.: "Rei Lear", com elenco formado por drag queens, tem novas apresentações no Teatro Paulo Eiró

Espetáculo tem direção de Ines Bushatsky, texto adaptado de João Mostazo, e reúne em cena as queens Alexia Twister, vencedora do Prêmio Shell de Melhor Ator, Antonia Pethit, DaCota Monteiro, Ginger Moon, Lilith Prexeva, Maldita Hammer, Mercedez Vulcão, Thelores e Xaniqua Laquisha. Foto: Adriano Escanhuela

A aclamada montagem da Cia. Extemporânea da tragédia "Rei Lear", de William Shakespeare, ganha nova temporada no Teatro Paulo Eiró, entre os dias 7 e 17 de maio, com apresentações de quinta-feira a sábado, às 20h00, e aos domingos, às 19h00. Dirigida por Ines Bushatsky, a peça traz no elenco as drag queens Alexia Twister, Antonia Pethit, DaCota Monteiro, Ginger Moon, Lilith Prexeva, Maldita Hammer, Mercedez Vulcão, Thelores e Xaniqua Laquisha. O dramaturgo João Mostazo assina a adaptação do texto. 

Pela atuação como o Rei, a drag queen Alexia Twister venceu em 2025 o Prêmio Shell na categoria de Melhor Ator. Alexia foi a primeira drag queen na história a ser indicada e vencer o prêmio mais importante do teatro brasileiro. Entre as premiações que o espetáculo recebeu, ainda, estão o Prêmio Arcanjo concedido em 2024 à Cia. Extemporânea, na categoria Prêmio Especial, por “inovar Shakespeare com drags”, e a indicação de DaCota Monteiro, no mesmo ano, ao Prêmio Prio de Humor.

Considerada pelo jornal Folha de S.Paulo como uma das melhores peças de 2024, com crítica de 5 estrelas, Rei Lear estreou naquele ano no Teatro Anchieta do Sesc Consolação, onde realizou uma temporada de enorme sucesso. Em seguida a peça realizou temporadas nos teatros Alfredo Mesquita e Arthur Azevedo, em São Paulo, antes de circular, ao longo de 2025, por vários estados do Brasil. Integrando as mostras dos mais importantes festivais do país, como o Festival Nacional de Teatro de Recife, o Festival de Curitiba e o FIT-Rio Preto, o espetáculo também foi aclamado em cidades como Santos e Franca.

Ao longo de 2024 e 2025, a peça foi assistida por mais de 10 mil pessoas em todo o Brasil. Em fevereiro de 2026 a peça reestreou no Teatro Sérgio Cardoso em quatro apresentações esgotadas. Agora, o espetáculo retorna com uma nova temporada em São Paulo no Teatro Paulo Eiró, de 7 a 17 de maio. As apresentações integram o projeto de Fomento ao Teatro “Amanhã, e depois, e amanhã: 10 anos de Cia. Extemporânea”, com ingressos gratuitos.

Na tragédia de Shakespeare, Lear, rei da Bretanha, está muito velho e anuncia que decidiu dividir seu reino entre suas três filhas: Goneril, Regan e Cordelia. Antes de passar a coroa, o monarca pergunta: “qual das três me ama mais?”. Quem demonstrasse maior amor pelo pai ganharia a maior porção de terras. Cordelia, a mais nova e a única que o ama genuinamente, se recusa a participar daquele jogo.  Furioso, Lear decide condenar a caçula ao exílio. Após o banimento da irmã, Regan e Goneril começam uma luta violenta pelo poder. Traído pelas filhas, o velho rei vê seu reino à beira de uma guerra e afunda em uma espiral de loucura, arrependido por banir a única pessoa que o amou de verdade.

Sobre a Cia. Extemporânea
Fundada em 2016, a Cia. Extemporânea tem como horizonte de pesquisa a intersecção entre comédia e violência, com foco para a produção de dramaturgia autoral e a encenação de temas de relevância política e social. Desde a sua criação a companhia vem desenvolvendo uma pesquisa consistente que já atravessou diversas abordagens e temas, levando o grupo a alcançar um lugar de cada vez maior destaque na cena paulistana atual. 

Entre 2016 e 2024 a companhia criou as peças A demência dos touros (2017) e Roda morta (2018), B de Beatriz Silveira (2021), O mistério cinematográfico de Sendras Berloni (2022), Dr. Anti (2022) e A gente te liga, Laura (2024). Em 2025, a companhia foi contemplada pelo edital de Fomento ao Teatro da Secretaria Municipal de São Paulo, com projeto que celebra os 10 anos de existência do grupo.

Sinopse
Lear, rei da Bretanha, decide dividir o reino entre as suas três filhas, Cordelia, Regan e Goneril. Porém, Cordelia se recusa a participar do ritual de passagem da coroa, e o rei, furioso, a condena ao exílio. O exílio de Cordelia põe em marcha a completa desagregação do reino. Sem coroa, traído pelas filhas e vendo seu reino à beira da guerra, Lear afunda em uma espiral de loucura.

Ficha técnica
Espetáculo "Rei Lear"
Direção: Ines Bushatsky
Texto adaptado e assistência de direção: João Mostazo
Elenco: Alexia Twister, Antonia Pethit, DaCota Monteiro, Ginger Moon, Lilith Prexeva, Maldita Hammer, Mercedez Vulcão, Thelores, Xaniqua Laquisha
Cenário: Fernando Passetti
Luz: Aline Santini
Figurino: Salomé Abdala
Visagismo: Malonna e Polly
Trilha sonora e operação de som: Gabriel Edé
Preparação vocal: Felipe Venâncio
Operação de luz: Cauê Gouveia, Vinicius Hideki
Contrarregragem: Felipe Venâncio, Matias Ivan Arce, Diego França
Costureiras: Caio Katchborian, Nana Simões, Salomé Abdala
Sapatos: Porto Free Calçados
Bordados: Alesha Bruke, Salomé Abdala
Arte gráfica: Lidia Ganhito
Assistente de produção: Iolanda Sinatra
Direção de produção: Tetembua Dandara
Assessoria de imprensa: Pombo Correio
Este projeto foi contemplado pela 45ª edição do Fomento ao Teatro - Secretaria Municipal de Cultura.

