é o momento mais especial. Por mais que também seja o momento de maior tensão, de eliminação, mas é ali, no palco, que eu gosto de estar. Então, o Festival para mim era o meu momento favorito.  

De qual apresentação sua você mais gostou? 
Gabriel Smaniotto - Quando eu cantei “Humilde Residência”, que era a música do Michel Teló, e eu tive a oportunidade de conversar com ele sobre isso. Eu estava muito mais solto, muito mais livre no palco. Eu acho que eu consegui mostrar o que eu realmente sou naquela apresentação. Foi a apresentação em que eu estava mais seguro também. 

Quais aprendizados você está levando do "Estrela da Casa" para sua carreira?  
Gabriel Smaniotto - Uma coisa que eu falei lá dentro com os outros participantes: eu aprendi com eles novas formas de ver e viver a música. Eu via que cada um tinha um conhecimento muito específico sobre a história da música, sobre algum artista. Eles despertaram em mim a vontade de me aprofundar mais em diversos temas, voltar a estudar meus instrumentos que, às vezes, pela correria do dia a dia, eu não conseguia. O programa reativou em mim alguns instintos da veia musical. Acho que esse foi o aprendizado principal. 

 
O que faria diferente, se tivesse a chance? 
Gabriel Smaniotto - Eu acho que a minha participação foi bem o que eu esperava. Poderia, talvez, ter sido um pouco mais intenso em algumas situações, tanto nas apresentações quanto nas dinâmicas no geral, mas eu acho que eu fui bem o que eu sou aqui fora. Eu acho que eu não mudaria nada. Talvez tentaria me concentrar mais, mas é fácil falar isso agora, aqui fora. Em momentos de apresentações tentar ter um foco um pouco maior, mas eu acredito que eu estava bem tranquilo e bem focado, então manteria igual. 

Na sua opinião, quem tem mais chances de sair vencedor ou vencedora? E pra quem fica sua torcida? 
Gabriel Smaniotto - Poxa, é muito difícil essa pergunta, porque eu acho que todos têm potencial e a cada semana a disputa está mudando muito. Se for para colocar num panorama geral de tudo que eu estava vendo ali dentro e com os rankings e tudo mais, eu acho que o Juceir tem uma grande chance de ser o campeão do "Estrela da Casa". A minha torcida não é só para um, não. Sudário, Juceir, a gente que a Bea... Janício, que foi um irmão que eu criei lá dentro, Hanii, muito talentoso... vamos falar de todos aqui? Não dá! Então, a minha torcida é geral, mas quem eu acho que tem mais chance é o Juceir. 

Quais são os próximos passos da sua carreira? 
Gabriel Smaniotto - Quero aproveitar as portas que se abrirem com o 'Estrela da Casa', toda a exposição que gerou para mim. Para poder organizar ainda mais a minha carreira, conhecer cidades que eu ainda não conheço para fazer o meu show, melhorar o meu show, melhorar a minha performance e colocar em prática todo esse 360 que a gente aprendeu lá dentro. Desde dança, canto, a parte de gestão de carreira... eu acho que é o momento de colocar no papel como eu estou no momento e aonde quero chegar. Tenho bastante coisa engatilhada já, inclusive algumas músicas do meu DVD que estão para lançar ainda, que eu deixei guardadinhas. Já já vão sair, e estão incríveis. As pessoas vão gostar, com certeza, e elas vão mostrar muito o que foi o Gabriel dentro do programa também.

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.: Música brasileira em luto: Hermeto Paschoal, a humildade do bruxo

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Impossível dimensionar o que representa a perda de um músico como Hermeto Paschoal, cujo falecimento se deu no último final de semana. Reconhecido em seu meio como um dos maiores instrumentistas do Brasil, ele tinha não só o reconhecimento da crítica especializada como conseguia sempre atrair um numer1oso público, onde quer que se apresentasse com sua competente banda de apoio.

Mas engana-se quem pensa que toda essa idolatria mexeu com a personalidade do bruxo (como era apelidado pelos amigos músicos). Eu mesmo testemunhei um episódio que demonstrou o caráter e a incrível humildade dele. O fato aconteceu na segunda metade dos anos 90, quando eu trabalhava em Itanhaém cobrindo a região do Litoral Sul. Um dia eu entrevistei o músico Itiberê Zwarg (cuja família morava na cidade), que faz parte da banda que acompanhou Hermeto até o final. Ele tinha sido destaque em uma publicação do exterior. Durante essa conversa, perguntei sobre como era a convivência com o Hermeto dentro e fora dos palcos. A resposta foi direta e objetiva: a mais normal possível.

