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segunda-feira, 12 de janeiro de 2026

.: “Hamnet: a Vida Antes de Hamlet” não "passa pano" para William Shakespeare


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com.

“Hamnet: a Vida Antes de Hamlet” é um filme desconcertante. Não apenas porque se constrói a partir de um vazio histórico, afinal, pouco ou quase nada se sabe sobre o menino que empresta o nome a uma das maiores tragédias da literatura ocidental, mas porque a obra parece desconfiar da própria ideia de redenção pela arte. E isso, em um filme sobre Shakespeare, soa quase como uma heresia. Bem-vinda seja.

Baseado no romance homônimo de Maggie O’Farrell, best-seller internacional e um dos livros mais celebrados da década, publicado no Brasil pela editora Intrínseca, o longa-metragem não tenta competir com a literatura nem traduzi-la de forma ilustrativa. Prefere outra aposta: transformar o luto em experiência sensorial, ainda que isso custe ritmo, conforto e empatia imediata com o espectador.

Desde os primeiros minutos, a narrativa deixa claro que não se trata de um drama de fácil digestão. O ritmo é deliberadamente arrastado, por vezes quase sonolento, como se o filme quisesse impor ao público a experiência física do luto: o tempo que não passa e a espera por algo ruim que parece sempre à espreita. A tristeza é uma atmosfera quase palpável. Tudo é sombrio. Até as crianças carregam uma tensão fúnebre que antecipa a tragédia antes mesmo de ela se anunciar. Nesse ponto, há um mérito pouco comentado: o trabalho com o elenco infantil. As crianças estão muito bem dirigidas, sem afetação nem doçura excessiva. Em especial, Jacobi Jupe, no papel-título, entrega uma atuação rara para sua idade. Não é exagero afirmar que se trata de uma interpretação digna de atenção nas categorias de coadjuvante.

Ao centrar a narrativa em Agnes, vivida por Jessie Buckley, o longa-metragem faz uma escolha ética e estética decisiva. É ela quem permanece, quem sente, quem paga integralmente a conta emocional de um casamento marcado pela ausência masculina legitimada pelo trabalho. William Shakespeare surge despido de aura: é pai ausente, marido instável, homem que cobra coragem do filho, mas não a pratica quando a vida exige presença. Quando a dor atinge seu ponto máximo, ele não está. A desculpa é antiga, conhecida e confortável: é preciso trabalhar. O filme não passa pano, e esse é o gesto mais corajoso de "Hamnet". 

A tentativa de associar diretamente a morte de Hamnet à criação de "Hamlet" é tratada com uma ambiguidade precisa. O filme sugere, mas não absolve Shakespeare de jeito nenhum. A obra-prima nasce, sim, da culpa, da perda, do luto mal resolvido, mas isso não apaga a falha humana. Em "Hamnet", a arte não cura. No máximo, sublima. E mesmo essa sublimação soa insuficiente diante do abandono emocional imposto à mulher que atravessa tudo sozinha. O gênio não redime o pai.

Se o roteiro por vezes se estende além do necessário, a fotografia compensa. A relação entre o humano e a natureza  é muito natural: o parto na floresta, as raízes expostas, a terra, as plantas, os corpos infantis e adultos em contato direto com o mundo fora das paredes. Há uma delicadeza visual que contrasta com a dureza da história, e é na natureza que Hamnet encontra respiro.

É também nesse espaço que Jessie Buckley encontra espaço para construir uma atuação de grande impacto. Agnes é mãe, mulher, curandeira, figura quase mítica, mas profundamente concreta na dor. Está em um papel com forte cheiro de Oscar: intenso, físico e emocionalmente exaustivo. Ainda assim, uma edição mais rigorosa poderia ter evitado que o filme escorregasse para a monotonia. Paul Mescal está bem, mas "Hamnet" é, indiscutivelmente, o filme dela. É um longa-metragem que exige paciência e disposição, sem oferecer concessões ao público. Ao recusar o mito do gênio redimido pela obra, o filme escolhe olhar para aquilo que a história costuma apagar: quem ficou, quem sofreu em silêncio, quem nunca teve palco.

Ficha técnica
“Hamnet: A Vida Antes de Hamlet” | “Hamnet”
Gênero: drama histórico. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 2025. Idioma: inglês. Direção: Chloé Zhao. Roteiro: Maggie O’Farrell e Chloé Zhao. Elenco: Jessie Buckley, Paul Mescal. Distribuição no Brasil: Universal Pictures. Duração: 2h05. Cenas pós-créditos: não.

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As principais estreias da semana podem ser assistidos na rede Cineflix CinemasPara acompanhar as novidades da Cineflix mais perto de você, acesse a programação completa da sua cidade no app ou site a partir deste link. No litoral de São Paulo, as estreias dos filmes acontecem no Cineflix Santos, que fica no Miramar Shopping, à rua Euclides da Cunha, 21, no Gonzaga. Consulta de programação e compra de ingressos neste link: https://vendaonline.cineflix.com.br/cinema/SANO Resenhando.com é parceiro da rede Cineflix Cinemas desde 2021.

Cineflix Miramar | Santos
A partir do dia 15 de janeiro 
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.: "Família de Aluguel" alerta sobre o risco emocional de relações contratuais


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com.

“Família de Aluguel” diz muito sobre a solidão de hoje, mas não sucumbe à tentação de transformar esse vazio, tão sintomático da sociedade contemporânea, em espetáculo melodramático. O filme começa como um cinema de frestas, evocando inevitavelmente "Janela Indiscreta", de Alfred Hitchcock: apartamentos minúsculos no Japão, famílias em convivência silenciosa, moradores solitários observando o mundo do lado de dentro. É nesse cenário que se constrói uma narrativa sobre relações que começam com um contrato e terminam como risco emocional. 

Trata-se, sem dúvida, do trabalho mais afetivo de Brendan Fraser. Não porque ele esteja “contido” ou “sensível” em contraste com os blockbusters que protagonizou no passado, mas porque o filme o empurra para um território desconfortável: o de um homem que começa interpretando tristeza e, no meio do caminho, percebe que já não está mais fingindo nada.

Phillip, personagem de Fraser, é um ator americano no Japão que já conheceu algum sucesso em comerciais, mas que, em uma fase difícil da carreira, passa a ganhar a vida preenchendo lacunas emocionais alheias. Torna-se um pai postiço aqui, um jornalista “de mentirinha” ali, um amigo que joga videogame com outro marmanjo acolá. Nesse jogo de relações provisórias, convence tão bem os outros que acaba se confundindo com o próprio papel - um ator tão eficiente que se perde na própria atuação.

O Japão apresentado pelo filme está longe de ser cartão-postal ou curiosidade exótica. Ele aparece nas rotinas, nos rituais discretos, no respeito aos ancestrais, na relação silenciosa com a natureza e no valor quase ético da lealdade, mesmo quando tudo é provisório. A direção de Hikari, pseudônimo de Mitsuyo Miyazaki, aposta na delicadeza como forma de tensão: os conflitos não explodem, mas podem ser revelados a qualquer momento, como segredos que ameaçam escapar e prejudicar muito a vida de alguém.

O elenco de apoio sustenta essa engrenagem com precisão. Shannon Mahina Gorman, que vive a “filha que não sabe que não é filha” de Phillip, é extremamente cativante, sem jamais recorrer ao excesso. Outro destaque é Mari Yamamoto, que interpreta a profissional da agência como um eixo moral ambíguo: administra mentiras com a naturalidade de quem sabe que, às vezes, elas são o único modo possível de sobrevivência, mesmo quando isso cobra um preço físico e emocional durante a execução do trabalho.

Há um contraste evidente entre a cultura estadunidense, mais direta e individualista, e a japonesa, marcada pelo não-dito, pelo gesto mínimo e pela reverência ao passado. O filme nunca escolhe um lado. Apenas coloca esses mundos em fricção e observa o que sobra. “Família de Aluguel” fala, no fundo, sobre tentar consertar a vida com as ferramentas que se têm, ainda que elas sejam frágeis, improvisadas ou emprestadas.


Ficha técnica
“Família de Aluguel” | “Rental Family”

Gênero: comédia dramática. Classificação indicativa: 12 anos. Ano de produção: 2025. Idioma: inglês e japonês. Direção: Hikari. Roteiro: Hikari e Stephen Blahut. Elenco: Brendan Fraser, Takehiro Hira, Akira Emoto, Mari Yamamoto, Shannon Mahina Gorman. Distribuição no Brasil: Searchlight Pictures. Duração: 1h50. Cenas pós-créditos: não.