Serviço
"Rei Lear", da Cia. Extemporânea
Temporada de 7 a 17 de maio de 2026
De quinta a sábado, às 20h, e aos domingos, às 19h
Ingressos gratuitos: distribuição uma hora antes na bilheteria do teatro. Retirada de até dois ingressos por pessoa.
Classificação: 14 anos
Duração: 120 minutos
Capacidade: 600 lugares
Acessibilidade: teatro acessível a cadeirantes e pessoas com mobilidade reduzida

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.: "Romeu e Romeu" busca inspiração em clássico de Shakespeare para apresentar desafios amor homoafetivo

Escrito na década de 1980, texto de Ronaldo Ciambroni se revela bastante atual e destaca no elenco os atores Guilherme Chelucci, Márcio Louzada, Juan Alves, Pedro Pilar e Wallace Guimarães. Foto: Ronaldo Gutierrez

A Rama Kriya Produções e a AT Produções destacam no roteiro teatral paulista, a temporada da montagem do espetáculo “Romeu e Romeu - Por Essa nem Shakespeare Esperava”, com texto de Ronaldo Ciambroni, direção de movimentos, cenografia e figurinos de Ciro Barcelos e, direção geral de Rogério Fabiano. Em cartaz no Teatro Itália, em São Paulo, até dia 24 de junho, a peça conta com a experiência dos atores Guilherme Chelucci, Márcio Louzada, Juan Alves, Pedro Pilar e Wallace Guimarães, que apresentam ao público os desafios que um casal gay enfrenta para permanecer juntos.

A história inspirada no clássico “Romeu e Julieta”, de William Shakespeare, mantém o amor como temática principal. “Romeu e Romeu”, destaca no palco com leveza e com bastante humor, as dificuldades do cotidiano de um casal, os ciúmes, os dilemas domésticos e, certamente, o preconceito. A proposta é que o público reviva essa história tão conhecida e mostrar que tudo poderia ser alterado, com um final diferente onde o preconceito não venceria o amor é só uma atitude verdadeira poderia trazer a tão esperada felicidade.

Na versão de Ciambroni, o personagem Romeu Camari faz faculdade de Medicina e pertence a uma família rica que vive em constante conflito com outra família: Os Mariane. As duas famílias dominam e disputam o comércio do principal bairro da cidade. A peça se desenrola entre tapas e beijos, drama e comédia, traição e amizade e uma dose de veneno com validade pro efeito acabar. Os dois rapazes se conhecem numa aposta de corrida de automóvel onde, num acidente, um primo dos Camari morre e aumenta o ódio das duas famílias, tornando assim, impossível o romance desses dois jovens sonhadores. Numa sequência de cenas emocionantes e que fazem parte dos romances que conhecemos, a história vai se desenvolvendo e surpreendendo e com certeza agradando a todos.

Ficha técnica
Espetáculo “Romeu e Romeu - Por Essa nem Shakespeare Esperava”

Direção de Movimentos, Cenografia e Figurinos: Ciro Barcelos

Direção: Rogério Fabiano

Elenco: Guilherme Chelucci, Márcio Louzada, Juan Alves, Pedro Pilar e Wallace Guimarães

Trilha Sonora: Eduardo Menga

Fotografia: Ronaldo Gutierrez

Produção: Rama Kriya Produções e AT Produções

Assessoria de Imprensa: Davi Brandão

Serviço

Espetáculo “Romeu e Romeu - Por Essa nem Shakespeare Esperava”

Teatro Itália – Av. Ipiranga, 344 - Subsolo

Temporada: 14 de abril a 24 de junho, sempre às terças e quartas-feiras, 20h

Ingressos: R$ 50,00 (meia-entrada) a R$ 100,00 (inteira)

Classificação: 18 anos

Duração: 70 minutos

Gênero: Drama

Informações e compra de ingressos: https://bileto.sympla.com.br/event/117214/d/369946/s/2482137

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.: Duda Maia dirige texto inédito de Gabriel Chalita, em cartaz no Teatro Multiplan

André Torquato e Marcos Pitombo estão juntos em cena no espetáculo "Poemas", que conversa sobre dualidades da vida. Foto: Gustavo Arrais

Novo texto teatral de Gabriel Chalita, “Poemas” une questões filosóficas à poesia que reverbera na vida. O espetáculo, dirigido por Duda Maia e estrelado por André Torquato e Marcos Pitombo, tem sua temporada de estreia no Teatro Multiplan MorumbiShopping, até dia 7 de junho. Com uma atmosfera onírica, a peça revela de forma poética o encontro entre dois personagens que às vezes trazem lembranças da infância e em outras pensam sobre como almejam sua velhice. No presente, que costura toda a encenação, a tentativa é a escrita do poema que falta, uma metáfora que tem o objetivo de trazer a poesia como possibilidade de salvar o mundo ou, pelo menos, de trazê-la para nos ajudar e repensar sobre a humanidade.

A montagem explora a dualidade da vida e da morte, de sua prosa e poesia, da liberdade e da dependência do outro. Da memória que nos molda e, às vezes, nos paralisa, mas que outras vezes nos acalenta. Trata ainda da esperança e da falta dela; do medo, da ansiedade, da dor e da depressão, contrapostos ao amor, ao prazer, às alegrias e à ação necessária para movimentar as coisas e mudar o mundo.

“A peça tem uma construção teatral, mas com um espectro filosófico, ligado ao cotidiano. É um espetáculo com beleza, mas que também nos ajuda a refletir sobre o que é viver e o que é existir. O que é um poema e o que são os lados poema e prosa da vida. O ser humano tem dois lados, um animal e um simbólico. E o trabalho explora tanto essa dimensão da animalidade humana, com sua cotidianidade, suas dores, e essa elevação, a permanência. E, esse vento que venta a vida”, conta Gabriel Chalita.

Para o ator Marcos Pitombo, o espetáculo brinca com as palavras como a construção poética. “O texto tem uma sequência, um objetivo, que é construir um poema que pretende salvar o mundo. E que mundo é esse? Será que fala do mundo físico, de todo mundo, do mundo à minha volta, ou do meu mundo particular, o nosso mundo de dentro? A gente fala um pouco sobre o que nos inspira, sobre nossas dores e também sobre o que nos move. Então, através de sensações e palavras, a gente vai guiando um norte para chegar nesse poema”, comenta.

André Torquato diz que o interessante da peça é não querer trazer explicações. “Em vez de oferecer respostas prontas, o espetáculo cria um espaço de escuta, de silêncio, de vento, onde o que parece escuro pode, de repente, acender pequenas luzes. São dois personagens tentando escrever o poema que falta, mas talvez o que mais interessa não seja o poema em si, mas esse processo de busca. Às vezes é no mistério que a gente se salva”, reflete o ator.

E a encenação de Duda Maia é pautada nessa dualidade entre palavra e corpo. “Eu acho que é o casamento de duas linguagens muito fortes: a forma de escrever do Chalita junto com a minha assinatura física. Estamos procurando essa dualidade o tempo inteiro, nas palavras, nos corpos, na trilha sonora, no cenário, no figurino e na iluminação. É essencial que o coletivo tenha força, para que o espetáculo aconteça. Na encenação tem vento, mas tem leveza, tem peso, mas desliza”, revela a diretora. 

