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domingo, 16 de agosto de 2026

.: Drauzio Varella e Tony Tornado em série que celebra a força de recomeçar


Websérie documental reúne o médico Drauzio Varella, o ator e cantor Tony Tornado e outros quatro brasileiros 50+ em conversas sobre longevidade, propósito, aprendizado e as muitas possibilidades de continuar se reinventando ao longo da vida. Fotos: divulgação

A experiência também pode ser ponto de partida para novas descobertas. É a partir dessa ideia que a websérie documental “Não Nasci Ontem” reúne o médico Drauzio Varella, a religiosa Irmã Marluce, o ator e cantor Tony Tornado, a criadora de conteúdo Eleni, o chef Batista e o ex-maratonista Vanderlei Cordeiro de Lima para falar sobre mudanças, escolhas, aprendizados e a vontade de seguir em movimento. Criada pela Colírio, estúdio de branding e comunicação do Grupo QNCO, para a Everest, que comemora 60 anos de trajetória, a produção já está disponível nos canais digitais da marca e terá novos episódios publicados semanalmente.

Quem abre a série é Drauzio Varella, que fala sobre curiosidade e transformação após mais de seis décadas dedicadas à medicina. A temporada também reúne histórias bastante diferentes entre si, mas atravessadas pela mesma disposição para continuar descobrindo novos caminhos. Aos 63 anos, Irmã Marluce conversa sobre hábitos, mudanças e recomeços. Aos 96, Tony Tornado compartilha reflexões sobre vitalidade e o desejo de continuar criando. Aos 71, Eleni conta como encontrou nas redes sociais uma nova maneira de dividir sua paixão pela culinária.

A gastronomia aparece novamente na trajetória do chef Batista, que revisita mais de 40 anos de carreira. Fechando a temporada, Vanderlei Cordeiro de Lima fala sobre conquistas e sobre como grandes resultados são construídos a partir de decisões tomadas diariamente. A série integra uma campanha maior desenvolvida pela Colírio para celebrar as seis décadas da Everest. O projeto também envolve a campanha comemorativa da marca e a criação do naming da linha Foz, nova geração de purificadores desenvolvida pela Questtonó.

Para Felipe Drummond, head de comunicação da Colírio, a proposta parte de uma ideia de inovação associada à experiência acumulada ao longo da vida. “Não Nasci Ontem” transforma essa perspectiva em histórias pessoais, aproximando a trajetória dos entrevistados dos 60 anos de história da própria Everest. “Um marco como esse ganha ainda mais força quando se conecta a uma verdade que vai além da empresa. A websérie traduz isso ao unir inovação e legado em histórias de pessoas que, assim como a Everest, acumulam experiência, mas seguem se reinventando e olhando para o futuro”, afirma Gabriela Rocha, gerente de marketing da Everest.


Onde assistir
O primeiro episódio de “Não Nasci Ontem” já pode ser assistido no perfil da Everest no Instagram. Os demais episódios serão disponibilizados semanalmente.

sábado, 8 de agosto de 2026

“Diva Futura” resgata império erótico e escancara o preço da fama nos anos 80


Por
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.


“Diva Futura” chega à plataforma de streaming Reserva Imovision e encara um capítulo incômodo e fascinante da cultura pop italiana. Dirigido e roteirizado por Giulia Louise Steigerwalt, o longa-metragem recria os anos 1980 e 1990 a partir da figura de Riccardo Schicchi (Pietro Castellitto), fundador da agência que ajudou a transformar o erotismo em espetáculo midiático e produto de massa. Inspirado no livro “Non Dite Alla Mamma Che Faccio la Segretaria”, de Debora Attanasio, o filme acompanha os bastidores da ascensão de nomes como Ilona Staller, a Cicciolina (Lidija Kordic), e Moana Pozzi (Denise Capezza), personagens que atravessaram a fronteira entre entretenimento adulto e política institucional - Cicciolina chegou ao Parlamento italiano, enquanto Pozzi ensaiou uma candidatura à prefeitura de Roma. A narrativa se ancora no olhar de Debora (Barbara Ronchi), secretária da agência, que observa, de dentro, a engrenagem afetiva e profissional desse grupo improvável.

Steigerwalt, que já havia chamado atenção com “Settembre”, mantém aqui o interesse por personagens femininas em conflito com estruturas sociais rígidas. Ao revisitar a trajetória da Diva Futura, a diretora não se limita ao escândalo: investiga vínculos, disputas, fragilidades e o preço cobrado pela exposição pública. A produção teve estreia mundial em competição no Festival de Veneza 2024, reforçando o peso histórico do material que revisita.

A arte presente no escritório de Schicchi reproduz traços do quadrinista Milo Manara, referência italiana no erotismo ilustrado, e o título do filme só aparece nos créditos finais, gesto que desloca o olhar do espectador para os personagens antes da marca. Com fotografia de Vladan Radovic e trilha de Michele Braga, “Diva Futura” se constrói como um retrato de ambição, desejo e contradição, evitando simplificações sobre um período em que a mídia ampliou vozes e, ao mesmo tempo, moldou destinos.


Ficha técnica
“Diva Futura”
Gênero: drama. Duração: 125 minutos. Classificação indicativa: 18 anos. Ano de produção: 2024. Data de lançamento: 16 de julho de 2026. Idioma: italiano. Direção: Giulia Louise Steigerwalt. Roteiro: Giulia Louise Steigerwalt e Debora Attanasio. Elenco: Pietro Castellitto, Denise Capezza, Barbara Ronchi, Lidija Kordic, Tesa Litvan. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.


Assine a Reserva Imovision, a maior plataforma de filmes independentes da América Latina
A equipe do portal Resenhando.com acompanha os filmes por meio da plataforma de streaming Reserva Imovision, dedicada ao cinema independente e autoral. Para acessar o catálogo completo, conferir novidades e realizar sua assinatura, o aplicativo da plataforma ou o visite o site oficial neste link. A Reserva Imovision reúne filmes e séries cuidadosamente selecionados, ampliando o acesso a obras que valorizam a diversidade cultural, a reflexão e experiências cinematográficas diferenciadas. Você pode assinar a plataforma de streaming Reserva Imovision neste link.

.: Globoplay lança último episódio da série "Meu Nome É Preta"


Capítulo final chega ao streaming neste sábado, dia 8 de agosto, destacando a transparência da artista diante do câncer e seus grandes amores. Foto: divulgação

No dia em que Preta Gil celebraria seu aniversário, neste sábado, 8 de agosto, o Globoplay lança o quarto e último episódio da série "Meu Nome É Preta", produzida pela Conspiração. O capítulo de encerramento da produção coloca o Carnaval como a grande paixão e o fio condutor da vida da artista: desde as memórias das fantasias de infância até a criação do lendário "Bloco da Preta", onde arrastou multidões de apaixonados pelo Rio de Janeiro.