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Cineflix Miramar | Santos | Sala 3
Até dia 14 de janeiro | Sessões legendadas | 15h50 e 21h00
No Miramar Shopping | Rua Euclides da Cunha, 21 - Gonzaga - Santos/SP. Ingressos neste link.

domingo, 11 de janeiro de 2026

.: Espetáculo no Sesc Santos, “Tranquilli” convida o público a desacelerar e sonhar


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com
Foto: divulgação

O espetáculo circense “Tranquilli”, da Cia. Teatro C’Art, será apresentado na sexta-feira, 30 de janeiro, às 20h00, no auditório do Sesc Santos. A montagem convida o público a desacelerar e a redescobrir o encantamento do cotidiano a partir de uma abordagem cômica, sensível e profundamente humana. Em cena, o artista brasileiro André Casaca, radicado na Itália, dá vida a um personagem que traduz, por meio do corpo, o desejo universal de liberdade, sonho e imaginação. 

Sem recorrer à palavra, Casaca constrói uma narrativa baseada no teatro físico e na comicidade não-verbal, herdeira direta da tradição do teatro de rua italiano, na qual o gesto, o ritmo e o olhar se tornam os principais motores da comunicação com o público. Em “Tranquilli”, o absurdo surge como ferramenta poética. O personagem joga basquete sozinho e vence a partida, atende a um telefone que nunca tocou, voa com sua bicicleta alada e transforma a guerra em um jogo cênico que envolve diretamente a plateia. 

São pequenas ações que, costuradas com humor e delicadeza, rompem com a lógica do cotidiano frenético e revelam novas possibilidades de existência, convidando o espectador a rir de si mesmo e do mundo ao redor. A vida do personagem acontece inteiramente no corpo, que se afirma como veículo principal de expressão. É nele que se inscrevem as emoções, os conflitos e as fantasias, criando uma linguagem cênica acessível a públicos de todas as idades e culturas. O espetáculo propõe, assim, uma reflexão leve e profunda sobre temas como a rotina, o amor, a infância e a necessidade de imaginar outros modos de viver.

Criada a partir de 15 anos de pesquisa e atuação da Cia. Teatro C’Art, a obra reflete a maturidade artística do grupo, reconhecido internacionalmente por sua atuação no campo do circo contemporâneo e do teatro físico. Ao longo de sua trajetória, a companhia apresentou seus espetáculos em festivais e teatros de países como Itália, Suíça, Alemanha, Palestina, Israel, Turquia, Etiópia, Cabo Verde e Brasil, consolidando uma linguagem própria que atravessa fronteiras culturais.

O Teatro C’Art é vencedor do Prêmio Circus no Festival Mundial da Criatividade, realizado em Sanremo, na Itália, e atua também como Centro Cultural, mantendo biblioteca, videoteca e sala teatral. Entre suas atividades, desenvolve um consistente trabalho pedagógico com crianças, incluindo aquelas com necessidades especiais, reforçando o compromisso social e formativo da companhia. Voltado para todas as idades, “Tranquilli” tem duração de 50 minutos. Os ingressos custam R$ 40,00 (inteira), R$ 20,00 (meia-entrada) e R$ 12,00 (Credencial Plena).


Ficha técnica
Espetáculo circense “Tranquilli”, da Cia. Teatro C’Art

Criação, direção e interpretação: André Casaca
Assistência de direção: Fabrizio Neri e Teresa Bruno
Cenografia: Silvano Costagli
Produção: Teatro C’Art Comic Education Italia
Duração: 50 minutos

Venda de ingressos
As vendas de ingressos para os shows e espetáculos da semana seguinte (segunda a domingo) começa na semana anterior às atividades, em dois lotes: on-line pelo aplicativo Credencial Sesc SP e portal do Sesc São Paulo: às terças-feiras, a partir das 17h00. Presencialmente, nas bilheterias das unidades: às quartas-feiras, a partir das 17h00.

Bilheteria Sesc Santos - Funcionamento
Terça a sexta, das 9h às 21h30 | Sábados e domingos, 10h às 18h30   

Sesc Santos
Rua Conselheiro Ribas, 136 - Aparecida / Santos
Telefone: (13) 3278-9800        
Site do Sesc Santos
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sábado, 10 de janeiro de 2026

.: Entrevista: Amanda Mirásci transforma a autoconfiança masculina em sátira


Amanda Mirásci usa o humor para desmontar certezas masculinas e iluminar fragilidades coletivas em cena. Foto: Julia Lego

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com.

E se a autoconfiança masculina - essa certeza inabalável que dispensa escuta, dúvida e autocrítica - pudesse ser sintetizada em cápsulas? Em "A Autoestima do Homem Hétero", que retorna para duas apresentações no Teatro Arena B3, em São Paulo, neste final de semana, Amanda Mirásci parte dessa provocação para construir uma comédia que ri do óbvio, expõe o cansaço feminino e transforma comportamentos naturalizados em matéria-prima de cena. Criado, escrito e protagonizado pela atriz, o monólogo, indicado ao Prêmio do Humor nas categorias Melhor Texto e Melhor Direção, aposta no riso para falar sobre comportamentos masculinos que há tempos precisam ser modificados. 

Ao interpretar Carina, uma farmacêutica que decide lançar no mercado a “pílula” definitiva da confiança masculina, Amanda cruza experiências pessoais, relatos de mulheres e observações do cotidiano para montar um espelho desconfortável, especialmente para quem nunca se reconheceu como problema. Nesta entrevista exclusiva ao portal Resenhando.com, a atriz fala sobre humor como estratégia, ego em cena, síndrome da impostora e o momento em que a gargalhada deixa de ser defesa e vira pergunta.


Resenhando.com - Amanda, ao transformar experiências pessoais e relatos de amigas em sátira, em que momento você percebeu que o riso podia ser mais subversivo do que o confronto direto?
Amanda Mirásci - Eu sinto que o riso abre portas. O humor cria uma fresta de escuta: ele desarma, aproxima e permite que a pessoa se veja sem se sentir imediatamente atacada. Muitas vezes, rir é o primeiro passo antes de admitir: “isso aqui é comigo”. O riso não anula a crítica. Ele faz de forma mais efetiva, porque entra de forma sorrateira.


Resenhando.com - A personagem Carina cria uma pílula a partir de homens reais. Vocês temem que algum espectador saia do teatro convencido de que foi, sem saber, matéria-prima do medicamento?

Amanda Mirásci - Olha, até hoje todo homem que assistiu ao espetáculo me disse que se reconheceu em pelo menos um personagem. Muitos, com certeza, se viram em vários. Os homens retratados são reais: inspirados no meu pai, no meu namorado, em amigos que eu amo profundamente. Homens maravilhosos, mas que reproduzem comportamentos tão naturalizados que, muitas vezes, nem percebem o quanto algumas atitudes são risíveis. Do cara que foge das tarefas domésticas ao pai que só vê os filhos de quinze em quinze dias, muitos homens saem do teatro com a sensação de que, sim, foram matéria-prima dessa pesquisa.


Resenhando.com - Apresentar um monólogo tão povoado de personagens é também um exercício de controle do ego cênico. O que foi mais difícil: multiplicar identidades ou silenciar excessos?

Amanda Mirásci - Caramba, que pergunta boa. As duas coisas são difíceis, mas percebo que, quando você encontra a identidade de um personagem, os excessos tendem a se ajustar naturalmente. O grande desafio foi diferenciar tantos personagens sem cair no estereótipo vazio. A gente queria que o público se reconhecesse ali: as mulheres, pelas experiências vividas; os homens, por se verem refletidos. Como é humor, existe uma liberdade para carregar nas tintas, mas encontrar o equilíbrio entre o colorido da comédia e a verdade da identificação é um trabalho constante, que eu sigo fazendo a cada apresentação.


Resenhando.com - A peça fala de homens que explicam o óbvio, ocupam espaços e se sentem geniais por existir. Em que ponto isso deixa de ser caricatura e vira quase um documentário de costumes?

Amanda Mirásci - Quando a plateia começa a reagir antes mesmo da piada terminar. Quando escuto, do palco, algumas mulheres dizendo “já vivi isso”, enquanto os homens riem meio sem saber exatamente por quê. Acho que a caricatura vira documento quando ela organiza algo que já está espalhado na vida real. Que é comum a todos. O que parece absurdo no palco, muitas vezes, é apenas a realidade sem filtro.


Resenhando.com - Ao colocar a “síndrome da impostora” em cena, você sentiu que estava expondo uma ferida pessoal ou devolvendo ao público uma dor coletiva demais para ser individual?
Amanda Mirásci - No começo, parecia muito pessoal. Eu vivi a "síndrome da impostora" intensamente durante o processo de escrita do texto que hoje, inclusive, está indicado a um prêmio de humor! Uau! Eu estava morrendo de medo de escrever. Literalmente, tomei uma pílula de autoestima do homem hétero. Mas logo ficou claro que eu não estava sozinha. A síndrome da impostora é quase um idioma comum entre mulheres. É um autoboicote coletivo que, quando compartilhado, gera uma identificação muito potente.