“É um convite para poetizar dois mundos. O de dentro e o de fora. O eu comigo. E o eu com o outro. Há tantas feridas a serem costuradas. Há tantos amanheceres a serem celebrados. Na alma. No corpo. E o encontro com Duda Maia para mim é um presente. Um construir coletivo de linguagens que se casam para emocionar, para fazer pensar”, convida Gabriel Chalita.

Este projeto é realizado por meio da Lei Rouanet – Ministério da Cultura, e conta com o patrocínio da Rede Dor, Sulamérica, Estácio e Instituto Yduqs, empresas que acreditam na força transformadora da arte e no desenvolvimento da cultura brasileira. Para Cláudia Romano, presidente do Instituto Yduqs e vice-presidente do grupo educacional Yduqs, apoiar iniciativas culturais como essa é uma forma concreta de ampliar o impacto social da educação. “Investir em cultura é investir em humanidade. ‘Poemas’ nos convida a refletir sobre o tempo em que vivemos, sobre nossas dores e nossas esperanças, e reforça a importância da arte como instrumento de transformação social. Para o Instituto Yduqs, apoiar projetos como este é reafirmar nosso compromisso com a formação integral das pessoas, que vai além da sala de aula e alcança a sensibilidade, o pensamento crítico e o diálogo”.

Sinopse

“Poemas” traz o tema da dualidade da vida. Somos poema e prosa ao mesmo tempo; somos inspiração, expansão, dança; e somos dor, medo, ansiedade. A peça fala do encontro com o outro e com o universo próprio de cada um. Fala da memória que nos molda, que, às vezes, nos engessa e paralisa e, outras vezes, nos acalenta. E fala também da esperança. Do poema que falta para pensarmos na nossa humanidade. Para que o amor seja uma experiência que povoe os cotidianos de prazeres e, ao mesmo tempo, de responsabilidade na ação de cada um na melhoria do mundo.

Ficha técnica 
Espetáculo "Poemas"

Autor - Gabriel Chalita

Direção Artística - Duda Maia

Elenco / Intérpretes Criadores - André Torquato e Marcos Pitombo 

Direção de Produção - Thiago Hofman

Cenografia e Figurino - Stephanie Fretin e André Cortez

Direção Musical e Trilha Sonora Original - Dessa Ferreira

Desenho de Luz - Gabriele Souza

Design de Som - Vitor Osório 

Assistente de Iluminação - Juliana Jesus

Serviço

"Poemas", de Gabriel Chalita

Temporada: até dia 7 de junho de 2026.

Sextas-feiras, às 20h30. Sábados, às 18h00 e 20h30. Domingos, às 18h00.

Duração: 60 minutos.

Classificação etária: 14 anos .

Ingressos: 

Plateia Vip: R$120,00 (inteira)  / R$ 60,00 (meia-entrada)  

Plateia: R$ 100,00 (inteira)  / R$ 50,00 (meia-entrada)  

Preço popular: R$ 50,00 (inteira)  /  R$ 25,00 (meia-entrada)

Local: Teatro Multiplan MorumbiShopping

Endereço: Avenida Roque Petroni Júnior, nº 1.089, Piso G2. 

Acesso por meio das escadas rolantes em frente à Renner.

Ingressos:

Vendas on-line (com taxa de conveniência): https://www.sympla.com.br/

Bilheteria física (sem taxa de conveniência): Teatro Multiplan MorumbiShopping

Horário de funcionamento: A bilheteria funciona em dias de espetáculos duas horas antes do início da apresentação.

Totem de Autoatendimento (sem taxa de conveniência): o Teatro Multiplan MorumbiShopping possui um totem de autoatendimento para compras de ingressos sem taxa de conveniência 24h por dia, localizado no piso G2, ao lado da bilheteria.

Avenida Roque Petroni Júnior, 1089 - Piso G2 do MorumbiShopping - Jardim das Acácias / São Paulo

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.: "Pequeno Monstro" leva Silvero Pereira ao palco do Teatro do Sesc Santos

Em cena, Silvero conduz um solo de rara entrega, que tensiona memória e linguagem ao expor a dificuldade de narrar experiências de homofobia e bullying. Foto: divulgação

Em cartaz no Teatro do Sesc Santos nos dias 8 e 9 de maio, sexta-feira e sábado, às 20h00, o espetáculo “Pequeno Monstro”, com Silvero Pereira, mergulha com contundência no território das violências explícitas e silenciosas que atravessam as existências de pessoas LGBTQIA+.

Em cena, Silvero conduz um solo de rara entrega, que tensiona memória e linguagem ao expor a dificuldade de narrar experiências de homofobia e bullying. Ao revisitar episódios que se iniciam na infância, o espetáculo ilumina o peso social imposto a corpos e comportamentos considerados “fora da norma”, revelando marcas que persistem para além do tempo.

Inspirado em um conto de Caio Fernando Abreu, o título “Pequeno Monstro” carrega, em si, a ambiguidade que sustenta a montagem: ao mesmo tempo em que evoca o estranhamento e a exclusão, também aponta para frestas de liberdade, afeto e reinvenção. A encenação transforma essas camadas em matéria viva, articulando fragilidade e resistência num discurso que não busca conforto, mas confronto.

Ficha técnica
Espetáculo "Pequeno Monstro"

Direção: Andreia Pires

Dramaturgia e atuação: Silvero Pereira

Cenografia: Dina Salem Levy

Desenho de luz: Sarah Salgado e Ricardo Vivian

Trilha sonora original e desenho de som: Arthur Ferreira

Figurinista e criação audiovisual: Alice Cruz

Assistência da cena: Tina Reinstrings e Juracy Oliveira

Operador de som e projeção Gabriel Salsi

Contrarregra: Iuri Wander

Designer gráfico: Karin Palhano

Fotos: John Ramatis

Duração: 60 minutos

Serviço
Espetáculo “Pequeno Monstro”
Sexta-feira, dia 8, e sábado, dia 9 de maio, às 20h00. Ingressos a R$ 50,00 (inteira), R$ 25,00 (meia-entrada) e R$ 15,00 (credencial plena). Não recomendado para menores de 16 anos - autoclassificação.

Venda de ingressos
As vendas de ingressos para os shows e espetáculos da semana seguinte (segunda a domingo) começa na semana anterior às atividades, em dois lotes: on-line pelo aplicativo Credencial Sesc SP e portal do Sesc São Paulo: às terças-feiras, a partir das 17h00. Presencialmente, nas bilheterias das unidades: às quartas-feiras, a partir das 17h00.