Perguntei se ele achava difícil conseguir uma entrevista por telefone com o Hermeto. E para minha completa surpresa, ele me deu o telefone da casa do célebre músico, que morava no Rio de Janeiro. “Pode ligar e combinar uma data com ele”. No dia seguinte, fiz o que ele me pediu. Liguei para falar com ele e ver uma data para poder fazer a entrevista. O próprio Hermeto atendeu a ligação e disse o seguinte: “Pode perguntar, meu filho, que respondo agora”.

Claro que aproveitei a ocasião e perguntei coisas sobre seu lançamento na época e relembrei sua antológica passagem pelo Festival de Montreux, na Suíça em 1979, que rendeu uma jam session histórica com a Elis Regina. O Bruxo ao piano e a eterna Pimentinha no vocal.

“Ela (Elis) estava um pouco nervosa, porque subimos ao palco sem um ensaio. Foi tudo no improviso mesmo. Mas logo depois ela se sentiu segura e mostrou a grande intérprete que sempre foi”, disse Hermeto. Quando já tinha feito as perguntas, ouvi um piano no fundo da conversa e perguntei se ele estava ouvindo algo. Na verdade, era ele mesmo que estava tocando um piano elétrico e trabalhando em uma composição. Pedi desculpas pelo incômodo involuntário. E nunca esqueci da resposta dele: “Ih rapaz, deixa disso. A conversa foi muito boa. E deixa te mostrar o que fiz agora”. Ouvi o trecho de uma bela música instrumental, ao telefone. E depois pensei: quando é que eu imaginaria que isso seria possível?

A principal imagem que o Hermeto me passou naquele dia foi a de um homem extremamente humilde e simples. Exatamente como o Itiberê tinha descrito. Certamente a música brasileira sentirá a falta dos hermetismos pascoais, em que pese que sua obra permanecerá sempre como uma referência para as demais gerações de músicos.

"Papagaio Alegre"

 "Amor Paz e Esperança"

 "Asa Branca"

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.: Crítica musical: Graziela Medori revela as canções de Valéria Velho

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Fotos: divulgação

A cantora Graziela Medori está divulgando seu novo álbum: "Revela", dedicado inteiramente às músicas da compositora Valeria Velho, que agora ganha maior visibilidade em um projeto que traduz sua obra em linguagem acessível, contemporânea e cheia de identidade. As canções falam de amor, de encontros, dos afetos, das buscas e das escolhas, sempre com uma delicadeza que não abre mão da força e da personalidade.

Valeria Velho, nascida em Adamantina, interior de São Paulo, compõe desde os 13 anos de idade. Adquiriu seu primeiro violão com suas próprias economias e ainda muito jovem participou de festivais, ganhando alguns deles. Foi exercer sua profissão na área jurídica, dando uma pausa em seus sonhos. Há 12 anos, após se aposentar retornou as atividades junto a música e tem canções registradas por intérpretes como Renato Teixeira, Blubell, Marcio Lugó, e Hugo Rafael entre outros.

Na voz de Graziela Medori, esse repertório ganha vida com leveza, precisão e emoção. “Cantar Valeria é um privilégio. Suas músicas me tocam profundamente e acredito que vão tocar quem ouvir. São canções falam de nós, do nosso tempo, das nossas dores e alegrias, de forma sensível e sofisticada”, declarou a cantora.

Depois de seis álbuns lançados, Graziela ressurge dando espaço dentro da sua discografia, com uma linguagem mais pop e inédita. O álbum passeia por baladas, canções interessantes e faixas que flertam com o pop, sempre mantendo o DNA da MPB como fio condutor.

A produção musical é assinada por João Oliveira, multi-instrumentista, compositor, produtor e arranjador, que entrega uma sonoridade radiofônica e contemporânea, aproximando a obra tanto de ouvintes habituais da MPB quanto de quem busca novas vozes na música brasileira atual.

A faixa título - "Revela" - tem qualidade suficiente para entrar em qualquer trilha de novela da Rede Globo. E o arranjo da faixa "Dádivas" parece ter sido inspirado na clássica "Ilegal Imoral ou Engorda" de Roberto Carlos. Mas sem soar como cópia. Já escrevo há algum tempo sobre a Graziela, que por sinal é filha da cantora Claudya e do músico Chico Medori. É sempre um prazer enorme ouvi-la cada vez mais madura e ciente do que quer como artista na música.