Resenhando.com - O espetáculo convida homens a rirem de si mesmos. Você já presenciou risadas que soaram como defesa, e não como autocrítica?
Amanda Mirásci - Acho que só a própria pessoa, se estiver minimamente em dia com a terapia, consegue saber exatamente de onde vem a risada. Acho que a defesa é natural, especialmente depois de milênios de normalização desses comportamentos. Uma das grandes alegrias que esse espetáculo me trouxe foi perceber que existem homens dispostos a escutar o que as mulheres estão dizendo. Ainda é uma bolha, ainda há um longo caminho pela frente, mas, nessa peça, eles estão convidados a estar junto.


Resenhando.com - Se essa peça fosse montada daqui a vinte anos, o que você gostaria que tivesse envelhecido mal: os comportamentos masculinos ou a necessidade de ainda falar sobre eles?
Amanda Mirásci - Eu gostaria muito que os comportamentos tivessem envelhecido mal. Que causassem constrangimento real. Mas, sendo honesta, acho que ainda teríamos muito o que conversar. Eu brinco que essa peça pode virar tipo Harry Potter: "A Autoestima do Homem Hétero 1, 2, 3… 11". É muita coisa para falar e, principalmente, muita coisa para trocar entre mulheres.


Resenhando.com - Há um risco de o público sair do teatro querendo a pílula em vez da reflexão. O humor pode anestesiar ou, no caso de vocês, ele funciona como um leve desconforto que não passa fácil?
Amanda Mirásci - Não posso dar spoiler, mas, no fim do espetáculo, o público entende que essa pílula pode ser fatal. Então esse risco, propriamente, não existe. O que eu desejo é que as mulheres reconheçam melhor as armadilhas de certos comportamentos masculinos e, ao mesmo tempo, se olhem com mais empoderamento. A peça fala de uma fragilidade masculina escondida atrás de uma superioridade fantasiosa e, assim, celebra todas nós, mulheres, que estamos cada vez mais dispostas a olhar para dentro e para o coletivo.


Resenhando.com - “A Autoestima do Homem Hétero” fala mais sobre reinventar o feminino ou sobre desmontar a confortável fantasia masculina de que tudo já está resolvido?
Amanda Mirásci - Fala dos dois, mas talvez fale ainda mais sobre as mulheres. Sobre parar de pedir licença, parar de buscar validação onde não existe troca e começar a confiar mais na própria experiência. Ao desmontar a fantasia masculina, o espetáculo acaba iluminando o feminino. Não como algo frágil, mas como algo extremamente poderoso.


Sobre a Arena B3
Situada no Centro Histórico de São Paulo, a Arena B3 ocupa um dos prédios centenários da bolsa, antes palco dos tradicionais pregões viva-voz, e hoje se transforma em um ponto de encontro cultural com programação acessível aos finais de semana. A curadoria é assinada pela Aventura, produtora de espaços como a EcoVilla Ri Happy, Teatro YouTube, BTG Pactual Hall, Teatro Riachuelo Rio e Teatro TotalEnergies, além de musicais como "Hair", "A Noviça Rebelde", "Elis, o Musical", "Mamma Mia!" e "O Jovem Frankenstein".

Ficha técnica
Espetáculo "A Autoestima do Homem Hétero"
Idealização, texto e atuação: Amanda Mirásci
Direção: Martha Nowill
Colaboração dramatúrgica: Bruna Trindade e Martha Nowill
Assistência de direção: Iuri Saraiva
Direção de movimento: Julianne Trevisol
Direção de arte: Luiza Mitidieri
Visagismo: Isabella Oliveira
Trilha sonora: Aline Meyer
Luz: Júnior Docini
Preparação vocal: Verônica Machado
Direção de Produção: Marlene Salgado
Design gráfico: Harú Estúdio Criativo
Fotos: Julia Lego
Assessoria de imprensa: Pombo Correio
Produção associada: Amanda Mirásci e Marlene Salgado
Realização: Arrakasta Produções Artísticas

Serviço
Espetáculo "A Autoestima do Homem Hétero"
Dias 10 e 11 de janeiro – Sábado e domingo, 14h30 e 17h00
Classificação: 14 anos
Duração: 70 minutos
Ingressos: https://bileto.sympla.com.br/event/114190/d/354261/s/2389064?
Classificação indicativa: 14 anos
Duração: 60 minutos

.: Wescritor reconstrói a identidade caiçara no show “Original Kaysara”


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com
Foto: divulgação

Dentro da programação do Projeto Bússola, o Sesc Santos dá início, em 2026, a uma nova temporada dedicada à valorização de músicos da Baixada Santista, no litoral paulista, com foco em criações autorais e na diversidade de vozes que compõem a cena cultural da região. A proposta do projeto é ampliar espaços de escuta, circulação e reconhecimento para artistas que constroem seus trabalhos a partir de experiências territoriais, identitárias e contemporâneas.

Na quarta-feira, 28 de janeiro, às 20h00, na comedoria do Sesc Santos, o multiartista Wescritor apresenta o show “Original Kaysara”, espetáculo que também marca o lançamento de seu novo trabalho autoral. A apresentação propõe uma travessia poética e musical que revisita, tensiona e reconstrói a ideia do que é ser caiçara, a partir de uma perspectiva indígena, urbana e atual.

Em cena, Wescritor articula poesias à capela, cantos tradicionais do povo Tupinambá e a força do RAP - Ritmo, Ancestralidade y Poesia, criando uma sonoridade híbrida que dialoga com diferentes tempos e linguagens. Os ritmos variados se encontram com a leveza e a musicalidade caiçara, característica da Baixada Santista, resultando em canções que abordam temas como vida, amor, pertencimento, território e resistência cultural. A performance convida o público a refletir sobre memória, ancestralidade e futuro, ao mesmo tempo em que celebra a potência criativa dos povos originários em diálogo com as linguagens urbanas.

Wescritor é um multiartista indígena, jovem liderança, rapper, ator, poeta, diretor artístico e compositor. Indígena do Povo Tupinambá de Olivença, nasceu e foi criado no Parque São Vicente, em São Vicente, no litoral de São Paulo, território que atravessa e inspira diretamente sua produção artística. A apresentação é gratuita, com classificação indicativa a partir de 12 anos.

Ficha técnica 
Show "Original Kaysara"

Artista principal: Wescritor 
Backing vocal: Haard 
Musicista/violão: Matheus D'art
DJ: Delapaz 
Produtora executiva: Michelle Lima
Diretor executivo: Walla Tupi

Venda de ingressos
As vendas de ingressos para os shows e espetáculos da semana seguinte (segunda a domingo) começa na semana anterior às atividades, em dois lotes: on-line pelo aplicativo Credencial Sesc SP e portal do Sesc São Paulo: às terças-feiras, a partir das 17h00. Presencialmente, nas bilheterias das unidades: às quartas-feiras, a partir das 17h00.

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sexta-feira, 9 de janeiro de 2026

.: “Três Luzes” transforma um blecaute em viagem íntima pela memória


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com

O monólogo “Três Luzes”, protagonizado por Cássia Damasceno, será apresentado nos dias 23 e 24 de janeiro, sexta-feira e sábado, às 20h00, no auditório do Sesc Santos. A montagem propõe uma experiência sensível e intimista, na qual um blecaute funciona como gatilho para uma sucessão de memórias, reflexões e narrativas que transitam entre o presente e o passado.

Preso dentro de um elevador durante a falta de energia, o corpo da atriz se torna território de lembranças e ensaios existenciais. A partir dessa situação-limite, a personagem revisita fragmentos de sua própria história, bem como as trajetórias de seu pai e de sua mãe, compondo uma autoficção que entrelaça vivências pessoais a questões universais. Medos, sonhos, heranças familiares e silêncios atravessam a cena, revelando as marcas afetivas e simbólicas que moldam a identidade dessa mulher.

Dirigido por Aristeu Araújo, que assina a dramaturgia ao lado de Cássia Damasceno, “Três Luzes” constrói sua narrativa a partir do contraste entre luz e escuridão, presença e ausência, memória e esquecimento. Esses elementos se sobrepõem a pequenos ensaios poéticos que buscam dar conta das contradições da experiência humana e da própria história da humanidade. A participação da musicista Júlia Klüber amplia a dimensão sensorial do espetáculo, dialogando diretamente com o estado emocional da personagem. Voltado ao público a partir de 12 anos, o monólogo tem duração de 60 minutos. Os ingressos custam R$ 40,00 (inteira), R$ 20,00 (meia-entrada) e R$ 12,00 (Credencial Plena).


