.: Crítica: "Homem-Aranha: Um Novo Dia" é "absolute cinema" dos heróis

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora do Resenhando.com

Em julho de 2026

Sozinho e esquecido por aqueles que amava, o amigo da vizinhança agora vive no último andar de um prédio, antes em condições bastante precárias e transformado por Peter Parker (Tom Holland, "A Odisseia") num lar doce lar. Sem cursar uma graduação, ele trabalha em conjunto com a polícia combatendo o crime em Nova York. Em "Homem-Aranha: Um Novo Dia", lidando também conta o luto da tia May (Marissa Tomei) e a ausência dos amigos, o Teioso passa pelo processo de amadurecimento (aliado ao da mutação) diante dos olhos do público.

Sendo reconhecido pelo público como herói, o escalador de paredes acompanha à distância o sucesso escolar de Michelle Jones-Watson (Zendaya, "O Drama") e Ned Leeds (Jacob Batalon, "Novocaine: À Prova da Dor"). Com o retorno da dupla para a Grande Maçã, Peter faz uma visita que o deixa magoado e com a certeza de que o feitiço do Doutor Estranho não foi quebrado.

Contudo, o Cabeça de Teia esbarra num implacável ser repleto de vilanias capaz de entrar na mente de múltiplos indivíduos e superar a vontade de cada um. Até mesmo o clássico inimigo do Homem-Aranha, o Escorpião, acaba sendo manipulado. Mesmo com a mente ágil e o sentido aranha, o Miranha que não tem poder de impedir tamanha invasão, em "Homem-Aranha: Um Novo Dia" repele a telepatia da ainda iniciante Jean Grey (Sadie Sink, "Stranger Things" e "A Baleia").

Em meio as situações hilárias da categoria que só o Miranha é capaz de entregar, o ágil e repleto de ação "Homem-Aranha: Um Novo Dia" reserva uma boa e bem trabalhada dose de drama (provocando até lágrimas). Não somente por conta da solidão de Peter Parker, mas por ele enfrentar além dos poderosos vilões (até o Hulk aparece na sua essência, externando o seu lado ameaçador e bem distante de um integrante de "Os Vingadores"), a árdua passagem para uma nova etapa da vida sem tropeçar no desejo de vingança. 

O longa de 2 horas e 25 minutos de duração, com cena pós-créditos (que indicam a presença de uma variante do Homem-Aranha ou uma ponte para os próximos filmes dos Vingadores, no caso, "Guerras Secretas") entrega tudo, além de confrontos de "absolute cinema" dos filmes de heróis. Não só do Hulk, mas a sequência com os ninjas que é de deixar qualquer um boquiaberto. Perfeita, inclusivo nas cores na telona. Redondinho e sem deixar pontas soltas, mesmo com a grande responsabilidade por vir após o emocionante e marcante encontro dos três Miranhas, "Homem-Aranha: Um Novo Dia" consegue ser estupendo. Filmaço imperdível!

"Homem-Aranha: Um Novo Dia". (Spider-Man: Brand New Day). Diretor: Destin Daniel Cretton. Roteiro: Chris McKenna e Erik Sommers. Gênero: Ação, Aventura e Ação. Duração: 145 minutos (2h 25min). Elenco principal: Tom Holland (Peter Parker/Homem-Aranha), Zendaya, Jon Bernthal e Sadie Sink. Trilha Sonora: Ludwig Göransson. Sinopse: Após o mundo ter esquecido seu nome, Peter Parker inicia um novo capítulo em sua vida, conciliando as aulas da faculdade, um trabalho de meio período e sua responsabilidade como o Homem-Aranha. Mas quando uma força misteriosa começa a desmantelar a cidade de dentro para fora, Peter se vê preso entre inimigos poderosos, legados antigos e aliados inesperados.

Trailer de "Homem-Aranha: Um Novo Dia"

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.: "Era Uma Vez Minha 1ª Vez": adaptação do livro de Thalita Rebouças no cinema

A produtora e distribuidora Na Paralela Filmes divulgou o cartaz e o trailer oficial do longa “Era Uma Vez Minha 1ª Vez”, filme baseado no livro homônimo da autora Thalita Rebouças. Estrelado por Castorine, Duda Matte, Letícia Braga e Lívia Silva, o filme chega aos cinemas no dia 17 de setembro. O título tem produção e distribuição da Na Paralela Filmes, codistribuição da A Fábrica com parceria de RioFilme, órgão que integra a Secretaria de Cultura da Prefeitura do Rio, coprodução da Warner Bros. Pictures e RioFilme, e investimento do BRDE, através do Fundo Setorial do Audiovisual e Ancine.

Com direção de Claudia Castro e roteiro de Thalita Rebouças e João Paulo Horta, o longa é uma adaptação para os cinemas do livro homônimo da escritora que aborda, de forma leve, madura e descomplicada, as descobertas e os ritos de passagem da juventude. Na trama, as amigas Teresa, Clara, Tuca e Patty vão descobrir juntas que o despertar da sexualidade acontece de forma única para cada uma. O filme traz uma narrativa sensível sobre expectativa, amizade e o limite entre pressa e descoberta. 