Bilheteria Sesc Santos - Funcionamento
Terça a sexta-feira, das 9h00 às 21h30 | Sábados e domingos, 10h00 às 18h30   

Sesc Santos
Rua Conselheiro Ribas, 136 - Aparecida / Santos
Telefone: (13) 3278-9800        
Site do Sesc Santos
Instagram e Facebook: @sescsantos

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.: "O Agente Secreto" pode ser assistido em cinema de praia a R$ 3,00

Exibido em horário especial - às 14h00, 17h00 e 20h00 - o premiado longa-metragem brasileiro "O Agente Secreto" está em cartaz até dia 6 de maio no Cine Arte Posto 4, o cinema localizado na orla da praia de Santos, no litoral de São Paulo. Dirigido por Kleber Mendonça Filho, o filme ambientado em 1977 acompanha Marcelo, personagem de Wagner Moura, um homem que tenta reescrever a própria história ao deixar São Paulo rumo a Recife. 

A promessa de recomeço, no entanto, começa a se dissolver à medida que a cidade - vibrante, carnavalesca, imprevisível - passa a operar como um espelho distorcido de tudo aquilo que ele tenta esconder. Em vez de refúgio, Recife se impõe como território de vigilância, onde vizinhos observam, silêncios pesam e o passado insiste em infiltrar-se nas frestas do presente. Nomes como Maria Fernanda Cândido, Gabriel Leone e Udo Kier orbitam a narrativa com presenças que ora acolhem, ora ameaçam, contribuindo para a construção de um universo onde ninguém parece completamente confiável. Compre o roteiro do filme "O Agente Secreto" neste link.

Serviço
“O Agente Secreto”
Gênero: suspense
Duração: 160 minutos

Classificação indicativa: 16 anos

Ano de produção: 2025

Idioma: português

Direção e roteiro: Kleber Mendonça Filho

Elenco: Wagner Moura, Tânia Maria, Maria Fernanda Cândido, Gabriel Leone, Alice Carvalho, Udo Kier, Thomás Aquino

Distribuição no Brasil: Vitrine Filmes

Cenas pós-créditos: não

Ano: 2025

Cine Arte Posto 4

Av. Vicente de Carvalho - Gonzaga - Santos/SP

Em cartaz até dia 6 de maio

Sessões (horário especial): 14h00, 17h00 e 20h00

Funcionamento: terça a domingo (fechado às segundas-feiras)

Ingressos a R$ 3,00 (inteira) e R$ 1,50 (meia-entrada). Pagamento somente em dinheiro, temporariamente.

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.: Crítica de cinema: "Rio de Sangue" é filme-denúncia sobre garimpo ilegal

"Rio de Sangue" está em cartaz na Cineflix Cinemas

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora do Resenhando.com

Em maio de 2026

No longa nacional de ação, suspense e policial, "Rio de Sangue", em cartaz na Cineflix Cinemas, a policial Patrícia Trindade (Giovanna Antonelli), afastada da corporação, foge de São Paulo para o Pará após ser jurada de morte pelo narcotráfico, numa operação fracassada. Ao tentar se reaproximar da filha, a médica Luiza (Alice Wegmann), ela esbarra numa nova problemática em que põe a vida em risco, quando a jovem é sequestrada por garimpeiros ilegais durante uma missão humanitária no Alto Tapajós.

Unindo amor materno e a experiência profissional Patrícia corre contra o tempo para resgatar Luiza na selva, refém do cabeça dos esquemas, Polaco (Antonio Calloni, de "Anjos de Sol" e "Jogo de Xadrez") que a usa para salvar o filho, Jadson (Ravel Andrade). Na situação desesperadora, ela se vê forçada a ingressar entre os garimpeiros para enfrentar os poderosos que dominam a região empunhando armas e nenhum escrúpulo.

Na telona, as cenas de ação realistas, intensas e cruas, passam longe dos exageros caricatos e impactam, o que é nitidamente favorecido pelo talento do elenco, principalmente da protagonista que desenha a força da trama de modo convincente. Todo o conjunto da produção nacional bem realizada, empolga, facilitando para que o público embarque na história de mãe e filha lutando para sobreviver em meio a um cenário de crime ambiental.

Num papel de fortaleza pronta para a defesa tal qual o personagem Rambo, Antonelli consegue passar vulnerabilidade na medida que torna o filme visceral. "Rio de Sangue" é filme-denúncia sobre a realidade do garimpo ilegal na Amazônia, contra a exploração ambiental e a violência na região. O "grito da floresta" que soma 1 hora e 46 minutos imprime certa angústia e prende a atenção do início ao fim. Vale a pena conferir!

"Rio de Sangue" (nacional). Gênero: Thriller, Ação, Drama. Direção: Gustavo Bonafé. Roteiro: Felipe Berlinck, Dennison Ramalho. Duração: 1h 46 minutos. Distribuição: Disney. Classificação Indicativa: 16 anos. Elenco: Giovanna Antonelli (Patrícia Trindade), Alice Wegmann (Luiza), Antônio Calloni, Felipe Simas, Sérgio Menezes, Fidélis Baniwa, Ravel Andrade. Sinopse: Patrícia, uma policial afastada após uma operação fracassada e jurada de morte, se refugia no Pará. A trama engrena quando sua filha Luiza, médica em missão humanitária, é sequestrada por garimpeiros, forçando Patrícia a agir.  

Trailer

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.: Estreia de "Uma Velha Canção, Quase Esquecida" no Sesc Pompeia

Com direção e tradução de Domingos Nunez, espetáculo investiga a demência progressiva no Alzheimer a partir do drama de um ator que tenta a todo custo preservar sua memória. Foto: Ronaldo Gutierrez

Concebida para ser representada por dois atores, a versão mais velha e mais jovem do mesmo homem, "Uma Velha Canção, Quase Esquecida", da autora irlandesa Deirdre Kinahan, propõe uma reflexão sobre a doença de Alzheimer. O espetáculo da Cia Ludens, com tradução e direção de Domingos Nunez, tem sua temporada de estreia no Sesc Pompeia de 2 a 24 de maio, com sessões às quartas, quintas e sábados, às 20h00, às sextas, às 16h00 e às 20h00, e aos domingos, às 18h00.

A peça narra a jornada para dentro da alma e da vida de um velho ator, interpretado por Genezio de Barros, que, vivendo com Alzheimer, escreve obstinadamente, na tentativa de manter na memória os registros de pessoas e fatos que marcaram a sua história. Durante um concerto no asilo onde mora, impulsionado pela música e auxiliado pela duplicação mais jovem de si mesmo, papel de Iuri Saraiva, ele tenta reconstruir sua carreira e relembrar de sua família e seus amores.

Escrita em 2023, com o título original de" An Old Song, Half Forgotten", a peça estreou no palco Peacock do Abbey Theatre, o teatro nacional da Irlanda, em 14 de abril de 2023, e foi publicada na coletânea de peças curtas de Deirdre Kinahan, Shorts – Five Plays, pela editora Nick Hern Books, de Londres, no mesmo ano. 