Ficha técnica 
Monólogo "Três Luzes"

Atuação: Cássia Damasceno 
Dramaturgia: Aristeu Araújo e Cássia Damasceno 
Consultoria dramatúrgica: Henrique Fontes 
Direção: Aristeu Araújo 
Assistente de direção: Jade Azevedo 
Composição musical: Luiz Lepchak 
Musicista: Júlia Klüber 
Iluminação: Nadja Naira 
Operação de luz: Dafne Rufino 
Figurino: Amábilis de Jesus 
Caracterização: Kenia Coqueiro 
Cenário: Eduardo Giacomini 
Desenho e operação de som: Chico Santarosa 
Direção de produção: Cássia Damasceno 
Assistência de produção: Jade Azevedo 
Cenotecnia: Vilson Kurtz 
Realização: 3Luzes 
Duração: 60 minutos 

Venda de ingressos
As vendas de ingressos para os shows e espetáculos da semana seguinte (segunda a domingo) começa na semana anterior às atividades, em dois lotes: on-line pelo aplicativo Credencial Sesc SP e portal do Sesc São Paulo: às terças-feiras, a partir das 17h00. Presencialmente, nas bilheterias das unidades: às quartas-feiras, a partir das 17h00.

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quarta-feira, 7 de janeiro de 2026

.: “Reggaelização” conecta culturas e celebra a diversidade no Sesc Santos


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com
Foto: divulgação

O show “Reggaelização” será apresentado no sábado, 17 de janeiro, às 20h00, na comedoria do Sesc Santos, em uma noite dedicada à celebração da música, da diversidade cultural e da cultura de paz. Vencedora do Prêmio Profissionais da Música 2025, na categoria Melhor Banda de Reggae, a banda Afrodizia reafirma, neste espetáculo, o compromisso artístico com o reggae como expressão de consciência social, diálogo intercultural e transformação coletiva.

“Reggaelização” é o resultado de um projeto musical de fôlego, construído a partir de colaborações com artistas de 11 países, que amplia fronteiras sonoras e simbólicas. A proposta surge do encontro entre diferentes culturas, idiomas e vivências, costuradas pelo reggae como linguagem universal de resistência, espiritualidade e afirmação identitária. No palco, essa experiência se traduz em um espetáculo vibrante, pulsante e profundamente conectado ao presente.

O repertório reúne composições autorais criadas ao longo de mais de duas décadas de trajetória do Afrodizia, além de músicas inéditas desenvolvidas especialmente para o projeto. O grupo também apresenta versões originais de clássicos do reggae mundial, revisitando canções emblemáticas de Bob Marley, Steel Pulse, Gilberto Gil, entre outros ícones que ajudaram a consolidar o gênero como voz global de luta, esperança e união.

Com arranjos contemporâneos e uma performance carregada de energia, o show equilibra tradição e inovação, preservando a identidade brasileira do Afrodizia enquanto dialoga com influências internacionais. O resultado é uma sonoridade plural, que convida o público a sentir e refletir, transformando o espaço do show em um território de encontro, celebração e consciência. Voltado ao público a partir de 16 anos, “Reggaelização” propõe uma experiência musical envolvente, marcada por mensagens de respeito, igualdade e conexão humana. Os ingressos custam R$ 40,00 (inteira), R$ 20,00 (meia-entrada) e R$ 12,00 (Credencial Plena).


Ficha técnica
Show "Reggaelização", com a banda Afrodizia
Artistas: Antônio Eduardo Campos Sheen, Priscilla Cantarelli Carneiro Sheen, Alexandre Cardoso Machado, Edward David Sanches e Diogo Elias Morgado
Músicos: Sérgio da Silva Almeida, Darci da Silva Ricomini Junior e Leandro Vieira Pereira
Técnico de som: Pedro Augusto

Venda de ingressos
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segunda-feira, 5 de janeiro de 2026

.: “Círculos Ancestrais” convoca o público a dançar a origem do mundo


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com
Foto: divulgação

O espetáculo circense “Círculos Ancestrais”, da Trupe do Mar, será apresentado na sexta-feira, 16 de janeiro, às 20h00, no auditório do Sesc Santos. A montagem convida o público a uma experiência sensorial que une circo contemporâneo, dança e musicalidade para revisitar a origem do mundo a partir da cosmovisão tupi-guarani, celebrando os saberes ancestrais dos povos originários por meio do corpo em movimento.

Inspirado nas obras “Tupã Tenondé” e “O Menino Trovão”, de Kaká Werá Jecupé, o espetáculo constrói uma narrativa poética que traduz mitos fundadores em imagens, gestos e ritmos. A cena se organiza em torno do símbolo do círculo - elemento sagrado presente em diversas culturas indígenas - que se manifesta por meio da roda Cyr, do crossed wheel, da dança e do uso expressivo dos bambolês. Cada movimento propõe um elo entre passado e presente, céu e terra, corpo e espírito.

Com músicas originais e sonoridades inspiradas nas tradições indígenas, o espetáculo transforma o palco em um território encantado, onde natureza, ancestralidade e imaginação se entrelaçam. A trilha sonora, executada ao vivo, amplia a dimensão ritualística da encenação, reforçando a ideia de celebração e pertencimento. O resultado é uma obra que não apenas narra histórias, mas convida o público a senti-las, criando um espaço de escuta, contemplação e reconexão com a memória coletiva.

Voltado para todas as idades, “Círculos Ancestrais” propõe um encontro afetivo entre gerações, despertando curiosidade, respeito e sensibilidade em relação às culturas originárias. Com duração de 50 minutos, o espetáculo reafirma o circo como linguagem potente de transmissão de conhecimento, poesia e resistência cultural. Os ingressos custam R$ 40,00 (inteira), R$ 20,00 (meia-entrada) e R$ 12,00 (Credencial Plena).


Ficha técnica 
Espetáculo "Círculos Ancestrais"

Idealização: Thays Oliveira 
Direção: Jande Kodo Potyguara 
Elenco artístico: Thays Oliveira e Jorge Olivares 
Orientação cênica: Kelly Cheretti 
Produção Musical: Esporos e cogumelo Selvagem 
Músico Convidado: Kuaray Orea 
Figurinos: Costurices da Jô 
Realização: Trupe do Mar 
Duração: 50 minutos 


Venda de ingressos
As vendas de ingressos para os shows e espetáculos da semana seguinte (segunda a domingo) começa na semana anterior às atividades, em dois lotes: on-line pelo aplicativo Credencial Sesc SP e portal do Sesc São Paulo: às terças-feiras, a partir das 17h00. Presencialmente, nas bilheterias das unidades: às quartas-feiras, a partir das 17h00.

Bilheteria Sesc Santos - Funcionamento
Terça a sexta, das 9h às 21h30 | Sábados e domingos, 10h às 18h30   

Sesc Santos
Rua Conselheiro Ribas, 136 - Aparecida / Santos
Telefone: (13) 3278-9800        
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domingo, 4 de janeiro de 2026

.: Teatro: “Palhaços” desmonta sonhos e provoca o público no Sesc Santos


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com
Foto: divulgação

Com Dagoberto Feliz e Danilo Grangheia em cena, sob direção de Gabriel Carmona, o espetáculo “Palhaços” será apresentado nos dias 9 e 10 de janeiro, às 20h00, no auditório do Sesc Santos. A montagem propõe uma experiência teatral intensa, que transita entre o humor ácido, o absurdo e a reflexão sobre as máscaras sociais que as pessoas insistem em vestir.

Na trama, Careta é o palhaço da meia-noite e treze, dono e protagonista de um circo de um homem só. Após mais uma apresentação, ele é surpreendido no camarim por Benvindo, um espectador entusiasmado que decide cumprimentar seu ídolo. O encontro, que a princípio parece cordial e carregado de admiração, rapidamente se transforma em um jogo cômico-surreal, no qual as fronteiras entre fã e artista, realidade e fantasia, admiração e crueldade começam a se dissolver.

A partir desse embate, o espetáculo mergulha em uma espécie de duelo psicológico. Com humor ferino, gestos circenses e um diálogo provocador, Careta passa a desmontar, um a um, os sonhos mais puros e os desejos mais obscuros de seu visitante. O riso surge como armadilha: ao mesmo tempo em que diverte, expõe fragilidades, frustrações e contradições humanas, conduzindo a plateia a um desconfortável - e revelador - reconhecimento de si mesma.

“Palhaços” utiliza a linguagem do circo, do teatro físico e da comédia para tensionar temas como idolatria, frustração, poder e identidade. A encenação aposta no contraste entre o lúdico e o brutal, criando uma atmosfera em que o riso nunca é inocente e o espetáculo se constrói justamente nesse território instável entre encanto e incômodo. Voltado ao público a partir de 14 anos, o espetáculo tem duração de 75 minutos. Os ingressos custam R$ 40,00 (inteira), R$ 20,00 (meia-entrada) e R$ 12,00 (Credencial Plena).