O episódio percorre momentos de grande sensibilidade da vida de Preta Gil, como o fim de seu casamento e o diagnóstico de câncer em 2023. Diante da doença, que interrompeu a folia, a cantora fez questão de transformar o tratamento em um ato público de coragem, fé e transparência, e contou com uma inabalável rede de apoio formada por sua família e amigos inseparáveis. "Talvez por isso que o mais normal que aconteceu foi a gente estar com ela nos últimos três anos de vida dela. Para além de ser uma artista, acho que ela gostaria de ser lembrada pela mulher que ela foi, absolutamente transparente pra todo mundo", reflete Gominho.

A série traz à tona ainda a última paixão vivida por Preta, acompanhada pelo depoimento do cantor Kanalha, que relembra a generosidade e o aprendizado da troca entre os dois: "Tudo foi vivido muito intensamente, a gente curtiu muitos momentos juntos, muita coisa boa. Ela sempre queria me ver prosperando, sempre queria me ver avançando".

Entre as memórias da família e dos amigos mais íntimos, o capítulo conta com depoimentos de amigos como Ivete Sangalo, Carolina Dieckmmann, Regina Casé, Thiaguinho, Gominho, Hugo Gloss, além do filho Francisco Gil, que desabafa sobre a saudade constante da mãe: "Não tenho nem mais como falar o que mais sinto falta. Penso nela o tempo todo, não tem um minuto que não venha ela na minha cabeça. Sinto falta de estar perto dos amigos dela que estavam o tempo todo com ela. Porque estar com minha mãe muitas vezes era isso, era estar na bagunça".

A diretora da série, Mini Kerti, reforça como a superação das dores e a construção dessa teia de amor se tornou o pilar central do documentário: "A Preta tem uma história muito rica de pessoas, de assuntos, de música, de alegrias e de dramas. E aí, depois de tudo isso, uma doença terrível, da qual ela fez questão de falar abertamente, desmistificando a morte. Pra mim, contar a história dela é um grande desafio e uma enorme alegria. Porque é, acima de tudo, uma história de afetos".

Para fechar a série documental, o quarto episódio celebra as homenagens que eternizaram o legado de Preta Gil nos Carnavais do Rio e de Salvador. O cantor Gilberto Gil encerra a obra definindo a essência e a ideologia de vida deixada por sua filha: "Tudo que ela foi, ela foi. Ela foi ela. A gente seguiu, a gente acompanhou, a gente amou, a gente apreciou, a gente admirou, a gente aplaudiu, se emocionou com tudo aquilo. Fica a saudade no sentido mais melancólico da palavra, mas fica também essa alegria que era quase que ideológica dela. Ela era uma ideóloga da alegria".

A série "Meu Nome É Preta" tem direção de Mini Kerti, produção de Carolina Jabor, Luísa Barbosa e Renata Brandão, roteiro de Victor Nascimento e produção associada de Flora Gil. O quarto e último episódio da produção estará disponível para assinantes do Globoplay a partir deste sábado, dia 8 de agosto.

segunda-feira, 3 de agosto de 2026

.: Documentário “Lampião, Governador do Sertão” questiona o mito: herói?


Por
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Lampião, Governador do Sertão” chega à plataforma de streaming Reserva Imovision com fôlego de investigação e gosto por contradição. Dirigido por Wolney Oliveira, que assina o roteiro ao lado de Margarita Hernández, o documentário encara de frente a figura de Virgulino Ferreira da Silva, o Lampião, sem aliviar nem simplificar. O que se vê é um personagem que ainda provoca disputa de narrativas: herói popular para alguns, líder violento para outros, sempre no centro de um país que nunca resolveu completamente suas próprias tensões.

O longa-metragem costura imagens raras, documentos, depoimentos e registros orais para reconstituir uma trajetória que não cabe em rótulos fáceis. Lampião surge como produto de um tempo e, ao mesmo tempo, como invenção contínua da cultura brasileira. A câmera percorre territórios do Nordeste e recolhe histórias que mantêm o cangaço vivo na memória, na literatura de cordel, no artesanato e no cinema. Esse percurso, aliás, não nasceu agora: o diretor acumula anos de pesquisa e chegou a registrar cerca de 180 horas de material sobre o tema em projetos anteriores, como “Os Últimos Cangaceiros”.

Apresentado no 29º Festival É Tudo Verdade e exibido também no Cine Ceará, o filme ganhou impulso em circuito de festivais antes de encontrar o público mais amplo. A produção ainda coleciona prêmios no Fest Aruanda, incluindo melhor documentário, roteiro, som e edição — reconhecimento que ajuda a dimensionar o cuidado formal do projeto. A trilha original leva a assinatura de DJ Dolores (Helder Aragão), enquanto a fotografia de Rogério Resende acompanha o tom investigativo com rigor e sensibilidade.

Wolney Oliveira, cineasta cearense com formação em Cuba, sustenta uma relação antiga com o universo do cangaço. Há muita pesquisa histórica, relatos de ex-cangaceiros e da própria cultura popular nordestina. Em “Lampião, Governador do Sertão”, essa dedicação aparece sem pressa, deixando que o material respire e revele suas próprias tensões.


Ficha técnica
“Lampião, Governador do Sertão”
Gênero: Documentário. Duração: 90 minutos. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 2024. Data de lançamento: 2025 (circuito e streaming). Idioma: Português. Direção: Wolney Oliveira. Roteiro: Wolney Oliveira e Margarita Hernández. Elenco: Depoimentos, imagens de arquivo e registros históricos de Virgulino Ferreira da Silva. Distribuição no Brasil: Kajá Filmes / Reserva Imovision (streaming). Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.


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.: Peretjatko desafia bom senso e libera vampiros em “Vade Retro, Vampiro!”


Por
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Vade Retro, Vampiro!” chega ao catálogo da plataforma de streaming Belas Artes À La Carte, com gosto de provocação e deboche, apostando no exagero. Dirigido por Antonin Peretjatko, o longa-metragem francês gira em torno do mito do vampiro conduzido por um elenco que abraça o absurdo com Estéban à frente, ao lado de Pascal Tagnati, Yolène Gontrand, Alma Jodorowsky e Arielle Dombasle.

A trama acompanha Norbert, um vampiro aristocrata pressionado por regras familiares rígidas e anacrônicas: ele precisa encontrar uma mulher de “sangue puro” para garantir a continuidade da linhagem. A viagem ao Japão, planejada como solução, termina em naufrágio em Boulet Rouge, uma ilha isolada. O que se instala ali não é exatamente um conflito, mas um desfile de situações descontroladas, em que o nonsense se impõe e a narrativa se recusa a se comportar.

Peretjatko, que assina o roteiro ao lado de Masa Sawada e Laure Desmazières, reorganizou o projeto após a pandemia inviabilizar parte do financiamento internacional. O Japão saiu de cena, e a história foi reconfigurada a partir de referências visuais e geográficas da Ilha de La Réunion, território francês no Oceano Índico. A limitação orçamentária - cerca de 1 milhão de euros - faz com que o filme assuma uma estética assumidamente precária, que flerta com o cinema de gênero europeu das décadas de 1970 e 1980.