Longe de ser um manual didático, a história adota o tom característico que consagrou as obras de Thalita Rebouças: uma abordagem sensível, leve e extremamente bem-humorada sobre o cotidiano jovem, livre de tabus e focada no poder da amizade feminina. Além do quarteto principal, o elenco também traz Cauã Martins, Caian Zattar, Cintia Rosa, Pedro Ogata, JP Rufino e Duda Pimenta. Compre o livro "Era Uma Vez Minha Primeira Vez", que inspirou o filme, neste link.

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.: "100 Dias": desafios e escolhas por trás da adaptação do livro de Amyr Klink

Filipe Bragança como Amyr Klink em “100 Dias”. Foto: Fabio Braga/ Pivô Audiovisual

Como transformar um relato autobiográfico em uma experiência cinematográfica sem perder a sua essência? Essa foi a principal reflexão que guiou o painel “100 Dias - Entre o Livro e o Filme: Os Caminhos para Transformar um Clássico da Literatura Brasileira em Experiência Cinematográfica”, realizado na última quinta-feira, dia 23 de julho, durante a 24ª Flip - Festa Literária Internacional de Paraty. Com mediação de Marcelo Tas, o encontro reuniu o navegador e escritor Amyr Klink, o diretor Carlos Saldanha, as roteiristas Elena Soarez e Thais Tavares para conversar sobre os caminhos percorridos na adaptação cinematográfica de "Cem Dias Entre Céu e Mar", livro que inspirou o longa-metragem "100 Dias". Ao final do painel, o ator Filipe Bragança, que interpreta o navegador no filme, fez uma participação para contar a experiência de interpretar uma lenda viva da navegação mundial.

Ao longo de uma hora de debate, diante de uma plateia lotada, a conversa se afastou das histórias já conhecidas da travessia do Atlântico realizada por Amyr, em 1984, para mergulhar nos bastidores da construção narrativa do filme — incluindo histórias curiosas que arrancaram risadas do público. Entre os temas abordados estiveram as escolhas feitas durante o processo de adaptação, os elementos do livro preservados na versão para o cinema e as transformações necessárias para a linguagem audiovisual.

Apesar dos desafios, Thais Tavares destacou a confiança que Amyr depositou na equipe desde o início do projeto. “Na nossa primeira reunião com o Amyr, conversamos que teríamos que adaptar algumas partes da história. Ele respondeu: ‘O barco é meu filho, o filme é filho de vocês. Então fiquem à vontade’. Ele deu total liberdade para que encontrássemos a melhor forma de contar essa história no cinema”, relembrou a roteirista. Mesmo com as adaptações necessárias, Amyr ressaltou o cuidado da equipe em preservar a essência da obra e das pessoas que fizeram parte de sua trajetória.

“Desde a caracterização dos personagens, como o Fúria e a Philippine, que está impressionantemente parecida com a minha mãe, até o sotaque. Houve um cuidado e uma sensibilidade por parte da produção e de todos os envolvidos para construir essa história emocionante”, afirmou o navegador. Já Carlos Saldanha comentou sobre o desafio de traduzir para as telas o aspecto mais subjetivo da travessia.

“Um dos maiores desafios da adaptação de 100 Dias Entre Céu e Mar foi traduzir para o cinema a poesia dessa jornada, indo além dos aspectos técnicos da travessia. Buscamos construir uma narrativa visual que refletisse a conexão do Amyr com o mar, os animais e a natureza ao seu redor, para transmitir ao público as sensações e reflexões que o livro desperta”, destacou o diretor. Na reta final do encontro, Filipe Bragança falou sobre a importância da obra em sua preparação para interpretar Amyr Klink, revelando que o livro se tornou um de seus favoritos durante o processo.

“Ao conhecer mais sobre o temperamento dele, seu senso de humor, seus medos, suas angústias e a forma como viveu essa travessia internamente, consegui me aproximar ainda mais da sua história. O livro foi um grande companheiro durante a preparação e me ajudou a compreender melhor um personagem tão complexo e inspirador”, contou o ator. Ao privilegiar a literatura como ponto de partida da conversa, o painel reforçou como "100 Dias" nasce do encontro entre diferentes formas de contar histórias. Mais do que reconstituir uma travessia histórica, o filme propõe uma nova leitura de uma obra que inspira leitores brasileiros há mais de quatro décadas, agora apresentada sob a perspectiva do cinema.

Dirigido por Carlos Saldanha, "100 Dias" estreia nos cinemas brasileiros em 29 de outubro e é inspirado em "Cem Dias Entre Céu e o Mar", clássico de Amyr Klink que narra a travessia solitária do Oceano Atlântico realizada pelo navegador em um barco a remo. No filme, sozinho em um pequeno barco desenhado por ele próprio, Amyr Klink desafia o Atlântico Sul a remo e escreve uma história inédita na navegação mundial. Dirigido por Carlos Saldanha e escrito por Elena Soarez e Thais Tavares, "100 Dias" conta a travessia entre a África e o Brasil se transforma em uma batalha contra o medo, a solidão e os próprios demônios. Enquanto o corpo resiste ao mar, a mente enfrenta memórias, conflitos familiares e escolhas que moldam quem ele é. Mais do que cruzar um oceano, Amyr precisa atravessar a si mesmo. 