Ficha técnica
Espetáculo "Palhaços"

Texto: Timochenko Webhi
Direção: Gabriel Carmona
Elenco: Dagoberto Feliz e Danilo Grangheia
Produção: Ana Barros
Cenário: Flavio Tolezani
Operação de luz: Aline Barros
Figurino: Daniel Infantini
Fotos: Ricardo Galli, Renato Silvestre, Tathi Yazigi
Arte gráfica: Raymundo Calumby
Duração: 75 minutos

Venda de ingressos
As vendas de ingressos para os shows e espetáculos da semana seguinte (segunda a domingo) começa na semana anterior às atividades, em dois lotes: on-line pelo aplicativo Credencial Sesc SP e portal do Sesc São Paulo: às terças-feiras, a partir das 17h00. Presencialmente, nas bilheterias das unidades: às quartas-feiras, a partir das 17h00.

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sábado, 3 de janeiro de 2026

.: Maísa Arantes sobe ao palco do Sesc Santos com o show “Baile da Maisinha”


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com. Foto: divulgação. 

Referência da nova geração do forró pé-de-serra e da cultura popular brasileira, Maísa Arantes sobe ao palco do Sesc Santos com o show “Baile da Maisinha” na próxima quinta-feira, 8 de janeiro, às 20h00, na comedoria da unidade. A apresentação promete uma noite de celebração das tradições nordestinas, marcada por dança, afeto e pela força coletiva da música popular.

Cantora, compositora, rabequeira, pifeira e arranjadora, Maísa Arantes construiu uma trajetória sólida e respeitada no cenário da música brasileira, unindo pesquisa, ancestralidade e criação contemporânea. É fundadora e integrante da banda Mestre Zé do Pife e as Juvelinas, criada em 2007, além de integrar projetos como Forró do B (2017) e idealizar a banda Chinelo de Couro (2012). Sua atuação artística também dialoga com outras expressões da cultura popular, como a Quadrilha Arroxa o Nó e o Mamulengo Fuzuê, ambos do Distrito Federal.

No “Baile da Maisinha”, Maísa convida o público a vivenciar um forró vibrante, que respeita as raízes do gênero e, ao mesmo tempo, dialoga com novos arranjos e sonoridades. O repertório transita entre composições autorais, releituras e ritmos que atravessam o sertão, criando uma atmosfera festiva e acolhedora, pensada para todas as idades.

É um baile que convida a dançar, ouvir e sentir, reafirmando o forró como espaço de encontro, resistência e alegria. Além desse projeto, a artista também se apresenta com o trabalho autoral “Maísa Arantes” e com o duo Outros Sertões, em parceria com Marcelo Neder, ampliando ainda mais seu diálogo musical com diferentes territórios sonoros do Brasil.

Ficha técnica
Show “Baile da Maisinha” 

Maísa Arantes: voz, rabeca e pífano
Marcelo Neder: violão
Tâmara Terra: triângulo
Roberto Kauffmann: sanfona
Leo Cortes: zabumba
Anderson Lopes: produção
Ingressos: R$ 40,00 (inteira) | R$ 20,00 (meia) | R$ 12,00 (Credencial Plena)
Classificação: livre para todas as idades


Venda de ingressos
As vendas de ingressos para os shows e espetáculos da semana seguinte (segunda a domingo) começa na semana anterior às atividades, em dois lotes: on-line pelo aplicativo Credencial Sesc SP e portal do Sesc São Paulo: às terças-feiras, a partir das 17h00. Presencialmente, nas bilheterias das unidades: às quartas-feiras, a partir das 17h00.

Bilheteria Sesc Santos - Funcionamento
Terça a sexta, das 9h às 21h30 | Sábados e domingos, 10h às 18h30   

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sexta-feira, 2 de janeiro de 2026

.: Projeto aposta na literatura para ampliar repertórios e criar vínculos


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com
Imagem: divulgação

A atividade “Viagens e Livros: as Palavras que Trouxemos na Mala” convida crianças, jovens e adultos a embarcarem em uma experiência de mediação literária que atravessa fronteiras geográficas, culturais e imaginárias. A vivência acontece no sábado, 3 de janeiro, das 15h00 às 17h00, na Biblioteca do Sesc Santos, com entrada gratuita e classificação livre.

Conduzida pelos mediadores-atores Maycon Benedito e Juliana Espírito Santo, a proposta se constrói como uma viagem simbólica pelo mundo a partir da literatura para as infâncias. De volta de suas andanças, os mediadores chegam com a mala repleta de livros e histórias, reunindo narrativas de autores de diferentes regiões e contextos culturais. Cada obra escolhida amplia o repertório estético e temático do público, revelando múltiplas formas de ver, sentir e narrar o mundo.

A mediação combina leitura compartilhada, escuta sensível e presença cênica, criando um ambiente acolhedor e participativo. Ao longo do encontro, a diversidade cultural se manifesta tanto nas histórias quanto nas formas de contar, estimulando a imaginação, o diálogo e a construção coletiva de sentidos. A atividade reforça a leitura como uma prática social e comunitária, capaz de aproximar pessoas, gerar pertencimento e fortalecer vínculos afetivos por meio da palavra.

A iniciativa propõe um encontro com a literatura como território de descoberta, afeto e troca. A experiência valoriza a escuta, o respeito às diferenças e a potência das narrativas na formação de leitores críticos e sensíveis desde a infância.


Sobre os mediadores

Maycon Benedito é ator, mediador e produtor cultural, formado em Artes Cênicas pela Universidade Federal de Santa Catarina (UFSC). Atua em projetos de mediação de leitura e ações culturais voltadas à formação de público, articulando teatro, literatura e educação.

Juliana Espírito Santo é atriz, performer, palhaça, diretora, pesquisadora e arte-educadora. Mestre em Artes da Cena pela Unicamp, bacharel em Artes Cênicas pela UEL e graduada em Artes Visuais pelo Claretiano, desenvolve projetos que cruzam arte e educação em instituições culturais e iniciativas socioculturais, com especial atenção às tradições, festas populares e práticas formativas.


Serviço
Atividade "Viagens e Livros: as Palavras que Trouxemos na Mala"
Data: sábado, dia 3 de janeiro
Horário: das 15h00 às 17h00
Local: Biblioteca do Sesc Santos
Entrada: gratuita
Classificação: livre para todas as idades

Venda de ingressos
As vendas de ingressos para os shows e espetáculos da semana seguinte (segunda a domingo) começa na semana anterior às atividades, em dois lotes: on-line pelo aplicativo Credencial Sesc SP e portal do Sesc São Paulo: às terças-feiras, a partir das 17h00. Presencialmente, nas bilheterias das unidades: às quartas-feiras, a partir das 17h00.

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Terça a sexta, das 9h às 21h30 | Sábados e domingos, 10h às 18h30   

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quinta-feira, 1 de janeiro de 2026

.: Espetáculo "Correnteza" expõe força de laços humanos em meio à devastação


Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.comFoto: divulgação

Em “Correnteza”, espetáculo teatral em temporada de estreia no Sesc Bom Retiro, a luta pela sobrevivência ganha contornos humanos, poéticos e profundamente atuais. A peça, dirigida por Cristiane Paoli Quito, estreia no dia 11 de janeiro e segue em cartaz até 1º de março, com apresentações aos domingos, às 12h00 - com exceção no domingo de Carnaval, em 15 de fevereiro -, além de uma sessão extra na sexta-feira, 20 de fevereiro, às 10h00.

Ambientada em meio a uma enchente devastadora, a dramaturgia acompanha três sobreviventes que encontram refúgio no único ponto ainda acima da água: a copa de uma árvore. Ali, suspensos entre a vida e a morte, um avô, sua neta e uma mulher desconhecida compartilham um espaço mínimo enquanto a correnteza continua a subir. Isolados do mundo e do socorro imediato, eles são obrigados a dividir não apenas o abrigo improvisado, mas também memórias, angústias, silêncios e pequenas alegrias que insistem em sobreviver mesmo diante do caos.

Ao longo da narrativa, “Correnteza” constrói um delicado equilíbrio entre tensão e humanidade. O medo constante da morte se contrapõe à esperança do resgate, enquanto os personagens refletem sobre o instante presente, a fragilidade da existência e a força dos vínculos humanos quando tudo ao redor ameaça desaparecer. Entre diálogos contidos e gestos carregados de significado, a peça revela como, mesmo em situações extremas, o afeto e a escuta podem se tornar formas de resistência.