O humor oscila entre o escracho e a sátira, cutucando temas como pureza racial e dogmas religiosos a partir de uma lente torta e quase carnavalesca. A escolha de Estéban, conhecido pelo trabalho cômico na televisão francesa, reforça esse tom: o Norbert interpretado por ele é, ao mesmo tempo, patético e magnético. Já Alma Jodorowsky carrega no sobrenome um histórico que dialoga com o espírito do filme - neta de Alejandro Jodorowsky, ela parece perfeitamente à vontade nesse universo que beira o delírio. Arielle Dombasle, por sua vez, amplia o lado camp da narrativa. Há quem enxergue no filme uma comédia anárquica cheia de fôlego e invenção; outros se incomodam com o excesso e a falta de eixo. “Vade Retro, Vampiro!” assume o risco de ser indigesto para alguns e irresistível para outros. 


Ficha técnica
“Vade Retro, Vampiro!” | “Vade Retro” (título original)

Gênero: comédia, terror. Duração: 95 minutos. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 2025. Data de lançamento: 31 de dezembro de 2025 (França). Idioma: francês. Direção: Antonin Peretjatko. Roteiro: Antonin Peretjatko, Masa Sawada, Laure Desmazières. Elenco: Estéban, Pascal Tagnati, Yolène Gontrand, Alma Jodorowsky, Arielle Dombasle, Pascal Légitimus. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

Assine o Belas Artes À La Carte, o streaming para quem ama cinema de verdade
A equipe do portal Resenhando.com acompanha parte da cobertura cinematográfica por meio da Belas Artes À La Carte, plataforma brasileira dedicada ao cinema de arte, clássicos e produções premiadas de diferentes países. Criado pelo grupo responsável pelo tradicional cinema Belas Artes, em São Paulo, em parceria com a Pandora Filmes, o serviço reúne um catálogo com curadoria especializada, incluindo obras raras, títulos restaurados e destaques de festivais internacionais. Para acessar o catálogo completo, conferir os lançamentos semanais e realizar a assinatura, basta acessar o site ou aplicativo da plataforma. Os planos têm valores acessíveis, com opção mensal e anual, além de locação avulsa para títulos específicos. Você pode assinar o Belas Artes À La Carte neste link.

domingo, 2 de agosto de 2026

.: Da era “Bruceploitation”, filme “Jogo da Morte II”, traz Bruce Lee de volta

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Jogo da Morte II” chega à plataforma de streaming Reserva Imovision como um artefato curioso de um momento em que a indústria de Hong Kong ainda tentava lidar com a ausência de Bruce Lee e, ao mesmo tempo, explorava a imagem dele até o limite. Lançado em 1981, o longa-metragem dirigido por Ng See-yuen, com sequências supervisionadas por Sammo Hung e Corey Yuen, reorganiza fragmentos do astro em uma narrativa de vingança que rapidamente troca de protagonista para seguir com outro corpo em cena.

Na trama, Billy Lo “retorna” em imagens de arquivo enquanto investiga a morte suspeita do amigo Chin Ku. O roteiro, assinado por Ting Chak-luen e Ho Ting-sing, conduz a história por caminhos abruptos até eliminar o personagem e transferir o eixo dramático para Bobby Lo, interpretado por Tong Lung (na verdade Kim Tai-chung), um dos vários dublês associados ao fenômeno que ficou conhecido como “Bruceploitation” - nome dado a uma onda de filmes produzidos após a morte de Bruce Lee, nos anos 1970 e início dos 80, que exploravam a imagem e popularidade dele. Esses longas-metragens usavam dublês fisicamente parecidos, nomes artísticos semelhantes (como Bruce Li, Bruce Le, Dragon Lee) e até cenas reaproveitadas do próprio ator para simular sua presença. 

Era uma estratégia comercial para manter o público atraído pelo mito de Bruce Lee, muitas vezes com resultados irregulares, mas que acabou se tornando um subgênero cult do cinema de artes marciais. A partir daí, o filme assume de vez sua vocação de espetáculo físico, com combates coreografados que sustentam o ritmo mesmo quando a narrativa se mostra irregular. O elenco reúne nomes recorrentes do cinema de artes marciais da época, como Hwang Jang-lee, Roy Horan e Roy Chiao.

Nos bastidores, o projeto carrega a marca da Golden Harvest, produtora que capitalizou o legado de Bruce Lee após sua morte em 1973. Parte das cenas com o ator foi reaproveitada de “Operação Dragão”, estratégia que já havia gerado controvérsia em “Jogo da Morte” (1978), dirigido por Robert Clouse. Em "O Jogo da Morte 2", a montagem tenta integrar melhor esse material, ainda que o resultado revele suas costuras.

Há momentos que beiram o delírio - um caixão roubado por helicóptero durante um funeral, um palácio comandado por um vilão excêntrico cercado por leões - e que ajudam a explicar por que o filme ganhou status de peça cult entre fãs do gênero. Longe de ser unanimidade, “Jogo da Morte II” segue despertando curiosidade por aquilo que representa: um cinema que improvisa, recicla e insiste em transformar ausência em presença.


Ficha técnica
“Jogo da Morte II” | “Si Wang Ta” (título original) | “Torre da Morte” (título em Portugal)
Gênero: ação / artes marciais. Duração: 96 minutos. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 1981. Data de lançamento: 21 de março de 1981. Idioma: cantonês. Direção: Ng See-yuen, Sammo Hung, Corey Yuen. Roteiro: Ting Chak-luen, Ho Ting-sing. Elenco: Bruce Lee, Tong Lung (Kim Tai-chung), Hwang Jang-lee, Roy Horan, Roy Chiao. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.


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.: “Diabo no Corpo” expõe desejo, política e escândalo no cinema de Bellocchio


Por
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Marco Bellocchio dirige “Diabo no Corpo” , filme que chega à plataforma de streaming Belas Artes À La Carte, carregando a fama que atravessou décadas: a de obra que dividiu plateias, irritou setores conservadores e alimentou debates sobre erotismo, poder e representação no cinema europeu dos anos 1980. Lançado em 1986, o longa-metragem adapta o romance de Raymond Radiguet, publicado em 1923, e desloca a trama original para o clima tenso da Itália dos chamados anos de chumbo, período marcado por radicalização política, terrorismo e instabilidade social.

A história acompanha Andrea (Federico Pitzalis), um estudante que se envolve com Giulia (Maruschka Detmers), mulher mais velha e noiva de um militante preso por terrorismo. O encontro entre os dois evolui rapidamente para uma relação marcada por obsessão, impulsos destrutivos e uma dinâmica que desafia convenções morais. Bellocchio constrói esse vínculo com um olhar direto, sem recuos, o que ajuda a explicar tanto a repercussão quanto a rejeição que o filme provocou desde sua estreia no Festival de Cannes, em 1986.