Dirigido por Carlos Saldanha e estrelado por Filipe Bragança, o longa transforma uma das maiores aventuras da navegação mundial em uma experiência cinematográfica de grande escala. O elenco reúne a atriz francesa Philippine Leroy-Beaulieu ("Emily em Paris") no papel de Asa Klink, mãe do navegador, além de Felipe Camargo ("Além do Tempo") como Jamil Klink e João Vitor Silva (‘Impuros’) interpretando Tymur Klink, pai e irmão de Amyr, respectivamente.  O longa-metragem é produzido por Paula Cosenza, Justine Otondo e João Queiroz, pelo diretor e pelos produtores Denise Machado, Giuliano Cedroni e Marco Anton. O filme ainda reúne profissionais de destaque do audiovisual brasileiro e internacional, incluindo Rodrigo Monte (ABC) na direção de fotografia, Cassio Amarante (ABC) na direção de arte, Marcela Altberg na direção de elenco, Kika Lopes no figurino e Fernando Stutz na montagem. A trilha sonora original é assinada pelo compositor finlandês Tuomas Kantelinen.

O projeto é uma produção do Ventre Studio, com coprodução da Buena Vista International, Boipeba Filmes, Trema Filmes, O2 Filmes e Total Post em associação com Good Hand Film & TV. A distribuição é da Buena Vista International, selo da The Walt Disney Company. 100 DIAS’ foi produzido com recursos públicos geridos pela Agência Nacional do Cinema (ANCINE), além de apoio do Ministério da Cultura e do Governo do Estado de São Paulo, por meio da Lei Paulo Gustavo. A produção conta ainda com patrocínio de Havaianas, Itaú, C6 Bank, BNDES e Honda, além de apoio da Estapar, Nutrimental, RioFilme, Business Finland e Film Tampere Finland. Compre o livro "Cem Dias Entre Céu e Mar", de Amyr Klink, que inpirou o filme "100 Dias", neste link.

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.: “Infantaria” revela violência doméstica em narrativa densa e inquieta

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

O filme “Infantaria” chega à plataforma de streaming Reserva Imovision dentro da Mostra Pequenas Jornadas - Curtas-Metragens, apostando na potência do formato curto para lidar com temas espinhosos. Dirigido e escrito por Laís Santos Araújo, o curta coloca uma festa de aniversário no centro de um território instável: uma casa sem pai, desejos que se acumulam e uma presença inesperada que bagunça qualquer ideia de controle.

Joana, que completa dez anos, quer menstruar logo. O irmão, Dudu, deseja a volta do pai militar. A adolescente Verbena aparece sem convite e, a partir daí, o clima muda completamente. O que parecia rito de passagem vira algo pesado. A diretora conduz esse encontro com olhar atento para o feminino e para a violência que ronda relações familiares marcadas por ausências e autoridades mal-resolvidas.

No elenco, Ane Oliva se destaca ao lado de Ana Luiza Ferreira Santos, Karolayne Raissa e Francisco Nunes. A câmera de Wilssa Esser captura um Brasil úmido e denso, em que o ambiente participa ativamente da narrativa. A montagem, assinada pela própria diretora, sustenta o desconforto sem recorrer a atalhos, enquanto o desenho de som de Leo Bulhões amplia a tensão.

O curta não passou despercebido no circuito de festivais. Em Alagoas, virou protagonista na Mostra Sururu de Cinema ao conquistar sete prêmios, incluindo Melhor Filme pelo júri oficial e popular, além de reconhecimento técnico e de atuação . Também circulou por eventos como o Cine Ceará, onde rendeu à diretora o Troféu Mucuripe, e garantiu espaço em debates sobre o cinema feito fora do eixo tradicional.

Há um dado que chama atenção: Laís Santos Araújo já vinha acumulando trajetória consistente antes de “Infantaria”. Foi a primeira mulher em Alagoas a vencer um edital de longa-metragem no estado e teve projetos reconhecidos internacionalmente, como o roteiro de “Marina”, que passou por laboratórios e fundos estrangeiros . Esse percurso se reflete na segurança com que ela articula imagens, corpos e conflitos.

Filmado na Barra de São Miguel e finalizado em Maceió, o curta carrega o peso e a beleza de um cinema regional que não se limita ao rótulo. A produção contou com apoio da Lei Aldir Blanc, reforçando o impacto de políticas públicas no fortalecimento do audiovisual local. Em 24 minutos, “Infantaria” não resolve tudo, mas prefere provocar, deixar marcas e sair de cena com ecos difíceis de ignorar.