Idealizado e produzido por Paulo Williams e Iris Yazbek, o espetáculo conta com Aline Moreno, Iris Yazbek e Rodrigo Veloso no elenco. A montagem é inspirada em uma história real ocorrida durante as enchentes que devastaram o Rio Grande do Sul em 2024, quando um menino viu sua casa ser levada pela força implacável das águas e passou três dias e três noites ilhado em uma árvore ao lado do avô, lutando pela sobrevivência até o resgate. A experiência extrema serve de base para uma reflexão cênica que dialoga diretamente com a realidade recente do país e com as consequências humanas das tragédias ambientais.


Serviço
Espetáculo "Correnteza"

Direção: Cristiane Paoli Quito
De 11 de janeiro a 1° de março, exceto dia 15 de fevereiro
Domingos, às 12h00. Sessão extra: dia 20 de fevereiro, sexta-feira, às 10h00.
Teatro do Sesc Bom Retiro (297 lugares). Livre. Valores: R$ 12,00 (Credencial Plena), R$ 20,00 (meia-entrada) e R$ 40 (inteira). Crianças até doze anos: grátis.
Sessões com Acessibilidade: 22 de fevereiro - Libras.
Venda de ingressos disponíveis pelo APP Credencial Sesc SP, no site sescsp.org.br/bomretiro, ou nas bilheterias.

Estacionamento do Sesc Bom Retiro - Vagas limitadas
O estacionamento do Sesc oferece espaço para pessoas com necessidades especiais e bicicletário. A capacidade do estacionamento é limitada. Os valores são cobrados igualmente para carros e motos. Entrada: Alameda Cleveland, 529. Valores: R$ 8,00 a primeira hora e R$ 3,00 por hora adicional (Credencial Plena). R$ 17,00 a primeira hora e R$ 4,00 por hora adicional (Outros). Horários: terça a sexta: 9h às 20h. Sábado: 10h00 às 20h00. Domingo: 10h00 às 18h00.

Sesc Bom Retiro
Alameda Nothmann, 185 - Campos Elíseos/São Paulo
Telefone: (11) 3332-3600

.: "Encontro de Batuqueiros" será a atração de sábado no Sesc Santos


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, editor do portal Resenhando.com. Foto: divulgação

O show “Encontro de Batuqueiros” (EDB) abre a programação musical do ano no Sesc Santos no sábado, 3 de janeiro, às 20h, ocupando a comedoria da unidade. Voltado para todas as idades, o espetáculo se apresenta como uma verdadeira celebração do samba, da amizade e da cultura popular brasileira, convidando o público a vivenciar a força do ritmo, da poesia e do encontro.

Formado em 2016, na cidade de Campinas, em São Paulo, o Encontro de Batuqueiros nasceu do convívio entre amigos unidos pela paixão pelo batuque, pela cadência do samba de raiz e pela tradição das rodas informais. O que começou de maneira espontânea, em encontros despretensiosos regados a música e conversa, rapidamente se transformou em um projeto artístico consistente, que hoje ocupa lugar de destaque no cenário musical do interior paulista e vem ampliando sua presença em eventos, festas populares e palcos por diversas regiões do país.

O grupo é formado por Anderson Macumbé (tantã e vocal), Dodô (pandeiro e vocal), Fabinho Viana (cavaquinho e vocal), Gustavo Nana (surdo), Juninho (banjo e vocal), Mucka Monteiro (reco-reco) e Will Brian (repique de mão). Reunindo músicos experientes e profundamente conectados à linguagem do samba, o EDB constrói uma sonoridade coesa, vibrante e marcada pela autenticidade. Cada integrante imprime sua identidade rítmica e musical, resultando em um conjunto que valoriza tanto o coletivo quanto as particularidades de cada instrumento.

O repertório passeia pelo samba tradicional, pelo pagode de raiz e por canções que atravessaram gerações, sempre com interpretações respeitosas à obra dos grandes mestres do gênero, mas sem abrir mão de uma assinatura própria. A estética sonora do EDB é fortemente ancorada na percussão, com destaque para o tantã, o surdo, o pandeiro, o reco-reco e o repique de mão, que se entrelaçam às cordas e aos vocais harmônicos, formando uma base rítmica envolvente, dançante e cheia de balanço. Os ingressos custam R$ 50,00 (inteira), R$ 25,00 (meia-entrada) e R$ 15,00 (Credencial Plena).


Ficha técnica
Show Encontro de Batuqueiros
Anderson Macumbé (tantã e vocal)
Dodô (pandeiro e vocal)
Fabinho Viana (cavaco e vocal)
Gustavo Nana (surdo)
Juninho (banjo e vocal)
Mucka Monteiro (reco-reco)
Will Brian (repique de mão)


Venda de ingressos
As vendas de ingressos para os shows e espetáculos da semana seguinte (segunda a domingo) começa na semana anterior às atividades, em dois lotes: on-line pelo aplicativo Credencial Sesc SP e portal do Sesc São Paulo: às terças-feiras, a partir das 17h00. Presencialmente, nas bilheterias das unidades: às quartas-feiras, a partir das 17h00.

Bilheteria Sesc Santos - Funcionamento
Terça a sexta, das 9h às 21h30 | Sábados e domingos, 10h às 18h30   

Sesc Santos
Rua Conselheiro Ribas, 136 - Aparecida / Santos
Telefone: (13) 3278-9800        
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terça-feira, 9 de dezembro de 2025

.: Entrevista: Jorge Uribe revela segredos do heterônimo enigmático de Pessoa


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com
Foto: divulgação

É profundamente irônico - ou simplesmente pessoano - reunir, em um único volume, a totalidade de um heterônimo que fez do paradoxo a sua verdadeira morada. Ricardo Reis, esse médico monárquico de inclinação pagã, esse clássico que chega ao século XX como quem desembarca de um tempo impossível, volta agora ao leitor brasileiro em edição que não promete ser definitiva, mas sim reveladora. A editora Tinta-da-China Brasil fecha a trilogia da Coleção Pessoa com um livro que devolve ao heterônimo a própria complexidade do autor: a poesia depurada que o consagrou, a prosa abundante que o surpreende, os inéditos que o deslocam, a grafia arcaizada que não é capricho filológico, mas assinatura identitária.

Ao falar sobre o processo de organização do volume, Jorge Uribe, em entrevista exclusiva para o portal Resenhando.com, descreve a experiência de editar Reis como uma participação ativa no jogo pessoano - esse teatro de múltiplas entradas onde cada manuscrito, variante e rasura devolve ao leitor o espanto de reencontrar o autor e a si mesmo. O trabalho com o espólio, realizado em parceria com Jerónimo Pizarro, revela uma escrita que contrapõe fluxo e contração, disciplina e excesso: um movimento orgânico cujo ritmo se mostra com mais clareza na prosa, onde o heterônimo experimenta ideias, desabafos e contradições que o poeta das odes mantinha à sombra da forma.

O resultado é um livro que, pela primeira vez, apresenta ao público de língua portuguesa a totalidade da poesia e da prosa de Ricardo Reis, em ordenação cronológica e em rigorosa conformidade com a grafia original utilizada por Pessoa. Não se trata de um detalhe: a ortografia arcaizada cria ecos gregos e latinos, moldando o estilo que hoje reconhecemos como próprio de Reis e acentuando a estranha modernidade dele - esse modo de existir entre dois mundos, duas épocas, dois impulsos. Compre o livro "Obra Completa de Ricardo Reis", edição de Jerónimo Pizarro e Jorge Uribe, neste link.


Resenhando.com - “Vivem em nós inúmeros”, escreveu Ricardo Reis - e talvez também se pudesse dizer: “editam-nos inúmeros”. O que significa organizar a obra completa de um heterônimo cuja própria existência é feita de paradoxos e desdobramentos?
Jorge Uribe - Praticar a edição pessoana é participar do jogo que Pessoa, poeta, crítico e também editor, nos legou. É, no fundo, implicar-se, como leitor, na indeterminação da sua proposta criativa, que encontra na incompletude a sua força de adaptação ao tempo sempre vindouro. O paradoxo está na raiz do fascínio por Pessoa e é, sobretudo, uma atitude tática para lidar com a complexidade da vida e da literatura.


Resenhando.com - Entre todos os heterônimos de Pessoa, Ricardo Reis talvez seja o mais enigmático: monárquico e pagão, clássico e moderno, racional e melancólico. Como traduzir esse equilíbrio de contrários em um volume que pretende ser definitivo?
Jorge Uribe Definitivo, só a morte, como diz a sabedoria popular. Reis é como o deus Jano, uma cabeça com duas faces que olham simultaneamente para o passado e o presente. Sua firmeza é a do instante em que os fluxos se encontram.