Maruschka Detmers se tornou o centro das atenções à época. A atuação intensa da atriz, aliada à exposição física e às cenas explícitas, fez dela um símbolo sexual cult no cinema europeu. O figurino assinado por Giorgio Armani reforça a construção dessa personagem ambígua, ao mesmo tempo sofisticada e instável. A atriz, anos depois, admitiria certo arrependimento pela cena mais comentada do filme, a de sexo oral verdadeiro, que acabou ofuscando outras realizações da carreira dela.

O roteiro, assinado por Marco Bellocchio, Ennio De Concini e Enrico Palandri, amplia o alcance do material original ao inserir o romance em um contexto político mais explícito. O noivo de Giulia, ligado a grupos radicais de esquerda, funciona como pano de fundo para uma narrativa em que o desejo se mistura com a sensação de colapso social. A relação entre os protagonistas não se desenvolve isolada; ela responde a um ambiente em ebulição, em que instituições, famílias e certezas parecem frágeis.

A recepção crítica nunca encontrou consenso. Parte da imprensa enxergou ousadia e vigor na forma como Bellocchio articula erotismo e política; outra parte acusou o filme de recorrer ao choque como estratégia. O tempo, no entanto, consolidou “Diabo no Corpo” como um dos títulos mais lembrados da filmografia do diretor, seja pela coragem formal, seja pelo impacto cultural que provocou.

Ficha técnica
“Diabo no Corpo” | “Diavolo in Corpo” (título original)
Gênero: drama, romance. Duração: 1h54. Classificação indicativa: 18 anos. Ano de produção: 1986. Idioma: italiano. Direção: Marco Bellocchio. Roteiro: Marco Bellocchio, Ennio De Concini, Enrico Palandri. Elenco: Maruschka Detmers, Federico Pitzalis, Anita Laurenzi, Alberto Di Stasio, Riccardo De Torrebruna. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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sábado, 25 de julho de 2026

.: “Infantaria” revela violência doméstica em narrativa densa e inquieta


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

O filme “Infantaria” chega à plataforma de streaming Reserva Imovision dentro da Mostra Pequenas Jornadas - Curtas-Metragens, apostando na potência do formato curto para lidar com temas espinhosos. Dirigido e escrito por Laís Santos Araújo, o curta coloca uma festa de aniversário no centro de um território instável: uma casa sem pai, desejos que se acumulam e uma presença inesperada que bagunça qualquer ideia de controle.

Joana, que completa dez anos, quer menstruar logo. O irmão, Dudu, deseja a volta do pai militar. A adolescente Verbena aparece sem convite e, a partir daí, o clima muda completamente. O que parecia rito de passagem vira algo pesado. A diretora conduz esse encontro com olhar atento para o feminino e para a violência que ronda relações familiares marcadas por ausências e autoridades mal-resolvidas.

No elenco, Ane Oliva se destaca ao lado de Ana Luiza Ferreira Santos, Karolayne Raissa e Francisco Nunes. A câmera de Wilssa Esser captura um Brasil úmido e denso, em que o ambiente participa ativamente da narrativa. A montagem, assinada pela própria diretora, sustenta o desconforto sem recorrer a atalhos, enquanto o desenho de som de Leo Bulhões amplia a tensão.

O curta não passou despercebido no circuito de festivais. Em Alagoas, virou protagonista na Mostra Sururu de Cinema ao conquistar sete prêmios, incluindo Melhor Filme pelo júri oficial e popular, além de reconhecimento técnico e de atuação . Também circulou por eventos como o Cine Ceará, onde rendeu à diretora o Troféu Mucuripe, e garantiu espaço em debates sobre o cinema feito fora do eixo tradicional.

Há um dado que chama atenção: Laís Santos Araújo já vinha acumulando trajetória consistente antes de “Infantaria”. Foi a primeira mulher em Alagoas a vencer um edital de longa-metragem no estado e teve projetos reconhecidos internacionalmente, como o roteiro de “Marina”, que passou por laboratórios e fundos estrangeiros . Esse percurso se reflete na segurança com que ela articula imagens, corpos e conflitos.

Filmado na Barra de São Miguel e finalizado em Maceió, o curta carrega o peso e a beleza de um cinema regional que não se limita ao rótulo. A produção contou com apoio da Lei Aldir Blanc, reforçando o impacto de políticas públicas no fortalecimento do audiovisual local. Em 24 minutos, “Infantaria” não resolve tudo, mas prefere provocar, deixar marcas e sair de cena com ecos difíceis de ignorar.


Ficha técnica
“Infantaria” (título original) 
Gênero: curta-metragem, drama. Duração: 24 minutos. Classificação indicativa: 12 anos. Ano de produção: 2022. Idioma: português. Direção e roteiro: Laís Santos Araújo. Elenco: Ane Oliva, Ana Luiza Ferreira Santos, Karolayne Raissa, Francisco Nunes, José “Zé” Nunes, Renan Ferreira da Silva. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.


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.: Clássico “O Ferroviário” reencontra o público no Belas Artes à La Carte


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“O Ferroviário” chega ao catálogo da plataforma de streaming Belas Artes À La Carte e recoloca em circulação um dos títulos mais marcantes da filmografia de Pietro Germi. Lançado em 1956, em plena ressaca do pós-guerra italiano, o filme acompanha a derrocada íntima de Andrea Marcocci, maquinista respeitado que vê sua estabilidade ruir após um episódio traumático nos trilhos. A narrativa, conduzida pelo olhar do filho caçula, Sandro, observa de perto o desgaste de um homem que perde o chão no trabalho e em casa.

Germi dirige e interpreta o protagonista, gesto ainda incomum no cinema italiano da época. Ao lado de Luisa Della Noce e Sylva Koscina, ele constrói um retrato familiar áspero, atravessado por tensões econômicas, orgulho ferido e vínculos que se desgastam sob pressão. A escolha de um narrador infantil intensifica o impacto dramático: o que se vê não é apenas a queda de um pai, mas a formação de um olhar que tenta compreender o mundo adulto.

Embora dialogue com o neorrealismo, sobretudo na atenção à classe trabalhadora e aos ambientes reais, “O Ferroviário” assume um tom melodramático que o afasta do rigor seco de nomes como De Sica e Rossellini. As cenas filmadas em ferrovias italianas, com apoio de companhias do setor, reforçam a materialidade do cotidiano ferroviário, algo bastante elogiado à época. O filme concorreu à Palma de Ouro em Cannes e teve forte recepção popular, consolidando Germi como um dos diretores centrais do período, antes de migrar para as comédias mordazes que marcariam sua carreira nos anos 1960, como “Divórcio à Italiana”.

A história avança entre conflitos domésticos - o filho desempregado, a filha que engravida cedo, a relação delicada com a esposa - e a lenta corrosão de Andrea, que, afastado do trabalho, mergulha na bebida e na irritação constante. Ainda assim, o filme não se limita à ruína: há espaço para gestos de reconciliação, sobretudo na relação com Sandro, que observa, sofre e, por fim, reage.