O disco "Revela" chega às plataformas digitais pela produtora e gravadora Kuarup e marca não apenas um novo capítulo na trajetória de Graziela Medori, como também amplia o alcance da obra de Valeria Velho, apresentando-a a novos públicos, reforçando a importância de se dar vez e voz a talentos femininos, mostrando que nunca é tarde para viver os próprios sonhos.

"Hilário"

"Dádivas"

"Revela"

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.: Rick Davies, da banda Supertramp: o sonho acabou

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Com o falecimento do músico britânico Rick Davies aos 81 anos, depois de uma luta contra uma doença grave (Mieloma Múltiplo) nos últimos anos, encerram-se as chances de uma eventual reunião da formação clássica da banda Supertramp. O Supertramp preferiu não seguir a regra das demais bandas antigas, que buscam reagrupar seus antigos membros e reviver hits que marcaram uma época. Após a saída de Roger Hodgson, em 1983, a banda se manteve ativa com Davies na liderança do vocal e das composições. Entretanto, sem conseguir alcançar o brilho e a popularidade dos anos 70 e 80.

Rick Davies sempre foi uma das forças criativas do Supertramp. Em que pese o sucesso que as canções de Hodgson alcançavam, as de Davies sempre serviam como um contraponto. Ou melhor, um complemento perfeito para o som desenvolvido naquela época pelo grupo.

Como alguns exemplos poderia citar canções como Bloody Well Right, From Now On (esta uma de minhas preferidas dele), Goodbye Stranger, Crime Of the Century, entre tantas outras. Ele também tinha um talento nato para compor hits radiofônicos como a balada retrô My Kind Of Lady, que estourou junto com It´s Raining Again, de Roger Hodgson.

Uma pena que ambas as partes não entraram em um acordo amigável para aparar as arestas do passado e voltar a tocar juntos no palco. Porque tanto Hodgson como Davies estavam em plena atividade musical e seria muito interessante acender aquela velha chama musical.

Davies havia anunciado em 2015que iria se retirar para tratar da doença, interrompendo as atividades da banda desde então.

Como consolo para os fãs, fica a obra da banda que permanece como uma referência em termos de um rock que transitava entre o pop e o estilo mais progressivo. Todas essas canções certamente não soam datadas e se mantém atuais nos dias de hoje.

"From Now On"

"My Kind Of Lady"

"Bloody Well Right"

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.: Ricardo Vilas & Banda Maravilha chega nas plataformas digitais

Por Luiz Gomes Otero, jornalista e crítico cultural. Foto: divulgação

Ricardo Vilas está divulgando seu novo projeto, o disco “Ricardo Vilas & Banda Maravilha”, que está disponível em todas as plataformas digitais, com distribuição da Conexão África Produções. Um trabalho que reforça a ligação do músico com a cultura de origem africana, que sempre se mostrou presente em sua obra autoral. O projeto da parceria nasceu a partir de um vínculo criado em 2012, quando Ricardo conheceu os músicos da Banda Maravilha durante sua pesquisa de doutorado sobre a circulação da música popular entre Brasil e Angola.

“Angola, para nós brasileiros, é a África mais próxima. Essa conexão sempre me interessou e me atraiu, a ponto de dedicar minha pesquisa acadêmica ao estudo da Música Popular Angolana e de seus pontos de encontro com a música brasileira”, explica  Ricardo. O álbum reúne 12 faixas, entre composições inéditas e autorais; e conta com participações especiais de Dionísio Rocha, Filipe Zau, Nilze Carvalho e Hudson Santos, que contribuíram para um resultado positivo, um verdadeiro diálogo musical entre Angola e Brasil.