Resenhando.com - A edição mantém a grafia original usada por Pessoa - uma escolha que parece mais filosófica do que apenas filológica. Por que era essencial preservar essa ortografia “arcaizada” de Reis? 
Jorge Uribe A ortografia de Ricardo Reis não obedece a nenhum acordo ortográfico aceito por Pessoa. Também não é a de Pessoa. A ortografia de Reis é um achado da sua escrita, que constrói uma identidade como efeito de leitura. Por isso, publicá-la não é um capricho antiquário, faz parte de Ricardo Reis. O estilo é o homem.


Resenhando.com - Há, neste livro, textos inéditos e variantes que reconfiguram o que sabíamos sobre Ricardo Reis. Que descobertas você destacaria? O que surpreendeu até mesmo os organizadores?
Jorge Uribe A escrita de Reis, ao contrário do que se poderia pensar, também é excessiva. À precisão das odes contrapõe-se a profusão, quase se poderia dizer a incontinência, da prosa. O prefácio a Alberto Caeiro é uma obra que parece impossível de formar, de tantos caminhos que tomou ao longo de mais de quinze anos de trabalho. São quase uma centena de páginas. Porém, por volta de 1929, Reis conseguiu disciplinar-se e escrever um prefácio de apenas duas folhas. Fluxo e contração são os movimentos peristálticos dessa máquina orgânica, que se revelam com maior clareza na prosa.


Resenhando.com - Pessoa dizia que “toda a arte é uma forma de literatura”. O que a prosa de Reis - menos conhecida do que as odes - revela sobre sua visão de mundo e sua relação com o próprio Pessoa?
Jorge Uribe Reis é, entre outras coisas, um dispositivo de desabafo emotivo por meio da técnica. A escrita regrada e a prosódia herdada são os prazeres do estilista virtuoso. Reis traz para Pessoa a liberação da autodeterminação, da regra autoimposta. Por outro lado, a prosa é uma ensaística da possibilidade. Pessoa permite-se jogar com ideias que também lhe pareciam descabeladas, como o apoio à Alemanha na Grande Guerra, ser monárquico mas anticatólico, e o desejo de ter nascido em outra época que não a que lhe coube viver.


Resenhando.com - Ao ler Ricardo Reis hoje, em 2025, o que ainda nos fala? Em um tempo tão convulsionado e impaciente, que lição ética ou estética se pode tirar da serenidade pagã e do ceticismo de Reis?
Jorge Uribe Não sei se por influência de Reis, mas penso que nem sempre se podem tirar boas lições da literatura. Contudo, gosto da sua convicção acerca do caráter lúdico da vida, um jogo em que se pode experimentar o gesto não automatizado, a resposta imprevisível, que também é libertadora: “Tudo o que é serio pouco nos importe, / O grave pouco pese, / O natural impulso dos instinctos / Que ceda ao inutil goso / (Sob a sombra tranquila do arvoredo) / De jogar um bom jogo.”


Resenhando.com - O livro encerra a trilogia da Coleção Pessoa, depois das obras completas de Caeiro e Campos. Que imagem do poeta - e do homem Fernando Pessoa - emerge dessa trilogia?
Jorge Uribe O que Fernando Pessoa escreveu não equivale a uma coleção de poemas e textos em prosa destinados a serem lidos separadamente. Como num anfiteatro de múltiplas entradas, todas convergem para o palco. Caeiro, Reis, Campos e ainda o próprio Pessoa ortônimo formam uma relação orgânica, um sistema vital de implicações mútuas, uma identidade autônoma e comunitária. Nenhum livro é uma ilha.


Resenhando.com - Ambos os organizadores têm trajetórias ligadas ao universo acadêmico e editorial, mas há também uma dimensão quase arqueológica em lidar com o espólio pessoano. O que mais fascina e o que mais exaure nesse trabalho de “abrir as arcas de Pessoa”?
Jorge Uribe O espólio é um jogo de espelhos. Nele, o pesquisador, que nada mais é do que um leitor entusiasmado que quer partilhar com outros aquilo que vê, encontra o reflexo do seu próprio empenho. Quanto mais empenho, mais se multiplica o salão, devolvendo imagens ora complacentes, ora temíveis. O cansaço provém, sobretudo, da dificuldade da transcrição, das lacunas e ilegíveis, que frequentemente criam uma relação tantalizante com a obra. Mas essa é também a indisponibilidade que mantém o fogo aceso.


Resenhando.com - Há uma certa ironia em lançar a obra completa de Ricardo Reis no Brasil - o país para onde ele teria se exilado. Essa coincidência tem para vocês algum sentido simbólico?
Jorge Uribe Não vejo ironia nisso. Reis volta à casa que não é sua casa, porque é um desterrado paradigmático. É possível que nunca tenha partido.


Resenhando.com - Se Ricardo Reis pudesse escrever uma ode sobre este lançamento, o que ele diria?
Jorge Uribe Não sei bem. Como disse antes, Ricardo Reis reivindica para si o direito de ser imprevisível. Mas talvez fizesse uma ode parecida com esta: “De novo traz as aparentes novas / Flores o verão novo, e novamente / Verdesce a cor antiga / Nas folhas redivivas...”

.: #Literalistas: as leituras de Antonio Arruda e o rito mensal que ele faz


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com
Foto: divulgação

Escritor e roteirista, Antonio Arruda lê para reorganizar o mundo e para desorganizá-lo na mesma medida. Talvez por isso, ao citar a máxima do poeta e amigo Flávio Viegas Amoreira (“um poema por dia, um conto por semana, um romance por mês”), ele a transforme em pulsação vital. Autor do livro de contos "O Corte que Desafia a Lâmina", Arruda intercala ficções, filosofia e teoria literária, movendo-se, como ele próprio diz, “no centro da encruzilhada dos estilos, das linguagens, das literatitudes”. É desse lugar de fricção e fertilidade que compartilha as leituras que o acompanham neste momento, cada uma em diálogo direto com sua escrita, sua sensibilidade e as vozes femininas que o atravessam.

A primeira delas é “O Jardim das Oliveiras”, publicado pela Editora Record, de Adélia Prado, recém-finalizado. É também a obra da qual extrai o verso que funciona como chave de leitura e de afeto: “Me atrai o que no desespero é belo”. Arruda encontra no livro um território em que o divino e o mundano se interligam por zonas de dor, decomposição e luz - “verme entre brasas”. Para ele, trata-se de um livro em que “nada sobra, nada falta”, um espaço onde o corpo, a fé, a finitude e o Mistério se entrelaçam em poesia. Um tesouro revelado, como escreve o próprio.

Depois, ele retorna a “Conto Azul e Outros Contos”, publicado pela editora Nova Fronteira, de Marguerite Yourcenar, relido agora como parte do processo de escrita de seu novo livro de poemas. Há, segundo Arruda, três vozes femininas que se intercalam na obra - a mãe, a avó e a deusa -, e Yourcenar oferece a ele não apenas uma estética, mas uma lente. "Ainda que em prosa", afirma ele, "o feminino de Yourcenar emerge de forma poética e imagética, desestabilizando e revelando laços profundos entre mulheres reais, míticas e simbólicas".

Por fim, Arruda lê - e momentaneamente interrompe para manter o rito mensal - “quase todas sobrevivemos às mães”, publicado pela Editora 7 Letras, de Deborah Couto. Ainda assim, reconhece que, ao terminar este texto, voltará imediatamente ao romance. A obra, diz ele, é tecido de personagens intensas e cenas curtas que funcionam como pequenos socos no estômago. Ali, desejos, falências e complexidades humanas se insinuam mais nas entrelinhas do que no que é dito, “neste romance que pode ser lido num fôlego só”Compre o livro "O Corte que Desafia a Lâmina", de Antonio Arruda, neste link.

sábado, 22 de novembro de 2025

.: No musical "Titanique", Céline Dion assume o leme e vira furacão pop


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com
Foto: Caio Gallucci

Há algo deliciosamente profano em ver o mito do navio Titanic ser desmontado, reconfigurado e servido como um grande cabaré marítimo onde Céline Dion, diva absoluta do exagero emocional e dos hits românticos, transforma o naufrágio mais famoso do cinema em uma ópera pop de humor ácido, brilho extravagante e inteligência cênica. "Titanique - O Musical" zomba, com respeito, do clássico de James Cameron, para, paradoxalmente, homenageá-lo com mais amor do que reverência. 

Sob a direção lúcida e debochadamente precisa de Gustavo Barchilon, o espetáculo entende que o segredo do riso não está no pastelão gratuito, mas na consciência estética da própria precariedade. O exagero é método, o nonsense é linguagem e o camp é tratado como filosofia de palco. É besteirol? Sim. Mas do mais alto nível, como quem ri sabendo exatamente de onde vem a piada. Há glamour, deboche e genialidade.