Ficha técnica
“O Ferroviário” | “Il Ferroviere” (título original) 

Gênero: drama. Duração: 116 minutos. Classificação indicativa: 12 anos. Ano de produção: 1956. Idioma: Italiano. Direção: Pietro Germi. Roteiro: Pietro Germi, Alfredo Giannetti. Elenco: Pietro Germi, Luisa Della Noce, Sylva Koscina, Saro Urzì, Carlo Giuffrè, Renato Speziali, Edoardo Nevola.
Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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sexta-feira, 24 de julho de 2026

.: "Crimes do Coração" reúne estrelas e transforma reencontro familiar


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Três irmãs, um tiro e um passado que não se comporta de jeito nenhum: “Crimes do Coração” chega ao catálogo da plataforma de streaming Belas Artes À La Carte com a energia imprevisível de um encontro familiar que começa mal e termina pior - ou melhor, dependendo do humor de quem assiste. Dirigido por Bruce Beresford e baseado na peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley, que assina o roteiro, o filme equilibra ironia e dor com precisão, sem perder o gosto por personagens que falam demais quando deveriam se calar e riem quando o mundo desaba.

A história parte de um gesto extremo: Babe (Sissy Spacek) atira no próprio marido e volta para a casa das irmãs, no Mississippi. Lá, reencontra Lenny (Diane Keaton), que vive à sombra de frustrações silenciosas, e Meg (Jessica Lange), uma aspirante a cantora que retorna de Hollywood carregando derrotas mal resolvidas. Entre confissões atravessadas, memórias incômodas e episódios que beiram o absurdo, o trio expõe as feridas de uma família marcada por tragédias antigas - incluindo o suicídio da mãe, um evento que ainda reverbera nas três. 

Keaton, Lange e Spacek evitam qualquer disputa de protagonismo e constroem uma dinâmica de cumplicidade que sustenta o filme até nos momentos mais irregulares. Spacek venceu o Globo de Ouro e recebeu indicação ao Oscar, repetindo o feito de Tess Harper, indicada como coadjuvante. O roteiro também entrou na disputa da Academia, reforçando a força do texto original de Henley. Nos bastidores, a produção reuniu três atrizes em fases distintas da carreira, o que contribuiu para a tensão criativa em cena. Jessica Lange já era um nome consolidado, Diane Keaton buscava novos rumos após colaborações marcantes nos anos 1970, e Spacek vinha de uma sequência de papéis intensos. O resultado aparece na tela: um jogo de forças que nunca se acomoda. 

Durante as filmagens, Lange estava grávida, o que exigiu ajustes discretos na encenação. Lançado em 1986, o filme teve recepção crítica favorável, ainda que dividida quanto ao tom, que oscila entre a comédia ácida e o melodrama familiar. Há ecos do gótico sulista e de autores como Tennessee Williams, mas com um enquadramento feminino que desloca o eixo das histórias tradicionais. 


Ficha técnica
“Crimes do Coração” | “Crimes of the Heart” (título original)
Gênero: comédia dramática. Duração: 1h45. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 1986. Idioma: inglês. Direção: Bruce Beresford. Roteiro: Beth Henley. Elenco: Diane Keaton, Jessica Lange, Sissy Spacek, Sam Shepard, Tess Harper. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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.: Curta-metragem “Beijo de Sal” expõe amizade e implode certezas masculinas


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Beijo de Sal”, curta-metragem dirigido por Fellipe Barbosa, estreia na plataforma de streaming Reserva Imovision como parte da coleção “Pequenas Jornadas - Curtas-Metragens”, que reúne histórias breves e contundentes. Lançado originalmente em 2005, o filme circulou por festivais relevantes - venceu o Curta Cinema (Rio, 2006) e marcou presença em Gramado, Sundance e Clermont-Ferrand -, consolidando o nome do diretor ainda no início da carreira.

Ambientado em uma ilha isolada na Costa Verde do Rio de Janeiro, o filme acompanha Rogério (Rogério Trindade), um quarentão hedonista que vive entre festas e excessos. A rotina muda quando ele recebe o amigo Paulo (Domingos Alcântara), agora comprometido, acompanhado da nova parceira. O encontro, que deveria ser uma celebração de velhos tempos, vira campo de disputa. Rogério tenta resgatar o amigo para uma vida que já não cabe mais, enquanto a presença feminina tensiona uma relação marcada por dependência, ciúme e disputas de território.

O roteiro, assinado pelo próprio Fellipe Barbosa, investe em diálogos diretos e situações que flertam com o desconforto. A dinâmica entre os personagens escancara ambiguidades afetivas, sugerindo camadas que ultrapassam a amizade convencional. Em entrevistas à época, o diretor comentou que relações muito próximas podem carregar zonas de ambiguidade emocional, leitura que o filme sustenta sem didatismo. No elenco, além de Rogério Trindade e Domingos Alcântara, aparecem Suzana Pires, Pollyanna Simões, Mônica Bresser, Juliana Gonçalves, Eduardo Dargains e Bruno Mendes. O conjunto sustenta a atmosfera crua da narrativa, que não suaviza conflitos, nem busca conciliação.

A recepção crítica foi marcada por reações divididas. Parte do público destacou a ousadia temática e a execução técnica, enquanto outros apontaram incômodo com determinadas escolhas visuais - especialmente na cena final, pensada pelo diretor como metáfora de marcação de território. Ainda assim, o filme ganhou fôlego em revisões posteriores, sendo reconhecido pela construção de personagens e pela coragem em tratar de masculinidade, posse e desejo sem fazer nenhuma concessão. Com menos de 20 minutos, “Beijo de Sal” entrega um recorte intenso sobre amizade e transformação. 


“Beijo de Sal”
Gênero: drama, curta-metragem. Duração: 19 minutos. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 2005. Idioma: português. Direção e roteiro: Fellipe Barbosa. Elenco: Rogério Trindade, Domingos Alcântara, Suzana Pires, Pollyanna Simões, Mônica Bresser, Juliana Gonçalves, Eduardo Dargains, Bruno Mendes. Distribuição no Brasil: Reserva Imovision. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.


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quinta-feira, 23 de julho de 2026

.: “Jogo da Morte”: filme inacabado de Bruce Lee revela bastidores incômodos


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Jogo da Morte” chega à plataforma de streaming Reserva Imovision carregando um peso que poucos filmes sustentam: a ausência do próprio protagonista. Lançado em 1978, cinco anos após a morte de Bruce Lee, o longa-metragem dirigido por Robert Clouse foi remontado a partir de material incompleto, dublês e decisões que ainda hoje dividem fãs e críticos. Na trama, Billy Lo (Bruce Lee), astro do cinema de artes marciais, recusa a proteção - e o controle - de uma organização criminosa. A resposta vem em forma de atentados. Para sobreviver, ele simula a própria morte e retorna às sombras, disposto a desmontar o esquema por dentro. O enredo do filme, cujo título original é “Game of Death” e em Portugal se chama “O Último Combate de Bruce Lee”, vai direto ao ponto e serve de trilho para sequências de luta que alternam vigor e improviso técnico.