Ficha técnica

“Infantaria” (título original) 

Gênero: curta-metragem, drama. Duração: 24 minutos. Classificação indicativa: 12 anos. Ano de produção: 2022. Idioma: português. Direção e roteiro: Laís Santos Araújo. Elenco: Ane Oliva, Ana Luiza Ferreira Santos, Karolayne Raissa, Francisco Nunes, José “Zé” Nunes, Renan Ferreira da Silva. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.

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.: Clássico “O Ferroviário” reencontra o público no Belas Artes à La Carte

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“O Ferroviário” chega ao catálogo da plataforma de streaming Belas Artes À La Carte e recoloca em circulação um dos títulos mais marcantes da filmografia de Pietro Germi. Lançado em 1956, em plena ressaca do pós-guerra italiano, o filme acompanha a derrocada íntima de Andrea Marcocci, maquinista respeitado que vê sua estabilidade ruir após um episódio traumático nos trilhos. A narrativa, conduzida pelo olhar do filho caçula, Sandro, observa de perto o desgaste de um homem que perde o chão no trabalho e em casa.

Germi dirige e interpreta o protagonista, gesto ainda incomum no cinema italiano da época. Ao lado de Luisa Della Noce e Sylva Koscina, ele constrói um retrato familiar áspero, atravessado por tensões econômicas, orgulho ferido e vínculos que se desgastam sob pressão. A escolha de um narrador infantil intensifica o impacto dramático: o que se vê não é apenas a queda de um pai, mas a formação de um olhar que tenta compreender o mundo adulto.

Embora dialogue com o neorrealismo, sobretudo na atenção à classe trabalhadora e aos ambientes reais, “O Ferroviário” assume um tom melodramático que o afasta do rigor seco de nomes como De Sica e Rossellini. As cenas filmadas em ferrovias italianas, com apoio de companhias do setor, reforçam a materialidade do cotidiano ferroviário, algo bastante elogiado à época. O filme concorreu à Palma de Ouro em Cannes e teve forte recepção popular, consolidando Germi como um dos diretores centrais do período, antes de migrar para as comédias mordazes que marcariam sua carreira nos anos 1960, como “Divórcio à Italiana”.

A história avança entre conflitos domésticos - o filho desempregado, a filha que engravida cedo, a relação delicada com a esposa - e a lenta corrosão de Andrea, que, afastado do trabalho, mergulha na bebida e na irritação constante. Ainda assim, o filme não se limita à ruína: há espaço para gestos de reconciliação, sobretudo na relação com Sandro, que observa, sofre e, por fim, reage.

Ficha técnica
“O Ferroviário” | “Il Ferroviere” (título original) 
Gênero: drama. Duração: 116 minutos. Classificação indicativa: 12 anos. Ano de produção: 1956. Idioma: Italiano. Direção: Pietro Germi. Roteiro: Pietro Germi, Alfredo Giannetti. Elenco: Pietro Germi, Luisa Della Noce, Sylva Koscina, Saro Urzì, Carlo Giuffrè, Renato Speziali, Edoardo Nevola.
Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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.: "Crimes do Coração" reúne estrelas e transforma reencontro familiar

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

Três irmãs, um tiro e um passado que não se comporta de jeito nenhum: “Crimes do Coração” chega ao catálogo da plataforma de streaming Belas Artes À La Carte com a energia imprevisível de um encontro familiar que começa mal e termina pior - ou melhor, dependendo do humor de quem assiste. Dirigido por Bruce Beresford e baseado na peça vencedora do Pulitzer de Beth Henley, que assina o roteiro, o filme equilibra ironia e dor com precisão, sem perder o gosto por personagens que falam demais quando deveriam se calar e riem quando o mundo desaba.

A história parte de um gesto extremo: Babe (Sissy Spacek) atira no próprio marido e volta para a casa das irmãs, no Mississippi. Lá, reencontra Lenny (Diane Keaton), que vive à sombra de frustrações silenciosas, e Meg (Jessica Lange), uma aspirante a cantora que retorna de Hollywood carregando derrotas mal resolvidas. Entre confissões atravessadas, memórias incômodas e episódios que beiram o absurdo, o trio expõe as feridas de uma família marcada por tragédias antigas - incluindo o suicídio da mãe, um evento que ainda reverbera nas três. 

Keaton, Lange e Spacek evitam qualquer disputa de protagonismo e constroem uma dinâmica de cumplicidade que sustenta o filme até nos momentos mais irregulares. Spacek venceu o Globo de Ouro e recebeu indicação ao Oscar, repetindo o feito de Tess Harper, indicada como coadjuvante. O roteiro também entrou na disputa da Academia, reforçando a força do texto original de Henley. Nos bastidores, a produção reuniu três atrizes em fases distintas da carreira, o que contribuiu para a tensão criativa em cena. Jessica Lange já era um nome consolidado, Diane Keaton buscava novos rumos após colaborações marcantes nos anos 1970, e Spacek vinha de uma sequência de papéis intensos. O resultado aparece na tela: um jogo de forças que nunca se acomoda. 