O texto propõe investigar a demência progressiva que afeta irrecuperavelmente a memória e o comportamento daqueles acometidos pelo Alzheimer. Evidenciando esse processo degenerativo, com o protagonista muitas vezes metalinguisticamente lendo as falas escritas por ele mesmo – em seu esforço para não esquecer fatos e sensações de sua trajetória – a encenação pretende explorar a relação desse homem consigo mesmo que, por intermédio de sua duplicação, identifica e interpreta as pessoas e peças que marcaram a sua vida e sua carreira de ator. No entanto, mesmo essas anotações escritas não são garantias de que os acontecimentos e indivíduos ficarão retidos na lembrança. 

Tanto a criação musical contundente da montagem, assinada pelo violonista brasileiro Mario da Silva, quanto a partitura verbal transposta para o português são aspectos de suma importância neste texto curto de grande intensidade poética, uma vez que os episódios e as figuras surgem a partir delas e os sentimentos e atmosferas são igualmente desencadeados e sublinhados por elas em seus diversos timbres, ritmos e possibilidades sonoras. 

Desde o início os músicos Aline Reis, Mafê e Vinícius Leite estão em cena. Em um primeiro momento, eles parecem estar simplesmente tocando um concerto na casa de repouso onde vive o protagonista, mas, gradativamente, entende-se que se trata também de uma projeção da mente do protagonista, de mais uma possibilidade, como a palavra escrita, de organizar e reter as recordações de uma mente confusa acerca do tempo presente e de ocorrências do passado. 

A investigação pretende explorar as manifestações sonoras de uma maneira mais ampla, não restringindo sua materialização apenas às execuções de partituras musicais, mas expandindo seu campo de combinações às estruturas, ritmos e significados linguísticos suscitados pelo Alzheimer e pela palavra escrita, além dos recursos dos sons fomentados pela cena e pelas sonoridades do silêncio.

Sobre a autora
Deirdre Kinahan nasceu em Dublin, em 1968 e atualmente reside no condado de Meath. Fundou e dirigiu por 15 anos a Cia teatral Tall Tales, escrevendo e produzindo diversas peças teatrais para a Companhia. Tem colaborado ao longo dos anos com os principais teatros em atividade na Irlanda e no circuito internacional. Atuou como membro do conselho do Theatre Forum Ireland e do Abbey Theatre e é membro da Aosdána, um corpo de artistas condecorados por sua notável contribuição à vida cultural irlandesa. 

Autora de inúmeras peças desde 1999, e com diversos prêmios no currículo, teve "Knocknashee - A Colina das Fadas", peça de 2002, publicada no Brasil em 2025 pela Editora Iluminuras, com tradução de Beatriz Kopschitz Bastos e Lúcia K. X. Bastos. Este texto, juntamente com outros quatro de autores contemporâneos, também publicados pela Editora Iluminuras, fizeram parte do V Ciclo de Leituras da Cia Ludens: Teatro Irlandês, deficiência e protagonismo.

Ficha técnica
"Uma Velha Canção, Quase Esquecida"

Dramaturgia Original: Deirdre Kinahan 

Curadoria: Beatriz Kopschitz Bastos 

Tradução e direção artística: Domingos Nunez

Elenco: Genezio de Barros e Iuri Saraiva

Trilha sonora original: Mario da Silva

Direção musical: Vinícius Leite

Músicos em cena: Aline Reis, Mafê e Vinícius Leite

Figurinos: Chico Cardoso 

Costureira: Lili Santa Rosa 

Cenografia: Marisa Rebollo

Cenotecnia: Alício Silva/ Casa Malagueta

Designer de luz e Operação Técnica: Zerlô

Técnico de som: Valdilho Oliveira 

Fotografia artística: Ronaldo Gutierrez

Identidade visual: Dalua Criações

Assessoria de imprensa: Pombo Correio

Captação e edição: Ícarus Filmes

Tradução em Libras: Fabiano Campos

Produção executiva: Luísa Silva

Direção de produção: André Roman

Produção: Cia Ludens / Teatro de Jardim 

Serviço

"Uma Velha Canção, Quase Esquecida", de Deirdre Kinahan

Temporada: 2 a 24 de maio de 2026

Quartas, quintas e sábados, às 20h00; sextas-feiras, às 16h00 e às 20h00; e domingos, às 18h00 (sessões em Libras nos dias 8, 15 e 22 de maio)

Sesc Pompeia -  Rua Clélia, 93, Pompeia, São Paulo

Ingressos: R$ 60,00 (inteira), R$ 30,00 (meia-entrada) e R$ 18,00 (credencial plena)

Vendas on-line em sescsp.org.br e presencialmente nas bilheterias de qualquer unidade do Sesc São Paulo

Classificação: 12 anos

Duração: 70 minutos

Capacidade: 302 lugares

Acessibilidade: espaço acessível a cadeirantes e pessoas com mobilidade reduzida.

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.: MIS segue em cartaz com exposição inédita sobre Janis Joplin até junho

Público irá conferir uma seleção de mais de 300 itens, como figurinos, manuscritos e muitas outras peças originais, diretamente de Los Angeles/EUA

Fãs de Janis Joplin, um dos maiores ícones da história do rock, podem conferir de perto uma exposição inédita sobre a lendária cantora norte-americana no Museu da Imagem e do Som de São Paulo, instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo. Até dia 14 de junho, o MIS abriga a exposição "Janis”, mostra que conta com um grande e variado acervo de itens originais, além de uma expografia sensorial que fará o público imergir na contracultura e espírito transgressor dos anos 60, sob a luz da vida e obra de Janis Joplin. Os ingressos, nos valores de R$ 60,00 (inteira) e R$ 30,00 (meia), podem ser adquiridos no site: megapass.com.br/mis.

A exposição apresenta uma seleção de mais de 300 itens, como figurinos, adereços, manuscritos e muitas outras peças originais, diretamente de Los Angeles/EUA. “Tivemos acesso à família de Janis e estamos trazendo ao MIS um grande acervo da cantora, nunca visto no Brasil”, afirma André Sturm, diretor geral do Museu da Imagem e do Som e curador da mostra. “E mais: para além dos objetos pessoais, nós fizemos um profundo levantamento fotográfico da vida e carreira de Janis para compor a exposição. Destaco as imagens do Monterrey Pop, um grande festival de música da década de 60, onde ela foi descoberta, ocorrido antes mesmo de Woodstock”.

O público conta, ainda, com a já tradicional cenografia imersiva das exposições do MIS, com elementos visuais e audiovisuais pensados em levar o visitante a uma grande experiência sensorial na vida e obra da artista. São mais de dez salas expositivas, sendo um dos pontos altos a área dedicada ao amor da cantora ao Brasil - que mostrará os momentos marcantes em que Janis passou no Rio de Janeiro, durante o Carnaval de 1970.