A produção carrega marcas visíveis de uma produção conturbada. Lee havia iniciado o projeto em 1972, com uma ideia mais ambiciosa: um percurso filosófico e físico por uma torre, enfrentando adversários em cada nível - conceito que ficou célebre na sequência final. Com a morte repentina do ator, vítima de edema cerebral em 1973, o projeto foi interrompido. Coube a Clouse - que já havia dirigido o astro em “Operação Dragão” - finalizar o material com um novo roteiro, incorporando dublês, cenas de arquivo e até imagens reais do funeral de Lee.

Essa costura irregular aparece em cena. Em vários momentos, o rosto do protagonista é ocultado ou recriado de forma rudimentar, enquanto o corpo pertence a outro intérprete. Ainda assim, quando Lee de fato surge - especialmente no confronto com o gigante Kareem Abdul-Jabbar - o filme ganha outra atmosfera. São minutos que lembram por que o nome dele marcou a história do cinema. 

Entre as curiosidades que cercam a produção, destaca-se o uso de mais de 30 minutos de material original filmado por Lee, além da participação de nomes próximos ao ator, como Dan Inosanto, seu colaborador nas coreografias. O icônico macacão amarelo com listras pretas, criado para o filme, se tornaria referência pop replicada em obras posteriores. Também chama atenção o fato de a versão final ter abandonado quase completamente a proposta filosófica original do artista, substituída por uma narrativa de vingança mais convencional. Há cortes bruscos, soluções apressadas e escolhas discutíveis. Ainda assim, resiste como documento de um projeto interrompido e de um artista que não chegou ao fim do próprio filme.


Ficha técnica
“Jogo da Morte” | “Game of Death” (título original) | “O Último Combate de Bruce Lee” (título em Portugal)
Gênero: ação / artes marciais. Duração: 94 minutos. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 1978. Idioma: inglês e cantonês. Direção e roteiro: Robert Clouse, Bruce Lee. Elenco: Bruce Lee, Colleen Camp, Robert Wall, Gig Young, Dean Jagger, Kareem Abdul-Jabbar. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.


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.: “Caçador de Assassinos”, o filme que antecipa Hannibal Lecter, retorna


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

O suspense “Caçador de Assassinos” chega ao catálogo da plataforma de streaming Belas Artes À La Carte  com o peso de um clássico que demorou a ser reconhecido. Dirigido e roteirizado por Michael Mann, o longa-metragem de 1986 - originalmente “Manhunter” e exibido em Portugal como “Caçada ao Amanhecer” - antecipa em anos a febre em torno de Hannibal Lecter ao adaptar “Dragão Vermelho”, romance de Thomas Harris.

Na trama, Will Graham (William Petersen) é um ex-agente do FBI que volta à ativa para caçar um serial killer conhecido como “Fada do Dente”. O retorno cobra caro: para entender o criminoso, Graham se aproxima perigosamente de sua lógica, enquanto revisita o trauma de ter capturado - e quase sido destruído por - o psiquiatra canibal Hannibal Lecktor, aqui vivido por Brian Cox em registro contido, distante do espetáculo que viria depois com Anthony Hopkins. Ao lado de Petersen, o elenco reúne Kim Greist, Joan Allen e Dennis Farina, com Tom Noonan compondo um assassino perturbador sem recorrer a caricaturas.

Filmado com rigor estético e obsessão por luzes frias, arquitetura limpa e trilha eletrônica, o filme cristaliza a assinatura visual de Mann nos anos 1980. A fotografia investe em azuis e neons para espelhar o estado mental dos personagens, enquanto o ritmo aposta na construção de tensão. A recepção inicial foi morna e o desempenho comercial, aquém do esperado - arrecadou cerca de US$ 8,6 milhões nos Estados Unidos -, mas o tempo reposicionou o filme: hoje, ocupa o posto de cult e é frequentemente citado como um dos thrillers mais influentes do período.

Há detalhes de bastidores que ampliam a experiência. Tom Noonan evitava contato com o restante do elenco para preservar o desconforto em cena, decisão apoiada por Mann. Joan Allen passou por treinamento com pessoas cegas para construir Reba com precisão. E a mudança de “Lecter” para “Lecktor” no filme buscou evitar associação com um título anterior pouco conhecido. Curiosamente, a produção também trocou o nome do livro na tela, “Dragão Vermelho”, após o fracasso de “O Ano do Dragão”, temendo rejeição do público ao termo. Décadas depois, “Caçador de Assassinos” permanece como um estudo seco sobre obsessão e método, mais interessado na mente do investigador do que no espetáculo do monstro. 


Ficha técnica
“Caçador de Assassinos” | “Manhunter” (título original) | “Caçada ao Amanhecer” (título em Portugal)
Gênero: policial, suspense. Duração: 1h58. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 1986. Data de lançamento: 15 de agosto de 1986 (EUA). Idioma: Inglês. Direção: Michael Mann. Roteiro: Michael Mann (baseado em “Dragão Vermelho”, de Thomas Harris). Elenco: William Petersen, Kim Greist, Joan Allen, Brian Cox, Dennis Farina, Tom Noonan, Stephen Lang. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.


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segunda-feira, 20 de julho de 2026

.: “Preta Gil nunca teve medo”, destaca Mini Kerti em "Meu Nome É Preta"


Produzida pela Conspiração, série de quatro episódios se aprofunda em momentos íntimos da trajetória da artista, com depoimentos inéditos de familiares e amigos. Imagem: divulgação


Conhecida pela irreverência, amor escancarado pelos amigos e a coragem de viver sem filtros, a cantora Preta Gil fez da vida uma celebração de afeto e liberdade. Um ano após o falecimento dela, o público poderá revisitar sua trajetória a partir desta segunda-feira, dia 20 de julho, com a estreia da série "Meu Nome É Preta", original do Globoplay. Dividida em quatro episódios, a produção reconstrói a história da artista a partir do olhar daqueles que compartilharam sua vida, compondo um mosaico afetivo sobre seu legado. Produzida pela Conspiração e dirigida por Mini Kerti, a obra terá o primeiro episódio disponível e aberto para todo o público, incluindo não assinantes do streaming

Para dar forma a essa narrativa, a produção resgata registros históricos e familiares raros, incluindo filmes inéditos em Super 8 de sua infância na Bahia, a vivência de Gilberto Gil e Sandra Gadelha, e imagens comoventes do seu irmão Pedro Gil, falecido em 1990. Em contraste com essa atmosfera íntima, os arquivos de mídia dos anos 2000 relembram os embates públicos enfrentados pela cantora, evidenciando seu pioneirismo ao pautar discussões sobre corpo, orientação sexual e diversidade quando esses temas ainda eram tabus. “Fizemos um recorte que narra sua vida a partir dos acontecimentos marcantes que mudaram seu rumo: a morte do irmão mais velho ainda na adolescência, o primeiro disco em que posou nua na capa, a criação da Noite Preta, depois o Bloco da Preta”, descreve a diretora Mini Kerti. 