Durante as filmagens, Lange estava grávida, o que exigiu ajustes discretos na encenação. Lançado em 1986, o filme teve recepção crítica favorável, ainda que dividida quanto ao tom, que oscila entre a comédia ácida e o melodrama familiar. Há ecos do gótico sulista e de autores como Tennessee Williams, mas com um enquadramento feminino que desloca o eixo das histórias tradicionais. 

Ficha técnica
“Crimes do Coração” | “Crimes of the Heart” (título original)
Gênero: comédia dramática. Duração: 1h45. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 1986. Idioma: inglês. Direção: Bruce Beresford. Roteiro: Beth Henley. Elenco: Diane Keaton, Jessica Lange, Sissy Spacek, Sam Shepard, Tess Harper. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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.: Curta-metragem “Beijo de Sal” expõe amizade e implode certezas masculinas

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Beijo de Sal”, curta-metragem dirigido por Fellipe Barbosa, estreia na plataforma de streaming Reserva Imovision como parte da coleção “Pequenas Jornadas - Curtas-Metragens”, que reúne histórias breves e contundentes. Lançado originalmente em 2005, o filme circulou por festivais relevantes - venceu o Curta Cinema (Rio, 2006) e marcou presença em Gramado, Sundance e Clermont-Ferrand -, consolidando o nome do diretor ainda no início da carreira.

Ambientado em uma ilha isolada na Costa Verde do Rio de Janeiro, o filme acompanha Rogério (Rogério Trindade), um quarentão hedonista que vive entre festas e excessos. A rotina muda quando ele recebe o amigo Paulo (Domingos Alcântara), agora comprometido, acompanhado da nova parceira. O encontro, que deveria ser uma celebração de velhos tempos, vira campo de disputa. Rogério tenta resgatar o amigo para uma vida que já não cabe mais, enquanto a presença feminina tensiona uma relação marcada por dependência, ciúme e disputas de território.

O roteiro, assinado pelo próprio Fellipe Barbosa, investe em diálogos diretos e situações que flertam com o desconforto. A dinâmica entre os personagens escancara ambiguidades afetivas, sugerindo camadas que ultrapassam a amizade convencional. Em entrevistas à época, o diretor comentou que relações muito próximas podem carregar zonas de ambiguidade emocional, leitura que o filme sustenta sem didatismo. No elenco, além de Rogério Trindade e Domingos Alcântara, aparecem Suzana Pires, Pollyanna Simões, Mônica Bresser, Juliana Gonçalves, Eduardo Dargains e Bruno Mendes. O conjunto sustenta a atmosfera crua da narrativa, que não suaviza conflitos, nem busca conciliação.

A recepção crítica foi marcada por reações divididas. Parte do público destacou a ousadia temática e a execução técnica, enquanto outros apontaram incômodo com determinadas escolhas visuais - especialmente na cena final, pensada pelo diretor como metáfora de marcação de território. Ainda assim, o filme ganhou fôlego em revisões posteriores, sendo reconhecido pela construção de personagens e pela coragem em tratar de masculinidade, posse e desejo sem fazer nenhuma concessão. Com menos de 20 minutos, “Beijo de Sal” entrega um recorte intenso sobre amizade e transformação. 

“Beijo de Sal”
Gênero: drama, curta-metragem. Duração: 19 minutos. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 2005. Idioma: português. Direção e roteiro: Fellipe Barbosa. Elenco: Rogério Trindade, Domingos Alcântara, Suzana Pires, Pollyanna Simões, Mônica Bresser, Juliana Gonçalves, Eduardo Dargains, Bruno Mendes. Distribuição no Brasil: Reserva Imovision. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.

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.: “Jogo da Morte”: filme inacabado de Bruce Lee revela bastidores incômodos

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Jogo da Morte” chega à plataforma de streaming Reserva Imovision carregando um peso que poucos filmes sustentam: a ausência do próprio protagonista. Lançado em 1978, cinco anos após a morte de Bruce Lee, o longa-metragem dirigido por Robert Clouse foi remontado a partir de material incompleto, dublês e decisões que ainda hoje dividem fãs e críticos. Na trama, Billy Lo (Bruce Lee), astro do cinema de artes marciais, recusa a proteção - e o controle - de uma organização criminosa. A resposta vem em forma de atentados. Para sobreviver, ele simula a própria morte e retorna às sombras, disposto a desmontar o esquema por dentro. O enredo do filme, cujo título original é “Game of Death” e em Portugal se chama “O Último Combate de Bruce Lee”, vai direto ao ponto e serve de trilho para sequências de luta que alternam vigor e improviso técnico.

A produção carrega marcas visíveis de uma produção conturbada. Lee havia iniciado o projeto em 1972, com uma ideia mais ambiciosa: um percurso filosófico e físico por uma torre, enfrentando adversários em cada nível - conceito que ficou célebre na sequência final. Com a morte repentina do ator, vítima de edema cerebral em 1973, o projeto foi interrompido. Coube a Clouse - que já havia dirigido o astro em “Operação Dragão” - finalizar o material com um novo roteiro, incorporando dublês, cenas de arquivo e até imagens reais do funeral de Lee.