Sobre Janis Joplin
Aquela voz – aguda, rouca, terrena, explosiva – permanece entre as mais distintas e eletrizantes da história da música. Ela reivindicou o blues, o soul, o gospel, o country e o rock com autoridade e entusiasmo inquestionáveis, transitando destemidamente entre jams psicodélicas de guitarra, raízes intimistas e tudo o que há entre esses dois extremos. Suas performances vulcânicas deixavam o público atônito e sem palavras, enquanto seu magnetismo sexual, sua postura experiente e seu estilo extravagante quebravam todos os estereótipos sobre artistas femininas – e, essencialmente, inventavam o paradigma da “mãe do rock”.

Nascida em Port Arthur, Texas, em 1943, Joplin foi influenciada por Leadbelly, Bessie Smith e Big Mama Thornton na adolescência, e a autenticidade dessas vozes impactou fortemente sua decisão de se tornar cantora. Autodenominada "desajustada" no ensino médio, ela sofreu praticamente ostracismo, mas se aventurou na música folk com os amigos e na pintura. Frequentou brevemente a faculdade em Beaumont e Austin, mas se sentiu mais atraída pelas lendas do blues e pela poesia beat do que pelos estudos; logo abandonou a faculdade e, em 1963, partiu para São Francisco, acabando por se estabelecer no notoriamente problemático bairro de Haight-Ashbury, marcado pelo uso de drogas. Lá, conheceu o guitarrista Jorma Kaukonen (que mais tarde integraria a lendária banda de rock de São Francisco, Jefferson Airplane) e os dois gravaram uma série de canções com a esposa dele, Margareta, que tocava na máquina de escrever. Essas faixas – incluindo clássicos do blues como “Trouble in Mind” e “Nobody Knows You When You're Down and Out” – viriam à tona mais tarde no infame bootleg “Typewriter Tapes”.

Ela retornou ao Texas para escapar dos excessos do bairro Haight-Ashbury, matriculando-se como estudante de sociologia na Universidade Lamar, adotando um penteado colmeia e levando uma vida geralmente "certinha", apesar de ocasionais apresentações em Austin. Mas a Califórnia a atraiu de volta para seu abraço cintilante em 1966, quando ela se juntou à banda de rock psicodélico “Big Brother and the Holding Company”. Sua adoção de um estilo de vestimenta extravagante – com óculos de aros grossos, cabelo frisado e roupas chamativas que faziam alusão, ao estilo hippie, à era do burlesco – impulsionou ainda mais sua crescente reputação.

O inovador Festival Internacional de Pop de Monterey – realizado de 16 a 18 de junho de 1967 – transformou a carreira de Janis Joplin e lançou as bases para festivais como Woodstock. Janis chegou ao bucólico Parque de Exposições do Condado de Monterey como membro do Big Brother and the Holding Company, um grupo praticamente desconhecido fora de São Francisco. Ao final do fim de semana, ela era o centro das atenções da mídia mundial e passou a ser cortejada pelo presidente da Columbia Records, Clive Davis, e pelo empresário de Bob Dylan, Albert Grossman.

Anunciado como "três dias de paz e música", o Woodstock de 1969 foi o ponto culminante das mudanças culturais que ocorreram ao longo da década. Tudo, desde música, literatura e moda até as atitudes em relação ao sexo e às drogas, foi afetado pela convulsão social – enquanto a guerra no Vietnã continuava, quase meio milhão de pessoas compareceram para demonstrar que a paz e o amor eram possíveis. Saiba mais em: https://janisjoplin.com/biography/

Serviço | Exposição “Janis”
Data: até dia 14 de junho de 2026
Local: MIS - Avenida Europa, 158 - Jd. Europa - São Paulo
Horários: terças a sextas, das 10h às 19h; sábados, das 10h às 20h; domingos e feriados, das 10h00 às 18h00. Ingressos: terças-feiras: gratuito; de quarta a domingo: R$ 60,00 (inteira) e R$ 30,00 (meia) | megapass.com.br/mis
Classificação: livre

A programação é uma realização do Ministério da Cultura, Governo do Estado de São Paulo, por meio da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas de São Paulo, e MIS, por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura, ProAC e Promac. O MIS tem patrocínio institucional da Livelo, Vivo, Goldman Sachs, Ituran e Goodstorage e apoio institucional das empresas Delboni, EAÍ?! Marketing, Unisys, Volkswagen Caminhões e Ônibus, Unipar, Campari, Colégio Albert Sabin, PWC, Telium, Kaspersky, Gabriel e Play Audiovisual.

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.: A obra de Milton Hatoum, o novo imortal da ABL

Romancista, contista, ensaísta, tradutor e professor universitário, Milton Hatoum é um dos principais autores da literatura brasileira contemporânea. Foto: Renato Parada

No último dia 24 de abril, o escritor Milton Hatoum tomou posse como imortal da Academia Brasileira de Letras, assumindo a cadeira 6. Romancista, contista, ensaísta, tradutor e professor universitário, nasceu em Manaus, em 1952. Estreou no romance em 1988, com "Relato de Um Certo Oriente", que ganhou o Prêmio Jabuti de Melhor Romance. Ambientado entre o Oriente e o Amazonas, este retrato é a busca de um mundo perdido, que se reconstrói nas falas alternadas das personagens, ecos longínquos da tradição oral dos narradores orientais.

Em 2000, publicou o romance "Dois Irmãos", eleito o melhor romance brasileiro no período 1990-2005 em pesquisa feita pelos jornais Correio Braziliense e O Estado de Minas. De intensa dramaticidade, o romance ganhou adaptações para televisão e quadrinhos e figura na lista de leituras obrigatórias de diversos vestibulares, como a Fuvest. 

 De lá até aqui, publicou outros títulos, como "Cinzas do Norte", "A Cidade Ilhada" e "Órfãos do Eldorado", no Brasil e em 17 países, todos com uma extensa fortuna crítica e listas de premiações brasileiras e estrangeiras. Com a Companhia das Letras, Milton Hatoum atingiu a marca de mais de 500 mil exemplares vendidos no Brasil. Em 2025, encerrou a trilogia "O Lugar Mais Sombrio", na qual dramas familiares se entrelaçam à história da ditadura militar. Juntos, "A Noite da Espera", "Pontos de Fuga" e "Dança de Enganos" nos fazem a pergunta-chave de toda ficção que remonta o passado: a memória, afinal, escolhe o que ela esquece?