Com depoimentos inéditos que se transformam em verdadeiras cartas de amor, a obra conta com a participação especial de amigos, como Carolina Dieckmmann, Regina Casé, Duh Marinho, Gominho, Ivete Sangalo, Hugo Gloss, Alice Carvalho e Ana Carolina, bem como de familiares, entre eles, Gilberto Gil, Sandra Gadelha, Fran Gil, Flora Gil, Bela Gil, Otávio Muller e Davi Moraes, que revelam momentos importantes da jornada de Preta. A presença marcante da artista se reflete na própria estrutura da série, que coloca Preta Gil como narradora de sua história, num “diálogo” com os amigos e parentes, guiando o público por meio de um extenso trabalho de pesquisa que recupera entrevistas concedidas por ela ao longo de toda a vida. O vasto material de arquivo aborda desde o seu nascimento, passando pela maternidade, sua atuação pioneira como empresária, até sua forte ligação com o Carnaval.

 Segundo a diretora Mini Kerti, a produção evidencia a personalidade monumental de Preta, mas sem perder a sensibilidade dos bastidores. “A série mostra que Preta Gil nunca teve medo de revelar a sua essência para o mundo. Ela se conectava de forma generosa com as pessoas e se expunha impiedosamente. Ela não criava pautas, ela era a própria pauta”, pontua.

 A produtora Luísa Barbosa complementa: “O que mais surpreende ao mergulhar na história de Preta Gil é a coerência radical entre a pessoa pública e a privada. Fica claro que aquela personalidade expansiva, generosa e sem filtros que o público via era exatamente quem ela era na intimidade. Contar sua história é reconhecer a força de quem escolheu viver com autenticidade, mesmo sob julgamento constante, e evidenciar o impacto real que isso teve na cultura e no imaginário coletivo”.

A preservação dessa memória e legado estende-se para além do streaming, integrando o projeto "Quanto Mais Preta Melhor" uma homenagem da Globo à trajetória e à força da artista. No dia 20 de julho, mesma data de estreia da série do Globoplay, a TV Globo exibe o filme documental "Preta - Eu Não Ando Só". O projeto nasceu de um pedido da própria Preta Gil e é focado em sua luta contra o câncer, construído com imagens de celular gravadas por ela mesma e por sua rede de apoio durante o tratamento. O filme tem direção artística de Monica Almeida, direção de Sandra Kogut, roteiro de Renato Terra, produção executiva de Fernanda Neves e produção de Elaine Sá. 

No Globoplay, os episódios de "Meu Nome É Preta" terão publicação semanal, chegando ao streaming às segundas-feiras. O quarto e último episódio será lançado em uma data especial: no sábado, dia 8 de agosto, celebrando a efeméride de aniversário de Preta Gil. A série Original tem direção de Mini Kerti, produção de Carolina Jabor, Luísa Barbosa e Renata Brandão, roteiro de Victor Nascimento e produção associada de Flora Gil. O primeiro episódio estará disponível também para não assinantes. Confira a entrevista com a diretora Mini Kerti e com a produtora Luísa Barbosa.

 
Que significado tem, para você, contar a história de uma mulher como a Preta Gil?
Mini Kerti -
Eu chorei vários dias, nas filmagens e na ilha de edição. Preta foi muito ela mesma, sob milhares de holofotes e, muitas vezes, incompreendida, o que não é nada simples. Mas mesmo assim foi construindo uma rede enorme de afetos. Pra mim, contar a história dela é um grande desafio e uma enorme alegria. 

 
Como a trilha sonora foi pensada para dialogar com a história de Preta?
Luísa Barbosa -
A trilha sonora segue esse retrato íntimo e histórico, começando nas referências formativas de Preta, como os Doces Bárbaros e o rock anos 80 da sua prima Marina Lima, até chegar na própria carreira de Preta, marcada pela mistura de gêneros como axé, funk, MPB e pop. 

 
O que mais surpreendeu ao mergulhar na história da Preta durante o processo da série?
Mini Kerti -
A liberdade. Preta era livre e profundamente fiel a si mesma, sem medidas.

 
Quais critérios orientaram a escolha dos amigos e pessoas próximas que aparecem na série?
Luísa Barbosa -
Adotamos dois critérios centrais: reunir pessoas que ajudassem a cobrir diferentes momentos da linha do tempo de sua vida e, ao mesmo tempo, que representassem as muitas facetas que ela assumiu: filha, irmã, mãe, avó, amiga, empreendedora, influenciadora, ativista e cantora. 

 
Preta Gil sempre foi uma voz ativa em diferentes temas da atualidade. Como esses pilares foram abordados na narrativa da série?
Mini Kerti -
Esses temas diversos aparecem por meio da própria história de vida da Preta, com suas palavras, atitudes e pensamentos. De maneira clara, pessoal e íntima.

 
Que novas perspectivas a obra traz sobre sua história e legado?
Luísa Barbosa -
Ao colocar a própria Preta como narradora de sua história, a série revela suas contradições, fragilidades e afetos, oferecendo um retrato muito mais humano, profundo e complexo de sua biografia.

segunda-feira, 13 de julho de 2026

.: O mundo colorido de Gildo e seus amigos na plataforma Itaú Cultural Play


Baseada na aclamada obra infantil da autora e ilustradora brasileira Silvana Rando, a série de animação "Gildo" (2024), dirigida por Cesar Cabral, está em cartaz na plataforma Itaú Cultural Play como um mergulho sensível, lúdico e cheio de cor no universo da infância. É uma ótima pedida para as férias escolares. Ao longo de 20 episódios, a produção explora, com delicadeza e inteligência, temas como pluralidade cultural, amizade, descobertas e os laços afetivos que se constroem nas pequenas experiências do dia a dia.

A narrativa acompanha o carismático elefantinho Gildo e seus inseparáveis amigos - o passarinho Paulo e a irreverente barata Socorro - em jornadas que transitam entre a imaginação e a vivência cotidiana. Seja desvendando os mistérios de uma biblioteca enquanto tentam construir um superfoguete para a feira de ciências, seja enfrentando desafios em uma caverna lendária para recuperar uma simples bola de vôlei, cada episódio transforma situações aparentemente corriqueiras em aventuras cheias de significado.

O universo de Gildo, já conhecido pelos leitores dos livros publicados pela editora Brinque-Book, ganha ainda mais vida na animação ao incorporar toda a riqueza visual das ilustrações originais e o humor afetuoso que marca a obra de Silvana Rando. A famosa turminha - que inclui também a hipopótamo Verinha, o macaco João e a girafa Catarina - representa diferentes personalidades e formas de ver o mundo, reforçando valores como empatia, convivência e respeito às diferenças.