Essa costura irregular aparece em cena. Em vários momentos, o rosto do protagonista é ocultado ou recriado de forma rudimentar, enquanto o corpo pertence a outro intérprete. Ainda assim, quando Lee de fato surge - especialmente no confronto com o gigante Kareem Abdul-Jabbar - o filme ganha outra atmosfera. São minutos que lembram por que o nome dele marcou a história do cinema. 

Entre as curiosidades que cercam a produção, destaca-se o uso de mais de 30 minutos de material original filmado por Lee, além da participação de nomes próximos ao ator, como Dan Inosanto, seu colaborador nas coreografias. O icônico macacão amarelo com listras pretas, criado para o filme, se tornaria referência pop replicada em obras posteriores. Também chama atenção o fato de a versão final ter abandonado quase completamente a proposta filosófica original do artista, substituída por uma narrativa de vingança mais convencional. Há cortes bruscos, soluções apressadas e escolhas discutíveis. Ainda assim, resiste como documento de um projeto interrompido e de um artista que não chegou ao fim do próprio filme.

Ficha técnica
“Jogo da Morte” | “Game of Death” (título original) | “O Último Combate de Bruce Lee” (título em Portugal)
Gênero: ação / artes marciais. Duração: 94 minutos. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 1978. Idioma: inglês e cantonês. Direção e roteiro: Robert Clouse, Bruce Lee. Elenco: Bruce Lee, Colleen Camp, Robert Wall, Gig Young, Dean Jagger, Kareem Abdul-Jabbar. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.

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.: “Caçador de Assassinos”, o filme que antecipa Hannibal Lecter, retorna

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

O suspense “Caçador de Assassinos” chega ao catálogo da plataforma de streaming Belas Artes À La Carte  com o peso de um clássico que demorou a ser reconhecido. Dirigido e roteirizado por Michael Mann, o longa-metragem de 1986 - originalmente “Manhunter” e exibido em Portugal como “Caçada ao Amanhecer” - antecipa em anos a febre em torno de Hannibal Lecter ao adaptar “Dragão Vermelho”, romance de Thomas Harris.

Na trama, Will Graham (William Petersen) é um ex-agente do FBI que volta à ativa para caçar um serial killer conhecido como “Fada do Dente”. O retorno cobra caro: para entender o criminoso, Graham se aproxima perigosamente de sua lógica, enquanto revisita o trauma de ter capturado - e quase sido destruído por - o psiquiatra canibal Hannibal Lecktor, aqui vivido por Brian Cox em registro contido, distante do espetáculo que viria depois com Anthony Hopkins. Ao lado de Petersen, o elenco reúne Kim Greist, Joan Allen e Dennis Farina, com Tom Noonan compondo um assassino perturbador sem recorrer a caricaturas.

Filmado com rigor estético e obsessão por luzes frias, arquitetura limpa e trilha eletrônica, o filme cristaliza a assinatura visual de Mann nos anos 1980. A fotografia investe em azuis e neons para espelhar o estado mental dos personagens, enquanto o ritmo aposta na construção de tensão. A recepção inicial foi morna e o desempenho comercial, aquém do esperado - arrecadou cerca de US$ 8,6 milhões nos Estados Unidos -, mas o tempo reposicionou o filme: hoje, ocupa o posto de cult e é frequentemente citado como um dos thrillers mais influentes do período.

Há detalhes de bastidores que ampliam a experiência. Tom Noonan evitava contato com o restante do elenco para preservar o desconforto em cena, decisão apoiada por Mann. Joan Allen passou por treinamento com pessoas cegas para construir Reba com precisão. E a mudança de “Lecter” para “Lecktor” no filme buscou evitar associação com um título anterior pouco conhecido. Curiosamente, a produção também trocou o nome do livro na tela, “Dragão Vermelho”, após o fracasso de “O Ano do Dragão”, temendo rejeição do público ao termo. Décadas depois, “Caçador de Assassinos” permanece como um estudo seco sobre obsessão e método, mais interessado na mente do investigador do que no espetáculo do monstro. 

Ficha técnica

“Caçador de Assassinos” | “Manhunter” (título original) | “Caçada ao Amanhecer” (título em Portugal)
Gênero: policial, suspense. Duração: 1h58. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 1986. Data de lançamento: 15 de agosto de 1986 (EUA). Idioma: Inglês. Direção: Michael Mann. Roteiro: Michael Mann (baseado em “Dragão Vermelho”, de Thomas Harris). Elenco: William Petersen, Kim Greist, Joan Allen, Brian Cox, Dennis Farina, Tom Noonan, Stephen Lang. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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A equipe do portal Resenhando.com acompanha parte da cobertura cinematográfica por meio da Belas Artes À La Carte, plataforma brasileira dedicada ao cinema de arte, clássicos e produções premiadas de diferentes países. Criado pelo grupo responsável pelo tradicional cinema Belas Artes, em São Paulo, em parceria com a Pandora Filmes, o serviço reúne um catálogo com curadoria especializada, incluindo obras raras, títulos restaurados e destaques de festivais internacionais. Para acessar o catálogo completo, conferir os lançamentos semanais e realizar a assinatura, basta acessar o site ou aplicativo da plataforma. Os planos têm valores acessíveis, com opção mensal e anual, além de locação avulsa para títulos específicos. Você pode assinar o Belas Artes À La Carte neste link.