O projeto busca ampliar o conhecimento das culturas africanas no Brasil, especialmente no campo da Música Popular Brasileira, além de fortalecer os laços com o continente africano, de onde vem boa parte da nossa população. Ao mesmo tempo, pretende mostrar à população africana o quanto a sua presença cultural é valorizada e bem-vinda. “Agora que o projeto está ganhando as ruas, fico muito feliz de ver que conseguimos realizar um verdadeiro encontro musical entre Angola e Brasil. Mostramos tudo o que compartilhamos, em termos musicais, e também as particularidades que nos diferenciam, mas que dialogam de forma harmoniosa”, concluiu Ricardo Vilas

"Atlântica Mulata"

"Voando pra Luanda"

"Nosso Canto"

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.: Entrevista: ZéVitor desmonta a própria torre para erguer "Imago Mundi”

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com. Fotos: Lucca Mezzacappa

Um álbum que surge de uma carta de Tarô desmoronando, de violões que carregam fantasmas de outras décadas, de aboios que ecoam como fósseis sonoros e de espaços silenciosos e familiares que só encontram voz na poesia. "Imago Mundi", o trabalho mais recente de ZéVitor, é mais que um conjunto de faixas. O álbum costura tradição viva e memória íntima em busca de um Brasil pessoal, seja ele medieval ou sertanejo, galego ou nordestino, melancólico ou solar, ou tudo isso misturado.

Na live session filmada em plano sequência, o disco se revela sem cortes, como quem encara o risco de ser visto sem máscara. Nesse cenário, ZéVitor reconstrói, arqueólogo e inventor,  as peças de um quebra-cabeça cultural que atravessa séculos e territórios. Entre colaborações que vão da voz do pai, o ator e músico Jackson Antunes, à artista galega Antía Muíño, o músico afirma um lugar raro: o de quem não se contenta com a repetição do que já foi ouvido. Nesta entrevista exclusiva ao portal Resenhando.com, ele fala sobre ritos de passagem, tradições que respiram, rebeldias estéticas e tormentas criativas que ainda pedem para virar música.

Resenhando.com - "Imago Mundi" parece ser mais do que um disco – soa como um rito de passagem. O que você precisou enterrar ou perder dentro de si para que esse álbum pudesse nascer?

ZéVitor - Muito legal você puxar esse termo “rito de passagem”, quando pensamos nas culturas através do mundo nos deparamos frequentemente com rituais que representam mortes simbólicas… talvez o art1ista morra em si mesmo várias vezes ao longo da sua trajetória… Eu sinto como se fosse uma nova vida, já que esse disco nasce com todo um novo processo pessoal de feitura artística completamente diferente de tudo que eu já havia experimentado… encontrei essas canções no fundo do fundo, quando por completo me desconheci e o fazer havia perdido o sentido… Nesse ponto houve um rompimento quase que completo com o que me fazia de alicerce, é como aquela carta do Tarô, A Torre… tudo vem ao chão e recomeça-se… "Imago Mundi" é o primeiro passo desse recomeço artístico, a porta que dá passagem a esse tempo novo… que está completamente ligado a "re-memória" daquilo de mais íntimo que sou, a volta para as minhas origens para a partir daí pensar na originalidade do meu fazer.

Resenhando.com - A live session foi gravada em plano sequência, um recurso estético que não permite cortes nem esconderijos. Que parte sua ficou exposta nesse processo - e você deixaria que alguém revisse esse plano sequência emocional da sua vida?

ZéVitor - Sem dúvidas o processo do ao vivo coloca a prova todos os envolvidos para que a capacidade de estarmos em sintonia possa transformar o momento em música… Momento que tem menos artifícios para esconder imperfeições… Mas sendo a música que busco fundamentada na busca pela verdade, a "não-perfeição" é acolhida pela expressão… Captura-se o momento, seja o melhor dia ou não, como as coisas tem de ser ali e agora. Sobre deixar alguém reviver o meu plano sequência emocional, acho que as canções acabam sendo mais interessantes do que isso, devo à invenção a razão desse parecer, já que criar, tem muito mais possibilidades… Todos temos nosso baú de dores incompartilháveis… Compartilho minha música, onde acho que posso servir um pouco mais de poesia do que a realidade crua e nua.  

Resenhando.com - Ao escolher instrumentos históricos e resgatar sons esquecidos, você parece dizer que o Brasil ainda guarda músicas que não ouvimos. Qual é a canção que o país insiste em calar?

ZéVitor - Acho que a ordem industrial de para onde a música precisa seguir para vender mais acaba por sufocar muitas experimentações… A música que vem de fora viraliza as nossas formas de fazer… Somos um povo extremamente complexo musicalmente, cheios de requintes rítmicos… então tenho me voltado culturalmente para o nosso país para criar a partir dele e de suas histórias… Sobre os instrumentos, essa espécie de arqueologia do som é uma parte de um processo em leque… É visual, sonoro, histórico. O timbre desses instrumentos antigos parecem nos contar sobre um futuro que não continuou… um tempo que se imaginou mas nunca houve pois tudo se deu diferente… nNsso vejo a  possibilidade de dar continuidade às buscas por música brasileira.