As histórias dialogam diretamente com o cotidiano infantil: idas à escola, brincadeiras no jardim, passeios à praia e encontros entre amigos se tornam pontos de partida para reflexões sobre medo, coragem, amizade e pertencimento. Gildo, por exemplo, é corajoso diante de grandes desafios, como uma montanha-russa, mas revela um medo curioso de bexigas — um detalhe que humaniza o personagem e aproxima ainda mais o público de suas experiências.

A série funciona como um convite para que crianças e adultos reconheçam e compartilhem sentimentos, sempre por meio de uma linguagem leve, acessível e profundamente afetiva. Ao valorizar o brincar como ferramenta de aprendizado e expressão, Gildo reafirma a importância da imaginação na formação emocional e social das crianças. Todos os episódios estão disponíveis gratuitamente na plataforma Itaú Cultural Play, acessível pelo site itauculturalplay.com.br e também por aplicativo para dispositivos móveis e smart TVs. Compre os livros da série "Gildo" neste link.

terça-feira, 30 de junho de 2026

.: Crítica: “Caso 137” mira na alienação com vídeos de gatinhos contra crimes

"Caso 137" pode ser assistido no site e aplicativo Reserva IMOVISION

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora do Resenhando.com

Em junho de 2026


Vídeos de gatinhos em sequência ou encarar problemas dentro da própria corporação. Eis o contraponto da protagonista do drama “Caso 137”: Stéphanie Bertrand interpretada pela versátil Léa Drucker. Com direção de Dominik Moll, alemão radicado na França, o longa que soma 1 hora e 56 minutos de duração apresenta um jogo de gato e rato em que quem tem culpa encontra uma rede de apoio para esconder os abusos cometidos, enquanto que quem tenta dar um basta nos erros de conduta, acaba a ponto de até perder o emprego.

Flertando com o true crime, o thriller investigativo ficcional inspirado em fatos reais “Caso 137” é o palco da agente da corregedoria francesa, Stéphanie que apenas tenta ser justa nas análises de cada situação delicada. Assim, ela acaba como responsável pela investigação interna do complexo caso de violência contra o jovem de uma cidade distante, Guillaume Girard (Côme Peronnet), que acaba gravemente ferido pela polícia em Paris durante um protesto caótico dos Coletes Amarelos (movimento de protesto de origem espontânea, que começou com manifestações na França em outubro de 2018 e, posteriormente, se espalhou para outros países). 

Disponível na plataforma de streaming Reserva Imovision, o roteiro, assinado por Moll em parceria com Gilles Marchand de “Caso 137”, une um evento fictício por meio de situações reais amplamente documentadas pela imprensa europeia, que resultaram em casos de manifestantes atingidos por balas de borracha, prática questionada por organismos de direitos humanos.

Na mescla de ficção a realidade, a produção pauta a trama no faro de apuração técnica, uma vez que o estrago feito na vida do jovem que participava de seu primeiro protesto é irreversível. Ao analisar discursos e unir provas contra os colegas de profissão, Stéphanie passa a viver num dilema mais profundo ao contornar o drama pessoal, incluindo o ex-marido (com uma nova namorada provocativa), o filho e a mãe. 

Em meio aos aparentemente infinitos e convidativos vídeos de gatinhos nas redes sociais, Stéphanie enfrenta o processo burocrático e psicológico da investigação, tendo a tensão do suspense com a sobriedade do drama social. O longa com estreia mundial no Festival de Cannes de 2025, que disputou a Palma de Ouro e levou o César de Melhor Atriz com Léa Drucker é imperdível!



Filme: "Caso 137" (Dossier 137). Gênero: policial, drama. Duração: 1h56min. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 2025. Idioma: francês. Direção: Dominik Moll. Roteiro: Dominik Moll e Gilles Marchand. Elenco: Léa Drucker, Jonathan Turnbull, Mathilde Roehrich, Guslagie Malanda, Stanislas Merhar. Distribuição no Brasil: Autoral Filmes. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.

Trailer de "Caso 137"

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domingo, 28 de junho de 2026

.: “O Rei Pasmado e a Rainha Nua” transforma desejo em crise de Estado


Imagine a corte espanhola do século XVII entrando em estado de choque simplesmente porque o rei teve um desejo considerado escandaloso: ver a própria esposa nua. É a partir dessa premissa deliciosamente absurda que "O Rei Pasmado e a Rainha Nua" (1991), em cartaz na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte, dirigido por Imanol Uribe, constrói uma das sátiras mais divertidas e inteligentes do cinema espanhol dos anos 90. 

Depois de passar uma noite com uma prostituta, o jovem rei percebe que nunca viu o corpo da rainha — e decide corrigir isso imediatamente. O problema é que um pedido tão simples acaba provocando um verdadeiro terremoto moral dentro da corte. Padres, nobres, conselheiros e autoridades religiosas começam a discutir a situação como se o destino do reino dependesse daquilo. E é justamente aí que o filme fica ótimo. Quanto mais séria a reação das figuras de poder, mais engraçada se torna a situação. O roteiro transforma o espanto do rei diante da nudez em uma grande ironia sobre repressão, hipocrisia religiosa e controle dos desejos. Tudo isso sem perder o tom leve e bem-humorado.

Baseado no romance "Crónica del Rey Pasmado", de Gonzalo Torrente Ballester, o filme brinca o tempo inteiro com a distância entre aparência e desejo dentro daquela sociedade rígida e cheia de protocolos. Visualmente, também chama muita atenção. Os figurinos, os interiores do palácio e toda a recriação da Espanha do século XVII ajudam a dar ainda mais charme para essa mistura de comédia histórica e crítica de costumes. E o elenco parece se divertir bastante com a proposta. Destaque especial para Fernando Fernán Gómez, que conquistou o Goya de Melhor Ator Coadjuvante pelo filme. Aliás, "O Rei Pasmado e a Rainha Nua" saiu da cerimônia do Prêmio Goya 1992 com oito estatuetas, incluindo Melhor Filme e Melhor Direção. 

Mas talvez o mais interessante seja perceber como a história continua atual. No fundo, o filme fala sobre sociedades que transformam algo simples e natural em escândalo coletivo. Uma dica de fim de semana perfeita para quem gosta de comédias inteligentes, sátiras históricas e filmes que usam humor para cutucar estruturas de poder sem nunca perder a elegância. O inverno chegou, todo mundo já andando encapotado... será mesmo que a rainha vai ficar peladona?

Ficha técnica
“O Rei Pasmado e a Rainha Nua” | “El rey pasmado” (título original) | “O Rei Pasmado” (título em Portugal)
Gênero: comédia, histórico, sátira. Duração: 104 minutos. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 1991. Idioma: espanhol. Direção: Imanol Uribe. Roteiro: Imanol Uribe, Joaquín Oristrell e Rafael Azcona (baseado na obra de Gonzalo Torrente Ballester). Elenco: Fernando Fernán Gómez, María Barranco, Laura del Sol, Juan Diego, Gabriela Toscano. Distribuição no Brasil: Disponível em Belas Artes À La Carte. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.


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