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.: Filme “Judas” encara a religião e reabre feridas históricas em Jerusalém

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

“Judas” estreia plataforma de streaming Belas Artes À La Carte  e mergulha em debates que passam pela fé, política e desejo sem perder o pulso dramático. Dirigido por Dan Wolman, veterano do cinema israelense, o longa-metragem adapta o romance homônimo de Amos Oz, lançado em mais de 30 países e frequentemente lembrado em apostas para o Prêmio Nobel de Literatura. A narrativa se passa em Jerusalém, no inverno de 1959, quando a cidade ainda carregava as marcas recentes da divisão pós-1948.

No centro da história está Shmuel Ash (Yuval Livni), um estudante que abandona a universidade após o colapso financeiro do pai e aceita trabalhar como acompanhante de Gershom Wald (Doron Tavori), um intelectual idoso, debilitado e ávido por conversa. A rotina da casa gira em torno de longas discussões sobre religião e história, especialmente a figura de Jesus e o papel de Judas Iscariotes - tema da tese inacabada de Shmuel. É nesse ambiente carregado de ideias que surge Atalia (Einav Markel), nora viúva de Wald, presença enigmática que desloca o jovem protagonista para um território afetivo tão instável quanto as convicções dele.

A adaptação de um livro conhecido pela densidade filosófica exigiu escolhas radicais de roteiro. Shoshi Wolman opta por preservar o embate verbal como motor dramático, sustentando a tensão em diálogos que questionam versões consolidadas da história. A hipótese de Shmuel - a de que Judas teria sido o mais fiel dos apóstolos - amplia o olhar ao tocar nas origens do conflito judaico-árabe e nas raízes do antissemitismo, sem transformar o debate em discurso didático.

Dan Wolman realizou “Judas” já octogenário, reafirmando uma carreira de décadas e festivais como Cannes, Veneza e Berlim. O filme foi selecionado para eventos como o Festival Internacional de Cinema de Haifa e o Festival de Cinema Judaico de Paris, consolidando sua circulação internacional. Há também um gesto de retorno: décadas antes, o diretor já havia levado ao cinema outra obra de Amos Oz, “Meu Michael”, reforçando um diálogo persistente com o escritor. O resultado é um drama que prefere o confronto de ideias à ação física, sem abrir mão de intensidade.

Ficha técnica

“Judas” | “Judas” (título original)

Gênero: drama. Duração: 84 minutos. Classificação indicativa: 14 anos. Ano de produção: 2022. Idioma: hebraico. Direção: Dan Wolman. Roteiro: Shoshi Wolman, baseado no romance de Amos Oz. Elenco: Yuval Livni, Doron Tavori, Einav Markel. Distribuição no Brasil: Belas Artes à La Carte. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Belas Artes À La Carte.

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.: Crítica: "A Odisseia" é "absolute cinema" com epopeia clássica

Por: Mary Ellen Farias dos Santos, editora do Resenhando.com

Em julho de 2026

A história das histórias da literatura ocidental em uma produção impecável de grudar os olhos do público na telona, do início ao fim. Eis "A Odisseia" dirigida e roteirizada por Christopher Nolan (Dunkirk), quem entrega uma adaptação épica do poema, a epopeia clássica atribuída a Homero. Assim, a nova produção torna-se totalmente indispensável a ponto de ser necessário assistir ao espetáculo numa grande sala de cinema, não somente pela imagem gigantesca e as belas panorâmicas, mas por apresentar conteúdo e, por vezes, ditar o ritmo tal qual o poema.

Em cartaz nos cinemas, a produção que soma 2 horas e 53 minutos de literatura visual de narrativa não-linear é puro deleite. Não somente pelo elenco estelar (e nitidamente muito bem escalado) que inclui Matt Damon (Air: A História por Trás do Logo) na pele do protagonista Odisseu, Anne Hathaway (Instinto Materno) como a fiel esposa que tece a mortalha interminável para a escolha de um novo pretendente, além de Tom Holland (Telêmaco), Robert Pattinson (Antínoo), Lupita Nyong'o (Helena de Troia), Zendaya (deusa Athena) e outros (todos com tempo de tela proveitosos), mas pela entrega final de tamanha epopeia que é tal qual o meme atual muito usado: "Absolute Cinema".

A grandiosidade do poema que narra feitos heroicos, intervenções divinas e aventuras extraordinárias por meio de uma linguagem colossal se faz presente no longa de edição ágil, roteiro extremamente amarradinho e trilha sonora de arrepiar. Em meio a idas e vindas na narrativa, acompanha-se as aventuras do herói grego Odisseu (Matt Damon) e sua trajetória enfrentando monstros e a fúria de deuses como Poseidon ao regressar para casa após a Guerra de Troia, para reencontrar a esposa Penélope e o filho Telêmaco que resistem bravamente a pretendentes ao trono.