Resenhando.com - Você colocou seu pai, Jackson Antunes, para declamar versos em “Lira”, uma faixa sobre perdas. Quais silêncios ou segredos familiares ecoam nessa parceria artística?

ZéVitor - Meu pai sempre foi um guardião de histórias. Muitas dores que atravessaram nossa família nunca foram ditas em voz alta, mas a arte acaba funcionando como um espaço possível para que elas existam. Quando meu pai declama em “Lira”, sinto como se aquilo que não expomos ao mundo no cotidiano encontrasse lugar na música. É uma forma de quebrar o silêncio deixando que a poesia carregue o peso do indizível.

Resenhando.com - Em “πNeo” você incorpora aboios e sons ancestrais, como se atualizasse uma memória coletiva em loop. Como diferenciar tradição viva de folclore embalsamado?
ZéVitor - Acho que tradição viva é tudo aquilo que respira do passado ao presente… a tradição que serve a comunidade e segue em contextos reais… A tradição viva no meu entendimento pode ser ainda de duas formas: ela mantida como é, para dar longa vida a sua origem e preservação a sua originalidade… e ela transformada na ótica de seu tempo, para que tenha possibilidades de pesquisa em sua expressão. Em diferença, o folclore embalsamado que no meu entendimento desse termo refere-se a uma forma de se tentar preservar algo morto para propósito de exibição… me parece essa coisa fria, numa mera representação de algo um tanto sem vida do que deveria ser aquilo… Troca-se o sangue por formol para evitar o que é desagradável e caber dentro de um ambiente de exposição sem muito interesse real em estabelecer uma ligação profunda…

 

Resenhando.com - “Kintsugi” encerra o disco com uma colaboração com Antía Muíño e uma metáfora japonesa sobre reconstrução. O que em você está colado com ouro?
ZéVitor - Tudo aquilo que um dia se partiu. Porque tudo que quebra a gente recolhe pra levar ou jogar fora. Algumas coisas acabam saindo de forma diferente do que gostaríamos, perdemos tantas coisas pelo caminho… nessa metáfora de aprendermos a lidar com as cicatrizes, todos nós vamos tendo que fazer algo com elas. Sobre a música, talvez ela possa explicar melhor a sua existência do que eu… Acho que ela tem o poder de reconfortar com uma beleza melancólica que no fim tem uma mensagem positiva sobre reconstrução e esperança. Eu escrevi essa música quando estávamos já no processo de feitura do álbum, e todo dia mostrava para o Aureo Gandur, produtor do disco, e tentava mostrar o quão me parecia especial… ela acabou por entrar como a última faixa do disco… lembro que ficamos por duas noites retrabalhado o arranjo dos violões e nessa altura era impossível pensar o trabalho sem a sua presença. É motivo de alegria compartilhar essa canção com Antía Muíño, que trouxe através de sua voz toda a ancestralidade e futuro da cultura galega… essa música nos fez cruzar o oceano e sua estreia foi no Festiletras, um festival na Aldea do Couto à convite de Antía. Conhecer a Galícia, foi ter contato com o próprio conceito do disco, em uma travessia transformadora e profunda. Kintsugi foi escolhida para estar na playlist "O Melhor da Aquarela Brasileira 2024" (Spotify) e fiquei feliz pois é uma oportunidade de mostrar que nossas raízes também podem estar além de nossas fronteiras.

Resenhando.com - Se o álbum fosse uma carta para o futuro, que faixa você gostaria que sobrevivesse a esse tempo líquido que esquece tudo rápido?

ZéVitor - Eu gostaria que “Deixe-me Ir” sobrevivesse, mas se ela se for, acho que é a música que pode ser redescoberta numa cápsula, e daqui a tantos e tantos anos poderá ainda narrar os dramas da humanidade de maneira contemporânea ou ser um retrato do nosso tempo… As bombas, as balas, a guerra e a corrida do dinheiro… Tenho dificuldade de acreditar numa melhora substancial do comportamento humano ainda mais com a forma como os donos do mundo decidem tocar o barco.