No centro desse furacão pop está Alessandra Maestrini, simplesmente avassaladora como Céline Dion. Sua performance é um espetáculo dentro do espetáculo. Ela incorpora, ironiza e usa a potência vocal com precisão cirúrgica, sem jamais abandonar o timing cômico que a transforma em uma narradora tão divina quanto ridiculamente humana. Há elegância na caricatura dela, há humor sofisticado na diva que ela interpreta, e há classe até quando tudo parece desabar. É Céline Dion como você nunca viu e talvez como sempre imaginou, no fundo.

Ao seu lado, Giulia Nadruz constrói uma Rose que flutua entre a delicadeza romântica e uma ironia sutil absolutamente vital para o jogo cênico. A beleza delicada encontra na experiência brilhante do teatro musical uma camada extra de inteligência dramática. É uma Rose que sabe que está dentro de um delírio e se diverte com isso. Luis Lobianco, recém-saído da televisão como o controverso Freitas de "Vale Tudo", encontra nesse espetáculo outro campo fértil para o humor ferino. A Ruth de Lobianco é cruel, afetada e debochada na medida certa. Marcos Veras sustenta um Jack que talvez não seja o mais heroico, mas certamente é o mais autoconsciente. 

Musicalmente, "Titanique" passeia pelos grandes hits de Céline Dion com energia e irreverência - “My Heart Will Go On” está lá, em toda sua glória piegas e monumental - mas o espetáculo não se prende à nostalgia fácil. Pelo contrário: faz dela uma arma, uma piada, um gesto político queer que transforma o passado em festa, a tragédia em carnaval, o drama em delícia pop.

É impossível sair ileso. Não porque emociona apenas, mas porque desmonta a ideia de que o riso precisa ser raso. Aqui, rir é um ato sofisticado. É entender que a cultura pop também pensa, critica, ironiza e reinventa. O palco vira navio e nele o público se vê refletido na fome por exagero, por catarse, por um espetáculo que não pede desculpas por ser excessivo. "Titanique - O Musical" não afunda. Pelo contrário, ele boia, dança, desafia o iceberg do bom gosto conservador e transforma a tragédia em celebração. E se for para naufragar, que seja ao som de Céline Dion, com luzes, plumas e um público gargalhando em estado de puro êxtase.


"Titanique - O Musical" | Ficha técnica
Direção artística: Gustavo Barchilon 
Elenco: Alessandra Maestrini (Celine Dion), Marcos Veras (Jack), Giulia Nadruz (Rose), Luis Lobianco (Ruth - mãe da Rose), George Sauma (Carl), Wendell Bendelack (Victor Garber), Valéria Barcellos (Tina Turner), Talita Real (Molly Brown), Matheus Ribeiro (Marinheiro), Luiza Lapa, Marcos Lanza e Luan Carvalho.
Direção artística: Gustavo Barchilon
Direção de produção: Thiago Hofman
Direção musical | Arranjo | Orquestração: Thiago Gimenes 
Desenho de luz: Maneco Quinderé
Direção de movimento: Alonso Barros
Figurino: Theo Cochrane
Cenografia: Natália Lana
Visagismo: Feliciano San Roman
Design de som: João Baracho
Assistentes de direção: Talita Real e Gabi Camisotti

"Titanique - O Musical" | Serviço
Local: Teatro Sabesp Frei Caneca - Shopping Frei Caneca
Endereço: Rua Frei Caneca, nº 569 • 7° Piso I Consolação • São Paulo • SP
Temporada: 11 de outubro a 14 de dezembro de 2025
Sessões: Sábados às 17h e 20h e Domingos às 15h e 18h 
Duração: 110 minutos
Capacidade: 600 pessoas
Classificação indicativa: 12 anos 

Bilheteria do Teatro Sabesp Frei Caneca • Sem incidência de Taxa de Serviço
7º Piso do Shopping Frei Caneca
Rua Frei Caneca, nº 569 • 7° Piso I Consolação • São Paulo • SP
Horário de funcionamento: terça-feira a domingo, das 12h00 às 15h00, e das 16h00 às 19h00, e segunda-feira bilheteria fechada.

.: “Beetlejuice”: musical reafirma pacto com absurdo e encontra nova pulsação


Por 
Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com

Se existe algo mais perigoso do que invocar Beetlejuice três vezes, é subestimar o poder de um elenco que entende o caos como linguagem e o grotesco como celebração. Na nova temporada paulistana, em cartaz até 30 de novembro no Teatro Liberdade, “Beetlejuice - O Musical” não apenas confirma o status de fenômeno premiado. O espetáculo se reinventa no detalhe, na troca de energia, no risco calculado de quem sabe que a morte - quando bem encenada - é uma forma superior de estar vivo.

Os críticos do portal Resenhando.com assistiram ao espetáculo com Fabrizio Gorziza, substituto de Eduardo Sterblitch, e o que poderia ser uma simples alternância transforma-se em afirmação artística. O Beetlejuice de Gorziza é menos caricatura e mais veneno cênico elegante: há um brilho perverso no olhar, um domínio vocal seguro e um timing cômico que beira o insolente. E ele não entra tímido nesse universo: chega como um mestre de cerimônias do além, confortável em sua irreverência e perigosamente magnético. Em cena, não sobra espaço vazio - tudo vibra sob a presença desse artista que sempre é outro a cada novo personagem.

E quando o espetáculo poderia se perder em sua própria grandiloquência visual, surge Pâmela Rossini como Lydia Deetz para lembrar que carisma não se fabrica, mas se sustenta. Com a bagagem de quem já foi Wandinha e Elphaba em musicais anteriores, Rossini imprime à personagem uma densidade rara: é gótica, sim, e nunca rasa. A voz dela é um acontecimento à parte - forte, expressiva, tecnicamente impecável - e a atuação dessa atriz cria um contraste delicioso entre melancolia e ironia. Lydia, nas mãos dela, é uma adolescente em luto que zomba da própria sombra. E brilha. Sempre.

Ivan Parente, como o fantasma Adam Maitland, é daqueles acertos que arrancam risos e aplausos sem esforço... aparente. Está impagável e lírico neste personagem. Há uma comicidade fina na composição dele, mas também um cuidado afetuoso que humaniza o absurdo de um homem que acabou de morrer e precisa assombrar a casa para afastar novos moradores. O talento dele irrompe em cena com naturalidade, como quem compreende que o humor mais inteligente não grita: seduz.

É importante sublinhar: “Beetlejuice - O Musical” não é um espetáculo para crianças. O texto brinca com duplos sentidos, palavrões e humor ácido - ainda bem. A obra respeita a própria inteligência e confia no espectador. Não higieniza o riso, não suaviza o grotesco, não pede desculpas pela ousadia. Pelo contrário: celebra e faz dela um manifesto festivo sobre a precariedade humana, sobre rir da morte para insistir na vida.

A direção de Tadeu Aguiar mantém a engrenagem afinada entre espetáculo visual e emoção sincera. Cenários, figurinos, luz entre o roxo e o verde e coreografias operam como um organismo pulsante que envolve a plateia numa estética de Tim Burton, que consagrou o personagem em duas produçoes cinematográficas, e não se limita à nostalgia: atualiza, provoca e expande. "Beetlejuice - O Musical” é sombrio, divertido, debochado e tecnicamente irrepreensível. Uma espécie de lembrete torto de que o teatro, quando se permite ser estranho, também se torna lendário. E que, às vezes, os mortos são muito mais interessantes do que os vivos.

Serviço
"Beetlejuice - O Musical"
Teatro Liberdade | Rua São Joaquim, 129 - Liberdade / São Paulo
Temporada: até dia 30 de novembro

Sessões
Quarta a sexta-feira, às 20h00 | Sábado, às 16h00 e às 21h00 | Domingo, às 16h00 às e às 20h30
*O elenco pode sofrer alterações sem prévio aviso.
Duração: 2h30m (com intervalo de 15m)
Classificação: 14 anos

Valores
Plateia Premium: R$350,00 (Inteira)  R$175,00 (Meia-entrada)
Plateia R$280,00 (Inteira)  R$140,00 (Meia-entrada)
Balcão A Visão Parcial: R$170,00 (Inteira)  R$85,00 (Meia-entrada)
Balcão A: R$240,00 (Inteira)  R$120,00 (Meia-entrada)
Balcão B : R$190,00 (Inteira)  R$95,00 (Meia-entrada)
Ingresso Popular*: R$42,36 (Inteira)  R$21,18 (Meia-entrada)
*Os ingressos populares são válidos em todos os setores, sujeito à disponibilidade

Vendas:
Internet (com taxa de conveniência): https://www.sympla.com.br/
Funcionamento de bilheteria física (sem taxa de conveniência)
Atendimento presencial: de terça à sábado das 13h00 às 19h00. Domingos e feriados apenas em dias de espetáculos até o início da apresentação.
Formas de pagamento: dinheiro, cartão de débito ou crédito.

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