Acompanhar cada etapa da façanha mais extraordinária da literatura universal, seja das aventuras de Odisseu, esbarrando no gigante ciclope Polifemo, filho de Poseidon, na poderosa deusa e feiticeira da ilha de Eeia, Circe (Samantha Morton, de "A Baleia"), ouvir o canto das sereias, ser aprisionado por Calipso (Charlize Theron, de "O Escândalo"), a ninfa da ilha de Ogígia, assim como a luta de Penélope e Telêmaco em protegerem Ítaca de modo inteligente é um entretenimento totalmente empolgante. Tudo é como uma aula ilustrada na mais alta categoria. Com uma fotografia de encher os olhos, "A Odisseia" é sem dúvida um filme que marcará presença no Oscar 2027 e tem tudo para levar o prêmio em importantes categorias. Imperdível!

A Odisseia. (The Odyssey). Diretor: Christopher Nolan. Roteiro: Christopher Nolan. Gênero: Épico, Aventura e Ação. Duração: 172 minutos (2h e 52min). Elenco principal: Matt Damon (Odisseu), Anne Hathaway (Penélope) e Tom Holland (Telêmaco). Trilha Sonora: Ludwig Göransson. Sinopse: Odisseu, rei de Ítaca, embarca em uma jornada para retornar para casa após a Guerra de Troia.

Trailer de "A Odisseia"

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.: Julio Medem reconstrói a história e coloca açúcar em “8 Décadas de Amor”

Por Helder Moraes Miranda, jornalista e crítico de cultura, especial para o portal Resenhando.com.

A trajetória de um amor que insiste em sobreviver ao tempo e às agruras de um país move “8 Décadas de Amor”, novo longa de Julio Medem que chega à plataforma de streaming Reserva Imovision. Conhecido por obras como “Lúcia e o Sexo” e “Os Amantes do Círculo Polar”, o cineasta espanhol constrói uma narrativa guiada por coincidências, circularidade e afetos em permanente tensão. Protagonizado por Javier Rey e Ana Rujas, o filme acompanha Octavio e Adela, nascidos em 14 de abril de 1931, marco da proclamação da Segunda República Espanhola.

Embora compartilhem origem temporal e geográfica, pertencem a universos sociais opostos. Ele cresce em um ambiente privilegiado; ela, em uma realidade marcada pela escassez. Ao longo de oito décadas, seus caminhos se cruzam em encontros intensos e desencontros que deixam marcas, enquanto a Espanha atravessa guerra civil, ditadura e redemocratização. Dividido em oito episódios, muitos deles encenados em planos-sequência, o longa-metragem percorre quase um século de história europeia sem abandonar o eixo íntimo dos personagens. A direção de fotografia de Rafael Reparaz aposta em variações de cor e textura para situar cada período, enquanto a trilha de Lucas Vidal sublinha o tom romântico que sustenta a narrativa. No elenco de apoio, nomes como Álvaro Morte, Tamar Novas e Carla Díaz ampliam o mosaico de relações que orbitam o casal central.

Premiado pelo público no Festival de Málaga, “8 Décadas de Amor” revela a ambição de Medem em articular história coletiva e experiência privada. Em entrevistas à imprensa europeia, o diretor destacou o desejo de abordar temas como polarização social, memória e transformação do papel feminino ao longo do século XX. A estrutura fragmentada, com saltos temporais, ecoa essa intenção ao transformar o romance em espécie de fio condutor para atravessar diferentes momentos históricos.

Há também um componente simbólico evidente na repetição do número oito, que organiza a narrativa e sugere ciclos, retornos e permanências. Essa escolha dialoga com a filmografia do diretor, frequentemente interessada em destinos que se cruzam de forma quase inevitável. Ao mesmo tempo, a dimensão histórica ganha peso ao inserir os personagens em eventos que moldaram a identidade espanhola contemporânea. Com 2h06 de duração, o longa aposta em um ritmo contemplativo, sustentado por reencontros que carregam tanto desejo quanto frustração. Entre escolhas pessoais e imposições externas, Octavio e Adela seguem caminhos distintos - inclusive ao lado de outros parceiros -, mas mantêm um vínculo que resiste às rupturas.

Ficha técnica
“8 Décadas de Amor” | “8” (Título original)
Gênero: drama, romance. Duração: 126 minutos. Classificação indicativa: 16 anos. Ano de produção: 2025. Data de lançamento: 11 de junho de 2026. Idioma: espanhol. Direção e roteiro: Julio Medem. Elenco: Javier Rey, Ana Rujas, Álvaro Morte, Tamar Novas, Carla Díaz. Distribuição no Brasil: Imovision. Cenas pós-créditos: não. Assista na plataforma de streaming Reserva Imovision.

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