Em sua literatura, Hatoum pensa a casa, a identidade e a família como coisas que se espraiam no espaço geográfico, prontos para se tornarem metáforas das ruínas e da passagem do tempo. Se o desejo ou a viagem levam as personagens a transpor as barreiras da infância e da moral, estes mesmos elementos, mais cedo ou mais tarde, recaem sobre os heróis como uma fatalidade que os traz de volta a um centro imóvel: "para onde vou, Manaus me persegue".

Se nos romances os personagens de Milton Hatoum tentam reconstruir os cacos do passado, o autor também escreve ora como testemunha, ora como quem ouviu e guardou, mudo, as histórias dos outros. Agora imortal, o escritor eterniza com ele a cidade, o rio e todas as metáforas das ruínas e da passagem do tempo.

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.: Mateus Solano no Teatro Renaissance com "O Figurante" após Portugal

Com mais de 250 apresentações e público de 150 mil espectadores, monólogo de Mateus Solano retorna a São Paulo após circulação internacional. Foto: Dalton Valério

Após temporada em Lisboa e passagem por dez cidades portuguesas, com 250 apresentações e público de 150 mil espectadores, O Figurante retorna a São Paulo para nova temporada no Teatro Renaissance, a partir de 2 de maio, com sessões aos sábados, às 19h00, e domingos, às 17h00. No monólogo, Mateus Solano dá vida a um figurante do audiovisual que passa a questionar sua própria existência e seu lugar em um mundo que insiste em mantê-lo em segundo plano. Com direção de Miguel Thiré, que retoma a parceria com o ator após Selfie, o espetáculo conta com dramaturgia desenvolvida em colaboração por Isabel Teixeira, Mateus Solano e Miguel Thiré.

A trama mergulha na rotina de Augusto, um figurante que luta para encontrar a si próprio em meio a uma rotina pobre de sentido, que o mantém num lugar muito aquém da sua potência como ser humano.  O Figurante reflete sobre a dificuldade de se conectar com a própria essência e sobre os desafios de assumir o controle da própria narrativa. “Somos um animal que cria histórias para viver e um mundo para acreditar. Na ânsia em fazer parte desse mundo, acabamos por nos afastar de nós mesmos a ponto de não saber se somos protagonistas ou figurantes de nossa própria história”, reflete Mateus Solano.

A dramaturgia foi construída a partir do método Escrita na Cena, desenvolvido por Isabel Teixeira, que estimulou o ator a explorar sua própria criatividade por meio de improvisos. As cenas criadas por Mateus foram gravadas, transcritas e reelaboradas por Isabel para compor o texto final, preservando a autenticidade das reflexões do personagem.

“Atores e atrizes escrevem no ar da cena, onde vírgula é respiração e texto é palavra dita e depois encarnada no papel. Essa é a tinta de base usada para escrever ‘O Figurante’. Partimos de improvisos de Mateus Solano e posteriormente mergulhamos no árduo e delicioso trabalho de composição e estruturação dramatúrgica. ‘O Figurante’ coloca no centro o que normalmente é deixado de lado, ampliando o olhar para o que muitas vezes passa despercebido”, explica Isabel Teixeira.

A peça dá continuidade à pesquisa de linguagem desenvolvida há anos por Miguel Thiré e Mateus Solano: uma encenação essencial, que se vale basicamente do corpo e da voz como balizas do jogo cênico. No palco nu, Mateus dá vida ao Figurante e demais personagens através do trabalho mímico. 

“Sempre acreditei em um teatro que debate direto com a sociedade, que toca o público. O que queremos dizer? Como vamos dizer? Neste quinto trabalho juntos, ao invés de dividirmos o palco, passo eu para esse lugar de ‘espectador profissional’ que é a direção. Acompanho o trabalho desse brilhante ator (Mateus Solano) que dá vida a um outro ator (o personagem) que, por sua vez, não consegue brilhar. “O Figurante busca colocar o foco onde normalmente não há. O trabalho é fazer este personagem quase desaparecer, estar fora de foco, ser parte do cenário”, explica Miguel Thiré, diretor.

Ficha técnica
Espetáculo "O Figurante". Dramaturgia: Isabel Teixeira, Mateus Solano e Miguel Thiré. Atuação: Mateus Solano. Direção: Miguel Thiré. Direção de Produção: Carlos Grun. Direção de Movimento: Toni Rodrigues. Desenho de Luz: Daniela Sanches. Direção Musical e Trilha Original: João Thiré. Design Gráfico: Rita Ariani. Desenho de Som: João Thiré. Fotos: Guto Costa. Equipe de Produção: Flavia Espírito Santo, Glauce Guima, Kakau Berredo e Cleidinaldo Alves. Idealização e Realização: Mateus Solano, Miguel Thiré e Carlos Grun. Produção: Bem Legal Produções. Assessoria de Imprensa: Adriana Balsanelli.

Serviço
"O Figurante". De 2 de maio a 26 de julho de 2026 - Sábados às 19h00 e domingos às 17h00. Duração: 70 minutos. Classificação etária: 12 anos. Ingressos: R$ 75,00 (meia) a R$ 150,00 (inteira), disponíveis em https://teatrorenaissance.com.br/.

Teatro Renaissance
Alameda Santos 2233 - Jardim Paulista, Piso E1
Bilheteria de sexta a domingo das 14h00 ao início do espetáculo.

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.: Exposição "Cartunistas" une fotografia e arte ao vivo no Centro Cultural Fiesp

Além da mostra inédita de Paulo Vitale, que estreia em 28 de abril, o público também poderá participar de palestras e oficinas com os maiores nomes do desenho nacional

A exposição fotográfica "Cartunistas", do fotógrafo Paulo Vitale, com curadoria de Eder Chiodetto, que acontece até 20 de setembro, com entrada gratuita, na Galeria de Fotos do Centro Cultural Fiesp, será acompanhada por uma agenda de palestras, oficinas e performances. No próximo domingo, dia 3 de maio, às 14h00, o cartunista e jornalista José Alberto Lovetro (JAL) - que também é presidente da Associação dos Cartunistas do Brasil (ACB) - apresenta o tema “Como Utilizar Quadrinhos na Sala de Aula”.

Coautor do livro "Efeito HQ" - direcionado a educadores, professores e interessados na área da linguagem dos quadrinhos - fala da utilização das HQs como ferramenta educativa. Os autores utilizaram na prática em duas escolas de periferia indicadas pela Secretaria de Educação do Município de São Paulo, e tiveram resultado surpreendente; e, hoje, milhares de professores utilizam para matéria de qualquer nível de ensino. 

“Fernandes e o Humor Gráfico na Mídia” será o tema de Luiz Carlos Fernandes, no dia 17 de maio, às 14h. Premiado no Brasil e no exterior, o chargista do Diário do Grande ABC traz sua vasta experiência para analisar o mercado editorial e a força das caricaturas na comunicação atual. O encontro, voltado a pesquisadores, desenhistas e educadores, será encerrado com uma sessão de autógrafos. A programação detalhada das atividades dos próximos meses será divulgada gradualmente.