Resenhando.com - Ao dirigir a arte da live e os próprios arranjos, você se colocou em várias frentes criativas. Onde termina o ZéVitor artista e começa o ZéVitor obsessivo?

ZéVitor - Acho que a tentativa de controle a qualquer custo é sofrimento na certa, eu me cerco de pessoas que confio… O cenário foi fruto de uma direção simbólica, as coisas foram aparecendo e cada um presente colaborou com a sua sensibilidade. Quanto aos arranjos seria um exagero dizer que participei da direção, que é obra do meu grande amigo e produtor musical Aureo Gandur! Certamente me é impossível não palpitar e participar ativamente das decisões… fico muito empolgado com as escolhas de instrumentação para cada música, ainda mais nesses formatos de ao vivo, onde podemos reorganizar a forma de fazer… E sobre ser obsessivo, se fizesse uma tradução de obsessivo para excessivamente preocupado com algo… Poderia dizer que estou bastante envolvido com a minha música como objeto de pesquisa, ando restaurando instrumentos históricos com o objetivo de dar continuidade ao seu som, pensando sobre esse processo criativo e os caminhos inventivos para nossa música de hoje e de amanhã que não esteja dominada por modismos.

Resenhando.com - Você reúne em um mesmo projeto a cultura galega, sertaneja, nordestina, medieval e pop. Isso é curadoria pessoal ou rebeldia estética?

ZéVitor - É uma curadoria pessoal do que tocam as raízes desse trabalho e todo o processo que estamos envolvidos, acho que pode ser considerado uma rebeldia em relação as pedidas do mundo… Afinal são músicas para serem ouvidas em estado de envolvimento e atenção para todas essas coisas que as formam. Na Galícia, se deu surgimento da nossa língua portuguesa, os primeiros textos estavam lá escritos em galego-português na terra dos trovadores… A saudosa professora Jerusa Pires disse uma vez em uma aula, que nunca sentiu tanto Elomar do que quando desembarcou na estação de trem de Santiago de Compostela… O nosso sertão é medieval, a Espanha conta "Don Quixote" e nós lemos "Grande Sertão: Veredas"… as nossas violas caipira, nordestina… e todas as suas afinações descendem das violas Braguesas, Amarantinas, Da Madeira… todas violas portuguesas que acabaram afinadas pelas terras que as acolheram aqui no Brasil… não se trata então de saltos em todas as direções para encontrar uma estética extravagante, mas sim de acreditar estar numa linha de reconexão com um grande rio que se estende do mais remoto até o presente para formar a nossa cultura… Eu me sinto ligando alguns pontos desse grande mapa para encontrar um tesouro que é a própria música. Os instrumentos surgem como elos para trabalhar com essa tradição viva, acreditando que isso seja uma das bases mais fortes para se pensar o futuro… tradição em estado de movimento. O retrato do que estamos tentando fazer me parece uma raiz que tenta se projetar ao futuro…

Resenhando.com - Depois de “Imago Mundi”, o que ainda não foi dito por ZéVitor, mas já o atormenta querendo virar música?

ZéVitor - Acho que muitas coisas ainda não foram ditas, eu componho mais músicas do que sou capaz de dar conta… Existem vários projetos prontos esperando sua vez e seu lugar… Mas todas as músicas se encontram unidas no mesmo propósito de exploração e experimentação com base nesse processo que pude compartilhar um pouco nessa entrevista… O segundo passo desse caminho já começa a se insinuar em Gandaia, que é um disco mais solar, tropical e selvagem que estou trabalhando… Onde a variação de música para música já começa a desenhar sonora e poeticamente novas linhas desse mapa… Fiz uma expedição com o Aureo Gandur (produtor musical) e o Iuri Nascimento (engenheiro de som e músico) que estão comigo nessa pesquisa sonora, dirigimos por 21 horas para encontrar um lote de instrumentos que estavam sendo tratados como sucata… no meio de coisas mais que especiais descobrimos um instrumento chamado Oficleide, um sopro que parou de ser fabricado em 1900, de timbre doce e profundo… um som em extinção… esse instrumento só está presente no disco novo da forma que está por causa dessa inquietação, dessa coisa que atormenta, dessa voz que pede coragem… de confiar nas partes que não controlamos e de nos agarrarmos a um propósito maior que as coisas passageiras… de reverenciarmos e seguirmos nossos próprios caminhos dando continuidade para a imaginação.

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