A Exposição “Cartunistas”
Retratos de 143 grandes nomes do cartum brasileiro foram registrados pelas lentes do renomado fotógrafo Paulo Vitale, e estarão em temporada especial na Galeria de Fotos do Centro Cultural Fiesp. A exposição já passou pelas cidades de Sorocaba, Rio Claro, São José do Rio Preto, Itapetininga e Campinas, com sucesso de público, atingindo mais de 40 mil visitantes. Nesta montagem exclusiva em São Paulo, a mostra ganha o reforço de mais de 20 fotos inéditas. Além das imagens que traduzem provocações políticas, sociais e existenciais, os visitantes poderão assistir a vídeos com depoimentos e making of dos ensaios, revelando os bastidores do processo criativo de novos e antigos talentos.

Dentre os retratados, estão Mauricio de Sousa, Ziraldo, Paulo Caruso, Jaguar, Angeli, Laerte, Baptistão, Fernandes, entre outros. Nessa nova fase, foram inseridos também os quadrinistas, nomes da nova geração que atingem números impressionantes de seguidores nas redes sociais, como Helô D’Angelo e Carlos Ruas.

Ao olhar o ensaio como um todo, a curadoria de Eder Chiodetto adotou o caminho de equacionar o espaço expositivo para que ele recebesse a totalidade dos retratos realizados pelo fotógrafo. Como a maioria dos(as) cartunistas olhava diretamente para a lente do fotógrafo, agora o fotógrafo desaparece na exposição. Cada retratado olha nos olhos do espectador, criando uma conexão mais íntima e direta entre público e cartunistas. Compre o livro "Cartunistas", de Paulo Vitale, neste link.

Serviço
Exposição "Cartunistas"
Temporada: até dia 20 de setembro de 2026
Horários: terça a domingo, 10h00 às 20h00
Local: Galeria de Fotos do Centro Cultural Fiesp - Avenida Paulista, 1.313 (em frente à estação de metrô Trianon-Masp)
Classificação: livre
Gratuito: não requer reserva de ingressos
Agendamentos de grupos e escolas: ccfagendamentos@sesisp.org.br

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.: "Flashdance - O Musical" engajado que fala sobre sonhos e o preço que se paga

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico cultural, especial para o portal Resenhando.com. Foto: Caio Callucci

Em cartaz até 31 de maio no Teatro Claro Mais SP, "Flashdance - O Musical" pulsa com uma vitalidade que dispensa atalhos. Inspirado no clássico do cinema "Flashdance", o espetáculo encontra no presente um modo de existir que não se limita à reverência. Perigosamente honesto e engajado, o musical não pede desculpas por ser popular, mas também não aceita ser raso. Sob a direção sensível de Ricardo Marques e Igor Pushinov, com direção musical de Paulo Nogueira e coreografias de Tutu Morasi, a versão teatral respira frescor.

O elemento que mais surpreende é a recusa em se limitar ao entretenimento escapista. O contraste entre mundos, o da sobrevivência imediata e o da projeção de futuro, é manifestado nos cenários, nos figurinos e nas relações de poder que atravessam a cena. A divisão entre classes, entre quem pode sonhar e quem precisa pagar o aluguel antes, aparece sem didatismo e com eficácia. 

O público se vê diante de um musical que trata o sonho de forma concreta. Para esses personagens, sonhar custa e exige corpo, fome, insistência. Um tipo de abordagem raro em produções assumidamente “pop”, como se leveza e densidade ocupassem territórios incompatíveis. "Flashdance" dissolve essa falsa oposição com suor, voz e uma coragem que há tempos não se via no teatro musical.

Manter as canções no idioma original revela respeito pela experiência do público. Músicas como “What a Feeling” e "Maniac" já ultrapassaram a condição de trilha sonora. Traduzi-las correria o risco de cair no ridículo e ouvi-las como foram concebidas devolve ao espectador uma dimensão sensorial que atravessa décadas sem perder força.

Na pele de Alex Owens, jovem operária que divide o dia na usina de aço e a noite como dançarina, Marisol Marcondes apresenta uma energia que remete à presença magnética de Kiara Sasso em sua fase mais emblemática. Há precisão vocal, domínio corporal e uma entrega que transforma cada número em experiência. O palco parece expandir quando ela entra em cena. A Alex dela concentra desejo, cansaço e ambição sem fragmentar essas camadas. Canta com segurança, dança com entrega e ocupa o espaço com uma coragem física que não se negocia. Vê-la “colocar o corpão para jogo” com tamanha exposição se transforma em uma declaração de amor da artista ao teatro.

Ao lado dela, Rhener Freitas constrói um Nick Hurley equilibrado entre força e escuta. A voz tem calor, e o carisma sustenta a relação com naturalidade. Giovana Brandão imprime brilho às cenas como Glória, amiga da protagonista, e ultrapassa a função de apoio ao se firmar como eixo emocional. Júlio Oliveira, recém-saído de "O Segredo de Brokeback Mountain", reafirma aqui algo que já parecia evidente: trata-se de um ator que respeita a palavra. A dicção dele é cristalina, um detalhe que, no teatro musical brasileiro, ainda deveria ser regra. Yelon Daniel conduz seu personagem, um humorista em formação, por um arco consistente; o humor surge com leveza e, quando canta, revela uma expressividade que amplia o impacto da trajetória.

As cenas avançam com fluidez, como se cada elemento soubesse o momento exato de entrar e sair, mantendo a engrenagem em movimento. O espetáculo atualiza o desejo sem diluí-lo. Em cena, sonhar não aparece como promessa aparece como esforço. E isso muda tudo.

Serviço
"Flashdance, o Musical"
Temporada: 9 de abril a 31 de maio de 2026
Às quintas e sextas-feiras, às 20h; aos sábados, às 16h30 e às 20h30; e aos domingos, às 15h30 e às 19h30.
Teatro Claro Mais SP - Shopping Vila Olímpia - Olimpíadas, 360, 5º Piso - Vila Olímpia, São Paulo - SP, 04551-000
Ingressos: de R$ 25,00 a R$ 250,00
Vendas on-line em https://uhuu.com/evento/sp/sao-paulo/flashdance-15824
Bilheteria: de segunda a sábado, das 10h00 às 22h00; e aos domingos e feriados, das 12h00 às 20h00
*Clientes Claro Clube têm 50% de desconto em até quatro ingressos
Classificação: 18 anos
Duração: 120 minutos
Capacidade: 801 lugares
Acessibilidade: teatro acessível a cadeirantes e pessoas com mobilidade reduzida

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